Curso de Fotografia 1

Curso de fotografía 1
Fotografía básica 1
1.- La Cámara
Relacionadas con el sensor y calidad de imagen

– Megapixels. El es número de puntos (pixels) activos que tiene el sensor de la cámara. Se corresponden
aproximadamente con el número de puntos de imagen de la fotografía una vez tomada (resolución). En la
actualidad todas las cámaras tienen una resolución alta (12 megapixels o más). Más resolución sólo es
importante si vas a imprimir tus fotos en tamaños gigantes (cartelería). Por lo tanto no es un parámetro
importante para un uso normal.
– Tamaño del sensor. A igualdad de condiciones, un sensor más grande va a tener un mejor rendimiento
en cuanto a sensibilidad y calidad de imagen. Las cámaras profesionales tienen un sensor denominado
Full Frame (FF) que se corresponde aproximadamente con el tamaño de la película fotográfica: 36 x 24
mm. Las réflex de iniciación y gama media suelen tener un sensor APS-C(aprox. 23 x 15 mm).
– Sensibilidad (ISO). Este parámetro hace referencia a la capacidad de la cámara de hacer fotos con
escasa luz y alta velocidad de obturación. Se mide en una escala ISO: 80, 100, 400, 800..
En las cámaras digitales la sensibilidad está relacionada con el ruido, a mayor ISO mayor ruido. Lo
importante es que una cámara pueda hacer fotos a un ISO alto con una calidad aceptable.
Cada vez se consiguen sensores con más rendimiento (sensibilidad) y con menor ruido. Lo que tenemos
que ver en una cámara es una comparativa de su comportamiento en ISO altos con respecto a otra
cámara de referencia.
IMPORTANTE: no hace falta que una cámara tenga un ISO alto para tomar fotografías con escasa luz.
Todas las cámaras réflex permiten controlar el tiempo de exposición. La sensibilidad es importante
cuando tenemos que fotografiar escenas en movimiento con poca luz.
– Sensibilidad máxima (Max. ISO): el valor máximo de sensibilidad al que se puede configurar la cámara
(valor más alto de ISO). Cuanto más alto, más sensibilidad de la cámara. Pero a efectos prácticos el límite
lo pone la cantidad de ruido y por tanto la calidad de la imagen.
– Calidad de la imagen: Aunque es un parámetro bastante subjetivo se pueden obtener comparativas
basadas en otras cámaras a partir de tres parámetros objetivos: profundidad de color, rango dinámico y
rendimiento con poca luz. Hay páginas como dxomark.com que realizan mediciones y test de diferentes
cámaras y les asignan una puntuación.
– Profundidad de color: Esta característica mide la capacidad de la cámara (sensor) de distinguir
diferentes tonos o colores. Se mide en bits y lo que realmente interesa no es la profundidad de color
teórica, sino el número real de colores que detecta la cámara. Estos valores de pueden ver también en
páginas como dxomark.com
– Rango dinámico: Mide la diferencia en una fotografía entre los tonos oscuros y los claros. Dicho de otra
forma, si una escena contiene zonas en sombra y zonas muy iluminadas, un rango dinámico alto indica
que la cámara es capaz de guardar información de las dos zonas. Si tiene un rango dinámico bajo, una de
las dos zonas (bien la oscura, bien la iluminada) perderá todo detalle.
IMPORTANTE: Hay que tener en cuenta que estas comparativas (calidad de imagen, profundidad de
color..) normalmente están por encima de la capacidad del ojo humano de apreciar ese tipo de
Cerro del Agua, Edificio Surinam C-2, Copilco CP 04350 [email protected] 5522409172
diferencias entre dos fotografías tomadas por dos cámaras diferentes. Nos pueden servir como
referencia, pero para un nivel de aficionados o incluso semi-profesional no van a ser parámetros
determinantes.
– Modo HDR: High Dynamic Range. Este es un modo especial (una funcionalidad) que permite aumentar
el rango dinámico de la cámara haciendo internamente un procesado de la imagen obtenida. No todas
las cámaras incluyen esta función y tampoco es imprescindible.
Enfoque y velocidad de disparo

– Enfoque automático (AF). En las cámaras réflex se utiliza enfoque automático (AF) por detección de
fase. Cuantos más puntos de enfoque tenga una cámara más fácil y rápido será el proceso de enfocar
cualquier elemento de la escena.
Los puntos de enfoque simples detectan el desfase bien en elementos horizontales o en elementos
verticales de la escena. Los puntos de enfoque en cruz (cross-type AF points) permiten usar a la vez las
dos dimensiones para conseguir un enfoque más rápido y fiable.
Por lo tanto cuantos más puntos de enfoque en cruz, mejor será la cámara en cuanto a velocidad de
enfoque. Por ejemplo esto es importante para fotografiar eventos deportivos, animales (aves en vuelo por
ejemplo) y en general escenas en movimiento.
Mira cómo funciona el enfoque automático en las cámaras digitales.
– Motor de enfoque interno: Para que funcione el enfoque automático el objetivo tiene que mover sus
lentes mediante un motor (siguiendo las instrucciones del sistema de enfoque). Algunas cámaras
incorporan el motor de enfoque. Las cámaras que no tienen motor de enfoque necesitan objetivos que
incluyan dicho motor. Los objetivos con sistema AF (motor incluido) suelen ser un poco más caros.
– Estabilizador de imagen: Las cámaras con estabilizador de imagen incorporan un sistema que permite
mover ligeramente el sensor dentro de la cámara para corregir vibraciones externas (por ejemplo cuando
hacemos fotos a mano, sin trípode). Si la cámara no incluye estabilizador, debemos buscar objetivos que
sí lo incluyan. En cualquier caso la estabilización en el objetivo parece ser más efectiva que la
estabilización en la cámara.
– Velocidad de obturación (shutter speed): La velocidad máxima de obturación (tiempo mínimo de
exposición). Importante sobre todo para fotografiar escenas con movimientos muy rápidos. Las réflex de
gama baja e intermedia suelen tener un tiempo de exposición mínimo de 1/4000 (0.25 milésimas de
segundo).
– Fotos por segundo en modo ráfaga (fps – frames per second). En modo ráfaga dejas pulsado el
disparador y la cámara hace una foto tras otra a la máxima velocidad que puede. Está relacionada con la
velocidad de obturación, pero normalmente el cuello de botella está en la parte de procesado de la señal
y grabación en la tarjeta de memoria. No es un parámetro crítico, pero si queremos fotografiar escenas
que incluyen movimientos rápidos puede venir muy bien.
• Tipos de cámara
Camaras (Pocket, DSLR, Mirrorless )
Pocket: Una cámara compacta o cámara de apuntar y disparar, es una cámara fotográfica sencilla cuyo
objetivo no es desmontable. Las cámaras compactas suelen ser más sencillas de manejar que las cámaras
Réflex y más económicas. Normalmente su funcionalidad está limitada en comparación con las réflex,
aunque suelen ser más ligeras y fáciles de transportar, lo que las hace ideales para llevarlas de viaje.
DSLR: (Digital Single-Lens Reflex), se que entiendes lo que significan y seguro te es mas fácil decir
“cámara reflex digital”, pero ¿realmente conocemos que es realmente una cámara reflex digital y porque
siguen siendo hoy por hoy el sistema favorito de los fotógrafos dedicados?
Vamos primero a conocer que es una cámara reflex, como funciona y como esto te va a ayudar a elegir tu
próxima cámara.
El sistema reflex se creo en 1861 pero la primer cámara con este sistema sale en 1884 en Inglaterra y fue
adoptado como sistema estándar por muchas décadas. Hoy las cámaras reflex digitales usan el mismo
sistema, solo cambio una cosa: el material sensible a la luz.
En la era de la fotografía análoga se usaba un material sensible a la luz, este material era conocido como
película o “rollos” para los menos técnicos. Hoy en la fotografía digital también se usan materiales
sensibles a la luz pero ahora son pequeños sensores digitales que vinieron a sustituir a la película.
Mas fácil, mas barato y mas común para todos, la fotografía digital se convirtió rápidamente en el
estándar comercial, y no solo eso, ahora las cámaras estaban en la mano de cualquier portador. Todos
querían una cámara y podían tenerla, esto sucedió con las cámaras compactas.
Mirroless: cámara sin espejo de objetivos intercambiables1 (también conocidas como MILC, de Mirrorless
Interchangeable Lens Camera en inglés-, o como cámaras de sistema compacto) es una familia de
cámaras digitales fotográficas orientadas al aficionado avanzado por sus prestaciones, situadas por
encima de las cámaras compactas avanzadas por el tamaño del sensor y por debajo de las cámaras réflex
digitales, teniendo como desventaja principal respecto a estas últimas las dificultades existentes en el
sistema de enfoque, en las cuales se obtiene por diferencia de fase con un segundo sensor dedicado a
enfoque y un espejo secundario. En sus inicios también se consideraba una desventaja la ausencia de un
sistema de formato completo, restringiéndose los tamaños de sensor al Micro Cuatro Tercios (Panasonic,
Olympus), y el APS-C (Sony); sin embargo, en los últimos años esta situación ha cambiado después de
que el último fabricante lanzase el sistema de Montura E y sus primeras cámaras full frame,2 y el
fabricante Hasselblad lanzase incluso una cámara de formato medio.3
Otros nombres que recibe habitualmente son cámaras EVIL (Electronic Viewfinder with Interchangeable
Lens, es decir: cámaras de "visor electrónico con objetivos intercambiables"), CSC (Compact System
Camera), MSC (Mirrorless System Camera) o DSLM (Digital Single Lens Mirrorless). Esta variedad de
términos se debe a que por su corta historia no se han estandarizado las denominaciones entre los
fabricantes.
* Sensores, tamaños y calidad de imagen
Formato del sensor de imagen

Comparación de diversos tamaños de sensores de imagen.
En fotografía digital, el formato del sensor de imagen es la forma y el tamaño del sensor de imagen.
El formato del sensor de imagen de las cámaras digitales determina el ángulo de visión de un objetivo
específico. Particularmente, los sensores de imagen en cámaras réflex digitales tienden a ser más
pequeños (APS-C) que el área de 24×36 mm de las cámaras de 35 mm (C135), y por lo tanto llevan a un
correspondiente ángulo de visión más estrecho. Para un número dado de píxeles en un sensor, cuanto
más grande sea el sensor de imagen producirá imágenes de más alta calidad porque los píxeles
individuales tendrán un tamaño mayor (ver abajo) y entonces la cámara será más sensible a la luz.
Los objetivos producidos para las cámaras de película de 35 mm (C135) se pueden montar, dependiendo
de la marca, en los cuerpos de las cámaras digitales APS-C, pero el círculo de imagen del objetivo del
sistema de 135 es más grande que lo requerido por el sensor, e introduce luz indeseada en el cuerpo de
la cámara. Por otro lado, el menor tamaño del sensor de imagen —comparado a los del formato 135—,
resulta en el recorte de la imagen. Este último efecto es conocido como el recorte del campo visual; el
cociente del tamaño del formato es conocido como el factor de recorte o factor de multiplicación de la
distancia focal.
Tamaño del sensor

En igualdad de circunstancias, los sensores más grandes capturan imágenes con menos ruido y mayor
rango dinámico que los sensores más pequeños. Las características deseables tanto de la relación señal/
ruido y de la ganancia unitaria del sensor se escalan con la raíz cuadrada del área del sensor.
Desde diciembre de 2007, muchas DSLRs tienen áreas de sensor de alrededor de los 370 mm2, mientras
que muchos sensores de cámaras compactas tienen una quinceava parte del área de esa superficie: un
sensor estándar de 1/2,5" tiene una superficie de 24,7 mm2 Así, un sensor DSLR típico tendrá una
relación señal/ruido casi 4 veces mayor que las típicas cámaras digitales compactas:
370/24,7≈15≈3,9
Debido a sus sensores más grandes, las cámaras reflex generalmente puede tomar fotogramas de alta
calidad en ISO 1600, 3200, o aún sensibilidades más altas, mientras que las cámaras compactas tienden a
producir imágenes granulosas incluso en ISO 400. Este problema es exacerbado por el número de
píxeles; la duplicación del número de píxeles en un sensor de un tamaño determinado significa que cada
píxel tiene la mitad del tamaño original, y por lo tanto es más ruidoso y menos sensible.
Formatos comunes de sensores de imágenes
Tamaños de los sensores usados en la mayoría de las cámaras digitales actuales en relación a un
fotograma estándar de 35 mm.
Formatos SLR digitales

Desde junio de 2009, la mayoría de los sensores de SLRs a nivel del consumidor usan sensores de
alrededor del tamaño de un fotograma de película APS-C, con un factor de multiplicación de la distancia
focal de 1.5 (1.6 para Canon y Pentax). Una notable excepción es el sistema de cámaras de Cuatro Tercios,
hecho sobre todo por Olympus, que usa sensores más pequeños con un factor de multiplicación de
distancia focal de 2.0. Algunos sensores profesionales de DSLRs usan sensores de cuadro completo
(sensores "full frame"), iguales al tamaño de un fotograma de película de 35 mm. Se usan muchos
términos diferentes en la comercialización y la descripción de estos formatos de sensor, incluyendo los

siguientes:
Formato digital SLR Full Frame o de cuadro completo, con las dimensiones del sensor casi iguales a las de
la película de 35 mm (36 × 24 mm)
Sensor M8 y M8.2 de Leica (factor de recorte 1.33). Formato de APS-H de Canon para DSLRs de nivel
profesional de alta velocidad (factor de recorte 1.3) APS-C se refiere a un rango de formatos de tamaño
similar, incluyendo.
De gama baja o para iniciarse: Formato Nikon DX, Pentax, de Konica Minolta/Sony α, Fuji (factor de
recorte 1.5)
De gama baja o para iniciarse: Formato Canon DSLR de gama baja o para iniciarse (factor de recorte 1.6)
Formato Foveon X3 usado en las DSLRs Sigma SD-series (factor recorte 1.7)
Formato de sistema de Cuatro Tercios (factor de recorte 2.0)
Debido a las limitaciones siempre cambiantes del procesamiento y la fabricación de semiconductores, y

debido a que los fabricantes de cámaras obtienen los sensores de diferentes fabricantes, es común que
las dimensiones de los sensores varíen ligeramente dentro del mismo formato nominal. Por ejemplo, los
sensores de las cámaras NikonD3 y el D700, que normalmente son sensores de cuadro completo,
realmente miden 36 × 23.9 mm, ligeramente más pequeño que un fotograma de película de 35 mm.
Como otro ejemplo, el sensor de la Pentax K200D (hecha por Sony) mide el 23.5 × 15.7 mm, mientras que
el sensor contemporáneo de la K20D (hecho por Samsung) mide 23.4 × 15.6 mm.
La mayoría de los formatos de los sensores de imagen DSLR se aproximan a la relación de aspecto 3:2 de
la película de 35 mm. Una vez más el sistema de Cuatro Tercios es una notable excepción, con una
relación de aspecto de 4:3 tal y como se ve en la mayoría de las cámaras digitales compactas
Formato DSLR medio

El tamaño de sensor más común para las cámaras digitales de formato medio es aproximadamente 36 ×
48 mm, debido al uso extenso de los sensores CCD KAF-22000 de 22 megapixeles y KAF-39000 de 39
Megapíxeles de Kodak en ese formato.
Leica ofrece un DSLR "S-System" con un sensor de 45 mm × 30 mm que contiene 37 millones de píxeles.
Formatos compactos de cámaras digitales

Los tamaños del sensor de muchas cámaras digitales compactas están expresados en términos del
sistema no estandarizado de "pulgadas", como aproximadamente 1.5 veces la longitud diagonal del
sensor. Esto se retrotrae a la manera en que los tamaños de imagen de las tempranas cámaras de video
eran expresados en términos del diámetro exterior del envoltorio de cristal del tubo de cámara de video.
3 En vez de "formatos", estos tamaños del sensor son a menudo llamados tipos, como en "CCD de tipo
1/2 pulgada". La mayoría de los sensores compactos de imagen tienen una relación de aspecto de 4:3.
Esto se empareja a la relación de aspecto de las resoluciones de monitores de computadora más
populares VGA, SVGA, y XGA, permitiendo que las imágenes sean exhibidas en la mayoría de los
monitores sin recortes.
Inversamente, los sensores de los teléfonos con cámaras fotográficas son más pequeños que los de las
cámaras compactas típicas, teniendo una mayor miniaturización de los componentes eléctricos y ópticos,
con una consecuente peor calidad de imagen. Los tamaños de sensor de alrededor 1/6" son comunes en
teléfonos con cámara, así como en las cámaras web y cámaras de video digitales.
* Uso M, A, P, S
Los modos de disparo en las cámaras réflex ( y en muchas compactas ahora también) nos permiten
decidir qué nivel de control queremos y sobre qué lo queremos, es decir, podemos controlarlo todo
(Manual), dar prioridad a un aspecto concreto (Velocidad o Diafragma), o no controlar nada más que el
encuadre. Los principales modos en cámara réflex son los siguientes:
Modo Automático, (A).

El modo automático (‘Auto’ en el dial de modos) es aquél en el que la cámara tiene total control sobre
todos los aspectos relacionados con una toma; controla la velocidad, el diafragma, el balance de blancos,
la ISO e incluso el flash de tu cámara. Este modo ‘piensa por ti’, y hará todo lo posible para que tu toma
sea correcta según sus variables, pero poco más.
A mi modo de ver, hay pocas situaciones en las que como fotógrafo/a quede ‘justificado’ su uso,
sobretodo si tienes una cámara réflex, puesto que sus prestaciones no son mejores que las de cualquier
cámara compacta ( y estas además pesan menos, son más baratas, y seguramente por el mismo precio
podrías haber adquirido una compacta bastante más buena que la réflex que te has podido comprar). Es
más, si estás leyendo este artículo, probablemente es porque el modo automático no te interesa
demasiado y lo que realmente quieres es profundizar en los modos en los que tienes algo que decir,
¿Verdad?.
No obstante, el modo automático puede ser muy efectivo en algunas situaciones:
Cuando necesitas rapidez, es decir, quieres esa imagen que sucede rápidamente ante tus ojos y no tienes
tiempo para ponerte a pensar qué ajustes necesitas.
Cuando quieres centrarte en la composición y en lo que está ocurriendo delante de ti sin perderte un
instante.
Cuando estás empezando y estás hecho/a un lío con diafragmas, velocidades, ISO, Balance de blancos,
RAW y mil millones de conceptos desconocidos que crees que nunca podrás entender (aunque lo harás )
puedes empezar en automático para abrir el apetito a las maravillas que te depara tu nueva cámara réflex.
Cuando llevas todo el día haciendo fotos de tus vacaciones y ya no puedes más, pero sigues sin querer
perderte esos instantes, con el modo automático… ¡Puedes desconectar!
Modo automático para captar imágenes que suceden rápidamente
Modo Programable, (P)
El modo Programable (P en el dial de modos) permite ajustar y personalizar algunas variables que el
modo Automático no permite. Si estás empezando a conocer tu cámara réflex, el modo Programable,
puede ser una gran opción, puesto que permite controlar el flash, el balance de blancos, el tipo de
medición (Puntual, ponderada central, matricial), la ISO, y el punto de enfoque.
En el modo Programable, la cámara ofrece combinaciones de apertura de diafragma y velocidad, e
incluso en algunos modos programables, deja cambiar una de las dos variables, por lo que acaba siendo
un modo bastante personalizable que puede serte de gran ayuda si estás adentrándote en el mundo de
las cámaras réflex.
El modo Programable te puede ser útil en las siguientes situaciones:
Si estás empezando puede ayudarte poco a poco a entender el tiempo de obturación relacionado con el
diafragma, ya que la cámara automáticamente va ofreciéndote combinaciones de ambas.
‘Fotografías rápidas’ Igual que en el modo automático, puede serte muy útil en este tipo de tomas, por
ejemplo, fotografía de calle, donde por lo general necesitas rapidez.
Fotografía en entornos de luz muy cambiante.
Cuando la composición de tu imagen es lo esencial.
Celebraciones. Si tienes poca experiencia aún en el mundo fotográfico, y te otorgan el ‘honor’ de tener
que celebrar algún momento importante, es una forma de asegurarte que las fotografías serán correctas.
Modo Programable para centrarte en la rapidez y la composición
Modo de prioridad a la apertura, (A)

El modo de prioridad a la apertura ( A o Av, dependiendo de la marca) es aquél en el que tú decides la
apertura de diafragma que te interesa, y la cámara compensará la velocidad necesaria para que obtengas
una imagen correcta. Es decir, tú decidirás básicamente qué profundidad de campo quieres. Conocer y
saber jugar con la profundidad de campo a través de la apertura del diafragma te proporcionará la
capacidad de crear imágenes asombrosas.
Diafragmas abiertos: Como ya te he comentado en el resumen previo, el diafragma controla la cantidad

de luz que entra por el objetivo así como la profundidad de campo. Un diafragma abierto (F/1.4, F/1.8, F/
2.5, F/3.5,etc..) lo podrás utilizar en las siguientes situaciones:
Interiores o situaciones con poca luz (amaneceres, atardeceres, nocturnas, etc.) sin que salgan movidas
(siempre dentro de unos mínimos en los que tu cámara no exija igualmente velocidades demasiado
bajas).
Retratos: En retratos en los que quieras ‘aislar’ a tu sujeto del entorno tienes que, sin duda, disparar con el
diafragma más abierto que te permita tu objetivo. Así difuminarás el fondo y resaltarás a tu sujeto
principal.
Objetos: También con la idea anterior de aislar el objeto, por ejemplo en fotografía de producto,
gastronómica, o para captar detalles que te interese fotografiar.
Diafragma abierto para aislar al protagonista
Diafragmas cerrados: Cuando cerramos el diafragma, jugamos con poca entrada de luz pero con mucha
profundidad de campo.
Paisajes: Será tu gran aliado en fotografía paisajística, ya que permite tener todos los planos de tu paisaje
enfocados a la vez.
Cuando quieras captar movimiento en situaciones en las que hay luz, por ejemplo en las fantásticas
imágenes de ‘efecto seda’ del agua. La gran mayoría suceden en espacios con luz, pero para poder
captar el movimiento del agua, necesitarás velocidades muy bajas. Para ello, lo que hacemos es cerrar el
diafragma lo más posible (eso sí, trípode o punto de apoyo cerca) para disparar a velocidades bajas y
captar todo el movimiento del agua.
En general cuando necesites tener todos los planos enfocados en la imagen, por ejemplo para realizar
este tipo de imágenes con lo que llamamos ‘perspectiva forzada’, aquí te dejo un ejemplo:
Ejemplo de composición en Perspectiva forzada
Diafragma cerrado para conseguir mayor profundidad de campo
Diafragma cerrado para conseguir velocidades bajas: El efecto seda del agua
Modo de prioridad a la velocidad.

El modo de prioridad a la velocidad (S o Tv en el dial de modos), es aquél en el que tú vas a controlar la
velocidad a la que quieres disparar, y la cámara va a compensar abriendo o cerrando el diafragma para
que obtengas fotografías de exposición correcta. Es adecuado para todas aquellas imágenes en las que
el movimiento o la falta de él sea esencial.
Fotografías de alta velocidad

Se recomiendan velocidades por encima de 1/250 o 1/500, siempre dependiendo del tipo de objetivo y
de la velocidad del protagonista de tu imagen, puesto que no es lo mismo la velocidad de un coche de
carreras que la de un hombre corriendo, por ejemplo. Este tipo de imágenes, puedes encontrarlas en:
Deportes: En principio, en deportes lo que te interesa es detener la acción. Aquí no suele ser interesante
( o sí, pero no es lo habitual) ver los sujetos movidos sino ‘congelados’ por ejemplo en carreras de coches,
partidos, atletismo, etc.
Animales: Cuando fotografiamos aves, mamíferos o cualquier tipo de animal, nos interesa, en principio,
que éste salga nítido, por lo que si está en movimiento (lo que suele ser habitual), es recomendable tener
preparada una velocidad alta para ‘congelarlo’ de forma correcta en la escena.
Niños/as: Casi con los mismos motivos que los anteriores, una vez empiezan a caminar, perseguirlos con
la cámara es una odisea, si ya has tenido esta experiencia, si cuando miras lo que piensas que serán
magníficas fotografías sólo ves una especie de aparición borrosa porque ‘justo se movió’, aquí tienes una
buena opción para evitar este error.
Velocidades altas para congelar el movimiento: Deportes
Velocidades rápidas para fotografiar animales
Fotografías con velocidad baja. Cuando trabajas con velocidades bajas, el objetivo cambia, ya no es
congelar la imagen, sino dejar plasmado el movimiento en la fotografía. Los juegos que nos proporciona
el movimiento son muchos, aquí te dejo algunos ejemplos:
Lightpainting o pintar con luz. (eso sí, necesitarás trípode o punto de apoyo fiable).
Fotografías de larga exposición. (eso sí, necesitarás trípode o punto de apoyo fiable).
Dinamismo en la escena: Las imágenes en las que vemos movimiento, si éste tiene razón de ser, aportan
mucho dinamismo y vitalidad a tus fotografías.
Fotografía de larga exposición. (eso sí, necesitarás trípode o punto de apoyo fiable).
Movimiento para dar dinamismo a la imagen. (eso sí, necesitarás trípode o punto de apoyo fiable).
Modo Manual, (M)

El modo manual (M en el dial de modos) es el que nos permite el control total de todas las variables que
nos proporciona una cámara réflex. Aquí lo tienes que decidir tú todo, qué velocidad vas a usar, qué
diafragma, qué balance de blancos… todo. Pero no te asustes, es más fácil de lo que parece, ya que la
cámara siempre te avisará de si estás exponiendo correctamente a través de su fotómetro.
Además, si estás empezando a adentrarte en el mundo fotográfico, aunque a priori te pueda parecer muy
complicado, es el modo que, a mi modo de ver, más te va a enseñar a entender qué son todas las
variables y cómo funcionan. Sólo es cuestión de paciencia y de prueba-error. Por suerte ahora el error te
saldrá gratis, así que no dudes en empezar a utilizarlo.
Por supuesto, es un método algo más lento que los anteriores, aunque con el tiempo serás capaz de
utilizarlo de forma más ágil, pocas veces será tan rápido como un Automático o un Programable, por lo
que es más recomendable en situaciones en las que no necesites demasiada rapidez. Respecto a cuál es
el mejor momento para utilizarlo, te diré que cualquiera, porque absolutamente todas las situaciones
anteriores puedes conseguirlas en modo manual. Eso sí, quizá en las recomendadas para usos
Automáticos o Programables, la opción Manual sea un poco más arriesgada, sobretodo en situaciones de
luz cambiante, por ejemplo, entras en un mercado al aire libre, hay toldos pero entra el sol y a la vez
quieres fotografiar al tendero, y rápidamente a ese niño que corre bajo el sol, y no quieres perderte
nada… Entonces mejor opta por un modo más automático. Pero si no es en este tipo de situaciones, no
dudes en usarlo y convertirlo en uno de tus favoritos, cuando lo descubras te encantará ser el real
protagonista de tus imágenes.
El modo manual te permite tomar todas las decisiones relacionadas con la imagen
El momento en el que como gran aficionado/a a la fotografía adquieres tu primera cámara réflex, es uno
de los más emocionantes que tendrás como fotógrafo/a. Este instante te abre un mundo infinito de
posibilidades, te proporciona la posibilidad de crear todo aquello que se te pasa por la cabeza, o de
hacer realidad esas imágenes que un día viste y pensaste ‘Esto lo voy a hacer yo’. Te da la oportunidad de
ser el/la real protagonista de tus fotografías, porque dentro de poco o quizá ya lo estás haciendo, cuando
veas una imagen pensarás, ‘Esto era exactamente lo que quería conseguir’, quería esto así y esto asá, y en
ese momento te darás o te has dado cuenta de que estás creando algo único, tuyo, de que has
participado en cada una de las decisiones que han dado como resultado esa imagen.
Y ese es uno de los muchos momentos magníficos que te va a deparar el mundo de la fotografía, así que
nunca dejes de practicar, ni de aprender, y sobretodo, ¡No te rindas! porque seguro que estás más cerca
de lo que crees, sólo necesitas algo que ya tienes, una cámara, muchas dosis de entusiasmo,
perseverancia y ganas de disfrutar de este maravilloso arte
* Tipos de archivo
GIF
Es un formato diseñado por Compu Serve y son las siglas del inglés Graphic Interchange Format (Formato
Gráfico de Intercambio), puede almacenar hasta 256 colores, por lo que pertenece a imágenes muy
sencillas, como dibujos, rayas, tramados y su peso es mínimo. Es multiplataforma y se usa habitualmente
en internet para logotipos (soporta animación), aunque debido su simpleza, es menos frecuente cada día.
PNG
Portable Network Graphics en un formato gráfico basado en un algoritmo de compresión sin pérdida, fue
desarrollado para solventar las carencias del GIF y permite mayor profundidad de contraste. Es un
formato sin perdida de calidad con una excelente compresión, ideal para imágenes formadas por
grandes áreas de color plano o con pocas variaciones de color (y soporta transparencias). Sus
características lo hacen ideal para su uso en internet, pero no ha tenido la expansión que se esperaba
(algunos navegadores no lo visualizan correctamente).
PSD
Es un archivo creado por el famoso y extendido programa de edición y retoque fotográfico Adobe
Photoshop. Es su archivo nativo y por ello su uso se limita a este programa (aunque otros también lo
pueden abrir).
TIFF
Tagged Image File Format (su extensión es TIF) es un formato de imagen de alta resolución basado en
etiquetas. Se utiliza para el intercambio universal de imágenes digitales y es ampliamente usado, y puede
ser monocromático, escala de grises o color de 8 y 24 bits. Puede comprimirse (aunque no lo
recomiendo) y es ideal para la fotografía digital, aunque cada vez se usa menos en el proceso fotográfico.
Hasta hace poco algunos modelos de cámaras (sobre todo réflex) trabajaban con este formato, pero ha
ido perdiendo terreno en favor del JPEG. Desventajas: ocupan mucho espacio y no permiten cambiar
valores como balance de blancos o la exposición. Por contra su ventaja es que es ampliamente aceptado
por los programas de edición, su uso está muy extendido y no ofrece pérdidas cada vez que se guarda
una y otra vez.
JPEG
Joint Photographic Experts Group identifica archivos que contienen imágenes y es el más utilizado para
almacenar, presentar y compartir fotografías. Fue diseñado para comprimir imágenes con 24 bits de
profundidad o en escala de grises. Es un estándar para el manejo de imágenes en internet y, por ello, su
uso se ha expandido, junto con el auge de la fotografía digital. Es el tipo de archivo que producen la casi
totalidad de las cámaras fotográficas y usa las siglas JPG en su extensión.
Cuando la cámara toma una imagen en formato JPEG le aplica algunos parámetros al procesarlo, como
ajustes de nitidez, reducción de ruido, contraste, saturación, etc. Por lo que cada cámara lo hará de una
forma distinta. Actualmente la enorme resolución de las máquinas casi obliga a utilizarlo, ya que generan
archivos enormes y con JPEG tenemos una compresión (con pérdida).
Sus principales ventajas son: no necesita un procesado posterior, ocupan menos espacio, son
compatibles con todos los programas y se visualizan en distintas plataformas, los disparos en JPEG son
más rápidos y permite a la cámara mayor velocidad de procesado por lo que son ideales para disparar en
ráfagas, con la menor compresión ofrece una calidad alta (si se ha tomado la imagen con parámetros de
exposición y balance de blancos adecuados) sin necesidad de retoque. Como desventaja principal está el
hecho de que su compresión es con pérdida de calidad, que va creciendo conforme guardamos
sucesivamente el mismo archivo, además de que nos permite poca flexibilidad.
RAW
Es un formato de imagen en bruto utilizado por las cámaras digitales y contiene toda la información
original capturada por la cámara (no suele tener compresión, aunque algunos fabricantes la incorporan).
Concebido más como un concepto, caada fabricante utiliza su propio archivo RAW (no hay un estándar
predominante y existen casi un centenar, variando incluso dentro del mismo fabricante en distintos
modelos) que se puede distinguir por sus extensiones: RAF (Fuji), CRW (Canon), NEF (Nikon),
ORF(Olympus), PTX (Pentax), RAW (Panasonic), ARW (Sony),... Requiere ser procesado (revelado) por un
software que lo soporte y suele ser denominado el negativo digital (por su analogía con la fotografía
tradicional).
* Tips para compra de equipo
2. Configuración de cámara
* Ajuste de ISO
CONCEPTOS BÁSICOS
La sensibilidad ISO es, junto con la apertura del diafragma y el tiempo de exposición, uno de los tres
elementos que definen la exposición en tus fotos, lo que se conoce como el famoso triángulo de la
exposición.
La sensibilidad ISO marca la cantidad de luz que necesita nuestra cámara para hacer una fotografía. Este
concepto, que viene arrastrado de la fotografía convencional, se mantiene en la fotografía digital, aunque
sus fundamentos son algo diferentes. En el siguiente artículo te los explico. ¿Quieres saber más?
Los Orígenes de la Sensibilidad ISO en Fotografía.
Pese que se use cada vez menos, la sensibilidad ISO es un concepto que hemos heredado de la
fotografía analógica. Las películas fotográficas están formadas por haluros de plata, millones de cristales
transparentes sensibles a la luz, agrupados. Podríamos decir que equivaldrían, a grosso modo, a los
píxeles del sensor de nuestra cámara digital. El tamaño de estos cristales es lo que marca la sensibilidad
de la película y el grano que se aprecia al obtener las copias reveladas.
Con el paso a la fotografía digital, se conservó el concepto de sensibilidad ISO, aunque el funcionamiento
del sensor no tiene mucho que ver en este aspecto, y el resultado, tampoco.
ISO en Fotografía Digital: ¿Qué Es y Cómo Influye en Nuestras Fotografías?
Como ya te hemos dicho en otras ocasiones, la luz es el elemento más importante a la hora de realizar
fotografías. Para controlar la luz que entra en nuestra cámara, contamos con 3 parámetros fundamentales,
el conocido como "triángulo de la exposición”:
Velocidad de obturación
Diafragma
ISO
La diferencia principal entre la ISO y los otros dos parámetros es que tanto la velocidad de obturación
como el diafragma dejan pasar naturalmente más o menos luz hacia el sensor de la cámara, mientras que
la ISO lo que hace es amplificar digitalmente la señal, haciéndonos ganar más luz, pero a costa de perder
calidad en la imagen.
Por eso, siempre que sea posible, es recomendable dejar la ISO lo más baja posible (100 o 200
dependiendo del modelo de tu cámara), y modificar solamente los parámetros de velocidad de
obturación y diafragma. Sin embargo, esto no siempre será una opción, ya que nos podemos encontrar
diversas situaciones en las que nos veremos obligados a aumentar la ISO si queremos realizar una
fotografía bien expuesta:
Cuando hay demasiada oscuridad
Cuando queremos congelar un movimiento y no podemos abrir más el diafragma
Cuando queremos cerrar bastante el diafragma para ganar más profundidad de campo
Cuando queremos sacar más estrellas en nuestra fotografía nocturna
Arriba, una fotografía disparada a 1/40, f.1,8 e ISO 100. Abajo, la misma fotografía disparada a 1/160, f.5 e
ISO 3200. Como se puede apreciar, el incremento de ruido, sobre todo en las zonas oscuras, es muy
significativo
Ruido al Incrementar el ISO: Como te comentaba, al incrementar la ISO para ganar más luz, vamos a
generar ruido en nuestras fotografías. El ruido es esa especie de grano que aparece sobre todo en las
zonas más oscuras de la foto. Para entender el concepto de ruido y cómo se genera, primero debemos
comprender cómo funciona la captura de imágenes en nuestra cámara.
Todas las cámaras digitales poseen un sensor, normalmente de tipo CMOS o CCD. El sensor de nuestra
cámara es el chip encargado de la captura de la imagen. Está compuesto por una malla de miles de
celdas fotosensibles en las que se recibe la imagen formada por la lente.
Cada una de esas celdas genera una corriente eléctrica en presencia de la luz. Esa corriente eléctrica será
luego convertida en datos numéricos que se almacenarán en forma digital binaria en la memoria de la
cámara dando origen a un píxel. Gracias a la suma de todos estos píxeles conseguiremos nuestra
fotografía final.
Además de activarse con la corriente eléctrica, cada una de esas celdas genera una cantidad más o
menos fija de corriente eléctrica (y por lo tanto de datos) al azar, aún en ausencia de la luz y en relación a
la temperatura (cuanto más elevada sea la temperatura, más generará). Estos datos aleatorios y carentes
de contenido son el tan temido ruido.
Así pues, como te comentaba antes, al subir la ISO lo que hacemos no es incrementar la sensibilidad de
esos elementos captores, sino por una amplificación posterior de la señal que estos emiten. Como estos
elementos tienen una emisión de señal de base más o menos fija, al capturar una señal lumínica débil y
amplificarla, estamos amplificando también una buena porción de la emisión de datos aleatoria del chip,
con lo que se mezclará una cantidad de señal aleatoria sin contenido a la señal correspondiente a la
imagen. Y es por eso que al incrementar la ISO incrementamos también el ruido en nuestras fotos.
El ISO y el Ruido en la Edición Digital
Podrías pensar entonces, después de saber cómo se genera el ruido en nuestra cámara, que merecería la
pena subexponer una fotografía antes que incrementar la ISO, para no generar ruido. Pues estás muy
equivocado. Una fotografía mal expuesta siempre tendrá una calidad inferior a una fotografía bien
expuesta. E intentar exponerla después en programas como Photoshop o Lightroom siempre generará
más ruido que si la hubiésemos expuesto correctamente al disparar, aunque hubiera sido incrementando
la ISO. Así pues, subir la ISO no es malo, simplemente hay que controlarla y saber hasta dónde puede
llegar tu cámara.
Cada cámara tiene un tratamiento del ruido diferente, y deberás ser tú el que considere hasta qué ISO
puedes subir en tu cámara y sacar fotografías con un ruido aceptable. Siempre podemos reducir un poco
el ruido en programas de edición, pero perderemos definición y si nos pasamos podemos emborronar
tanto la fotografía que acabe pareciendo una pintura al óleo. Así pues, desgraciadamente el ruido es un
enemigo con el que tendremos que lidiar siempre.
Sin embargo, no siempre lo consideraremos "nuestro enemigo". La nostalgia vintage que se vive hoy en
día ha hecho que muchos fotógrafos opten por añadir ruido en sus fotografías con programas de edición
digital. Añadiendo ruido a tu fotografía, puedes crear un aspecto antiguo, emulando el grano tan
característico de las fotografías analógicas. Así pues, tú mismo serás el que juzgue qué cantidad de ruido
le favorece más a tus fotografías.
Conclusiones
La mayor calidad de imagen con una cámara digital se obtendrá usándola a su menor sensibilidad ISO
equivalente.
El uso de sensibilidades ISO mayores se traducirá en un aumento de pixeles distribuidos al azar,
principalmente en las zonas de sombra de la imagen. El ruido, a diferencia del grano, no será
proporcional en toda la imagen, sino que se manifestará de forma más evidente en las zonas oscuras.
El ruido se manifiesta más en algunos canales que en otros. Normalmente el canal azul suele ser el que
contiene más ruido. Se puede editar este canal posteriormente con algún programa de edición para
reducir el ruido mediante una aplicación de filtros.
* Apertura de diafragma y bokeh

La Profundidad de Campo
CONCEPTOS BÁSICOS
¿Qué Es la Profundidad de Campo?

La profundidad de campo es un recurso de composición excelente como ya te contábamos en este otro
artículo. Jugando con la profundidad de campo tenemos el poder de dirigir la mirada del que ve nuestra
fotografía hacia un lugar concreto de la imagen, o hacia el conjunto general de la misma.
Vale, sí. Ya sabes para qué se puede utilizar… ¿pero qué es exactamente la profundidad de campo?
Entendemos por profundidad de campo la parte de la imagen que podemos apreciar como nítida o
enfocada. Es decir, cuando vemos una fotografía y en ella se distinguen zonas más nítidas y zonas más
borrosas, la profundidad de campo se correspondería con el área de la imagen que apreciamos como
nítida. La zona por delante y por detrás del sujeto u objeto que hemos enfocado y que nuestro ojo ve con
una nitidez aceptable.
Si somos estrictos, enfocado al 100% solo va a haber un plano, que es el que traducirá, por así decirlo, un
punto de la realidad en un punto de nuestro sensor. El resto estará desenfocado. Pero es cierto que ese
desenfoque va a ser muy pequeño entre los elementos que estén situados cerca del plano de enfoque
que hayamos escogido, y que nuestro ojo puede percibirlos como enfocados. A medida que nos
alejemos del plano de enfoque, ese desenfoque se hará más evidente.
Así pues, al área en la que nuestro ojo considera que los elementos tienen un grado de nitidez admisible,
es a lo que llamamos profundidad de campo.
Se suele apuntar a que en ese rango de nitidez que es la profundidad de campo, la distancia enfocada es
de 1/3 por delante del punto de enfoque, y 2/3 por detrás del punto de enfoque. Pero lo que tienes que
saber es que la profundidad de campo NO tiene por qué corresponderse con la mayor o menor cantidad
de elementos nítidos que aparezcan en el encuadre. No debemos confundirnos, porque eso NO ES la
profundidad de campo.
Factores que Influyen en la Profundidad de Campo

Ahora que ya comprendemos un poco más el concepto de profundidad de campo, vamos a ver cuáles
son los factores que van a influir en la mayor o menor profundidad de campo que pueda tener una
fotografía.
1. Apertura de diafragma (nºf)

La primera variable que influye en la profundidad de campo es la apertura de diafragma.
Cuanto más abierto tenemos el diagragma, es decir, cuanto menor sea el número f, menor será la
profundidad de campo de nuestra imagen, por lo que serán más los elementos que aparezcan
desenfocados en ella.
Y al revés, cuanto menos abierto esté el diafragma (o cuanto más cerrado esté), es decir, cuanto mayor
sea el número f, mayor será la profundidad de campo, y serán más los elementos que aparezcan con una
nitidez aceptable.
Como se observa en el gráfico, con un número f mayor la distancia que aparecerá con una nitidez
aceptable será mayor que si utilizamos un número f más pequeño.
Así, una fotografía tomada desde un punto de vista y con un objetivo con apertura a f16 tendrá mayor
profundidad de campo (más zona nítida) que otra tomada con el mismo objetivo y desde ese mismo
punto con una apertura de f2.
Como vemos en el ejemplo, la primera de las imágenes está realizada a un número f menor, por lo que la
zona nítida es muy concretra. A medida que cerramos el diafragma observamos como empezamos a
distinguir los elementos que se sitúan detrás del punto de enfoque.Con el último ejemplo, incluso ya se
adivinan los número sque aparecen en el objetivo.
El número f es el elemento utilizado en fotografía para identificar la apertura. Si no estás familiarizado con
el concepto o simplemente te interesa conocer el motivo por el que se utilizan esos valores a la hora de
identificar las aperturas en los objetivos, te recomiendo que no dejes de leer el artículo "El Misterioso
Significado del Número F”.
2. Distancia al plano de enfoque

La segunda de las variables es la distancia que existe entre la cámara y el plano de enfoque.
Conforme el sujeto u objeto que vayamos a fotografiar esté más cerca de la cámara, tendremos una
profundidad de campo menor. Mientras que si nuestro sujeto u objeto está más lejos de la cámara, la
profundidad de campo será mayor.
Eso significa que partiendo de que estamos haciendo la fotografía con el mismo objetivo y la misma
apertura fijada de antemano, cuanto más cerca nos encontremos del elemento que estemos enfocando,
menor será la profundidad de campo, y cuanto más lejos nos encontremos del elemento que estemos
enfocando, la profundidad de campo será mayor. En el siguiente gráfico podemos comprobarlo.
Y para ver cómo afecta, en las siguientes fotografías verás como con un mismo encuadre y una misma
distancia focal, la profundidad de campo ha ido variando a medida que hemos desplazado el objeto a
fotografiar. Conforme la figura estaba más cerca del fondo y más alejada por tanto de la cámara, la
profundidad de campo era mayor. Sin embargo, al ir desplazando la figura y alejandola de ese fondo
para acercarla a la cámara, la profundidad de campo se va reduciendo.
3. Distancia focal del objetivo (zoom)

Por último, la distancia focal de nuestro objetivo también va a influir en la mayor o menor profundidad de
campo de nuestras fotografías.
A medida que usamos objetivos con una focal más larga como por ejemplo los teleobjetivos (85mm,
200mm, 300mm, etc.), si hacemos más zoom con una lente, nuestra toma tendra una profundidad de
campo menor. Mientras que si utilizamos focales cortas (10 mm, 16mm, 20mm,etc.), dicho de manera
muy siemple si quitamos zoom, nuestra foto tendrá una profundidad de campo mayor. Veámolo en el
gráfico.
Esto podríamos simplificarlo diciendo que a menos milímetros de focal, más zona nítida conseguirás en
tu fotografía, tal y como queda reflejado en las siguientes tomas.
Hemos recortado las tomas para comparar en la misma zona cómo influye el uso de una distancia focal u
otra.
Premisas Antes de Adentrarse en el Maravilloso Mundo de la Profundidad de Campo

Vale, me has pillado. No solo son los tres factores que te explicado antes los que van a influir en el
concepto de profundidad de campo. Como muchos de vosotros habréis podido adivinar, el tamaño del
sensor de vuestra cámara y el tamaño del círculo de confusión van a influir tanto o más en el concepto
que estamos abordando, pero hemos preferido hablar de los tres más destacables y partir de que
trabajamos con un mismo círculo de confusión y un mismo tamaño de sensor. Aún así, para que entendáis
por qué hay más factores que influyen en la profundidad de campo, hagamos una breve explicación.
Del círculo de confusión ya te hablábamos en este otro artículo, pero hagamos memoria. Lo que viene a
decirnos este complejo término, es que ese rango de nitidez que van a tener nuestras imágenes, esa zona
que vamos a considerar como aceptablemente nítida y que llamamos profundidad de campo, dependerá
de múltiples variables. No quiero liaros con esto, pero por tratar de dejarlo más claro... no es lo mismo ver
una imagen en nuestra pantalla de 24 pulgadas del ordenador, que en la de 5 pulgadas de nuestro móvil,
por ejemplo. Si vemos esa misma imagen, en el móvil nos parecerá que hay más elementos enfocados
por lo pequeña que estamos viendo la toma. Sin embargo, al verla en un monitor mucho más grande,
comprobaremos que no había tantas cosas enfocadas como pensábamos.
Seguro que alguna vez has hecho una toma con tu cámara y creías que estaba perfectamente enfocada,
pero al llegar a casa y verla en el ordenador te has dado cuenta de que podías haber afinado más el foco.
Esto es porque al verlo en una pantalla mucho más pequeña, los "fallos" nos pasan más desapercibidos,
así como también nuestro criterio de profundidad de campo o "zona nítida aceptable" es bastante más
amplia que en monitor grande.
Y este es solo uno de los ejemplos que puede hacer que el círculo de confusión varíe, afectando por
tanto a la profundidad de campo. También influye la distancia a la que veamos esas fotografías por
ejemplo, o la agudeza visual del que las observa, así como también el tamaño de impresión y por
supuesto, el tamaño del sensor de la cámara con la que haremos la foto.
El tamaño del sensor va a influir en la mayor o menor profundidad de campo en la toma puesto que
cuanto más grande sea el sensor, podremos lograr una menor profundidad de campo, y cuando menor
sea el sensor, mayor será la profundidad de campo. Y esto se entiende si pensamos en la cámara de
nuestro móvil o una cámara de acción por ejemplo como las Gopro, que tienen un sensor muy pequeño y
por eso aparecerá casi todo enfocado. Mientras que si cogemos una réflex full frame o de formato
completo, la profundidad de campo con los mismo valores será muchísimo menor.
Así que cuando veas una toma en la que aparece un retrato perfecto con un desenfoque bonito y quieras
intentarlo con tu móvil, deberás saber que difícilmente podrás lograrlo debido al tamaño del sensor.
* Velocidad de Obturación:
CONCEPTOS BÁSICOS
La velocidad de obturación es una de las formas de regular la cantidad de luz que entra al sensor de
nuestra cámara. Variando el control de la velocidad de obturación podrás hacer la misma fotografía con
resultados muy distintos. Uno de los elementos en los que impacta de una manera más determinante es
en la congelación (o no) del movimiento.
Con el fin de conocerlo un poco mejor, en este artículo abordaremos todo lo que necesitas saber sobre
éste concepto fotográfico explicado con ejemplos. ¿Te quedas conmigo para descubrirlo?
¿Qué Es La Velocidad de Obturación?
Le velocidad de obturación, o tiempo de exposición, es uno de los tres pilares básicos de la exposición
fotográfica (junto con la apertura de diafragma y la sensibilidad ISO). Con el control de este parámetro
dejaremos pasar más o menos luz al sensor de nuestra cámara con una clara implicación: congelar o no el
movimiento. Pero antes de explicar qué es la velocidad de obturación, debemos conocer qué es el
obturador.
¿Qué es el Obturador de la Cámara?

El obturador de nuestra cámara es un dispositivo mecánico muy preciso situado delante del sensor, que
va a controlar el tiempo durante el cual le llegará la luz a éste. Está formado por dos cortinillas (una que
se abre para iniciar la exposición y otra que se cierra para finalizarla), y el espacio que queda entre ellas
será por el que entre la luz.
Por lo tanto, la velocidad de obturación será el tiempo que va a estar abierto el obturador de nuestra
cámara y que dejará pasar la luz al sensor.
¿Qué Implica la Velocidad de Obturación?

Una vez sabemos lo que es la velocidad de obturación, veamos cuáles son las consecuencias de utilizar
tiempos de exposición más o menos largos. El gráfico que aparece a continuación trata de ilustrarnos
cuáles son dichas consecuencias.
Velocidad de Obturación Rápida / Tiempo de Exposición Corto

Viendo el gráfico, comprobarás que si trabajamos con velocidades de obturación rápidas (o lo que es lo
mismo, tiempos de exposición cortos), la cámara abrirá y cerrará el obturador muy rápido. Esto implica
que la cantidad de luz que entra en el sensor, lo hará durante un breve período de tiempo, por lo tanto
para lograr una buena exposición deberemos compensarlo iluminando bien la escena a retratar, y/o
jugando con los otros dos parámetros del triángulo de la exposición: la apertura de diafragma y la
sensibilidad ISO. Si no lo compensamos, nuestra fotografía seguramente quedará subexpuesta, porque la
luz ha pasado durante muy poco tiempo.
¿Y qué se considera una velocidad de obturación rápida? Suele considerarse rápida la que se sitúa por
encima de 1/60 segundos. A partir de esta velocidad, comprobaremos cómo nuestras imágenes son más
estáticas y consiguen congelar el movimiento. Y a medida que usemos velocidades más rápidas, ese
efecto de congelar la acción será más evidente todavía. Esto sin duda es de gran utilidad en fotografía de
deportes.
Velocidad de Obturación Lenta / Tiempo de Exposición Largo

En cuanto a una velocidad de obturación lenta (o lo que es lo mismo un tiempo de exposición largo), es
justo el caso contrario. Vamos a estar con el obturador de la cámara abierto durante más tiempo, y eso
implica que dejaremos pasar más luz al sensor de la cámara. Para las situaciones en las que usemos una
velocidad de obturación lenta, comprobaremos que no hará falta subir tanto la ISO ni abrir tanto el
diafragma para conseguir una exposición adecuada.
Por velocidad de obturación lenta entendemos aquello que se sitúa por debajo de 1/60 segundos. Con
este tiempo de exposición conseguiremos captar el movimiento producido por los objetos o sujetos que
aparezcan en nuestra toma. Incluso la propia fotografía podría salirnos movida por el movimiento que
causamos al pulsar el obturador, de ahí la importancia de utilizar un buen trípode para tiempos de
exposición largos. La sensación que se genera utilizando estas velocidades es de dinamismo.
¡Pero ojo! Dentro de las velocidades rápidas y las velocidades lentas, también existen diferencias. No
usarás los mismos valores para congelar a una persona que está corriendo que a un coche de fórmula 1
corriendo en pista. Aunque ambas se consideren velocidades de obturación rápidas, para congelar el
movimiento de un coche de fórmula 1 la velocidad es bastante más rápida. Esto nos lleva a concluir que
no solo debemos fijarnos en si decidir entre velocidades rápidas y lentas, sino que tenemos que tener
muy presente el movimiento del sujeto u objeto que vayamos a retratar, y adaptarnos a él para conseguir
nuestro propósito.
¿Cómo Se Mide la Velocidad de Obturación?

La velocidad de obturación se mide en fracciones de segundo. Esto es así porque realmente el tiempo
durante el que estamos capturando la foto, por norma general, será corto, y hablar en fracciones de
segundo resulta mucho más cómodo que indicar que hemos hecho una foto a 0,02 segundos. A partir de
tomas hechas a más de 1 segundo de exposición, entonces sí que veremos que cambiamos las fracciones
de segundo por cifras más redondas (1s, 2s, 3s, 15s, 30s..).
Y no debemos asustarnos con estas cifras. Manteniendo el resto de parámetros, debemos saber que una
foto hecha a una velocidad de 1/500, dejará pasar la mitad de luz que una realizada a 1/250, al igual que
una de 1 segundo deja pasar la mitad que una de 2 segundos.
En la mayoría de cámaras podemos ajustar la escala con la que trabajar con la velocidad de obturación,
pudiendo dejarla a intervalos de medio paso o de un tercio de paso. Cada intervalo de la escala de pasos
enteros duplicará o dividirá entre dos la cantidad de luz que llega a la cámara.
Velocidad de Obturación: Algunos Ejemplos Prácticos
Como no hay nada mejor que comparar los resultados obtenidos con una velocidad u otra, voy a
enseñarte algunos ejemplos que he realizado para la ocasión.
Este primer ejemplo me gusta porque aunque sea uno de los más utilizados para explicar este concepto,
deja las cosas bastante claras. La escena es simple: un grifo que dejamos gotear.
En la primer imagen hemos trabajado con una velocidad de obturación lenta: 1/8 segundos. El efecto
que hemos conseguido con ello es pillar el rastro que dibujan las gotas de agua al caer.
En la segunda imagen hemos subido la velocidad de obturación hasta 1/350 segundos, lo cual nos ha
permitido captar las gotas de agua de forma individual y suspendidas en el aire. Si hubiéramos subido
más la velocidad, aún hubiéramos congelado de forma más evidente dichas gotas.
Además de la clara diferencia en cuanto al efecto que conseguimos con una velocidad u otra, fíjate bien
en los parámetros. En la primera toma apenas tenemos ruido porque hemos utilizado una ISO muy baja,
mientras que en la segunda, al trabajar con una velocidad mucho más rápida, la cantidad de luz que ha
entrado en el sensor de nuestra cámara es bastante menor, y hemos tenido que compensar esa falta de
exposición subiendo la ISO hasta 3200, y ganando ruido en nuestra toma. Es importante tener en cuenta
esto, ya que cuando decidamos si trabajar con unas velocidades u otras debemos ser conscientes de que
para lograr una exposición adecuada hay que tener presentes otros factores: como los dos otros
parámetros del triángulo de la exposición, y la luz de la que disponemos en la escena.
Ejemplo 2: La caída del corazón

En este segundo ejemplo hemos dejado caer un peluche con forma de corazón al vacío. En la primera
toma vemos que al trabajar con una velocidad lenta (1/40 segundos), hemos podido captar el
movimiento que dibuja la caída.Sabemos cuál es la dirección en la que cae gracias a esa traza.
En la segunda toma hemos congelado la acción. Hemos captado el corazón en esa caída dejándolo
estático en la fotografía. La velocidad de captura es mucho más rápida (1/500 segundos).
Para que seas consciente de lo que puede llegar a suponer utilizar una velocidad u otra, imagina que la
segunda toma la volteamos dejando el corazón en horizontal.
¿Podrías adivinar hacia dónde está cayendo o te costaría bastante? Mira la foto de la izquierda. Es
exactamente la misma pero volteada, y si la giramos, da la sensación de que está cayendo hacia bajo
¿no?
Sin embargo, si volteáramos la fotografía hecha con una velocidad lenta nos chocaría porque la traza nos
marca la dirección en la que está cayendo el objeto.
Ejemplo 3: Pelo en movimiento
En este último ejemplo una servidora ha utilizado el movimiento del pelo para la ocasión.
En la primera toma hemos trabajado con una velocidad lenta de 1/10 segundos, lo cual me ha permitido
recoger el movimiento que he realizado con el pelo,otorgándole cierto toque de locura a la fotografía.
En la segunda toma hemos subido la velocidad hasta 1/1000 segundos, y eso nos ha permitido congelar
el movimiento del pelo en su máximo apogeo. Aquí descubrimos dos cosas que en la foto anterior no
hubiéramos podido adivinar: que el pelo era rizado y que se trata de una melena bastante larga. El toque
de locura en esta segunda imagen desaparece, y nos aproximamos más a pensar que he metido los
dedos en un enchufe.
¿Cómo Puedo Controlar la Velocidad de Obturación?

Ahora que ya sabemos qué diferencias pueden haber entre una fotografía disparada con una velocidad
lenta y otra con una velocidad rápida, llega la siguiente pregunta. ¿Cómo podemos controlar la velocidad
de obturación? Con el modo automático y algunos semiautomatismos, como el modo de prioridad a la
apertura de diafragma, será la cámara quien decida qué velocidad usar para la toma. Pero si lo que
queremos es controlar nosotros mismos el tiempo de exposición, básicamente tenemos tres modos de
hacerlo:
Con el modo de prioridad a la velocidad de obturación (TV/S). Este modo que traen nuestras cámaras es
un semiautomatismo que nos deja elegir la velocidad de obturación con la que queremos trabajar, y le da
a la cámara el poder para que calcule el resto de parámetros para lograr una exposición adecuada. Si
estamos ante situaciones en las que tenemos poco margen de tiempo para trabajar, pero sabemos que el
control de la velocidad es esencial para nuestra captura, entonces es el modo más recomendable. Eso sí,
revisa siempre las fotos y los avisos que te de la cámara, ya que si usas velocidades demasiado rápidas y
no hay luz suficiente en la escena, puede que tus fotos, a pesar de compensar con la ISO y la apertura de
diafragma, salgan oscuras.
Con el modo Manual (M). Con el modo manual tendrás tú, y solo tú, el control sobre todos los
parámetros. Eso sin duda es lo ideal, ya que de esa forma obtendrás la fotografía que tu quieres,
consiguiendo la exposición más adecuada para tu propósito. Eso sí, ten en cuenta que en manual solo
podremos trabajar hasta velocidades lentas que no suelen superar los 30 segundos de duración.
Con el modo Bulb (B). Como hemos dicho, el modo manual no nos suele permitir disparar tomas que
duren más de 30 segundos. Es bastante tiempo, pero si eres amante de la fotografía nocturna seguro que
para algunas de tus tomas necesitas más de 30 segundos de exposición. Para esos casos, el modo Bulb
es tu solución. Es como el modo manual, solo que te permite exposiciones más largas. Serás tú quien le
indique a la cámara cuándo empieza y acaba la toma.
¿Qué Velocidad de Obturación Usar en Cada Ocasión?

Congelar o recoger el movimiento natural en una determinada escena dependerá del tipo de escena y
los elementos que aparezcan en ella. Con la práctica, te acostumbrarás a identificar velocidades típicas
que harán que sepas en cada momento qué velocidad de obturación usar para recoger o no
determinado movimiento en tu captura.
Recuerda que parte de la razón por la que disparamos a velocidades rápidas es evitar causar
trepidaciones a la hora de disparar la toma, y que cuando disparemos con velocidades lenta el uso de un
trípode, e incluso un disparador remoto, va a ser esencial. Veamos algunos de temáticas fotográficas en
las que la velocidad de obturación es importante:
Fotografía de deportes. En fotografía de deportes lo habitual es trabajar con velocidades de obturación
muy rápidas. Piensa que el momento en el que ese jugador mete una canasta o ese atleta hace su salto,
son momentos únicos de gran importancia que para poder ver en todo su esplendor, lo que deberemos
hacer es congelar el movimiento (salvo si buscamos un toque artístico en la toma). Eso sí, como te decía
antes, recuerda que debes adaptarte al deporte que vayas a fotografiar, ya que una velocidad rápida no
será la misma en un partido de tenis que una carrera de motos.
Fotografía de fauna. En este tipo de fotografía pasa al igual que con los deportes. Si el momento en el
que ese pájaro atrapa un pez, o ese león se lanza a por su presa salen borrosos, la foto pierde bastante.
Aquí las velocidades de obturación rápidas también son importantes.
Efecto seda. Si hay un efecto que nos gusta bastante a casi todos los fotógrafos es el efecto seda de agua
o nubes en movimiento. Para poder conseguirlo, como ya te contábamos en este otro artículo, es esencial
trabajar con velocidades de obturación lentas, de forma que recojamos el movimiento dibujado por el
agua de esa cascada, por ejemplo.
Barrido. El barrido es una técnica muy atractiva visualmente, que nos permite congelar a nuestro sujeto
en un entorno en movimiento. Para conseguirlo debemos trabajar con velocidades lentas, entorno a 1/60
segundos, y trazar nosotros el movimiento a una velocidad aparente similar a la que lo hace nuestro
sujeto. Si quieres descubrir más sobre ello no te pierdas este artículo.
Efecto zooming. El efecto zooming también es una técnica capaz de crear sensación de movimiento, que
consiste en realizar la toma con velocidades de obturación lentas, un diafragma lo suficientemente
cerrado y, lo más importante, en la que, durante el tiempo que el obturador permanece abierto, se varíe
la distancia focal del objetivo.
Luz en movimiento/lightpainting. Otro tipo de foto en la que la velocidad de obturación a utilizar está
muy clara es en fotos con lightpainting. Aquí los tiempos de exposición serán largos, es decir,
emplearemos velocidades de obturación lentas para poder registrar el trazo de la luz que queramos.
Dependerá de la escena que hagamos, usaremos velocidades más o menos lentas.
Fotografía nocturna. En fotografía nocturna también es esencial trabajar con velocidades de obturación
lentas. Recuerda que cuanto más tiempo estemos disparando la toma, más luz dejaremos entrar al sensor,
y eso en fotografía nocturna es muy importante. Por ejemplo, la siguiente fotografía está disparada a 25
segundos.
Lugares estáticos con sujetos móviles. A veces si queremos dar la sensación de "paso del tiempo", una
buena forma de hacerlo es utilizar velocidades lentas y conseguir que en un entorno estático aparezca
gente trepidada.
Eliminar elementos indeseados de nuestra composición. Imagínate que has ido a esa plaza tan famosa y
quieres conseguir tu fotografía del lugar, pero no deja de pasar gente. ¿Qué puedes hacer? Pues realizar
una toma de larga exposición. De esa forma, la plaza te saldrá, pero todo aquello que se desplace por el
encuadre desaparecerá durante la captura.
* Temperatura de color
Es posible que hayas oído hablar alguna vez de la "temperatura de color", pero que no tengas claro lo
que es. Está muy relacionada con el "balance de blancos", otro concepto que probablemente te suene.
¿Quieres entender completamente estos conceptos y saber cómo influyen en tus fotografías? Has llegado
al lugar adecuado.
¿Qué es la Temperatura de Color?

Antes de empezar a explicarte qué es la temperatura de color, me gustaría que hagas memoria y pienses
en alguna situación en la que hayas tomado una foto, y el color que te ha salido era muy diferente al que
había en realidad. Te ha salido mucho más rojiza o anaranjada (cálida), o mucho más azulada (fría). Es
decir, te ha salido con una "temperatura de color" diferente. Esto lo podemos corregir con el balance de
blancos, que te explicaré más adelante. Vamos primero con la temperatura de color.
A la izquierda, una fotografía con temperatura de color fría, tomada a 3230K. A la derecha, la misma
fotografía con una temperatura de color cálida, a 7690K.
Podríamos definir temperatura de color como la dominancia de alguno de los colores del espectro
lumínico sobre los demás, de modo que altera el color blanco hacia el rojo o hacia el azul en dicho
espectro. ¿Qué quiere decir eso? Pues que la luz, ya sea natural o artificial, tiene una dominante de color
que tiende hacia el rojo (pasando por el amarillo y el naranja), o hacia el azul (pasando por el blanco).
Esto hará que los tonos de nuestra fotografía se alteren, y que el blanco no aparezca como un blanco
puro, sino que tenderá a ser rojizo o azulado.
El color de la luz, o la temperatura de color, se mide en Kelvin, donde el color blanco o neutro se sitúa en
los 5.500 K, que equivaldría a la luz del mediodía. La luz con temperatura menor de 5.500K se irá
haciendo más amarillenta gradualmente, hasta alcanzar tonos anaranjados y finalmente rojizos. Por otra
parte, la luz con temperatura mayor de 5.500K se irá haciendo más azulada gradualmente, desde un tono
cian hasta un tono azul marino.
Así pues, un día nublado podría llegar a los 12.000K, es decir, tendría una luz muy azulada, mientras que
un atardecer bajaría hasta los 2.000K, es decir, tendría una luz muy anaranjada. A continuación
encontrarás una tabla donde están situados varios ejemplos en su correspondiente temperatura de color.
¿Cómo Influye el Balance de Blancos en la Temperatura de Color?

Así como nuestros ojos son capaces de compensar la temperatura de color que hay, nuestra cámara no
será capaz de hacerlo correctamente por sí sola. Por eso será importante decirle a nuestra cámara qué
temperatura de color hay en el ambiente en el que estamos, mediante el balance de blancos. Hoy en día
la mayoría de las cámaras digitales tienen un apartado de balance de blancos en su menú. Podremos
encontrar 4 maneras diferentes de decirle a nuestra cámara qué temperatura de color tiene la luz en
donde estamos haciendo la fotografía.
Modo automático: El modo automático es el menos preciso de todos, ya que la cámara interpreta
mediante su sensor qué tipo de luz hay. Normalmente funciona bien con luces neutras, pero si nos
encontramos en un atardecer, o una habitación con luz artificial, es posible que no nos de un buen
resultado.
Modos semiautomáticos: La mayoría de cámaras tienen unos presets de balance de blancos en los que le
podemos indicar a la cámara situaciones específicas, como luz artificial, día soleado, día nublado,
atardecer, etc. Estos modos suelen funcionar bastante bien en situaciones estandard, ya que podremos
indicarle a la cámara en qué situación nos encontramos. Sin embargo, no nos servirán si nos encontramos
en un ambiente diferente, o si queremos conseguir un balance de blancos que no sea neutro.
Personalizado: Aunque no todas, muchas cámaras te darán la opción de personalizar el balance de
blancos haciéndole una fotografía a una superficie blanca o con un gris neutro, para que la cámara
determine cuál es el blanco en ese ambiente y adecúe los demás tonos a ese que le hemos indicado.
Pese a que existen unas tarjetas llamadas "carta de grises" que te permiten llevar siempre encima blanco,
gris y negro neutros, también puedes usar un folio, o incluso una pared blanca que haya en el lugar.
En Kelvin: Muchas cámaras también te ofrecen la opción de especificar tú mismo en qué grados Kelvin
queremos tomar la fotografía. Sin embargo, esto tenemos que entenderlo bien porque puede llevarnos a
confusiones. Si por ejemplo ponemos 2000K en este menú pensando en la tabla que hemos visto
anteriormente, podríamos pensar que la fotografía nos saldrá con una temperatura de color anaranjada.
Sin embargo nos saldrá una foto muy azulada.¿Por qué ocurre esto? No, no nos hemos equivocado. Lo
que ocurre es que la cámara no está disparando a 2000K, sino que está intentando compensar los 2000K
que "le hemos dicho que hay en el ambiente" con ese tono azulado, para que el blanco sea blanco puro.
Eso es lo que hace este modo: nosotros le indicamos qué Kelvin tenemos en el ambiente, para que ella lo
compense y deje el blanco de color blanco. Sin embargo, este modo normalmente no lo usaremos así,
sino que lo usaremos para "engañar" a nuestra cámara, para conseguir exactamente la temperatura de
color que más nos interese.
Finalmente, recuerda que un balance de blancos que no sea neutro no siempre será incorrecto. Muchas
veces no buscaremos que el blanco sea blanco, sino que querremos darle a nuestra fotografía una
temperatura de color más atractiva. Por ejemplo, en una atardecer será más interesante tener una
dominante anaranjada o cálida, mientras que en una fotografía nocturna quizás nos interese más tener
una dominante azulada o fría.
Por eso es importante conocer también los modos manuales del balance de blancos, y no depender
únicamente de los modos automáticos. Así podremos determinar exactamente qué temperatura de color
queremos que tenga nuestra fotografía.
La Temperatura de Color en la Edición Digital

Pese a que siempre recomiendo intentar sacar tu fotografía lo mejor posible directamente en tu cámara,
para tener que procesar lo menos posible, también podemos ajustar la temperatura de color en
programas de edición como Photoshop o Lightroom. Podremos editar imágenes tanto en formato RAW
como en formatos comprimidos como JPG, PNG o TIFF.
En ambos programas encontraremos un deslizador principal, donde podremos virar nuestra foto a una
temperatura más azulada o más amarillenta. Además, debajo de este primer deslizador encontraremos
otro secundario que nos permitirá dotar a nuestra fotografía de un matiz verde o magenta. Así, podremos
ajustar el color de nuestra fotografía completamente a nuestro gusto, de manera rápida y sencilla.
En Photoshop deberemos entrar en el menú Filtros/Filtro de Camera RAW y lo encontraremos al principio
de la primera pestaña llamada “Básicos".
* Picture Style
Los Estilos de Foto (Canon) o Picture Control (Nikon) corresponden a una configuración que permite (en
algunos casos) optimizar el post-procesado de la Imagen. Veamos a continuación que es esto...
En la época del negativo, uno podía usar distintos tipos de película para distintos propósitos. Existía (o
existe) el rollo en blanco y negro, o el rollo a color, pero también fueron diseñados otros tipos de
películas, por ejemplo con colores más vívidos (VC de Kodak) especial para paisajes, o otras con colores
más naturales (NC de Kodak) usada más en retratos para reproducir un adecuado color de la piel. Todas
estas películas, e incluso muchas otras, hacían variar el estilo resultante en la fotografía final.
Pero hoy, no es necesario cambiar de rollo para tener un efecto o estilo de imagen especial. Cuando
tomamos una imagen, luego de ser captado por nuestro sensor, y justo antes de ser grabado en la tarjeta
de memoria, la cámara "procesa" la imagen realizando algunos ajustes.
Estos ajustes son los mismos que realizamos en el post-procesado: Contraste, Nitidez, Saturación y Tono
(fundamentalmente). Osea, es como procesar de una forma determinada todas las imágenes que
tomamos.
Esta herramienta es fundamental en el caso de que captures en JPEG, debido a que, luego de la
compresión al momento de grabar la imagen en la tarjeta de memoria, tendrás una nueva compresión si
realizas ajustes de post-procesado, perdiendo información tonal. Esto se evita teniendo un JPEG lo más
acabado posible en la misma tarjeta de memoria. Así no requerirás ajustes posteriores, y sólo tendrás una
compresión (la de la propia cámara).
¿Como llegamos a ésta función en nuestras cámaras?

En el caso de NIKON, tienes que estar en los modos P, S, A y M. Para acceder pulsa el botón "Menú" y
luego "Menú de Disparo". En éste menú seleccionas "Ajustar Picture Control". Si entras en esta sección,
podrás ver los estilos de Picture Control disponibles.
En el caso de CANON, es más rápido. Presionas el botón con el ícono de Estilo Foto (ver imagen de
arriba). Luego te aparecerá el menú de "Estilos de Foto" donde podrás seleccionar los estilos disponibles.
Presionas Set para seleccionar uno.
Veamos ahora, cada una de estos Estilos de Imagen o Picture Control
(Canon y Nikon tienen los mismos estilos, pero difieren en sus nombres y en escasas características. Acá
van ambos nombres. Primero el de Canon y luego el de Nikon)
1. Neutro (N) /Neutro (NL): El procesamiento es mínimo, y se obtienen colores naturales, e imágenes
poco contrastadas. Este es recomendable para quienes van a procesar luego las imágenes.
2. Fiel (F) / Estándar (SD): El procesamiento es un poco mayor al anterior. Entrega una imagen suave, y
levemente contrastada. Los colores están exactamente reproducidos.
3. Normal (N) / Vívido (VI): Los colores se saturan un poco más (especialmente los colores primarios).
Además se incrementa la nitidez de la imagen. La fotografías están especialmente contrastadas y tienen
viveza en sus colores.
4. Retrato (P) / Retrato (PT): Sirve para reproducir fielmente los tonos de la piel, acentuando su suavidad.
La nitidez está ligeramente aumentada.
5. Paisaje (L) / Paisaje (LS): Mejora la intensidad y viveza en los colores verdes y azules, mejorando mucho
la nitidez de la imagen. No se recomienda usar en la presencia de personas, ya que da un tono verdoso a
la piel.
Esta imagen es SOOC (Straight Out Of Camera), es decir, sin ningún tipo de post-procesado. La única
diferencia entre cada una es el Estilo de Foto aplicado (en este caso Canon).
Entonces, resumiendo: Tomamos nuestra imagen, y la cámara al guardarla en la tarjeta de memoria le

aplica unos ajustes predeterminados de Saturación, nitidez, Contraste, Tono (y Brillo en el caso de Nikon).
Luego, es guardado de esta forma en la tarjeta. Si trabajamos con JPEG tendremos una imagen más
acabada guardada en la tarjeta de memoria.
Ahora, en nuestras cámaras también hay un espacio para que realicemos nuestros propios ajustes
personales y los guardemos como un Estilo de Imagen personalizado. Esto permitirá personalizar nuestro
procesado en cámara, y tener un JPEG más cercano a lo que queremos.
Otro aspecto importante a mencionar es que si disparamos en RAW, podremos luego cambiar
completamente estos estilos sin perder información en la imagen. Solo basta con seleccionar el estilo en
el programa que entrega la cámara. Así que la mayoría de los que disparan en RAW, sitúan el estilo en
Fiel/Estándar o Neutro/Neutro. Para después realizar los ajustes correspondientes en el post-procesado
de la imagen.
* Rango dinámico
El rango dinámico puede ser un concepto confuso, debido a que puede significar dos cosas diferentes.
En principio, el “rango dinámico” describe el rango de tonos en la escena que estás fotografiando. Una
escena con un alto rango dinámico tendrá una gran diferencia de brillo entre las zonas más oscuras y las
más brillantes. Los fotógrafos a menudo hablan del “contraste” lo cual es la misma cosa.
Los fabricantes de cámaras también hablan del “rango dinámico” de sus sensores. En este caso, se trata
de la capacidad del sensor de captar todos esos rangos de tonos.
En ambos casos, el rango dinámico es medido en valores de EV, o “pasos” y el secreto de una buena
exposición es asegurarse que el rango dinámico de la escena que vamos a fotografiar no es mayor que el
rango dinámico que puede captar nuestra cámara. Necesitarás aprender también que puedes hacer para
arreglar las cosas en el caso de que lo sea.
Afortunadamente, no tienes que liarte con complicados cálculos, porque el histograma que te ofrece la
cámara puede decirte todo lo que necesitas saber de un vistazo. El siguiente diagrama muestra como
interpretar lo que el histograma nos está diciendo.
01.- El histograma es una representación gráfica de los tonos en tu imagen, mostrando el numero de
pixeles en los diferentes rangos de brillo, desde el negro puro (a la izquierda de la escala) hasta el blanco
puro (a la derecha).
02.- Las “sombras” en la imagen ocupan aproximadamente la cuarta parte de la izquierda del rango total.
03.- Con la mayoría de los sujetos el pico del histograma se encuentra en los tonos medios, aunque la
forma de los histogramas varia ampliamente como veremos más adelante.
04.- Las “luces” están en el cuarto derecho del rango de brillos.
05.- El rango dinámico de la escena que estás fotografiando es mostrado por el ancho del histograma.
06.- El rango dinámico que tu cámara puede captar, es mostrado por el ancho de la escala del
histograma. Si el histograma no encaja dentro de esa escala, es una señal de alarma.
Las cámaras DSLR viene con una selección de modos de medición que te pueden ayudar a encontrar la
exposición correcta. El modo matricial analizará toda la escena , el modo ponderado al centro
promediará la luz pero dará más importancia al centro, y el modo puntual nos dejará basar la exposición
en una pequeña área.
Estos tres modos de medición tienen su utilidad, y todos está pensados para conseguir una exposición
aparentemente equilibrada, pero no miden el rango dinámico. Todas estas mediciones pueden producir
imágenes donde las luces y/o las sombras en la escena se pierden.
En cierto modo, estos modos de medición son un recuerdo de la era pre-digital, aunque ahora podemos
medir y ver el rango dinámico de una escena mucho más fácilmente. Puedes continuar manejando la
exposición con cualquiera de esos modos y la mayoría de las veces funcionarán bien. Pero habrá
situaciones cuando un entendimiento del rango dinámico te ayudará a poder producir un rango de tonos
que no podrías conseguir de otra manera.
Problemas con el rango dinámico y su solución.

1.- Paisajes con un histograma con doble pico.
En los paisajes, el cielo es a menudo mucho más brillante que el paisaje mismo, y una única exposición
no puede capturar ambos.
La solución: Los fotógrafos de paisajes usan filtros graduados para bloquear algo de luz y traer el cielo
brillante al rango dinámico de la cámara.
2.- Retratos: rostros en sombra.

Un sujeto con la luz detrás del él, o dejará la cara del sujeto en sombras o, si incrementas la exposición,
harás que el fondo quede sobreexpuesto.
La solución: Usa un flash de relleno para iluminar la cara y traer a la escena de nuevo al rango dinámico
de la cámara.
3.- Sol y sombras: alto contaste.

Un sol brillante bajo un cielo claro puede producir una diferencia entre la luz y la sombra que es
demasiado grande para que lo pueda manejar la cámara.
La solución: Dispara en RAW. Los ficheros RAW almacenan más detalle en las luces y en las sombras que
se pueden recuperar después con el ordenador.
4.- Amaneceres y atardeceres: Contraste extremo.

Al amanecer y al atardecer el cielo es a menudo demasiado brillante que el resto de la escena y es
imposible capturar todo el rango de brillos incluso en RAW.
La solución: Crea un HDR. Fotografía la escena con diferentes exposiciones y usa un programa de
creación de HDR para mezclarlas en una única imagen.
* Medición de la exposición
3.- Iluminación
* Principios básicos de iluminación
* Luz Natural
* Tipos de lámparas
* Rebotes
* Tipos de iluminación (Soft-light, Hard-light, rebotada, product)
* Ejercicios de Iluminación
4.- Composición, encuadres y producción

COMPOSICIÓN, CONCEPTOS BÁSICOS
¿Sabes cuál es la diferencia entre una buena y una mala fotografía? Asumiendo que los colores han salido
correctamente al imprimirla y la exposición y el enfoque son correctos, existen una serie de elementos
sobre los que los fotógrafos hablan continuamente al evaluar una foto: son las "reglas de composición". Y
dependiendo de con quien hablemos, nos darán unas reglas u otras.
1. Identifica el centro de interés

Cada fotografía tiene (o debería tener) un centro de interés.
¿De qué es la foto? ¿Es una fotografía de tu novia? ¿Es una fotografía de las pirámides de Egipto?
Debería ser obvio para cualquiera que mire una fotografía entender lo que queremos enseñar con la foto.
Es lo que se denomina el centro de interés.
Aunque se denomine centro, el centro de interés no tiene que ser necesariamente el objeto que esté
colocado en en el centro de la foto ni ser el objeto que ocupa la mayor parte de la imagen, pero de esto
te hablaré más adelante.
La elección del centro de interés es la primera regla de una buena composición, ya que es la más
importante. Simplemente decide antes de disparar el motivo sobre el que quieres tomar la fotografía. Y a
partir de ahí, todo lo que tienes que hacer es enfocar (o desenfocar) el elemento sobre el que quieras
centrar el interés.
2. Rellena el encuadre (Fill the frame)

Esta regla puede parecer bastante obvia, pero lo cierto es que muchas veces fallamos al aplicarla.
Si queremos contar algo en una foto, ocupemos la mayor parte con ese "algo", asegurándonos que se
convierte de este modo en el centro de atención. Además, de este modo eliminamos posibles elementos
que resten atención.
Es un fallo demasiado común el querer sacar demasiadas cosas en una única foto. Al final, lo que
conseguimos es que no quede demasiado claro qué es lo que queríamos enseñar en nuestra fotografía.
Ante la duda de si algo debe salir o no en la foto, mejor quítalo.
3. Apóyate en las líneas

Las líneas son un elemento de importancia vital en las artes visuales. Las líneas nos aportan formas y
contornos. Con las líneas dirigimos la mirada del espectador de una parte de la foto a otra.
Cuando vayas avanzando en el mundo de la fotografía podrás comprobar cómo las líneas son uno de los
elementos más eficaces a la hora de dirigir la mirada de quien contempla nuestras fotos hacia donde
queremos que mire. Las líneas horizontales, verticales y diagonales son elementos compositivos que
aportan significado a las imágenes.
Un tipo especial de líneas son las líneas convergentes. Son las líneas paralelas que, por el efecto de la
distancia, acaban convergiendo en un mismo punto.
4. Trabaja el flujo
Después de las líneas, podemos tratar el flujo. En fotografía, el flujo es el modo en el que la mirada del
espectador se desplaza de una parte de la fotografía a otra. Una manera de definir el flujo de una
fotografía es mediante el uso de líneas. Pueden ser horizontales, verticales, diagonales, convergentes o
divergentes. A veces el flujo creado por las líneas es nítido y claro, como los laterales de un edificio que
convergen hacia el cielo), o pueden ser menos obvias. Sin embargo, la mirada del espectador debería ser
capaz de recorrer los elementos de una parte a otra de la imagen.
El flujo crea la ilusión de movimiento (o ausencia de movimiento si se desea). Las líneas diagonales se
consideran generalmente más "dinámicas", mientras que las líneas horizontales y verticales se consideran
más "estáticas". Un equilibrio cuidadoso de elementos estáticos y dinámicos dará un sentido global de
movimiento a tus fotografías.
5. Juega con la dirección

La dirección es similar al flujo. También crea la ilusión de movimiento. Si hay algo en la fotografía que
parezca estar en movimiento, tiene una dirección en la que se mueve.
Un ejemplo de esto son las luces de peatones de un semáforo. Cuando está en rojo para los peatones, la
figura representa un peatón inmóvil, con las piernas juntas y los brazos bajados. Visualmente, no tiene
ninguna apariencia de estar en movimiento. Sin embargo, la figura del peatón en verde que permite
cruzar tiene una dirección en la cual se está moviendo. La dirección en fotografía se puede crear de
muchas maneras. Una figura a punto de cruzar una calle puede transmitir movimiento aunque la veamos
estática y no se muevan sus brazos y sus pies, porque podemos imaginarla un segundo después
cruzando la calle. Del mismo modo, un coche que aparece cortado en el lado izquierdo de una fotografía
en la que solo se ve su parte delantera, podemos imaginarlo un segundo después al lado derecho de la
foto.
6. Los elementos repetidos

La repetición de algún elemento (unos globos, unos pájaros, ...), dan un sentido de relación de distintas
partes de una imagen.
Por ejemplo, una bandada de pájaros pueden estar moviéndose en grupo por el aire, definiendo formas
interesantes en el cielo y añadiendo información sobre la dirección de la fotografía.
En algunas ocasiones puede aportar factores psicológicos, como el sentido de la unión y el

compañerismo.
7. Los colores siempre dicen algo

Existen dos tipos de colores, los cálidos y los fríos. Los rojos, naranjas y amarillos forman parte de la gama
de colores cálidos. Los azules, verdes y violetas forman parte de la banda de colores fríos.
Existen muchos elementos psicológicos ligados a los colores. Por poner un ejemplo, los azules se
consideran colores tranquilos, mientras que lo rojos son más temperamentales. Existe mucha literatura al
respecto de la psicología del color, por lo simplemente resumiremos que el color tiene una importancia
determinante en la composición en fotografía.
Por último, debes saber también que en materia de colores hay que prestar atención también al contraste
tonal. El contraste se define como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más oscuras
de nuesta foto.
8. El interés de los grupos de tres

Parece existir una percepción especial de los números impares en fotografía, y en especial de los grupos
de tres elementos.
Un único elemento puede transmitir soledad o aislamiento, con dos elementos una foto puede quedar
demasiado bien equilibrada y estática, y cuatro elementos pueden resultar demasiados para distribuir.
Por algún motivo que no alcanzo a poder explicar, a las personas nos gusta el número 3. En fotografía
suele funcionar la agrupación de tres elementos como centro de interés.
9. La regla de los tercios
Ya escribimos un artículo que explicaba la regla de los tercios con más detalle. Si nos fijamos en obras de
arte en cualquier museo, podremos comprobar que si dividimos un cuadro en cuadrículas de igual
tamaño de 3x3, las cuatro intersecciones de las cuadrículas dentro del cuadro marcan los puntos de
interés.
Trazando esta cuadrícula imaginaria sobre la mayoría de las obras nos daremos cuenta de que elementos
fundamentales del cuadro recaen sobre esas intersecciones: ventanas y puertas, ojos, líneas de horizonte,
picos de montañas, ... Está comprobado que llevando nuestro punto de interés a uno de esos cuatro
puntos conseguimos una imagen mucho más interesante.
De todo modos, las intersecciones marcadas por las regla de los tercios no son los únicos puntos de
interés donde colocar tu centro de interés. Tienes también, por ejemplo, la proporción áurea.
En este sentido, reseñar que existen cámaras que permiten visualizar en su LCD una rejilla (grid en inglés)
para trabajar con los tercios, por lo que te animo a que revises el manual de vuestra cámara si consideras
que te puede ayudar a la hora de mejorar la composición.
También puedes reencuadrar la foto en el postprocesado, con programas como Photoshop o Lightroom.
10. El espacio negativo

Se considera espacio negativo los grandes espacios vacíos, normalmente en blanco o negro, dentro de
una fotografía, normalmente a un lado.
El alejamiento del elemento central de la imagen, rellenando el resto de la foto de un espacio vacío nos
permite transmitir una información adicional de soledad, aislamiento o calma a la imagen.
Aunque no es un recurso que vayamos a utilizar habitualmente, no está de más conocerlo. Está
enfrentada a la regla de composición consistente en rellenar el encuadre comentada más arriba en este
mismo artículo.
11. Trabajando las tres dimensiones: frente y fondo

El contenido del frente y del fondo de una foto es importante. Tanto en el fondo como en el frente tienen
aplicación otros elementos compositivos como los colores o las líneas.
Lo importante en el frente y en el fondo es que no haya demasiados detalles que puedan distraer la vista
del espectador del centro de interés.
La mejor herramienta con la que contamos para marcar la diferencia entre el frente y el fondo de nuestras
fotos es la profundidad de campo. Gracias a la apertura del diafragma que utilicemos a la hora de hacer
fotografías, conseguiremos mayor o menor nitidez en el fondo.
12. El enmarcado natural

Existen elementos que pueden ayudar a poner un marco al centro de interés de la foto. Algunos de estos
elementos son muy claros, tapando completamente parte de la foto, como puertas, ventanas o puentes.
Otros actúan de una forma menos clara, simplemente orientando nuestra vista. Es el caso de las señales
de tráfico o las ramas de los árboles, ... Cualquier elemento que "encierre" el centro de interés nos
permitirá enmarcar la foto, dirigiendo la atención hacia el elemento deseado.
13. Las curvas en S

Las curvas en "S" son un elemento muy recurrente en fotografía. Está relacionado con la sensualidad.
También transmiten moviendo y ayudan a conducir la mirada.
En la vida cotidiana encontramos muchos recursos que nos permiten aplicar curvas en "S" en nuestras
fotografías. Una carretera, un camino, el curso de un río, ... Son elementos visuales muy potentes que dan
interés a la fotografía.
* Tipos de encuadres y planos

COMPOSICIÓN
Seguro que en más de una ocasión has oído expresiones como plano americano, plano corto, plano
medio, plano detalle o plano entero... La mayoría de estas expresiones están asociadas a la fotografía de
retrato, y se utilizan para definir cuáles son los límites de un encuadre. Para un fotógrafo es mucho más
conciso hablar de un primer plano, que hablar de un plano en el que se le vea la cara a nuestro modelo,
ya que de esa forma son demasiadas las opciones que tenemos. Los tipos de plano según la escala nos
ayudarán por tanto a saber por dónde cortar el encuadre a la hora de hacer nuestros retratos. Además,
cada uno de ellos tendrá una serie de connotaciones que nos ayudarán a transmitir un determinado
sentido con nuestra imagen. En el artículo de hoy veremos los diferentes tipos de plano según la escala y
qué implicaciones tienen.
Los 7 Tipos de Plano Según la Escala en Fotografía de Retrato

Coge tu cámara. Encuadra. Mira a través del visor o del live view y finalmente dispara. Cuando hacemos
esta acción estamos decidiendo el tipo de encuadre de nuestra fotografía aunque no seamos conscientes
de ello. Tanto la posición en la que situemos la cámara como la escala con la que vayamos a sacar nuestro
motivo fotográfico o sujeto, determinarán el tipo de plano de nuestra imagen. Gracias a ellos,
aprenderemos a analizar nuestra fotografía antes de disparar la toma, y no después, prestándole especial
atención a factores importantes como son el fondo y los bordes del encuadre.
Los tipos de planos describen una serie de estándares a la hora de encuadrar a nuestro elemento
protagonista. Como te decía antes, normalmente están dirigidos a retratos porque en ellos se diferencian
de manera muy clara las diferencias entre unos y otros. Pero los tipos de plano no son algo exclusivo de la
fotografía de retrato, sino que podemos generalizarlos a cualquier estilo fotográfico, y cuando hablemos
de ellos lo haremos refiriéndonos al elemento protagonista de nuestra imagen, ya sea una persona, un
animal, un objeto o cualquier otro elemento sobre el que se focalice la atención de la toma.
La mayoría de tipos de plano que veremos a continuación provienen del cine, y es que la fotografía y el
cine comparten mucha terminología al tratarse de disciplinas hermanas. Hemos dejado aparte dos tipos
de plano: el gran plano general y el plano general. El motivo es que este tipo de planos abarcan un
ángulo muy grande y normalmente no son los más indicados si queremos realizar fotografía de retrato, ya
que el sujeto pasa bastante desapercibido en el entorno. Así pues, partimos del plano entero llegando
hasta el plano detalle, poniendo este orden en función de mayor a menor ángulo de cobertura.
1. Plano Entero
En retrato, éste es el plano en el que aparece todo el cuerpo. Por tanto, tendremos un plano entero si a
quien o quienes estamos fotografiando aparecen completos, desde los pies a la cabeza, sin secciones, en
nuestra foto. El protagonista de nuestra foto por tanto ocupa todo el encuadre, convirtiéndose en el
punto de interés de la toma. Puedes apurar más o menos el encuadre, pero procura siempre no cortar ni
los pies ni la cabeza.
En este tipo de plano tendremos que cuidar la pose de nuestro modelo, ya que si ésta es buena la foto
será mucho más atractiva. De la lista que presentamos en el artículo, este es el plano más lejano de todos.
A partir de aquí, veremos como nos podemos acercar en nuestros retratos.
2. Plano Americano/Tres Cuartos

Dicen que el nombre de plano americano viene de los tiempos en los que triunfaban las películas del
género Western o, como también las llamamos, de indios y vaqueros. En estas películas era importante
que las armas que llevaban los protagonistas en las cartucheras, a la cintura un poco caídas, se vieran
suficientemente bien, y esto es lo que marcaba la línea de corte. Algunos lo llaman también plano tres
cuartos.
El plano americano corta al protagonista aproximadamente a la altura de la rodilla o por el muslo. En
función de si el protagonista está recostado o sentado, la tolerancia baja algo, llegando hasta un poco
por debajo de las rodillas. Es ideal para encuadrar en la fotografía a varias personas interactuando.
3. Plano Medio
Conforme nos vamos acercando más al sujeto conseguiremos un mayor grado de intimidad en la
fotografía. Con el plano medio nos acercamos un poco más que con el plano anterior, cubriendo desde
la cabeza hasta la cintura. En caso de estar sentado el protagonista, la tolerancia baja hasta
aproximadamente la mitad del muslo.
Este tipo de encuadre se suele utilizar para resaltar la belleza del cuerpo humano, por lo que es un tipo
de plano muy utilizado en fotografía de moda. También se utiliza mucho para retratos formales, y para
mostrar la realidad entre dos sujetos, como en el caso de las entrevistas.
Es importante que antes de disparar te fijes en la posición de las manos y los brazos, para en la medida
de lo posible, evitar cortarlos. Si no tenemos más remedio, lo haremos intentando que queda de forma
natural y sin cortar las articulaciones.
4. Plano Medio Corto

El plano medio corto es una variante del plano medio, y es también conocido comoplano de busto o
primer plano mayor. Este tipo de plano recoge el cuerpo desde la cabeza hasta debajo o mitad del
pecho, aproximadamente. Este plano nos permite aislar en la fotografía una sola figura dentro de un
recuadro, descontextualizándola de su entorno para concentrar en ella la máxima atención.
5. Primer Plano
El primer plano, también llamado primer plano menor o de retrato, recoge el rostro y los hombros. Este
tipo de plano, al igual que el plano detalle y el primerísimo primer plano que veremos a continuación, se
corresponde con una distancia íntima, ya que sirve para mostrar confidencia e intimidad respecto al
personaje. La pose del cuerpo de nuestro modelo en este caso no cobrará importancia, pero sí que lo
hará el gesto o expresión de su cara, que se convertirán en protagonistas de la imagen.
6. Primerísimo Primer Plano

El primerísimo primer plano va un paso más allá que el primer plano, acercándonos más aún al rostro de
nuestro modelo. Este plano capta el rostro desde la altura de la frente hasta por debajo de la barbilla.
Con este tipo de encuadre, el primerísimo primer plano consigue también dotar de gran significado a la
imagen, y que a carga emocional e la intimidad de la captura sean extremas.
7. Plano detalle
El plano detalle en el retrato es el más cercano de todos, y es el que recoge una pequeña parte del
cuerpo, que no necesariamente se tiene por qué corresponder con el rostro. En esta parte se concentra la
máxima capacidad expresiva, y los gestos se intensifican por la distancia mínima que existe entre la
cámara y el protagonista, permitiendo enfatizar el detalle que deseamos resaltar.
* Shooting list
* Props
* Vestuario
* Educación visual
5.- Equipo y accesorios

* Tripiés y cabezas
Cómo Elegir el Trípode que Necesitas y Acertar
ACCESORIOS
¿Por qué Necesitas un Trípode?
El trípode es un complemento esencial para tu cámara. Dado que gracias a él vas a poder hacer fotos sin
preocuparte de los tiempos de exposición en condiciones en las que de otro modo te saldrían movidas, y
en aquellas fotos en las que también quieras salir tú a pesar de ser el fotógrafo. Y es que probablemente
lo uses en muchas más situaciones de las que crees:
Para aumentar la nitidez y la profundidad de campo en tus fotos independientemente de la luminosidad
de la escena.
Para afinar en la composición de tus fotografías, ajustando muy bien el encuadre.

Para ganar calidad en tus fotografías utilizando un ISO bajo.
Para poder hacer HDR, time lapses y otras técnicas fotográficas en las que requieras realizar varias
exposiciones con el mismo encuadre.
Para poder hacer tomas de larga exposición, por ejemplo, para crear el efecto seda en el agua.
Para fotografía nocturna, haciendo fotos por la noche a elementos como la luna, las estrellas, paisajes
nocturnos o lightpainting.
Para hacerte autoretratos o fotos de grupo en las que también tú estés presente.
Para hacer fotografía macro (flores, insectos, etc.).
Para hacer fotos en posiciones o ángulos complicados.
Para hacer vídeo eliminando vibraciones y movimientos en la cámara.
¿Qué Características Debe Tener un Buen Trípode?

La característica fundamental aunque parezca obvia es que un trípode debe ser estable. Y estable no
tiene por qué ser expresamente sinónimo de pesado.
A partir de ahí, en el momento en que empieces a comparar trípodes verás que te surgen muchas
preguntas y dudas: si debe ser de aluminio o de carbono (o algún otro material), si las patas deben tener
más o menos secciones, para qué sirve la columna central, los distintos tipos de rótula disponibles, el tipo
de pies de las patas, los cierres…
Te contaré un poco más de estas partes y luego te explicaré qué debes mirar exactamente a la hora de
elegir, para comprar el trípode perfecto para tu cámara réflex.
Las Partes de un Trípode Fotográfico

Las patas: Pueden estar fabricadas de distintos materiales. Los más habituales son aluminio y carbono.
La cabeza o rótula: Es lo que te permitirá ajustar la posición de tu cámara a la hora de encuadrar una vez
hayas fijado el trípode en su posición. Las más comunes son las de bola y las “pan-tilt”
La columna central: No todos los trípodes la tienen. Es un elemento para alargar la altura del trípode, y,
en el caso de ser descentrable, para trabajar determinados tipos de fotografía como la fotografía macro.
Muchos modelos tienen un gancho en la parte inferior para poder colgar más peso en el trípode y
aumentar así su estabilidad.
Los pies: La terminación de las patas puede ser diferente en función de nuestras necesidades. Lo más
frecuente es que sean de goma o de punta metálica (o una combinación de ambas). La goma ayudará a
que el trípode no se resbale en superficies lisas.
Elegir un Trípode para tu Cámara: Qué Tener en Cuenta
Y ahora sí, a continuación trataré de identificar qué características del trípode debemos tener en cuenta
para hacer una correcta elección.
1. Máxima carga soportada
La carga soportada es una especificación del fabricante que determina cuánto peso puedes poner en el
trípode y la rótula con garantías.
Ten en cuenta que el peso de tu cámara está determinado por el cuerpo de la cámara y por el objetivo
que montes, y pueden darse situaciones en las que incorpores algún otro accesorio al conjunto como un
flash.
Una buena recomendación es calcular el peso de tu cámara con el objetivo más pesado que tengas y
multiplicarlo por dos, de modo que tengas suficiente margen para que el trípode no te dé ningún susto y
tu equipo fotográfico termine en el suelo.
Y ten en cuenta también que la carga soportada la debes comprobar tanto para el trípode como para el
cabezal del mismo. De nada te sirve un trípode que soporte mucha carga si la rótula no está a la altura y
viceversa.
2. El peso del trípode

El peso del trípode es una característica fundamental teniendo en cuenta que vas a tener que llevarlo
contigo durante mucho tiempo.
Y es que no es lo mismo desplazarte a una sesión de fotografía de estudio en la que lleves tu equipo en
coche cómodamente hasta la puerta, que cuando viajas con tu trípode y tienes cargarlo a tu espalda. Y en
este caso, hasta el último gramo cuenta.
En ese sentido, descartaría cualquier trípode que pese más de 2 kg y, en la medida que mi presupuesto
lo permita, trataría de limitarlo a un máximo de 1,5 kg.
Por lo general, los trípodes de carbono son más ligeros que los de aluminio (y más caros), pero cuando
estés mirando las características, comprueba el peso final del conjunto independientemente del material
del que estén hechos.
3. La altura de trabajo
La altura de trabajo debería permitirte hacer fotos de pie, sin forzar la posición. Y para ello tienes que
contar la altura del trípode con la rótula y la cámara puesta sobre él, de modo que el visor quede a la
altura de tus ojos.
Un elemento que afecta a la altura es la columna central. Muchos fabricantes dan en las especificaciones
la altura del trípode una vez abierto con la columna desplegada al máximo y al mínimo.
Idealmente, en trípodes con columna central no descentrable (los que se usan comúnmente en fotografía
de paisajes) la altura hay que medirla con la columna central bajada del todo, porque cuanto más subas
la columna, más inestabilidad tendrá el trípode, transmitiéndose vibraciones a la fotografía, sobre todo
con objetivos pesados.
4. El tamaño plegado del trípode

El tamaño plegado será un factor determinante para que puedas transportar tu trípode de forma
cómoda, pudiendo meterlo en una maleta o en una mochila cuando viajas. En ese sentido es, junto con el
peso, el otro factor determinante cuando buscas un trípode para viajes.
El tamaño del trípode plegado será mayor o menor en función de la altura total del trípode una vez
abierto, y del número de secciones de sus patas. A más secciones, más pliega, pero más puntos de
posible inestabilidad puede tener.
Ese es el motivo de que vayas a encontrar patas con distinto número de secciones.
5. La rótula del trípode

Además de por el peso soportado, las rótulas de los trípodes se suelen clasificar por la forma que tienen
para ajustar la posición final de la cámara. Los dos tipos de rótulas más usados son las de bola y las de 3
ángulos de giro (3D).
La de bola tienen un punto de control único para bloquear y desbloquear el movimiento. De este modo,
puedes regular la posición con un solo control, pudiendo usar solo una mano con la rótula y usar la otra
mano con la cámara, consiguiendo mucha rapidez en el manejo.
Las 3D en cambio disponen de 3 puntos de ajuste que permiten ajustar por separado los 3 ejes. Son muy
precisas e ideales cuando dispongas de tiempo suficiente para realizar los ajustes, lo que las hace muy
interesantes en fotografía de arquitectura o de estudio.
6. Quick release
El quick release es un mecanismo para la extracción rápida que suelen tener las rótulas a partir de un
determinado nivel, por lo que en función de tu presupuesto puede ser un componente obvio que tendrá
la rótula del trípode, pero no está de más comentarlo por si estás buscando un trípode barato.
El quick release se atornilla a la base de la cámara en la rosca al efecto, de modo que luego se puede
anclar y desanclar la cámara al trípode sin necesidad de enroscar y desenroscar directamente la cámara y
el trípode, un proceso bastante tedioso y poco manejable a partir de ciertos tamaños, proceso que, por
otro lado, es el habitual cuando lo que usas son trípodes de bolsillo pensados para cámaras compactas.
* Tipos de Objetivos
ACCESORIOS, CONCEPTOS BÁSICOS
Después de conocer las características y atributos que se valoran de un objetivo, lo más apropiado es que
empieces a poner nombre y apellidos a los distintos tipos de objetivos en función de sus peculiaridades.
Sí, efectivamente ha llegado el momento en que vamos a desvelar qué significan palabras tan cotidianas
dentro de la jerga fotográfica como: teleobjetivos ("teles"), gran angulares, ojos de pez, todoterrenos, etc.
Y no sólo eso, sino que además, algo que es mucho más importante, vamos a ver para qué sirven y
cuándo deberás pensar en un tipo u otro de objetivo en función de la foto que pretendas hacer.
Para empezar, me gustaría recordarte que en la entrega anterior ya hablamos del que, probablemente, es
el parámetro más diferenciador hablando de objetivos, la distancia focal.
Será precisamente ese valor el que nos permitirá clasificar nuestros objetivos. Si te acuerdas, la focal
estaba directamente relacionada con el ángulo de visión de la foto y, por tanto, con la perspectiva de
ésta. De esta relación viene, por ejemplo, el nombre de gran angular, ya que proporciona a nuestras fotos
un amplio ángulo de visión. Bueno, dejémonos de preámbulos y hablemos directamente de los tipos y
las fotos para las que son más apropiados.
Pero antes, una última cosa, a lo largo de esta entrega siempre que indiquemos una focal estaremos
considerando su aplicación sobre sensores "Full Frame". De modo que si tu sensor no es de 35mm,
deberás aplicar el factor de multiplicacióncomo ya vimos en entregas anteriores para obtener las
distancias focales equivalentes.
Tipos de Objetivos: Súper Gran Angulares

Tienen un rango focal inferior a 24mm. Y ofrecen un ángulo de visión superior a los 84º (hasta 180º e
incluso más), mayor que la visión humana.
Aquí podemos englobar objetivos como el paradigmático Sigma 10-20mm o el Tamron 11-18mm,
objetivos que ya fueron analizados en este artículo, en el que se profundiza sobre los súper gran
angulares y gran angulares.
Estos objetivos proporcionan un amplísimo campo de visión, que puede provocar, incluso, distorsiones
en los márgenes. Distorsiones que se acentúan al acercarse al objeto fotografiado, por lo que habrá que
tener cuidado a la hora de elegir la distancia a la que nos situemos.
El tipo de fotografía en que es más apropiado usar estos objetivos es la toma de paisajes, motivos
arquitectónicos o interiores. El amplio ángulo de visión que ofrecen permite reflejar toda la escena y
además son objetivos que poseen una importante profundidad de campo y suelen ser bastante
luminosos.
Tipos de Objetivos: Gran Angulares

Muchos fotógrafos no hacen esta distinción, pues
la frontera entre este tipo y los "súper" es difusa.
En cualquier caso, podemos hablar de grandes angulares como aquellos objetivos que ofrecen focales
entre 24 y 35mm y, por tanto, ángulos de visión entre los 63º y los 84º aproximadamente.
No existen grandes diferencias entre estos objetivos y los súper gran angulares, de ahí que muchas veces
no suela hacerse distinción.
El tipo de fotografía en el que se utilizan es muy similar a la de los "súper", si bien habrá que considerar
que el campo de visión, la profundidad de campo y ladistorsión en los márgenes que nos ofrecen estos
objetivos son menores.
Objetivos "Normales"
El ángulo visual de estos objetivos coincide con el campo de visión del ser humano, esto es,
entre 46º y 63º. Lo que equivale a focales comprendidas entre los 35 y los 50mm.
Los llamamos "normales" no sólo porque ofrecen un campo de visión similar al del ojo humano, sino
porque además sirven como paso intermedio entre gran angulares y teleobjetivos.
Estos objetivos tienen como característica fundamental la de no ofrecer ningún tipo de distorsión, así
como presentar la escena de la forma que la vería el ojo humano.
El objetivo de 50mm
Dentro de los objetivos "normales", podemos hablar de manera especial de un objetivo clásico donde los
haya. Se trata del objetivo de focal fija de 50mm.
Ofrece una visión idéntica a la que proporciona el ojo humano. Además tiene un precio razonable, una
calidad de imagen considerable y elevada luminosidad, todo ello gracias a que al no ser un objetivo
zoom (de focal variable), lleva un menor número de lentes y los procesos de construcción son más
sencillos.
Su uso es más que recomendable en fotografía de retrato, gracias a que su gran luminosidad ofrece la
posibilidad de disparar con el diafragma muy abierto.
Pronto hablaremos de la profundidad de campo, la definiremos y veremos como la apertura del

diafragma, además de otros factores, está directamente relacionada con la profundidad de campo.
Concretamente, a mayor apertura de diafragma se reduce la profundidad de campo y viceversa. Pero no
te agobies, eso es materia de otra entrega y pronto lo veremos.
Tipos de Objetivos: Teleobjetivos

Se habla de teleobjetivos a partir de los 50mm o, más comúnmente, a partir de los 70mm, con lo que los
ángulos de visión que ofrecen están por debajo de los 30º.
La principal característica de estos objetivos es que permiten al fotógrafo estar muy alejado de la imagen
a tomar. No interfiere, ni molesta y puede trabajar con comodidad.
Por otra parte, las distancias entre los objetos fotografiados se reducen bastante y parecen mostrarse en
un mismo plano, por lo que no ofrece tomas muy realistas en este sentido.
El tipo de fotografía en el que deberás valorar este tipo de objetivos es a la hora de fotografiar eventos
deportivos y fauna salvaje. Así como a la hora de hacer retratos, pues permiten al fotógrafo llevar a cabo
un enfoque selectivo muy preciso.
Por último, mencionar que, dentro del grupo de los "teles", muchos fotógrafos establecen, a su vez,
subgrupos como: teleobjetivos cortos (70-135mm), teleobjetivos normales (135-240mm),
superteleobjetivos (240-500mm) e, incluso, ultrateleobjetivos (>500mm).
Si estás pensando adquirir un "tele" son varios los aspectos que debes conocer: luminosidad, sistema
estabilizador, rango de la focal... Todo ello te lo contamos en 5 Cuestiones a la Hora de Elegir
Teleobjetivo.
Si dispones de un presupuesto más reducido, quizás te interese un multiplicador de focal, que no es más
que un accesorio que al colocarlo entre el cuerpo y el objetivo de la cámara multiplica la focal del
objetivo, eso sí, con una pérdida de luminosidad y de calidad de la imagen.
"Los Otros": Ojos de pez, Todoterrenos, Macros...

Con los tipos mencionados hasta ahora habríamos cubierto la mayoría de objetivos que existen en el
mercado en cuanto al rango de focales que ofrecen. Sin embargo no son todos. Hay objetivos
"peculiares" que debes conocer.
He optado por llamarlos como "los otros", porque, bien son híbridos de los anteriores, o bien son
similares pero con alguna peculiaridad que los hace diferentes.
En este grupo podríamos englobar a los ojos de pez, los todoterrenos y los macros, entre otros. A
continuación te hablo sobre cada uno de ellos.
Ojos de pez (FishEye)

Muchos fotógrafos sitúan a los ojos de pez como objetivos que tienen una focal aún inferior a la de los
grandes angulares y, por tanto, ofrecen un mayor ángulo de visión que éstos.
Sin embargo, lo que caracteriza a estos objetivos no es el ángulo de visión o la focal, sino que su lente
produce unas distorsiones que ofrecen una imagen circular o curva.
Las focales de muchos de estos objetivos, de hecho, no son inferiores a las de super gran angulares. Por
ejemplo, el objetivo Minolta AF 16mm FishEye, tiene una focal comprendida en el rango del Sigma
10-20mm, que como vimos antes no era un objetivo ojo de pez.
A la hora de valorar cuándo usar estos objetivos, podemos pensar en usos similares a las de los super
gran angulares, eso sí, asumiendo que el acabado tendrá el peculiar efecto de la distorsión que ofrecen
los ojos de pez.
Todoterrenos
No, no me he vuelto loco y me he puesto a hablar de coches. También hay un grupo de objetivos a los
que se conoce como "todoterrenos". Y eso es precisamente porque valen, como se suele decir, "para un
roto y para un descosido”.
Son objetivos con un rango focal amplísimo, entre 18mm y 200mm ó 300mmen muchos casos. De este
modo permiten aunar en un mismo objetivo un gran angular, un objetivo normal y un “tele".
Eso sí, como comprenderás no ofrecen la misma calidad que objetivos específicos, pero, sin duda, son
una alternativa económica (en términos de dinero y de espacio en tu bolsa de la cámara), cómoda (sólo
necesitas un objetivo para todo) y rápida (no tendrás que cambiar el objetivo para nada).
Si quieres conocer más a fondo el tema de los todoterrenos, hace tiempo hicimos un artículo en que
describíamos y examinábamos una muestra representativa de las alternativas que existen en el mercado.
Objetivos Macro
¿No conoces la fotografía macro? He de reconocer que personalmente soy un fanático. De hecho, ese fue
el principal motivo por el que adquirí mi réflex. No hay comparación con una compacta, por muy buena
que sea.
La fotografía macro es aquella en la que se busca que el objeto en la fotografía tenga, al menos, el mismo
tamaño que el objeto en la realidad o incluso mayor (multiplicado varias veces).
Como una imagen vale más que mil palabras, aquí puedes ver una buena selección de fotos macro. Y así
te haces una idea de a qué me refiero.
Existen objetivos muy apropiados para este tipo de fotografía, los objetivos macro, que suelen tener
focales largas (100mm), una gran calidad y una distancia mínima de enfoque muy reducida (pocos
centímetros). Evitan cualquier tipo de aberraciones y representan con claridad y nitidez el objeto
fotografiado.
* Filtros
Filtros Skylight y UV: Su cometido básico es proteger el lente de cristal del objetivo de posibles
suciedades, polvo, arañazos, etc. Secundariamente filtran la luz ultravioleta y corrigen ligeramente el
exceso de color azul en las fotos, pero de manera casi desapercibida. Como su mayor finalidad es
proteger el objetivo y poco más, suelen tener un coste bastante económico.
Filtros de efectos: Son filtros que sirven para aportar algún efecto determinado a la foto: por ejemplo está
el filtro de estrellas, el degradado, entre otros. Sirven para conseguir efectos que de otro modo
tendríamos que aplicar a través de un programa de edición como Photoshop por ejemplo.
Filtro Polarizador: Me encanta. Éste es un filtro que cumple dos funciones: por un lado elimina los reflejos
indeseados de superficies brillantes como el agua, los cristales, etc., y por otro lado ayuda a obtener
colores más intensos y más saturados. Muy útil por ejemplo a la hora de fotografiar un paisaje, haciendo
que el cielo tenga un color azul más intenso y con mayor contraste con respecto a las nubes. En el
siguiente artículo puedes encontrar más información sobre los filtros polarizadores.
Filtro de Densidad Neutral, ND: Es un filtro gris, compuesto de materias químicas que ayudan a reducir la
cantidad de luz que entra a la cámara sin perjudicar los colores en absoluto. Sólo necesitarás usar este
tipo de filtros si dominas el modo manual de tu cámara y a demás te encuentras en situaciones en que no
obtienes el balance adecuado entre velocidad de obturación y cantidad de luz que entra.
Filtro de Infrarrojos: Es un filtro que permite la entrada únicamente de la luz infrarroja, lo que produce
unas fotografías bastante curiosas. Hay gente muy aficionada a esta disciplina fotográfica.
Como ves existen filtros para todos los gustos. Personalmente encuentro especialmente útiles dos: el
filtro UV, más que nada por proteger el objetivo, y el Polarizador que me gusta usar en fotografía de
paisajes. Si eres un usuario experto tal vez te interese disponer también de uno de Densidad Neutral. Los
demás son ya para conseguir efectos fotográficos originales.
* Flashes
* Impresoras
* Aplicaciones
6.- Edición y post-producción en ligthroom (básico)

Workflow
RAW o JPEG
Lo primero y más importante.
Disparo en RAW. Creo que lo hemos repetido hasta la saciedad, pero por si acaso lo repito. Hago mis
fotos en RAW. Cuando se trabaja en JPEG, lo que se está haciendo es disparar en RAW y convertir esa
imagen a un formato de compresión para que ocupe menos, a costa de perder información que luego
me podría resultar muy útil.
La pregunta es, ¿por qué dejar que mi cámara haga cosas que podría hacer yo luego en el ordenador
con mucho mayor control de mi trabajo? Solo admito una respuesta: el ahorro de espacio en la tarjeta de
memoria, siempre y cuando no haya sido previsor llevándome una de sobra o vaciando la mía. Si veo que
no dispongo de espacio para guardar las fotos en la tarjeta, no me quedará más remedio que trabajar en
JPEG.
La otra posible respuesta sería: no quiero dedicar tiempo al postprocesado al llegar a casa. Vale, lo
entiendo, pero no es excusa. Puedes usar programas como DCRAW con los que automatizas el proceso,
consiguiendo una dedicación de tiempo prácticamente nula y unos resultados similares a los que puedes
lograr con el procesado de la cámara, con la diferencia de disponer del original por si algún día lo
necesitas.
Plantéatelo de otra forma. Cuando hacías fotos con una cámara de carrete y las revelabas, ¿tirabas el
negativo a la basura y te quedabas únicamente con la foto en papel?, ¿por qué entonces ibas a actuar de
forma diferente en fotografía digital?, ya sabes quédate con el negativo (en digital, es el formato RAW).
Lo realmente fantástico del trabajo en RAW es que los cambios que aprecias en la pantalla no se
producen realmente; estás trabajando sobre un fichero de configuración que almacena acciones a
realizar sobre tu foto. El original no se manipula. Y eso no tiene precio.
Dicho esto, vamos a tratar de cubrir los distintos pasos que yo sigo una vez que he tomado una fotografía
con mi cámara y llego a casa dispuesto a trabajar con ella en mi ordenador. Lo primero, antes de nada,
enciendo el ordenador, abro Lightroom, introduzco la tarjeta de memoria en mi ordenador y…
1. El Proceso de Importación
Lo primero que hago para volcar mis fotografías desde la tarjeta de memoria a mi ordenador es
importarlas a través del asistente de importación de Lightroom: Archivo > Importar fotografías y vídeos...
(Ctrl + May + I).
Dentro del asistente, realizo los siguientes pasos:

1. Selecciono la ubicación origen de las fotografías. Normalmente la unidad en que mi ordenador monta
la tarjeta de memoria de mi cámara.
2. Marco aquellas fotografías que deseo importar. Puede ser que opte por descartar fotografías que son
claramente insalvables, por mucho retoque que se le aplique :)
3. Indico las características de la importación:
Convertir a DNG. Ya os expliqué las ventajas de emplear el formato DNG en lugar de mantener el formato
propietario de mi cámara.
Previsualizaciones 1:1. Permitirá, posteriormente, una edición más rápida. Aunque el proceso de
importación inicial será, obviamente, más laborioso.
No importar duplicados. De este modo, Lightroom detecta si ya se ha importado con anterioridad cada
una de las fotos y así evita duplicados.
Aunque tendría la posibilidad de copiar las imágenes en una segunda ubicación (como copia de
seguridad), no suelo marcar esta opción. Sino que me encargo periódicamente de mantener una copia
de seguridad completa.
4. Selecciono ajustes de revelado iniciales, como, por ejemplo, el incremento del enfoque (pues mi
cámara suele dejar las imágenes un poco blandas). También incorporo algunas palabras claves
relacionadas con la importación.
5. Elección de la carpeta destino. Esta carpeta está dentro de mi carpeta "Fotos" en la que almaceno todo
mi catálogo fotográfico, pero siguiendo una estructura cronológica del estilo del siguiente ejemplo: Fotos
> 2012 > 2012-05-02_CumplePepito.
Fijados los ajustes, hago clic en Importar y sólo me queda esperar a que el proceso de Importación se
realice correctamente para poder seguir trabajando con mis imágenes. Eso sí, ya incorporadas al
catálogo.
Si necesitas más ayuda a este respecto, recuerda que ya hace algún tiempo escribimos este artículo sobre
cómo importar fotografías en Lightroom.
2. Visualización y Descarte Inicial dentro del Módulo Biblioteca

Una vez que las fotos forman parte del catálogo, lo siguiente que hago es realizar un primer descarte de
fotografías "irrecuperables". Fotografías que no deben hacernos perder el tiempo más.
Para ello, dentro del Módulo Biblioteca (Ctrl + Alt + 1), y con la vista Lupa seleccionada (E) llevo a cabo
una primera pasada y descarto aquellas fotografías con problemas graves de enfoque, imágenes
trepidadas, imágenes en las que los fotografiados no están en su mejor día, etc.
Este descarte, en mi caso, lo hago a través del indicador de fotografía Rechazada (X). De modo que, una
vez recorridas todas las fotografías, me dirijo a la vista Cuadrícula (G), y puedo observar las rechazadas y,
bien filtrarlas para que no aparezcan, bien eliminarlas definitivamente.
Como ves, las fotografías rechazadas se mostrarán más apagadas en el modo de vista cuadrícula y, de
este modo, podremos descartarlas y así centrarnos sólo en las que realmente merecen la pena.
3. Ajustes Básicos del Módulo Revelar

Después del primer filtro y descarte de fotografías a las que no merece la pena dedicarles más tiempo,
llega el momento de trabajar con cada fotografía una a una.
Seleccionamos las fotos una a una y dentro del Módulo Revelar (Ctrl + Alt + 2), a través de la vista Lupa
(D), vamos realizando una serie de ajustes. En mi caso, son los siguientes y por este orden:
1. Recortamos y giramos la imagen para lograr el encuadre que queramos (R). Es posible que
necesitemos enderezar la imagen aplicando un cierto ángulo. También, en función del tipo de
fotografía, puede interesarte cambiar las proporciones de la misma.
2. Ajustamos la temperatura de color para, como en la imagen no tener una foto excesivamente cálida, o
excesivamente fría. Sino en su punto justo.
Para ello, puedes probar con las distintas alternativas automáticas que te ofrece: Como se ha tomado,
Autmático, Luz de día, Nublado, Sombra, etc.
O bien, como en este caso, trabajar con los deslizadores. Las paredes que había cerca del sujeto eran
amarillas y la toma ha quedado un tanto fría al aplicar el balance de blancos de forma automática (para
compensar).
Por supuesto, si ubicases una zona neutra, también podrías emplear el cuentagotas para que Lightroom
realizase el balance de blancos en base a dicha región.
Aquí tienes 5 formas para lograr una correcta temperatura de color con Lightroom en tus fotografías.
3. Corregimos la exposición, de modo que logremos un histograma debidamente compensado. Sin
zonas quemadas, pero con el debido contraste.
De izquierda a derecha del histograma, los ajustes para controlar cada una de las zonas son,
respectivamente: Negros, Sombras, Exposición, Iluminaciones y Blancos. Utiliza estos deslizadores para
lograr una adecuada exposición de la toma.
Yo suelo comenzar con Exposición, que es el ajuste central para corregir el grueso del histograma y a
continuación trabajo con la parte izquierda y derecha del histograma.
4. Últimos ajustes básicos para mejorar el contraste y ajustar debidamente la saturación. Para ello
Lightroom cuenta con cuatro ajustes: Contraste, Claridad (incrementa el microcontraste), Intensidad y
Saturación (fuerza e intensidad de los colores).
Para finalizar, mi recomendación es que una vez realizados estos cuatro pasos que hemos descrito, le des
una última vuelta a todos los ajustes, volviendo a afinarlos mínimamente todos para obtener el resultado
que deseas.
5. Otros Ajustes Que Podrías Necesitar

Repasando otras secciones del Módulo Revelar, es posible que veas la posibilidad/necesidad de aplicar
otros ajustes. Aunque el uso de éstos será minoritario frente a los ajustes básicos que hemos mencionado
en el anterior apartado.
Dentro de estos otros ajustes, hablaremos de los siguientes:

Curva de tonos: Es una alternativa para manejar la exposición de la imagen. Normalmente si trabajas con
los parámetros Exposición, Contraste, Iluminación, Sombras, Blancos y Negros, no necesitarás hacer uso
de las curvas.
HSL / Color / Blanco y negro: Si tienes una imagen con dominantes de algún color y quieres corregirlas,
pretendes aplicar una dominante o quieres obtener un blanco y negro controlando la aportación de cada
color a la imagen en escala de grises, ésta es la sección en la que debes centrarte.
Dividir tonos: Para conseguir esos curiosos virados que seguro has visto en más de una ocasión, te
vendrán muy bien los deslizadores de esta región del Módulo.
Corrección de lente: Especialmente, cuando, por ejemplo, hayas estado trabajando con tu gran angular y
aprecies claras aberraciones en la perspectiva, o si tienes una lente que viñetea en exceso, estas
funciones pueden ser muy útiles para corregir estos defectos en tus fotografías. Lightroom te ofrece un
amplio catálogo de lentes, seguro que entre ellas está la tuya.
Efectos (Viñeteado ó Granulado): Por último, puede que quieras aplicar algún efecto curioso a tus
fotografías. Destacan dos efectos fundamentales, el viñeteo y la aplicación de grano digital. ¿Quién
sabe?, puede que a alguna de tus fotos les venga bien... Si recuerdas, en el efecto Bleach Bypass ya
hacíamos uso de estos dos efectos.
A estos ajustes, también podríamos unir la Eliminación de manchas (Q), la Corrección de ojos rojos, el
Filtro Graduado (M) y el Pincel de Ajuste (K). Todos accesibles a través de la barra que se encuentra bajo
el histograma y que permite corregir imperfecciones localizadas.
Como decía al principio, puede que veas la posibilidad de aplicar alguno de estos ajustes. No se trata de
aplicarlos todos o alguno de ellos en cada fotografía. Simplemente debes
saber que están ahí e incorporarlos a tu flujo si lo consideras oportuno, en base a las características de
cada imagen.
5. Ajustes Relativos al Detalle de la Fotografía

Si el anterior grupo de ajustes era opcional, este ajuste sí que es obligatorio. Debe realizarse sobre todas
las fotografías y es importante tratar de aplicarlo en último lugar y con una resolución del 100%, para así
poder apreciar correctamente las consecuencias de la modificación de estos parámetros.
Se trata de los ajustes propios para reducir el ruido de la imagen si lo hubiese y para ajustar, de forma
precisa, la nitidez de la misma.
Si lo recuerdas, ya hablamos hace un tiempo de cómo trabajar con estos ajustes para mejorar la nitidez
de tus fotografías en Lightroom. Échale un vistazo al artículosi no lo recuerdas.
6. El Resultado Final
Ya no quedan ajustes por realizar. Es el momento de visualizar la imagen, realizar pequeñas
modificaciones si hay algo que no te acaba de convencer y admirar tu obra.
Si no estás del todo satisfecho, no te preocupes, es la ventaja de usar una herramienta de edición
paramétrica: no estás modificando el original, de modo que siempre estará ahí para futuras variaciones
de los parámetros.
Y, si quedase algo por hacer sobre ella que no ves posible abordar con Lightroom, ya sabes que la
integración entre Photoshop y Lightroom es perfecta. A través de Fotografía > Editar en > Photoshop,
podrías hacerlo sin problemas y recuperar el resultado en Lightroom.
7. Etiquetado y Clasificado
Concluido el retoque, es momento de llevar a cabo tareas propias del etiquetado y clasificación de las
fotografías. Asignaremos palabras clave en función de quién aparece en la fotografía, el entorno, el
contexto, etc.
Y, en mi caso, asignaré una puntuación de 1 a 5 en función de mi valoración sobre la calidad de la

fotografía. De hecho, yo sólo otorgo 5. De modo que cuando quiero enseñar fotografías sólo enseño
aquellas a las que he dado un 5.
No obstante, Lightroom es una herramienta muy flexible para llevar a cabo una clasificación de tus
fotografías: palabras clave, puntuación de 1 a 5, etiquetado cromático, colecciones inteligentes, etc.
Descubre cómo Lightroom puede ayudarte a mejorar la organización de tu catálogo gracias a estas
herramientas mediante este artículo sobre colecciones inteligentes.
8. Copias Virtuales, Replicación de Ajustes y Renombrado

Hasta aquí habríamos acabado con el trabajo a nivel de fotografía individual. Lo siguiente que hago yo
es:
Valorar la posibilidad de crear una copia virtual a partir de una fotografía ya retocada. Esto me da la
posibilidad de un nuevo encuadre, una versión en blanco y negro, un ajuste creativo, etc. Pero
manteniendo una copia con el anterior ajuste para no perderlo.
Replicar los ajustes aplicados a una fotografía en otra, de modo que sea mucho más sencillo y cómodo.
Por ejemplo, dos imágenes de una misma secuencia es probable que les sean aplicables los mismos
ajustes de balance de blancos y exposición. Con Ctrl + May + C copio los ajustes de una imagen y Ctrl +
May + V los aplico sobre otra imagen.
Por último, una vez que he editado y retocado todas las fotos de una salida acostumbro a renombrar el
conjunto con un nombre base y un secuencialque va aumentando a medida que avanza el número de
foto.
Para ello, selecciono todas las fotografías (Ctrl + A) y hago clic en Biblioteca > Cambiar nombre de
fotografías (F2).
Requisitos
* LapTop o computadora de escritorio
* Cámara de cualquier tipo.
* Llevar a su familia para toma de 16:00 a 18:00 hrs.
Incluye:
* equipo de iluminación
* Snack
* Cafetería
* Hora de comida

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Relacionadas con el sensor y calidad de imagen

Enfoque y velocidad de disparo

* Sensores, tamaños y calidad de imagen

Formato del sensor de imagen

Tamaño del sensor

Formatos SLR digitales

términos diferentes en la comercialización y la descripción de estos formatos de sensor, incluyendo los

Formato de sistema de Cuatro Tercios (factor de recorte 2.0)

Debido a las limitaciones siempre cambiantes del procesamiento y la fabricación de semiconductores, y

Formato DSLR medio

Formatos compactos de cámaras digitales

Modo Automático, (A).

No obstante, el modo automático puede ser muy efectivo en algunas situaciones:

Modo Programable, (P)

Modo de prioridad a la apertura, (A)

Diafragmas abiertos: Como ya te he comentado en el resumen previo, el diafragma controla la cantidad

Diafragma abierto para aislar al protagonista

Modo de prioridad a la velocidad.

Fotografías de alta velocidad

Modo Manual, (M)

* Tips para compra de equipo

ISO en Fotografía Digital: ¿Qué Es y Cómo Influye en Nuestras Fotografías?

* Apertura de diafragma y bokeh

¿Qué Es la Profundidad de Campo?

Factores que Influyen en la Profundidad de Campo

1. Apertura de diafragma (nºf)

2. Distancia al plano de enfoque

3. Distancia focal del objetivo (zoom)

Premisas Antes de Adentrarse en el Maravilloso Mundo de la Profundidad de Campo

¿Qué es el Obturador de la Cámara?

¿Qué Implica la Velocidad de Obturación?

Velocidad de Obturación Rápida / Tiempo de Exposición Corto

Velocidad de Obturación Lenta / Tiempo de Exposición Largo

¿Cómo Se Mide la Velocidad de Obturación?

Ejemplo 2: La caída del corazón

Ejemplo 3: Pelo en movimiento

¿Cómo Puedo Controlar la Velocidad de Obturación?

¿Qué Velocidad de Obturación Usar en Cada Ocasión?

¿Qué es la Temperatura de Color?

¿Cómo Influye el Balance de Blancos en la Temperatura de Color?

La Temperatura de Color en la Edición Digital

¿Como llegamos a ésta función en nuestras cámaras?

Veamos ahora, cada una de estos Estilos de Imagen o Picture Control

Entonces, resumiendo: Tomamos nuestra imagen, y la cámara al guardarla en la tarjeta de memoria le

04.- Las “luces” están en el cuarto derecho del rango de brillos.

Problemas con el rango dinámico y su solución.

2.- Retratos: rostros en sombra.

3.- Sol y sombras: alto contaste.

4.- Amaneceres y atardeceres: Contraste extremo.

4.- Composición, encuadres y producción

1. Identifica el centro de interés

2. Rellena el encuadre (Fill the frame)

3. Apóyate en las líneas

5. Juega con la dirección

6. Los elementos repetidos

En algunas ocasiones puede aportar factores psicológicos, como el sentido de la unión y el

7. Los colores siempre dicen algo

8. El interés de los grupos de tres