INSTITUCIÓN EDUCATIVA RURAL “LA INMACULADA CAUCHERAS”

MUTATÁ-ANTIOQUIA-COLOMBIA
NIT. 900.144.490-9 DANE:205480000341

Creada mediante Ordenanza Departamental No. 33 de 1968 y aprobada mediante las Resoluciones
Departamentales No. 0508 del 23 de enero de 2003, No. 0966 del 9 de julio de 2004, No. 11342 del
23 de diciembre de 2004, No. 7251 del 28 de junio de 2005, No. 26954 del 18 de diciembre de
2007, No. 08104 del 02 de mayo de 2008, No. 050906 del 23 de mayo de 2013, No. 037080 del 7 de
mayo de 2014, No. 131113 del 05 de noviembre de 2014 y No. 132339 del 13 de noviembre de 2014
I. DATOS GENERALES

DOCENTE WALTER ELID MURILLO PALACIO

NIVEL: 8 BÁSICA JORNADA: MAÑANA
PERÍODO 4 SEMANA 2
ASIGNATURA: Educación Artística GUÍA N° 2 Historia del arte (arte moderno,
arte callejero, arte precolombino)
OBJETIVO Identificar las características que formulan el arte moderno.
DBA
FECHA DE INICIO TALLER: 19/10/2021 FECHA DE DEVOLUCIÓN DEL TALLER: 29/10/2021
MEDIO DE RECPCIÓN TALLER: Físico o virtual WhatsApp 320 592 79 59

2. PRESENTACIÓN DE LA GUÍA
Estimados padres de familia y educandos del grado, OCTAVO esta guía taller, sobre artes consta de dos partes una de
lectura de conocimiento general y la otra práctica, en tu cuaderno.

2.1. INTRODUCCIÓN
Arte moderno

El arte moderno es un término que se refiere a los distintos ámbitos que hay en
el mundo del arte sobre todo en la historiografía, la estética y la teoría de lo qué
es el mercado y lo qué es el arte, es decir, este estilo de arte pretende distinguir
el sector productivo que se identificaran con unos determinados conceptos de
modernidad.

El Arte Moderno representa un conjunto en evolución de las ideas entre un

número de pintores, escultores, escritores y artistas que, tanto individual como
colectivamente buscaban nuevas aproximaciones al quehacer del arte. Aunque
el arte moderno comenzó en retrospectiva, alrededor de 1850 con la llegada del
realismo, los enfoques y estilos del arte moderno fueron definidos y redefinidos a lo largo del siglo XX. Los practicantes
de cada nuevo estilo estaban decididos a desarrollar un lenguaje visual que fuera original y representativo

¿Qué es el Arte Moderno?

Se denomina arte moderno o arte del modernismo a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo
XIX y principios del siglo XX, siendo el más prolífico de toda la historia del arte. Durante esos años, multitud de
tendencias y movimientos más o menos estructurados se fueron sucediendo vertiginosamente, con un carácter
internacional.
Denominado a este periodo fin de siglo y belle époque, pero Según los países recibió diversas denominaciones, como
Art Nouveau, en Bélgica y en Francia, Jugendstil , en Alemania y los países nórdicos y Austria, Modern Style, en los
países anglosajones, Nieuwe Kunst, en los países Bajos y Liberty o Floreale, en Italia.

Palabras clave: características del modernismo, el arte del modernismo, pintura modernista, cuadros modernistas

Con el Arte Moderno o modernismo, se buscaba crear un arte nuevo, joven, libre y vanguardista, que rompiera con los
estilos dominantes en la época, tanto los de tradición academicista como los rupturistas y se trató de crear un arte de
inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaban novedades derivadas de la revolución industrial, de materiales
como el hierro y el cristal.

2.2. SABERES PREVIOS

Se puede confundir el arte moderno con el arte contemporáneo, pero no tienen nada que ver uno con otro.

¿Cuál es el significado del Arte Moderno?

El arte moderno o el Modernismo es un concepto muy singular ya que
tiene diferentes ámbitos en el mundo del arte sobre todo en la estética, en
la historiografía, en la teoría de lo que es el arte y en el mercado. Y es que
este tipo de artes pretende hacer una distinción entre la parte productiva
del arte que estará identificada con unas determinadas definiciones de
modernidad, es decir, para que lo entendáis mejor por ejemplo el arte
académico hace una representación de todo lo tradicional del arte,
mientras tanto este estilo de arte experimenta para sacar cosas
innovadoras.

Es por ello por lo que este concepto es un tipo de arte estético y no

cronológico ya que cualquier limitación de tiempo es algo problemático
para este tipo de arte, para que lo entiendan mejor pongamos un ejemplo : El arte que se realizaba en la Edad moderna
( desde el siglo XV a finales del siglo XVIII) no era en sí el concepto de “arte moderno” que hoy en día se conoce, sin
embargo el arte que se realizaba en la Edad Contemporánea sí que encaja en la definición de este concepto.

Los conceptos de arte contemporáneo y arte moderno, como hemos dicho anteriormente, se utilizan frecuentemente de
una manera intercambiable, muchas veces son intercambiados entre entornos institucionales o en biografías
especializadas, incluso hay muchas ocasiones en las cuales tiene similares ámbitos que se utilizan en oposición. Es
decir, reservan al arte moderno un tiempo indefinido que puede estar entre los distintos movimientos del siglo XIX al
siglo XX. Esto ocurre porque muchas veces no hay una conformidad entre el arte contemporáneo y el arte moderno y
es por eso que mucha gente los confunde, algo normal después de todo.

Sin embargo, para poder diferenciar al arte moderno

del arte contemporáneo solo tenemos que saber que
este concepto es estético y no cronológico (como
podría ser el caso del arte contemporáneo). Para que
lo entienda mejor pondremos como ejemplo un pintor
que puede ser William Adolphe Bouguereau que no
realizaba obras de este estilo de arte, pero Vincent Van
Gogh sí que las realizaba. Si observáis dos obras de
estos pintores notareis la diferencia entre una y otra. En
resumen, para acabar de explicar esta modalidad de arte debemos decir que el arte moderno fue una innovación del
arte tradicional y es que este tipo de arte simboliza una manera nueva de entender la función del arte y la teoría.

Historia del Arte Moderno

El modernismo, se relaciona con la posición de innovación que
tienen los artistas de esta época, lo que abre una puerta a la libertad
del ámbito artístico y por ello van desapareciendo los rasgos
relacionados con el arte hasta ese momento. Los artistas de este
tipo de arte hicieron una declaración en la deformación de las cosas,
sobre todo de los objetos, que se realizó de forma deliberada, cuyo
objetivo era la búsqueda de la satisfacción de cierto concepto
poético que las cosas poseían.

Es por ello que, con las técnicas usadas en este arte, nace el
concepto de arte moderno o modernismo, que se define como el irracionalismo en su manera más amplia. Aunque
también tenemos que decir que esto no es una característica sólo de este tipo de arte ya que en los pasados siglos hubo
muchos tipos de arte que han presentado esta misma característica. Aun así tenemos que tener en cuenta que este
concepto es la definición más “artística” es decir el concepto más sencillo del arte moderno, y es por ellos que este
concepto es el más incondicional e irracional hablando estéticamente, que la humanidad ha podido conocer. Por esto el
Arte Moderno ha tenido un carácter impopular y revolucionario en su forma de interpretación.

Características del Arte Moderno

Los artistas modernistas se inspiraban en la naturaleza y usaban
elementos de origen natural, pero con preferencia en los
vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico
entrelazándose con el motivo central.

-Se usaba la línea curva y la asimetría, tanto en la plantas y

alzados de los edificios como en la decoración.

-Había una tendencia a la estilización en los motivos y menos en

su representación realista.

-Se utilizaron imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con claro énfasis en las ondas de los cabellos de
las mujeres y en los pliegues de sus vestidos.

-Los cuadros modernistas, tenían una tendencia a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, llegando incluso
al erotismo.

-Había una gran libertad en el uso de los motivos exóticos un gran ejemplo era el uso de estampas japonesas.

Movimientos más destacados del Arte Moderno o Modernismo

El Cubismo: Se considera un movimiento artístico inspirado fundamentalmente en el arte de las tribus de África y
Oceanía, que se manifestó sobre todo en la pintura. Su objetivo principal era el de alejarse de la representación
naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro, un objeto visto desde múltiples
ángulos, rechazando la perspectiva y el movimiento, y dando primacía a la línea y la forma.
Los Pintores cubistas más importantes fueron: Pablo Picasso, Georges Braque, Albert Gleizes, Robert Delaunay,
Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Roger de La Fresnaye y Juan Gris.

El Dadaísmo: Este movimiento fue fundado en el 1916, por el escritor alemán Hugo Ball, el artista alsaciano Jean Arp
y otros intelectuales que vivían en Zúrich y se unió a este
movimiento el rumano Tristán Tzara que llegaría a ser el
emblema del Dadaísmo. Abarcaban todos los géneros artísticos,
siendo la expresión de una protesta nihilista contra la totalidad de
los aspectos de la cultura occidental, en especial contra el
militarismo existente durante la I Guerra Mundial e
inmediatamente después.

El Surrealismo: Fue creado en París tras la I Guerra Mundial, este

movimiento del surrealismo se extendió hacia Alemania y muchos
de los integrantes del grupo de Zurich se unieron a los dadaístas franceses de París.

El surrealismo es un movimiento artístico y literario en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta
André Bretón. Los artistas más renombrados de este movimiento son: Max Ernst, Joan Miró, Salvador Dalí, René
Magritte, Paul Delvaux, Frida Kahlo, Jean Arp, Leonor Fini, Alberto Giacmetti, Vito Campanella, entre otros.

3. PRESENTACIÓN TEMÁTICA
Las primeras obras encontradas del concepto modernista afectan a las etapas del romanticismo y del realismo. Después,
se empezó a hacer cambios en las luces y en los espacios lo que dio lugar al impresionismo y postimpresionismo. Unos
años después en la Primera guerra Mundial, se crearon los movimientos de cubismo, expresionismo, futurismo y
fauvismo. Más adelante también emergió el surrealismo. Igualmente, en los años 50 y 60 aparecieron otras maneras
de expresión de este tipo de arte que fueron el pop-art, el minimalismo y el expresionismo abstracto.

La Pintura Moderna

El período moderno de la historia del arte fue testigo de la

demolición de las restricciones tradicionales, en cuanto a la
forma (la apariencia del arte) y contenido (materia). Esto
ocurrió en todas las ramas del arte, con la pintura a la
vanguardia. De hecho, los pintores llevaron la innovación
estética a Europa desde el final de la antigüedad. La
innovación más destacada en la forma fue el surgimiento de
estilos cada vez más distorsionados, que culminaron con el
nacimiento del arte abstracto. En términos de contenido, la
pintura moderna tiende a cotidianas escenas, a diferencia de los tradicionales temas “elevados” (bíblicos, mitológicos,
históricos).

El Arte Moderno fue testigo de la celebración de la “edad de las academias”. En el contexto de la historia del arte, una
Academia es un organismo oficial que defiende los estándares artísticos tradicionales, mediante la prestación de
formación artística y la organización de exposiciones prestigiosas. En estas exposiciones, que podrían hacer o romper
la carrera de un artista, naturalmente sólo se aceptan obras de arte que respeten las normas de la Academia. Por lo
que, estos trabajos se conocen como “arte académico”.
 Arte no occidental desempeñó un papel clave en el desarrollo del arte moderno. En
la búsqueda de nuevas posibilidades estéticas, artistas occidentales encontraron
inspiración ilimitada en las tradiciones de otras culturas en todo el mundo. El África
subsahariana, la América Pre colonial y Oceanía fueron particularmente influyentes.

Además de Pablo Picasso y Georges Braque, es importante señalar otros pintores

cubistas importantes, como fueron: Albert Gleizes, Robert Delaunay, Fernand Léger,
Francis Picabia, Marcel Duchamp, Roger de La Fresnaye y Juan Gris.

Arte callejero

El arte callejero es un estilo de arte que hace referencia a todas las disciplinas
artísticas que están realizadas en la calle y que suelen ser ilegales. Este estilo de
arte incluye dentro de su definición desde el Graffiti hasta la danza callejera pasando
por muchas disciplinas artísticas más.

El arte callejero es todo aquel arte que se realiza en la calle y que suele ser ilegal, aunque evidentemente no todo el
arte callejero lo es. Este estilo de arte es la versión del “Street art” y como dicha versión esta clase de arte está formado
tanto por el grafiti como por miles de representaciones artísticas que se hacen en la calle. El arte callejero engloba tanto
al grafiti como a otras formas diversas de expresión artística en la calle.

Aunque este arte se haya hecho más famoso en la actualidad, ya en los años 90 se podía observar obras de Post-
Grafiti (una manera más determinada de representación). El Post – Grafiti se usaba sobre todo para especificar y detallar
el trabajo que realizaban diversos artistas que desarrollaron y crearon un nuevo modo de expresión mediante diferentes
técnicas. Las ciudades que son puntos clave del arte callejero son Londres, Barcelona, Berlín, Sao Paulo y Toronto,
entre otras.

Sin embargo, fue en los años 60 cuando este estilo de arte estaba en su esplendor ya
que se hizo famoso por los artistas que utilizaban plantillas “esténcil” para mandar un
mensaje político. Pero, como hemos comentado anteriormente, este estilo de arte se
conoció por los años 90 gracias al artista Shepard Fairey y por la representación de
su campaña “Obey Giant” (Obedece al gigante).

El arte callejero o urbano combina varios elementos sociales como: Los artistas tienen
una necesidad encontrar espacios de expresión social, para expresar de una forma directa la realidad que les rodea,
expresar sus inquietudes y las clases sociales, los deseos de cambios individuales y colectivos.

Se trata de una forma de expresarse que existe hace décadas y que ha evolucionado, llegando incluso al ámbito de la
informática: hay aplicaciones que permiten la creación de arte callejero en un ordenador, sobre muros tridimensionales
virtuales.

arte callejero tranvía ¿Qué pretende este tipo de arte?

 A menudo las personas hablan mal de este tipo de arte y lo califican como
“vandalismo”, ya que funciona rompiendo reglas establecidas, y los lugares donde
se expresa este arte son públicos, pero la gran mayoría de los artistas solo intentan
expresar sus pensamientos y emociones, es decir, no es tan diferente de lo que
años atrás miles de artistas de otros estilos de arte hacían. Muchas personas
confunden al grafiti con lo que hacen los vándalos, que son los que ensucian las
paredes con aerosoles, pintando en lugares públicos y los históricos, sin ningún
tipo de miramiento o respeto, con el fin de marcar su territorio, pero el arte callejero no esto, está hecho para ser visto y
admirado por muchos, manifestando de esta manera su arte.

Un artista callejero lo único que pretende con sus obras de arte es sorprender a la persona que observe su obra e
impactarla con el mensaje tan llamativo que tiene. Además, la gran mayoría de los mensajes suelen estar relacionados
con lo que pasa en su época y con la lucha que hay entre la política y el pueblo o la vida social.

Un graffiti es la expresión de una idea visual tal como la ve o concibe un individuo

y se ha desarrollado desde su forma original en tres maneras diferentes: la
primera, imitando por medio de dibujos el entorno que rodea a los artistas, la
segunda, expresar ideas sociales, pensamientos personales y mensajes por
medio de palabras, y tercera, la expresión por medio de palabras y muñecos que
parecen dibujos o caracteres que solo pueden ser comprendidos por el escritor
que las realiza.

Hay tres factores importantes porque los artistas necesitan expresarse de esta forma de arte callejero: la necesidad de
expresión de una forma distinta, la idea de dejar una marca más allá del individuo y la intención de transformar la realidad
mediante la singularidad de cada persona y la estampa en una obra, llegando a crear obras de arte gracias a su
inspiración.

Estilos y técnicas usadas en el arte callejero

Las técnicas más usadas en este tipo de arte suelen ser el estarcido y el espray, estas técnicas suelen encontrarse en
la mayoría de los estilos que hay dentro de este tipo de arte.

4. EJERCITACIÓN Y RETROALIMENTACIÓN
El estarcido: es una técnica artística de decoración, en donde se usa una plantilla con un dibujo recortado sobre la pared
o en el lugar elegido y aplicando pintura a través de dicho recorte, se obtiene un dibujo con esa forma. El estarcido se
ha venido usando desde la antigüedad para duplicar los diseños decorativos en paredes, techos y tejidos. Los lugares
donde más corriente es el uso de este estilo es en China y Japón para marcar los embalajes con sellos y caligrafía.
Como ejemplo de esta arte callejero tenemos el más antiguo que se conoce que se encuentra en la Cueva de las
Manos, en la Patagonia argentina.

El grafito: dentro de este estilo incluye también lo que se llama pintadas, pintar en las paredes letreros, frecuentemente
de contenido político o social, con o sin el permiso del dueño del inmueble. El grafiti es uno de los cuatro elementos
básicos de la cultura hip hop, donde se llama grafo o grafiti a un tipo específico. En este sentido, una pintada política no
sería un grafito.
arte callejero mural Dibujos en tiza: dentro de este estilo destaca el artista
Julian Beever, artista británico que hace dibujos en tercera dimensión con
tiza, utilizando principalmente el pavimento para hacer sus obras, creando
murales y también hace réplicas de otros artistas. Para la creación de
algunas de su obra utiliza un método llamado anamorfosis que crea una
ilusión óptica, dando como resultado un juego visual que puede ser
confundido por muchas personas como producto de una edición
fotográfica.

Bubble Letters o letras Pompa: Son letras más gruesas, redondeadas y relativamente sencillas con color de relleno y
borde.

Throw Ups o Vomitados o Potas: Es una versión chapucera de las letras pompa. Tiene poco diseño y poca cantidad de
pintura en su relleno, de modo que se notan los trazos del aerosol.

Block Letters: Son letras muy simples, normalmente gruesas y con rellenos sencillos, legibles y de gran tamaño.

Wild Style o Estilo Salvaje: El estilo genuino del sur del Bronx es, quizás, el más popular y extendido. Lleva adornos que
no forman parte de la letra: círculos, espirales, picos, flechas, que le aportan dinamismo.

Model Pastel o Estilo 3d: Busca crear un efecto de tridimensionalidad en las letras, cobrando más importancia su
relleno. El efecto 3D se consigue por el uso del color, la forma de las letras en perspectiva, el cambio de ángulo de
visión.

Dirty o Estilo Basura: se trata de un estilo más reciente basado en la trasgresión de los elementos formales. Se crean
forman incorrectas, deformidades, colores repelentes entre sí, generando un estilo sucio.

Graffiti Orgánico: En una misma pieza se unen varios estilos. Las letras cobran un carácter propio adoptando formas de
objetos, fusionando así el dibujo de letras tradicionales de graffiti con complementos como personajes u objetos.

Characters o Personajes: en este estilo los personajes surgen en el metro de Nueva York para acompañar a las letras,
muchos provienen de los dibujos animados y del mundo del cómic.

Iconos: Pueden considerarse una derivación de los personajes, aunque un icono suele ser más esquemático y fácil en
su ejecución, con la función es llamar la atención.

Graffiti Abstracto: Es el grado extremo, donde el graffiti pierde su identidad, ya que las letras dejan de serlo, y el relleno
de colores degradados pasa a ocupar la superficie entera del soporte.

Mural: Se dice que es un mural una pieza de grandes dimensiones creada en una pared, sin importar la técnica, o si
está pintada con pincel o spray.
El Stencil: Es la técnica que consiste en aplicar pintura sobre una superficie a través de plantillas con cortes que generan
un determinado diseño.

El Yarn Bombing: Literalmente “bombardeo de hilo”, este arte callejero o graffiti ecológico emplea coloridos paño hechos
de punto o crochet.
Los Stickers: Este tipo de arte urbano usa láminas de papel o vinilo en las que se ha impreso una imagen en su cara
anterior, y dispuesto pegamento en la posterior.

Otras técnicas usadas son los posteres y las pegatinas que poco a poco se han ido evolucionando y cogiendo hueco en
el arte callejero además también se pueden ver los famosos normógrafos que es una técnica que está más centrada en
el graffiti.

En el arte callejero existen diferentes y variadas ideologías, muchos artistas dibujan otros pintan otros simplemente
escriben, existen diferentes formas de expresar los pensamientos del artista y también existen diferentes y diversos
sitios donde plasmar sus obras de arte.

arte callejero graffitiArtistas destacados de este estilo de arte

Existen muchos artistas callejeros desde que comenzó este estilo de arte hasta la actualidad, aunque los artistas más
destacados y reconocidos siempre han sido Blek le Rat, John Fekner, Shepard Fairey y Banksy. En las obras de estos
artistas se podían apreciar diferentes y diversas estéticas y técnicas usadas, además de las diferentes ideologías que
tenían cada uno de ellos.

Sin embargo, en la actualidad existen muchos más artistas destacados, pero tanto estos artistas como los que hemos
nombrado anteriormente no son reconocidos por el mundo ya que pocas veces se ha reconocido al arte callejero como
arte sino como vandalismo. Sea como sea, el arte callejero siempre será arte ya que los artistas hacen obras que
merecen la pena ser vistas y entendidas.

De acuerdo a la lectura realiza dos dibujos utilizando cualquiera de las herramientas del dibujo expresivo entrégalos en
el buzón de trabajos, debidamente marcados con nombre y grupo para ser evaluados.

Arte precolombino

El arte precolombino es un movimiento artístico que agrupa diferentes

representaciones artísticas e intelectuales como por ejemplo son la pintura, el textil,
la arquitectura, la cerámica o la escultura que fueron creadas en América en el
periodo precolombino.

El arte precolombino americano comprende todos aquellos objetos de arte creados

por los diferentes pueblos originarios antes de la llegada de Colón y la influencia
hispana.Posee características estéticas, técnicas, funciones sociales y estilos muy diferentes del arte europeo. Por otra
parte, no existe un solo arte precolombino: tal como es posible apreciar a través deestas presentaciones, las obras de
las diferentes culturas precolombinas se caracterizan por una gran riqueza y diversidad. Al mismo tiempo, ellas ofrecen
una puerta privilegiada al conocimiento de lasculturas que las crearon.

El arte precolombino es la forma en la que se escoge a un grupo de representaciones intelectuales y artísticas como
son la escultura, arquitectura, pintura, cerámica, textil, entre otros y que son creadas en el continente americano durante
la etapa precolombina.
 Esta modalidad de arte te permite tener información y conocimiento sobre las antiguas
civilizaciones precolombinas, como por ejemplo la capacidad de modificar el medio
ambiente o el nivel de desarrollo que tenían, posee características estéticas, técnicas,
funciones sociales y estilos muy diferentes del arte europeo, ofreciendo las obras de
las diferentes culturas precolombinas una gran riqueza y diversidad.

El arte precolombino es destacado por los trabajos en oro de las culturas indígenas los
cuales fueron considerados los mejores del continente. En el periodo de conquista
había una gran variedad de culturas que usaban el oro, en ellas se puede verse la técnica similar que usaban, pero
también se puede comprobar los diferentes estilos. El oro fue usado en muchos objetos desde anillos para la nariz hasta
ofrendas para las ceremonias, pero la mejor obra creada con oro precolombino es la conocida Balsa Muisca que
representa al cacique lleno de oro en su barca y a los remeros, aunque también hay otras obras famosas en la cultura
Tunjo, esta cultura representaba a guerreros feroces y también podemos destacar la cultura Tolima que representaban
figuras humanas. Hay una diversidad de cultura que utilizaban el oro para representaciones, aunque estas podrían
decirse que son las más destacadas.

Origen del Arte precolombino

arte precolombino El concepto “precolombino” en una forma general es aquello que estaba
en América antes de que los españoles en 1492 la conquistaran. Aunque en realidad el
concepto alude a un espacio de tiempo en el cual se conviven diferentes culturas las cuales
dejaron una huella eterna en el arte y que actualmente son objeto de estudios científicos.
Resumiendo, el concepto “precolombino” viene de pre- Colombia, es decir antes de colon,
pero como hemos dicho anteriormente tienen que ver con las culturas que por entonces
dominaban el territorio de las “colonias españolas”, es decir desde Cono Sur hasta México.
Su desarrollo se inició en la época preclásica americana con el descubrimiento de la cultura
Olmeca a la cual se le asigna la construcción y creación de una de las ciudades más
famosas hasta entonces del continente denominada Teotihuacan.

Las culturas precolombinas en el periodo instructivo se crearon lejos una de otras, pero esto cambio cuando comenzó
la etapa clásica ya que se inició una dinámica de influencias e intercambios mutuos como por ejemplo las dos áreas
principales de civilización Andes y Mesoamérica. Es por ello, por lo que se pueden observar varias casualidades en la
exhibición de algunos mitos, algunas costumbres y en algunos vocablos similares. Por esto se llegó a la conclusión de
que tiempo después de la etapa clásica las diferentes civilizaciones tuvieron contactos que no fueron ocasionales.

Los incas, por ejemplo, son considerados como una de las civilizaciones precolombinas más importantes. Su imperio se
extendió por diversas regiones de Perú, Bolivia, Ecuador, Colombia, Chile y Argentina, entre sus legados destaca el
Machu Picchu, una ciudad construida en el S. XV en el Perú.

Los mayas fueron otros de los grandes pueblos precolombinos, que se asentados en zonas de México, Guatemala,
Honduras, Belice y El Salvador, desarrollando imponentes construcciones como la ciudad de Chichén Itzá.

Características del Arte Precolombino

La alfarería precolombina es muy rica en formas y estilos lo que ha dificultado su clasificación,
fue desarrollada por grupos sedentarios de agricultores que no sólo fabricaron objetos de uso
doméstico como platos con alegres motivos o vasos decorados con múltiples colores, sino que
también la utilizaron en sus ceremonias rituales como son las vasijas funerarias con figuras
antropomórficas o de animales. Las piezas más características provienen de la cultura muisca y
tienen su mejor muestra en la gran variedad de múcuras, un cántaro especial de cuello delgado
y decorado con motivos antropomórficos. Esta pieza se utilizaba para tareas domésticas y ceremonias religiosas.
Todavía se siguen fabricando de acuerdo a los procesos ancestrales, especialmente en las zonas rurales de Boyacá. A
diferencia de otras culturas suramericanas, en Colombia no se han encontrado imponentes construcciones o grandes
zonas arqueológicas, a excepción de las grandiosas figuras de la región de San Agustín. Allí se han encontrado más de
500 piezas talladas en piedra, representando dioses, hombres y animales, que demuestran el complejo culto religioso
de este grupo indígena. Sin embargo, las culturas precolombinas si han dejado un buen ejemplo de lo que fueron en
otro tiempo, en los cientos de piezas e instrumentos de trabajo que demuestran un alto grado de desarrollo y elaboración.

arte precolombino1Muchas obras fueron usadas por los conquistadores para fundición y han sido destruidas por que
solo apreciaron el valor del metal, pero algunas afortunadamente han sobrevivido. En cada lugar desde Méjico hacia
el sur, cada pueblo, etnia, tribu y nación, dejaron plasmados de una u otra manera su forma de ver la vida, sus creencias,
sus esperanzas, sus logros y hasta la manera de manejarse administrativamente. La invasión y conquista por parte de
los españoles, no solo destruyo a los pueblos, sino gran parte de su cultura y avances, con lo que hoy seguramente
sería en todo aspecto una América diferente de la conocemos.
Un elemento de la mayor importancia en la vida precolombina era la religión, que era animista, ya que divinizaba las
fuerzas naturales, los lugares sagrados y algunos objetos. Muchas de estas fuerzas eran contrarias, pero en cualquier
caso complementarias entre ellas, ya que la religión emanaba de una concepción de dualidad. Las prácticas de culto en
Centro y Sudamérica presentan elementos comunes, a pesar de sus diferenciaciones parciales, y revelan la mutua
influencia simbólica y religiosa entre ambas regiones.

Técnicas usadas en el arte precolombino

Este tipo de arte se desarrolló principalmente en América central y México donde estaban situadas la cultura maya y la
azteca:

El arte azteca
Es un arte al servicio del Estado, es el lenguaje que utilizaba la sociedad para transmitir
su visión del mundo, reforzando su propia identidad frente a la de las culturas foráneas.
Tiene un marcado componente político-religioso, pero es fundamentalmente religioso, al
culto de sus divinidades, expresándose a través de la música, la literatura, de la
arquitectura y la escultura y para esto utilizaban instrumentos musicales, plumas, papel,
cerámica o piedra dependiendo de la clase de arte que quisieran hacer. Lo que más llama
la atención del arte precolombino azteca es la semejanza con los anteriores artes
tradicionales y la señal personal que ponían en sus representaciones como marca del artista, siendo un arte violento y
rudo, pero con una sensibilidad y una complejidad que se observa en su riqueza simbólica. En la escultura azteca
destacamos la expresión de los rostros y tenían un canon de belleza muy distinto al clásico.

En la arquitectura: sus principales características son: el uso de grandes masa y medidas colosales, con un aspecto
geométrico y monótono en su exterior y de espacios estrechos y oscuros en su interior, hay ensayos de falso arco y
falsa bóveda y los materiales empleados eran el adobe, la piedra y la madera.
En la pintura: la realizaban con tintas variadas, logrando una viva y hermosa policromía. Representaban a los dioses,
hombres notables, animales o plantas y también hechos de la vida real.
En la cerámica: formaba parte de la vida cultural de los aztecas, haciendo vasijas de barro sin ser siempre cerámica
fina, siendo la cerámica roja y negra la más destacada. Fabricaban vasijas útiles para cocinar, vasos de barro y piezas
finas.
El arte maya
arte precolombino2Tiene una gran variedad y calidad. El arte maya aporto al arte precolombino tanto en la escultura,
que trabajaban con piedra caliza que les dio la probabilidad de crear trabajos dificultosos y por ello magníficos, en la
cerámica y en la pintura. Los mayas cultivaron el relieve y casi siempre representaban escenas religiosas y guerreras.
Sus principales características son la utilización del relieve, la monumentalidad en el tratamiento de los temas, el uso
del color en el acabado superficial, la dependencia del ámbito arquitectónico, la profusión de signos caligráficos y
ornamentales, la relevancia de las líneas curvas y el carácter abigarrado y escenográfico de la composición.

En la arquitectura: está caracterizada por el sentido delicado del diseño y la proporción, destacando una elegancia
estructural y delicadeza de los detalles, construyendo edificaciones impresionantes destinadas a las ceremonias
religiosas y los palacios que servían de morada a los sacerdotes.
En la escultura: era esencialmente decorativa. La calidad de sus obras la coloca una categoría superior. Los escultores
eran imprescindibles colaboradores de los arquitectos, creando una decoración armoniosa y unos relieves de una
calidad jamás superada.
En la pintura: también alcanzo un alto grado de perfección. Las pinturas revelan un sentido de la perspectiva y una viva
armonía de la composición. Los frescos de bonapak son tan realistas de color y belleza tal, que se compara con el
renacimiento italiano.
En la cerámica: se exhibe una policromía y un refinamiento estético que le asignan el primer puesto en este aspecto
cultural. Y consiste en vasijas en formas humanas y animales hechas en barro cocido.
El arte Inca
El Inca era un estado moderno, con sus estructura política, militar y social muy organizados, y que ejercía su poder
imperial sobre un gran número de personas.

En la arquitectura: va a dar menos importancia al templo y más a aquellas

construcciones que les servían para asegurarse su dominio sobre un territorio tan vasto
y una población tan numerosa. Construyeron pirámides-templos, palacios, fortalezas,
puentes, carreteras y viviendas de una o más plantas, siendo los templos las
construcciones más importantes.
En la escultura: es escasa la escultura en piedra. No practicaron la talla, sin embargo,
modelaron en arcilla figuras zoomorfas y antropomorfas de gran realismo. Sus vasijas
eran destinadas a usos normales, representando personajes deformes y monstruosos,
exagerando sus defectos físicos. Como características destacamos la observación, el realismo y el humor caricaturesco.
En la cerámica: se identifican por tener una gran variedad de formas: vasijas utilitarias tres patas, usadas por los
guerreros en campañas, las vasijas domésticas, resistentes, usando el color rojo,el enorme arríbalo, especie de ánfora
que tenía dos asas laterales.

5. PRÁCTICA
De acuerdo a lo estudiado y leído en la guía, presentar cinco (5) trabajos de tu agrado sobre alguna manifestación
artística(arte moderno, arte callejero, arte precolombino), en 1/8 de cartulina debidamente marcado con tu nombre y
grado
6. RECURSOS
Materiales utilizados, páginas web, GOMBRICH, E.H., Historia del arte. Barcelona, Garriga, 1975 (Madrid, Alianza,
1992; Debate-Círculo de Lectores, 1997).libros… Sobre tipos de arte