ARTE Y HISTORIA

El termino arte a lo largo de la história se ha determinado por muchos de

los tópicos en los que se ha visto envuelto.

El arte no debe ser necesariamente bello, aunque en periodos como el

renacimiento era lo principal.

Tampoco debe imitar necesariamente a la naturaleza ni tener una forma en

concreto. Puede ser expresión o no del propio artista.

En la antigüedad classica el termino arte proviene del Griego tecne que

significa conjunto de destrezas o habilidades basadas en unas reglas, e
incluían las artes plásticas y otros oficios artesanales.

En la edad media se dividen en artes liberales como la filosofía, eran las

intelectuales, y las artes mecánicas que se hacian manualmente, un pintor
se consideraba igual que un zapatero u otro artesano, excepto los pintores
muy buenos que si llegaban a diferenciarse.

Con la llegada del renacimiento comienzan a considerar los artistas como

intelectuales, que aunque trabajaban con las manos defeienden que la
pintura se iniciaba en su mente, todo esto se plasma en el dibujo inicial.
Tambien por primera vez se engloban, pintura, escultura y arquitectura en
un solo grupo. Las arti del disegno y no es hasta el siglo 18 donde se unen
la música, la danza, elocuencia con el término bellas artes, y se distingue
entre arte, artesanía y ciencia. Pero rápidamente quedan restringidos como
artes visuales.

Como definir el arte entonces?

-Por la intención del autor

-Por los efectos en el receptor

-Caracteristicas propias del objeto o hecho artístico.

El arte es una actividad humana consciente capaz de reproducir cosas,
construir formas o expresar una experiència, siempre que el producto de
esta reproducción, construcción o expressión pueda producir disfrute,
emoción o commocion.

Una obra de arte es una reproducción de las cosas, o la construcción de

formas, o una expresión de un tipo de experiencia que podemos disfrutar,
emocionarnos o commocionarnos.

HISTORIOGRAFIA DEL ARTE Y SUS FUENTES

EDAD ANTIGÜA

Antigüedad Classica; Platón y Aristóteles.

En la antigüedad classica el arte todavía no estaba bien definido y no se

prestaba mucha atención a sus autores, y no se escribían grandes tratados
sobre arte. Pero aún asi los objetos artísticos interesaban y algunos flisofos
nos han dejado pequeños fragmentos donde se refieren al arte su época,
mui ineteresantes;

Se dice que Platon en sus principios fue aprendiz de pintor, pero después
curiosamente dejó de lado el arte y la criticó como brujería que engañaba a
los ojos con sus sombras y realismo, algo muy extraño porque el estilo de
pintura Griega sobretodo en la cerámica no tenía realismo ni sombras. Esto
nos abre todo un ábanico de posibilidades cuando pensamos en el arte del
mundo Classico en Grecia, y nos hace conocedores de un arte del cual no
se sabia nada. Para Platón el arte en el pensamiento del mundo de las
ideas, la pintura realista era una copia del mundo real lo que aún se alejaba
más del mundo de las ideas, por lo tanto habia que dejarla de lado.

Aristoteles compara el teatro con las artes visuales, del mismo modo que
en el teatro puedes representar al hombre tal y como es en la realidad, o
mas heroicos, o mas malvados, así de la misma manera las artes visuales
también pueden hacerlo, esta caracteristica de la que nos habla el filosofo
nos muestra que tipo de arte habia en Grecia, inscluso nombra algunos
artistas de los cuales se sabe que existieron, que tomaron tres diferentes
vias artísticas y que seguramente trabajaron en Atenas.
Esto nos habla mucho de la Historia del arte en la antiguedad clásscia, pero
lamentablemente no podemos ver ningun ejemplo de pintura porque no se
ha conservado nada. Pero almenos nos hace una idea de como podia ser la
pintura en aquella época.

En Grecia tambien sabemos que existieron los tratados de taller, como el

canon de Policrato, pero tempoco se a conservado nada. Los artistas de
aquella época escribian sobre su oficio y los conocemos gracias a
referencias, en otras obras literarias. El caso de Policleto lo conocemos
gracias a un médico Romano llamado Galeno y en sus escritos sobre
medicina donde habla de la anatomia humana y sus proporciones. Y esto es
lo que sabemos del canon de Policrato.

Los propios tratados de los artistas en la época Greco-Romana definían

como retratar teoricamente el cuerpo humano. Por suerte conservamos
tratados de arquitectura como el de Vitruvio que nos hablan de firmeza,
utilidad y belleza como tres pilares de la arquitectura. Leonardo da vincci
se inspira en Vitruvio en las proporciones del cuerpo humano.

De la misma manera encontramos muchas ecfrásis de la edad antigua

como por ejemplo el escudo de aquiles, en este caso el objeto a veces era
imaginario pero otras veces era real. En cualquier caso se queria dar una
idea de lo considerado perfecto en cuanto al arte, dandonos un estandar de
calidad.

Plinio el viejo también escribió sobre los artistas y que al parecer algunos
era muy bien considerados, que solo un especialista y entendido en el tema
podía juzgar las obras de dichos artistas, esto se relata en la historia de
"zapatero a tus zapatos"

También relató como fue la invención de la pintura, en la história de la hija

del alfarero y su enamorado y del estilo de pintura con el que se inició.

Y por utlimo otro ejemplo es la competición de realismo de Zeuxis y

Parrasio donde se buscaba tal realismo, como para engañar incluso al ser
humano. Esto es un tópico hasta hoy, y se puede ver en las numerosas
moscas pintadas en muchos cuadros, para intentar engañarnos y demostrar
lo buen pintor que es el autor como Bernat Marturell.
Otra fuente de la cual podemos ver referencias del arte en la edad antigua
es en los escritos de Herodoto, donde se nos cuenta como se crearon las
piramides de Egipto por ejemplo.

Todas las fuentes de donde podemos encontar referencias de como era el

arte en la edad antigua son de copias de la edad media, ya que los
originales se perdieron. Pero es suficiente Platon, Aristoteles, Plinio y
Herodoto para hacernos una idea de que el arte clássico no es solo lo que
encontramos en la cerámica sino que era mucho más.

HISTORIOGRAFIA DEL ARTE Y SUS FUENTES

EDAD MEDIA

El imperio Romano cae y comienza la edad media, se difunde el

cristianismo y se instaura como religión oficial en el oriente y el occidente,
y esto confronta el arte con la religión cristiana-judia donde la imagen y
escultura estaba prohibida para evitar la idolatría.
Esta doctirna choca directamente con la tradición del arte classico y abre
numerosos debates teológicos sobre que se ha de hacer con la pintura y la
escultura en el imperio Vizantino del Occidente y los paises del Oriente.

En el imperio Vizantino se dará a cabo la controversia iconoclasta que fue

muy sangrienta y el arte se puso sobre la mesa en el centro de la política y
del sistema de creencias de la época, hasta que se llega a la conclusion que
ningun tipo de arte puede representar la esencia misma de Dios pero nos
ayuda a hacernos una idea de el y hacercarnos a el.

En los paises de Oriente no se complican tanto y deciden que si el arte

atrae a los fieles porque no utilizarla.

Después de esto se generan diversas tradiciones como las Veronica, un tipo

de arte que segun la historia se crean milagrosamente, cuando el rostro de
cristo quedo marcado en una tela por el sudor y la sangre, tiene poderes
curativos y milagrosos.
En la edad media es fácil caer en el tópico de creer que las esculturas y
pinturas con temas bíblicos tenían un valor didáctico para la gente que no
sabía leer. Pero en realidad no eran del todo así, la imagen y escultura
medieval en general era muy especifica y compleja, de manera que si no se
tenian conocimientos previos sobre los relatos Biblicos no se podían
interpretar correctamente. Un ejemplo es el mosaico de la abadia de san
Pedro, en la fachada se representa del dia del jucio final, daba un mensaje
de alerta a los fieles, para que cumplieran la palabra sabiendo que alfinal
todos tendrán que dar cuentas de sus acciones.

También se utilizaban portadas simetricas que representaban por ejemplo

el bien y el mal, el pecado o la santidad, se contraponian las dos portadas
con el tema elejido, para enseñar y reflejar lo bueno y lo malo.

Y como llegaba a entender la gente que no sabía leer las pinturas y las
esculturas? Básicamente por medio de la oratoria y la predicación de
sermones que ayudaban a comunicar temas complejos de una manera muy
directa.

La imagen artistica medieval es sofisticada y compleja.

Los tratados de taller de la época són más bien prácticos que filosóficos,
como por ejemlo como elaborar colores, pigmentos ect

Heraclius con su tratado sobre los colores y las artes romanas es una obra
colectiva escrita a lo largo del siglo 11 al 13 y Teófilo con sus diversos
atributos de mediados del siglo 12 son de los autores que hablan de arte
más importante que conocemos. Estos son considerados libros de cocina.

Pero hay otros tipos de libros de taller como los libros de modelos Villard
de Honnecourt primera mitad del siglo 12 que te enseñaba en el arte de
construccion, carpiteria, retratos ect. Donde copia todo aquello que le
llama la atencíon que sirven de modelo para otras obras artistas, de
inspiración...

En la edad Media no se valoraba que un artista fuera muy original y no

pasaba nada por copiar otras obras de arte, no era problema. Los libros de
taller se consultaban continuamente como medio de inspiración.
Según las opiniones de los teólogos de la edad media, que no solo trataban
cuestiones religiosas sino también filosóficas el arte tenia dos diferentes
puntos de vista según Suger de Saint Venis o San Bernardo de Claraval
ambós contemporaneos y Franceses en el siglo 12 donde comienza a surgir
el estilo gótico, los dos comparten su visión del arte al mundo.

Guger de Saint Venis es un enamorado del arte bello y la luz, dice que
mediante ellos se puede acceder a Dios, y se esfuerza por explicar porque
gasta tanto dinero en reformar la Abadía y en obras de arte, la luz
transfigurada por la vidrieras, las piedras que brillan le transportan a un
lugar más cerca de Dios y comprende mejor la Divinidad. Crea la doctrina
de la luz.

San Bernardo de Claraval en cambio se encuentra en un contexto

idiológico diferente, su vida estaba rodeada de arte que se exponía en las
iglesias lo cual casua mas admiración por la belleza que por la santidad
que pueda simbolizar, la Bernardo el papel del arte era atraer a los no
creyentes a la fe, y por eso en las iglesias era util. Pero en los monasterios
donde no hay la necesidad de publicitar ni llamar la atencion de los no
creyentes, el arte se transforma en una distracción, la cual hace que quites
el ojo de la palabra escrita y mires al marmol esculpido. El arte es
fascinante, tanto que no deberia incluirse en los monasterios porque se
combierte en el centro de atención.

De manera que en la edad media tenemos libros de taller practicos,

tenemos libros de modelos, y en cuanto la opinion filosofica del arte, los
teologos nos dan una idea. El arte tiene una consideración menor a lo
intelectual, por eso no se escirbe mucho sobre ello, es gente que trabaja
con las manos como un zapatero o un sastre.

En el renacimiento se defendera que trabajan con la mente y se luchará por

reconsiderar el valor del arte como intelectual, se escribiran biografiás
sobre los artistas, se elaboraran talleres de practicas y cientificos que
utilizaran las matematicas para encontrar las proporciones y los angulos
perfectos, nace el genero paragone que busca enfrentar las artes del diseño;
escultura, pintura y arquitectura.
Una de las obras literarias mas importantes a destacar es Las vidas de
Giorgio Vasari (1511-1574) que parte de que en la epoca Greco Romana el
arte llego a su punto mas alto en la historia, mas tarde en la caida de Roma
los barbaros y su estilo gotico detubieron el avance del arte, convirtiendo
la edad media en unos siglos oscuros para los artistas, y no es hasta
Cimabue un pintor italiano en el 1270 que el arte vuelve a renacer.
En las vidas tenemos solo biografías de artistas, se consideran importantes
y desctacados.

Vasari introduce su libro dividendola en tres etapas, tenian concienzas de

épocas y consideraba la edad media una edad oscura de decadencia, el arte
gotico es un arte rudo sin reglas y delicadeza y nace esa consideración
negativa del arte medieval.

Vasari considera que la pintura la escultura y la arquitectura son hermanas

y las agrupa en las arti del disegno,

Considera el arte en su contexto histórico, se pregunta porque hay tantos

artistas y personas con talento para el arte, y esto es porque las elites se
preocupan por la producción del arte y lo apreciaban, y les proporcinan a
los artistas lo necesario para que se dediquen exclusivamente al arte.

Vasari se pregunta como eran psicologicamente los artistas como miguel

angel, el pensaba que su caracter se reflejaba en sus obras.

Para Vasari Cimabue fue el despertar del arte en el año 1270 donde el
renacimiento del arte comenzó, Cimabue fue maestro de Giotto unos de los
pintores máss peculiraes de la historia ya que su estilo de pintura influye a
casi toda Europa. Y aqui considera Vasari que el renacimiento inicia con
Cimabue y Giotto su aprendiz se desarrolla por completo en su estilo tan
revolucionario. Espacio y figura humana reconquistan los lienzos, en un
espacio que pretende ser lo mas realista posible.
Para Vasari el renacimiento tambien tiene tres etapas;

-Las primeras luces (Giotto)

-La madurez se recupera el arte classico (representada con pinturas como

la de Masaccio)
-Se recupera el arte classico e incluso se llega superar. (Miguel Angel)

Bocacció en sus literaturas tambén nos habla de Giotto elevando y

considerando sus habilidades artisticas, sobre todo valorando su realismo
que puede engañar a los ojos.

En la comparación de las artes del diseño y la lucha de cual de ellas es

superior Leonardo da Vinci dice lo siguente;

La pintura es superior a la escultura, ya que el escultor debe hacer

ersfuerzo fisico y acaba siempre sucio, sin embargo el pintor esta sentado
delicadamente expresa su arte sin ningun esfuerzo fisico e incluso tiene
musica a su alrededor. En el contexto de Leonardo estas caracteristicas
eran importantes y muchas veces se tenian en cuenta a la hora de valorar el
arte como intelectual o solo artesanal.

Miguel Angel tambien se suma a la hora de que reconozcan el arte como

intelectual y cita; El mejor artista nunca tiene un concepto que un simple
bloque de marmol no contenga dentro de su corteza, pero se puede llegar a
el solo si la mano sigue al intelecto.

Se inicia la institución de la academia de arte en el 1563. Antes de esto el

aprendizaje se realizaba en los talleres y allí se formaban los nuevos
artistas.

Con la academia la formación intelectual en los artistas es posible. Esto

mejora su condicion social. Pero por contra se genera toda una serie de
normas sobre como tiene que ser el arte, la forma de vivir de los artistas
ect. Esto limitaba a los nuevos artistas.

Se crean categorias de las pinturas según el tema en el libro de Andre

Felibién (1619-1695) Des principies de l´architecture de la scuplture, de
la peinture et des autres arts qui en depend.

Pintura de Historia. (religioso o mitologico)

El retrato. (De personajes importantes)

El paisaje.
Pintura de genereo y naturaleza muerta (Escenas domésticas, flores, fruta...
Se generea la controversia entre belleza y realidad con el cuadro de
Nicolas Poussin de Rebeca y Eliecer, ya que este omite los camellos
considerando que no son bellos, pero de esta forma omite también la
realidad.

En el siglo 18 nace la historia de la estetica y la critica de los autores

modernos. J. Wilkeman escribe una de las primeras obras literarias de la
historia del arte; Reflexiones sobre la imitación de la pintura y escultura
Griega./1755)
Sus libros inaguran la disciplina cientifica de la historia del arte e influye
en las obras de la época.

La critica del arte es posible gracias a los salones de arte franceses, donde
los alumnos presentaban sus obras y eran expuestas al público, además se
tenía la oportunidad de comprar obras, de manera que se necesitaba a un
entendido que guiara a los compradores a la inversión mas exitosa.

Uno de los entendidos y criticos de la época mas famosos es Denis Diderot

que criticaba sobre todo el estilo de pintura de moda de la época Rococó
declarando que era una pintura que solo servia para el placer de la vista, no
profundizaba en los sentimientos, no transmitía, ni nos hacía reflexionar,
todo y que tecnicamente el dibujo era de una alta calidad.

La critica de Dideroto influye en el mercado del arte, dando a los cirticos

una importancia considerable en el mundo del arte.

En el siglo 19 también nos encontramos con nuevos topicos por ejemplo;

-Todas las novedades artísticas son rechazadas en primer momento.

-El buen artista crea cosas nuevas.

-El arte no necesariamente tiene que explicar història.

Aprece la estética como ciencia, estudia lo que recibimos a trvavés de los

sentidos, la belleza y el arte Alexander Baungarten Estetica (1750).
La belleza de Kant pura un pasiaje o dependiente que nace de la ultilidad
arte menor y mayor.
El jucio del gusto.
Otra categorias como sublimes.

Frederich Hegel, definite el arte como una expresión del espiritu de la una
epoca o de una nación.

Y hace diferencia entre belleza natural y belleza artistica.

Heinrich Wolffin (1864-1945) aporta sus principales aportaciones en

algunas de sus obras fundamentales como; Renacimiento y Barroco 1888 y
Conceptos fundamentales de historia del arte 1915

-Vinculos entre la psicologia y el arte.

-Metodo comparativo
-Nacionalidades, escuelas y estilos locales.

La teoria de Wollfin propicia un enfoque formal de la historia del arte. Los

valores esteticos pueden sostenerse de manera individual y el jucio del arte
puede aliarse con otras consideraciones por ejemplo eticas y sociales.

Categorias Wolffianes

CLASICISMO
-Forma cerrada o dibujística; Cada uno de los elementos esta
perfectamente cerrado, y dibujado de manera que la pintura no puede
sobresalir del dibujo.

-Composición cerrada o centrípeta; Todos los elementos convergen en

lo que esta sucediento en el centro de la pintura.

-Composición superficial; Los elementos mas importantes de la

composición se encuentran en primer termino, y en segundo y en tercer
termino se representa el paisaje y otros elementos secundarios.

-Composición no unitaria; Cada elemento de la obra es perfectamente

independiente en su dibujo de manera que no se pueden confundir y se
separan claramente al ojo humano sin esfuerzo. Una misma linea de dibujo
no une todos los elementos.

-Composición clara. Los elementos estan bien definidos y no se mezclan

entre ellos, se pueden distingir facilmente de los demas componentes.

BARROCO
-Forma abierta o pictórica; En el cual el dibujo no se es marcado y el
color es usado para a dar forma a los componentes.

-Composición abierta o centrífuga; sus elementos no se convergen hacia

el centro sino que se expanden hacia los extremos

-Composición profunda; El pasiaje se dibuja en la lejanía y

prácticamente se pierde de vista.

-Composición unitaria; De alguna manera una unica linea imagianria une

todos los componentes transformandolos en un solo elemento. De esta
manera nos cuesta diferencias cada componente por separado.

-Composición oscura; Los componentes no se defininen lo suficiente

independientes en la obra asi que debemos hacer un esfuerzo por
identificarlos individualmente.

OTROS ASPECTOS FORMALES

-Linea del horizonte. Horizonte medio alto, bajo, alto según donde este
se querrá transmitir una cosa u otra.
-Geometria de las formas.
-Luz.
-Cromatismo.
 EL arte en el siglo XX

Nace la historia del arte y la psicología; Freud, Jung, Pollock,Lacan (El

subconciente tiene su papel en como se crea una obra y como se percibe)

La história del arte marxista; Meyer Schapiro, Fiedrich Antal (La pintura
florentina y su ambiente social, (1948) El contexto económico, y político a
los que estaban sometidos los pintores, sistemas de producción.

El arte de la historia y de la sociología; Pierre Francastel (El arte es una

producción social vinculada a su momento histórico y ambiente social,
político y económico.)

La muerte del arte; Giulio Carlo Argan (La cultura actual la

postmodernidad). Muere la religion la cultura la familia.

La historia del arte y del feminísmo: Linda Nochlin. "No hay mujeres
artistas igual que no hay esquimales tenistas"

La historia del arte semiòtica; Roland Barthes.

Y los artistas comienzan a habalar mucho junto a las vanguardias y

manifiestos artísticos. Quieren hacer cosas radicalmente diferentes y
gritarlo de manera decidída. Quieren crear una nueva sociedad incluso
para la moda,

Aparecen los Dadeistas algo asi como los anarquistas de arte. Que
rechazan todo lo aprendido, que rechazan las jerarquías, son pacíficos
entre guerras y todos esos valores de la civilizacion y el orden se ponen en
cuestión, que no funciónan. Crean un arte en contra del tradicional y una
sociedad nueva.

Los surrealistas también creearan su manifiesto, 1924 redefinen la

concepto de surrealismo. El manifiesto amarillo busca revolucionar con un
lenguaje provocativo y buscan borrar todo lo aprendido.
Se crea la teoria artisctica como Kandiski, desde un punto de vista
filosofico "de lo espiritual en el arte " Nos explica que el arte abstracto no
son solo trazos y colores sin sentido sino que surgen de la necesidad
interior.

El neoplasticismo 1920 explica porque esta investigando lo abstracto Piet

Mondrian, el proposito no es reproducir eso que ya existe, su objetivo es
transcender un elemento y llegar a una cosa mas grande, a las lineas puras
y al color puro.

1933, La ville radiuse, Chalres-Eduard Janneret Gris La cuidad del futuro,

el autor nos habla que todos debemos tener en nuestras cuidades contacto
con la luz natural espacio para la vida y estar en contacto con la naturaleza
como derecho. Busca remodelar el centro de Paris con estos terminos, no
se materializo pero ese pensamiento de cuidad igualitaria y que facilita la
vida son reflexiones aun muy vivas y presentes, han inspirado a muchos
artistas y urbanistas.
 METODOS DEL ANALISI DEL ARTE
ANALISIS FORMALISTA

Para poder entender la obra al detalle, material y significado.

ICONOGRAFÍA/ICONOLOGÍA
Aby Warburg (1886-1929) La superviviencia de los motivos classcios en el
arte del renacimiento Italiano y en la cultura occidental. Se ocpua de los
motivos iconograficos, que atraviesan los siglo y llegan hasta la edad
moderna, el crea un metodo de comparación de imagenes. Establece
referencias, ultilizando el Atlas Mnemosine buscando similitudes a la hora
de representar temas classicos que perviven hasta el renacimiento pero se
van añadiendo nuevos significados.

Warburg es uno de los profesores guias de Erwin Panofsky que es uno de

los historiadores del arte mas importantes del siglo XX por sus
aportaciones a lo largo de su carrera, Alemán que se instala en los estados
unidos en la segunda guerra mundial y estudia en Harvard. El es el
reponsable del metodo iconografico o iconologico.

Iconografía; Hace referencia al asunto artístico o tema derivado de las

fuentes escritas especialmente bíblicas o mitológicas. Explica el tema de
una obra de arte, haciendo referencia a fuentes textuales en las que se
identifica el tema. Historicas, Legendarias, Mitologicas, Biblicas ect

Iconologia; Es un termino mas amplio que hace referencia a todo tipo de

simbolismo, derivados de un texto especifico o no. Los historiadores del
arte no coinciden en el uso preciso de ambos terminos, los aplican
indistintamente. Es un termino mas amplio, va mas alla del tema, como se
representa y que simbolos estan involucrados e incorporan cultura,
economia sistema político en las que se encuentra la pintura en el
momento historico en la que se realiza.

El estudio concreto de las obras de arte consta de tres análisis

consecutivos.
1-Analisis pre-icnográfico; El historiador de arte consigna aquellos datos
que posee de la obra. Ubicación en un periodo y estilo determinado según
sus formas. Situamos la obra en su época correspondiente, la vinculamos a
un artista.

2-Analisis iconográfico; Analisis de los elementos que acompañan la obra

y sus diferentes atributos o caracteristicas, identificando el tema en
relación con un texto, y los elementos figurativos en relación a su función
simbólica. El analisis iconográficos implica un metodo descirptivo y no
interpretativo, y se ocupa de la identificación, explicación y classificación
de imagenes. Se determina que tema se representa, en un texto que se
identifique con la obra.

3- Analisis Iconológico; Estudio de su significado conceptual o ideológico

en el contexto cultural de su época.

Giovanni Morelli (1816-1891) aficionado al arte, médico coleccionista y

critico del arte. Se centro en arte del renacimiento Italiano, muy influente
para otros historiadores como Bernardo Berenson o novelistas como sir
arthur conan Dolye o pensadores como Sigmund freud. El método
moreliano. Todos los hombres tienen habitos escritos o verbales los cuales
ultilizan de manera involuntaria por el subconciente, de la misma manera
el artista tiene esta caracteristica en sus obras, si se quiere estudiar un
artista en profundidad se ha de encontrar este comportamiento
subconciente en las obras. Pintura Italiana 1892.

Para revisar el metodo morelli habia hay que destacar tres categorias de
elementos morfológicos.

1-Manos, orejas, ojos, narices, ect.

2- Cabellos y contornos lineales de la escultura.

3-Estrucutra de la figura en movimiento, tipo humano, colores ect

Cual es entonces la ultilidad de método formalista?

-Conicimiento especifico de la obra de arte en si misma.

-Conocimientos de los contextos culturales, artisticos, y de las relaciones d

e los artistas y comitentes gracias a el analisis de influencias, prestamos,
modelos ect.

Dependiendo del artista nos daba información diferente, es importante

saber el autor de la obra de arte. Nos puede ayudar a descubrir maestros
anónimos.

COMENTARIO DE UNA OBRA DE ARTE

ESQUEMA BÀSIC PER A COMENTAR UNA OBRA D’ART

Autor: atribuït, documentat, signat o anònim.

Títol: explícit o derivat del tema. Normalmente lo ponemos nosotros a

posteriori cuando no viene con la pintura, segun con lo que interpretamos,
o una descripción

Tècnica/ matèria: en pintura: oli sobre tela/ taula; tremp sobre tela/taula;
tècnica mixta sobre collage. En escultura: tipus de fusta fusta policromada;
marbre, alabastre, bronze, plata, or, acer, plàstic, formigó... como la tecnica
al fresco se pinta sobre la capa de preparacion del muro cuando aun esta
fresca probocand ouna reaccion quimica que la impirma en la preparacion
y crea un costra protectora, diferencia la linea giornata, los pintors cuando
pintaban al fresco lo hacian por secciones y se notan esas secciones.
Tambien se genera la tecnica de grabacion que facilita la difusion de las
obras.

Firma: Que nos puede informar de donde es el pintor y el año en la que se

creo la obra

Mides: alt per ample en quadres, fotografies i en general obra

bidimensional. Alt per ample per fons en escultures, objectes i mobles
tridimensionals. En arquitectura adjuntar planta i seccions a escala.

Cronologia: aproximada, documentada o datació explícita dins l’obra

Procedència: lloc on es creà l’obra o s’emplaçà per primera vegada

Localització: Ciutat: museu/ col·lecció particular o privada; nom del

propietari. En obres ubicades en contextos amplis( esglésies, palaus,
edificis monumentals diversos, es cita de major a menor: Ciutat,
església/palau, capella/ saló principal.

Anàlisi iconogràfic: identificació del tema representat i concreció de la

manera de representar-lo. Identificació de la font o fonts textuals o les
tradicions orals...

Anàlisi iconològic: connexió amb el context original de l’època, per

exemple, pràctiques litúrgiques específiques en la capella on se situava un
retaule. I, en un sentit més ampli, conjunt de creences del moment que
sustentaven aquelles pràctiques i van donar lloc a aquella formulació del
tema...

Anàlisi formal:
-Pintura: Composició, dibuix, color, pinzellada.

-Escultura: Composició, línies principals, tipus de relleu o cos rodó, punts

de vista.

-Connexió de l’estil amb altres peces de l’autor. Vincles compositius i

estilístics amb altres autors i escoles. Aportacions de l’artista al seu context
cultural.

ANÀLISI D’UNA OBRA ARQUITECTÒNICA

-Anàlisi formal: Planta

-Alçat
-Aparell decoratiu
-Materials i tècniques
-Etapes constructives i afegits posteriors

-Anàlisi “funcional”:

-Adequació de l’edifici a les seves funcions

-Anàlisi “simbòlic” o “iconològic”: funcions ideològiques, sociològiques,

polítiques, propagandístiques, i altres.