Historia del arte

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Para la historiografía de la historia del arte, véase Estudio de la historia del
arte.

La creación de Adán (1508-1512), de Miguel Ángel, en la Capilla Sixtina (Vaticano).

Cuarteto para flauta (1777), de Wolfgang Amadeus Mozart, considerado como uno de
los mejores compositores de música clásica de toda la historia.

Las mil y una noches (‫ألف ليلة وليلة‬, Alf layla wa-layla), título clásico de la
literatura árabe.

El acorazado Potemkin (1925), de Sergéi Eisenstein, una de las obras maestras de la

historia del cine.
La historia del arte es el relato de la evolución del arte a través del tiempo.
Entendido como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con
finalidad estética o comunicativa, a través de la cual se expresan ideas, emociones
o, en general, una visión del mundo, empleando diversos recursos, como los
plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos.

La historiografía del arte, como disciplina académica y entorno institucional

(museos, mercado del arte, departamentos universitarios, producciones editoriales)
se suele restringir a las denominadas artes visuales o plásticas (esencialmente a
pintura, escultura y arquitectura), mientras que otras artes son más
específicamente objeto de estudio de otras disciplinas claramente delimitadas, como
la historia de la literatura o la historia de la música, siendo todas ellas objeto
de atención por la denominada historia de la cultura o historia cultural, junto con
las historias sectoriales enfocadas a otras manifestaciones del pensamiento, como
la historia de la ciencia, la historia de la filosofía o la historia de las
religiones. Algunos campos de conocimiento estrechamente relacionados con la
historia del arte son la estética y la teoría del arte.

A lo largo del tiempo el arte se ha clasificado de muy diversa manera, desde la

distinción medieval entre artes liberales y artes vulgares (o «mecánicas»), pasando
por la moderna distinción entre bellas artes y artes menores o aplicadas, hasta la
multiplicidad contemporánea, que entiende como arte casi cualquier manifestación de
la creatividad del ser humano.

La sucesiva ampliación del listado de las «artes principales» llegó en el siglo XX

hasta el número de nueve: la arquitectura, la danza, la escultura, la música, la
pintura, la poesía —entendida de forma amplia como literatura con intención
estética, que incluye los distintos géneros del teatro y la narrativa—, la
cinematografía, la fotografía y la historieta (o cómic).

Al solapamiento conceptual de términos entre artes plásticas y artes visuales se

añadieron los de diseño y artes gráficas. Además de antiquísimas formas de
expresión artística como la moda y la gastronomía, actualmente se suelen considerar
artes nuevos vehículos expresivos como la publicidad, la animación, la televisión y
los videojuegos.

La historiografía del arte es una ciencia multidisciplinar, procurando un examen

objetivo del arte a través de la historia, clasificando culturas, estableciendo
periodizaciones y observando sus características distintivas e influencias. El
estudio de la Historia del Arte se desarrolló inicialmente en el Renacimiento, con
su objeto limitado a la producción artística de la civilización occidental. No
obstante, con el tiempo se ha impuesto una visión más amplia de la historia
artística, intentando una descripción global del arte de todas las civilizaciones y
el análisis de sus producciones artísticas en términos de sus propios valores
culturales (relativismo cultural), y no solo de los de la historia del arte
occidental.

El arte goza hoy día de una amplia red de estudio, difusión y conservación de todo
el legado artístico producido por la humanidad a lo largo de su historia. Durante
el siglo XX han proliferado las instituciones, fundaciones, museos y galerías, de
ámbito público y privado, dedicados al análisis y catalogación de las obras de
arte, así como su exposición a un público mayoritario. El auge de los medios de
comunicación ha sido fundamental para el mejor estudio y divulgación del arte.

Eventos y exposiciones internacionales, como las bienales de Venecia y São Paulo o

la Documenta de Kassel han ayudado al fomento de nuevos estilos y tendencias.
Premios como el Turner de la Tate Gallery, el Premio de la Fundación Wolf de las
Artes, la Medalla Picasso de la UNESCO, el Premio Velázquez de Artes Plásticas, el
Premio Pritzker de arquitectura, el Premio Nobel de literatura, la Medalla Mozart
de la Unesco de música clásica, el Pulitzer de fotografía y los Óscar de cine
también fomentan la obra de los mejores creadores a nivel internacional.
Instituciones como la UNESCO con el establecimiento de un Patrimonio de la
Humanidad ayudan igualmente a la conservación de los principales monumentos del
planeta.1

Índice
1 Prehistoria
1.1 Paleolítico
1.2 Neolítico
1.3 Edad de los Metales
2 Arte antiguo
2.1 Mesopotamia
2.2 Egipto
2.3 América
2.4 África
2.5 Asia
2.5.1 India
2.5.2 China
2.5.3 Japón
2.6 Oceanía
2.7 Otras manifestaciones
3 Arte clásico
3.1 Grecia
3.2 Roma
4 Arte medieval
4.1 Arte paleocristiano
4.2 Arte germánico
4.3 Arte prerrománico
4.4 Arte bizantino
4.5 Arte islámico
4.6 Arte románico
4.7 Arte gótico
4.8 América
4.9 África
4.10 Asia
4.11 Oceanía
5 Arte de la Edad Moderna
5.1 Renacimiento
5.2 Manierismo
5.3 Barroco
5.4 Rococó
5.5 Neoclasicismo
5.6 América
5.7 África
5.8 Asia
5.9 Oceanía
6 Arte contemporáneo
6.1 Siglo XIX
6.1.1 Arquitectura
6.1.2 Romanticismo
6.1.3 Realismo
6.1.4 Impresionismo
6.1.5 Simbolismo
6.1.6 Modernismo
6.1.7 Fotografía
6.2 Siglo XX
6.2.1 Arquitectura
6.2.2 Vanguardismo
6.2.3 Últimas tendencias
6.2.4 Globalización del arte
6.2.5 Artes decorativas
6.2.6 Literatura contemporánea
6.2.7 Teatro contemporáneo
6.2.8 Música contemporánea
6.2.9 Danza contemporánea
6.2.10 Fotografía del siglo XX
6.2.11 Cine
6.2.12 Historieta
6.2.13 Arte efímero
7 Véase también
8 Notas
9 Referencias
10 Bibliografía
11 Enlaces externos
Prehistoria

Venus de Willendorf, Museo de Historia Natural de Viena.

Artículo principal: Arte prehistórico
El arte prehistórico es el desarrollado por el ser humano primitivo desde la Edad
de Piedra (Paleolítico superior, Mesolítico y Neolítico) hasta la Edad de los
Metales, periodos donde surgieron las primeras manifestaciones que se pueden
considerar como artísticas por parte del Homo sapiens. Durante el Paleolítico (25
000-8000 a. C.), los seres humanos se mantenían principalmente gracias a la caza y
a la recolección y habitaban en cuevas, en algunas de las cuales desarrollaron la
llamada pintura rupestre. Tras un periodo de transición (Mesolítico, 8000-6000 a.
C.), en el Neolítico (6000-3000 a. C.) el ser humano se volvió sedentario y se
dedicó a la agricultura, con sociedades cada vez más complejas donde fue cobrando
importancia la religión, y comenzó la producción de piezas de artesanía. Por
último, en la llamada Edad de los Metales (3000-1000 a. C.), surgieron las primeras
civilizaciones protohistóricas.

Paleolítico
Artículo principal: Arte paleolítico
Las primeras manifestaciones artísticas proceden del Homo neanderthalensis, de hace
unos 65 000 años, tal como se constata por los restos hallados en las cuevas de
Maltravieso (Cáceres), Ardales (Málaga) y La Pasiega (Cantabria).2 Aun así, la
mayor parte de los primeros hallazgos artísticos son del paleolítico superior y
pertenecen ya al Homo sapiens, alrededor del 25 000 a. C., teniendo su apogeo en el
periodo magdaleniense (±15 000-8000 a. C.). Los primeros vestigios de objetos
creados por el hombre aparecen en el sur de África, el Mediterráneo occidental,
Europa central y oriental (Mar Adriático), Siberia (Lago Baikal), la India y
Australia. Estos primeros vestigios son generalmente utensilios de piedra trabajada
(sílex, obsidiana), o bien de hueso o madera. Para la pintura utilizaban rojo de
óxido de hierro, negro de óxido de manganeso y ocre de arcilla. Su principal medio
expresivo era la pintura rupestre, desarrollada principalmente en la región franco-
cantábrica: son pinturas de carácter mágico-religioso, en cuevas, de sentido
naturalista, con representación de animales, destacando las cuevas de Altamira,
Tito Bustillo, Trois Frères, Chauvet y Lascaux. En escultura, destacan las llamadas
venus, representaciones femeninas que seguramente servían de culto a la fecundidad,
destacando la Venus de Willendorf. Otras obras representativas de esta época son el
denominado Hombre de Brno, el Mamut de Vogelherd y la Dama de Brassempouy.3

En la prehistoria surgieron las primeras formas rudimentarias de música y danza:

diversos fenómenos naturales y la modulación de la propia voz humana hicieron ver
al hombre primitivo que existían sonidos que resultaban armónicos y melodiosos, y
que afectaban a las emociones, al estado anímico de las personas. Al tiempo, la
danza, el movimiento rítmico, supuso una forma de comunicación corporal que servía
para expresar sentimientos, o para ritualizar acontecimientos importantes
(nacimientos, defunciones, bodas). En principio, música y danza tenían un
componente ritual, celebrados en ceremonias de fecundidad, caza o guerra, o de
diversa índole religiosa. Pronto el ser humano aprendió a valerse de objetos
rudimentarios (huesos, cañas, troncos, conchas) para producir sonidos, mientras que
la propia respiración y los latidos del corazón sirvieron para otorgar una primera
cadencia a la danza.4

Neolítico
Artículo principal: Arte neolítico

Pintura rupestre de la Roca de los Moros, en El Cogul.

Este periodo —iniciado alrededor del 8000 a. C. en el Próximo Oriente— supuso una
profunda transformación para el antiguo ser humano, que se volvió sedentario y se
dedicó a la agricultura y la ganadería, surgiendo nuevas formas de convivencia
social y desarrollándose la religión. En la pintura levantina —datada entre el
Mesolítico y el Neolítico— se dio la figura humana, muy esquematizada, con notables
ejemplos en El Cogul, Valltorta, Alpera y Minateda. También se dio este tipo de
pintura en el norte de África (Atlas, Sáhara) y en la zona del actual Zimbabue. La
pintura neolítica solía ser esquemática, reducida a trazos básicos (el hombre en
forma de cruz, la mujer en forma triangular). Son de destacar igualmente las
pinturas rupestres del río Pinturas en Argentina, especialmente la Cueva de las
manos. En arte mobiliar se produjo la llamada cerámica cardial, decorada con
impresiones de conchas (cardium), y apareció el arte textil. Se manufacturaron
nuevos materiales como el ámbar, el cristal de roca, el cuarzo, el jaspe, etc. En
esta época aparecieron los primeros vestigios de poblados con una planimetría
urbanística, destacando los restos hallados en Tell as-Sultan (Jericó), Jarmo
(Irak) y Çatalhöyük (Anatolia).5

Edad de los Metales

Complejo megalítico de Stonehenge, en Inglaterra.

La última fase prehistórica es la llamada Edad de los Metales, pues la utilización
de elementos como el cobre, el bronce y el hierro supuso una gran transformación
material para estas antiguas sociedades. En el llamado calcolítico surgió el
megalitismo, monumentos funerarios en piedra, destacando el dolmen y el menhir, o
el cromlech inglés, como en el magnífico conjunto de Stonehenge. En España se formó
la cultura de Los Millares, caracterizada por la cerámica campaniforme y las
representaciones humanas de figuras esquemáticas de grandes ojos. En Malta destacó
el conjunto de templos de Mudajdra, Tarxien y Ggantija. En las islas Baleares se
desarrolló una notable cultura megalítica, con diversas tipologías de monumentos:
la naveta, tumba en forma de pirámide truncada, con cámara funeraria alargada; la
taula, dos grandes piedras colocadas una vertical y otra encima horizontal; y el
talayot, torre con una cámara cubierta de falsa cúpula.6

En la Edad del Hierro destacaron las culturas de Hallstatt (Austria) y La Tène

(Suiza). La primera se dio entre los siglos siglo VIII a. C. y siglo V a. C.,
caracterizada por las necrópolis con tumbas de túmulo, con cámara mortuoria de
madera en forma de casa, a menudo acompañada de un carro de cuatro ruedas. La
cerámica era polícroma, con decoraciones geométricas y aplicaciones de adornos
metálicos. La Tène se desarrolló entre los siglos siglo V a. C. y siglo I a. C.,
ligada a la cultura celta. Destacó por sus objetos en hierro (espadas, lanzas,
escudos, fíbulas), con diversas fases de evolución (La Tène I, II y III), que al
final de esta era recibió las influencias griega, etrusca y del arte de las
estepas.7

Dama de Brassempouy, Museo de Arqueología nacional, Saint-Germain-en-Laye.

Menhir de Champ-Dolent, en la zona de Bretaña (Francia).

Talayot circular de la isla de Mallorca (España).

Carro solar de Trundholm (Dinamarca).

Arte antiguo

Tablilla sobre el diluvio, del Poema de Gilgamesh (c. siglo VII a. C.), Museo
Británico.
Artículo principal: Arte antiguo
Se denomina así a las creaciones artísticas de la primera etapa de la historia,
iniciadas con la invención de la escritura, destacando las grandes civilizaciones
del Próximo Oriente: Egipto y Mesopotamia. También englobaría las primeras
manifestaciones artísticas de la mayoría de pueblos y civilizaciones de todos los
continentes. En esta época aparecieron las primeras grandes ciudades,
principalmente en cuatro zonas delimitadas por grandes ríos: el Nilo, el Tigris y
el Éufrates, el Indo y el río Amarillo.

Uno de los grandes avances en esta época fue la invención de la escritura, generada
en primer lugar por la necesidad de llevar registros de índole económica y
comercial. El primer código escrito fue la escritura cuneiforme, surgida en
Mesopotamia alrededor del 3500 a. C., practicada en tablillas de arcilla. Estaba
basada en elementos pictográficos e ideográficos, mientras que más adelante los
sumerios desarrollaron un anexo silábico para su escritura, reflejando la fonología
y la sintaxis del idioma sumerio hablado. En Egipto se desarrolló la escritura
jeroglífica, con una primera muestra en la Paleta de Narmer (3100 a. C.). La lengua
hebrea fue una de las primeras que utilizó como método de escritura el alfabeto
(abyad, alrededor del 1800 a. C.), que relaciona un único símbolo a cada fonema; de
aquí derivan los alfabetos griego y latino.8

Mesopotamia
Artículo principal: Arte de Mesopotamia

Estatua sedente del príncipe Gudea, patesi de Lagash (2120 a. C.), Museo del
Louvre, París.
El arte mesopotámico se desarrolló en la zona comprendida entre los ríos Tigris y
Éufrates (actuales Siria e Irak), donde desde el IV milenio a. C. se sucedieron
diversas culturas como los sumerios, acadios, amorritas, asirios, caldeos, etc. La
arquitectura se caracteriza por el empleo del ladrillo, con un sistema adintelado y
la introducción de elementos constructivos como el arco y la bóveda. Destacan los
zigurats, grandes templos de forma escalonada piramidal, de los que prácticamente
no nos han llegado vestigios, excepto algunos basamentos. La tumba solía ser de
corredor, con cámara cubierta de falsa cúpula, como algunos ejemplos hallados en
Ur. También destacaron los palacios, conjuntos amurallados con un sistema de
terrazas a modo de zigurat, otorgando gran importancia a las zonas ajardinadas (los
jardines colgantes de Babilonia son una de las siete maravillas del mundo antiguo).

La escultura se desarrolló en talla exenta o relieve, en escenas religiosas o de

caza y militares, con la presencia de figuras humanas y animales reales o
mitológicos. En época sumeria se dieron pequeñas estatuas de formas angulosas, con
piedra de color o pasta en los ojos, en figuras sin cabello, con las manos en el
pecho. En el periodo acadio son figuras con cabello y larga barba, destacando la
estela de Naram-Sin. De la etapa amorrita (o neosumeria) destacan las
representaciones del rey Gudea de Lagash, con manto y turbante y las manos
nuevamente sobre el pecho. En el dominio babilónico cabe mencionar la famosa estela
de Hammurabi. De la escultura asiria destacan las figuras antropomórficas de toros
o genios alados, que flanqueaban las puertas de los palacios, así como los relieves
con escenas de guerra o caza, como el Obelisco negro de Salmanasar III.9

Con la aparición de la escritura surgió la literatura, como medio de expresión de

la creatividad del ser humano. En la literatura sumeria destaca el Poema de
Gilgamesh, del siglo XVII a. C. Se escribieron una treintena de mitos sobre las
divinidades sumerias y acadias más importantes, entre los que destacan: el descenso
de Inanna a los infiernos y los generados en torno a los dioses Enki y Tammuz. Otra
muestra de relevancia es el poema Lugal ud melambi Nirpal (Los trabajos de
Ninurta), cuyo contenido es de tipo didáctico y moral. En época acadia destaca el
Atrahasis, sobre el mito del diluvio. En la literatura babilónica es de remarcar el
poema Enûma Elish, sobre la creación del mundo.10

La música se desarrolló en esta región entre el IV y el III milenio a. C., en

rituales de los templos sumerios, donde se cantaban himnos o salmos (ersemma) a los
dioses. El canto litúrgico estaba compuesto de responsorios —canto alternado entre
sacerdotes y coro— y antífonas —canto alternado entre dos coros—. Tenían varios
instrumentos, como el tigi (flauta), el balag (tambor), la lilis (precursor del
timbal), el algar (lira), el zagsal (arpa) y la adapa (pandero).11

Egipto
Artículo principal: Arte del Antiguo Egipto

Las pirámides de Gizeh.

En Egipto surgió una de las primeras grandes civilizaciones, con obras de arte
elaboradas y complejas que suponen ya una especialización profesional por parte del
artista/artesano. Su arte era intensamente religioso y simbólico, con un poder
político fuertemente centralizado y jerarquizado, otorgando una gran relevancia al
concepto religioso de inmortalidad, principalmente del faraón,nota 1 para el que se
construyen obras de gran monumentalidad. Iniciado alrededor del 3000 a. C., el arte
egipcio perduró hasta la conquista de Alejandro Magno, si bien su influencia
persistió en el arte copto y bizantino.

La arquitectura se caracteriza por su monumentalidad con el empleo de la piedra, en

grandes bloques, con sistema constructivo adintelado y sólidas columnas. Destacan
los monumentos funerarios, con tres tipologías principales: la mastaba, tumba de
forma rectangular; la pirámide, que puede ser escalonada (Saqqarah) o de lados
lisos (Gizeh); y los hipogeos, tumbas excavadas en el suelo o en paredes de
precipicios (Valle de los Reyes). La otra gran edificación es el templo, conjuntos
monumentales precedidos de una avenida de esfinges y dos obeliscos, un acceso con
dos pilonos o muros trapeciales, un patio hípetro, una sala hipóstila y el
santuario. Destacan los templos de Karnak, Luxor, Filae y Edfú. Otro tipo de templo
es el speos, en forma de hipogeo, como en Abu Simbel y Deir el-Bahari.

La escultura y la pintura muestran las representaciones de forma figurativa,

generalmente con gran rigidez y esquematización. En la escultura egipcia comenzó a
representarse a faraones y dioses ya en las primeras dinastías, alcanzándose
durante la IV Dinastía el dominio absoluto de la técnica en elegantes
representaciones de porte majestuoso con acabados pulidos en materiales tan duros
como el granito o la diorita. Predominaba la ley de la frontalidad y el hieratismo,
con formas tendentes a la geometrización, dado su carácter simbólico como
manifestaciones de la vida ultraterrena. También destacan los ushebti, pequeñas
figurillas de tierra cocida o madera, de mayor realismo que la escultura funeraria,
representando escenas cotidianas.

La pintura se caracteriza principalmente por presentar figuras yuxtapuestas en

planos superpuestos. Las imágenes se representaban con criterio jerárquico, por
ejemplo: el faraón tiene un tamaño más grande que los súbditos o los enemigos que
están a su lado. Predominaba el canon de perfil, que consistía en representar la
cabeza y las extremidades de perfil pero los hombros y los ojos de frente. En
Egipto se desarrollaron notablemente las artes aplicadas, especialmente la
ebanistería y la orfebrería, con magníficos ejemplos como los muebles de cedro con
taraceas de ébano y marfil de las tumbas de Yuya y Tuyu (Museo Egipcio de El
Cairo), o las piezas halladas en la tumba de Tutankamon, de gran calidad
artística.12

La literatura egipcia fue la primera en desarrollar un formato literario tal y como

lo conocemos hoy en día: el libro.13 Una de sus mejores manifestaciones es la
Historia de Sinuhé, un servidor de Sesostris I, cuyo relato data de mediados del
siglo XX a. C. Posteriormente destaca el Libro de los muertos, escrito en el Papiro
de Ani, datado hacia el siglo XIII a. C. La música egipcia era principalmente de
signo religioso, con un gran protagonismo del canto vocal, desarrollando un ciclo
anual de festividades cada una de las cuales tenía su música correspondiente —hecho
que pasó a la liturgia judía y cristiana—. Entre sus instrumentos figuraban el
sistro, el ser (pandero), el ben (arpa), la seba (flauta), el sneb (trompeta) y el
met (clarinete). Al parecer, tenían también un tipo de órgano hidráulico, y en la
tumba de Tutankamon se encontraron dos trompetas de plata.14

Speos de Ramsés II en Abu Simbel

El escriba sentado, Imperio Antiguo, Museo del Louvre

Pintura mural de la cámara funeraria de Amenemhet, Imperio Nuevo, dinastía XVIII

(s. XV a. C.)

Máscara funeraria de Tutankamón, Museo Egipcio de El Cairo

América
Artículo principal: Arte precolombino

Ciudad de Monte Albán, Oaxaca, México.

En una evolución paralela a la de los pueblos neolíticos europeos, los antiguos
cazadores-recolectores se iniciaron en la agricultura en torno al VII milenio a. C.
—especialmente el maíz—, surgiendo las primeras sociedades en las tierras altas de
México, donde se observa el predominio de una casta sacerdotal, con grandes
conocimientos en matemáticas y astronomía. Los primeros hallazgos artísticos son de
alrededor del 1300 a. C. en Xochipala (estado de Guerrero), donde se hallaron unas
estatuillas de arcilla de gran vivacidad. La primera gran civilización
mesoamericana fue la olmeca, localizada en un espacio que actualmente corresponde a
las provincias de Veracruz y Tabasco, donde destacan las esculturas de piedra, de
gran naturalismo (Luchador, hallado en Santa María Uxpanapán), o las colosales
cabezas monolíticas de hasta 3,5 metros de altura. Los zapotecas, establecidos en
Oaxaca, construyeron el magnífico conjunto de la Ciudad de los Templos, en el Monte
Albán. En América del Norte destacaron las culturas Hohokam, Mogollón y Anasazi.

En Perú está documentada la construcción de grandes templos antes incluso de la

invención de la cerámica, en el III milenio a. C. (Sechín Alto, Kuntur Wasi).
Destaca Chavín de Huántar (900 a. C.), complejo religioso construido en diversas
fases, con una estructura en forma de U, con una plaza embaldosada con losas en
relieve con figuras de jaguares y animales mitológicos, templo edificado sobre tres
pisos de galerías, y un monolito central de granito blanco de 4,5 metros de altura.
En esta región surgió una notable industria textil, quizá la primera del mundo,
hilada con telar con hilos de casi 200 colores distintos, destacando especialmente
los mantos de lana de Paracas. Otras culturas remarcables de la región fueron la
moche y la nazca —con sus enigmáticos geoglifos de Nazca—. En la zona del Amazonas
destacó la cultura barrancoide, con una cerámica de diseños incisos, así como la
cultura San Agustín en Colombia.15

África
Artículo principal: Arte africano

Escultura nok.
El arte africano ha tenido siempre un marcado carácter mágico-religioso, destinado
más a ritos y ceremonias de las diversas creencias animistas y politeístas
africanas que no a fines estéticos, aunque también hay producciones de signo
ornamental. La mayoría de sus obras son de madera, piedra o marfil, en máscaras y
figuras exentas de carácter más o menos antropomórfico, con un típico canon de gran
cabeza, tronco recto y miembros cortos. También se producían cerámica, joyería y
tejidos, así como objetos de metalurgia —el hierro era conocido desde el siglo VI
a. C.—. La primera producción de cierta relevancia fue la cultura Nok, en el I
milenio a. C., situada en el norte de la actual Nigeria. Destacan las esculturas de
terracota, con figuras humanas —a veces sólo la cabeza— o de animales (elefantes,
monos, serpientes), de gran sentido naturalista, mostrando expresiones faciales de
signo individualizado, con diversos peinados, a veces con collares y brazaletes. En
Sudán se desarrollaron las culturas kerma y meroe, caracterizadas por sus
monumentales construcciones en barro, sus armas y su cerámica. En Etiopía destacó
la ciudad de Aksum, centro de un reino que alcanzó su apogeo en el siglo IV. Con
una notable cultura —desarrollaron una escritura en lengua ge'ez, y crearon un
sistema monetario—, son de destacar sus estelas en forma de pilares monolíticos, de
carácter funerario, de hasta 20 metros de altura.16

Asia
India
Artículo principal: Arte de la India

Mohenjo-Dāro.
El arte indio tiene un carácter principalmente religioso, sirviendo como vehículo
de transmisión de las distintas religiones que han jalonado la India: hinduismo,
budismo, islamismo, cristianismo, etc. También hay que destacar como rasgo
distintivo del arte indio su afán de integración con la naturaleza, como adaptación
al orden universal, teniendo en cuenta que la mayor parte de elementos naturales
(montañas, ríos, árboles) tienen para los indios un carácter sagrado.

Cultura del Indo: la primera gran civilización india se desarrolló entre el siglo
XXVI a. C. y el siglo XIII a. C., conocida hoy día por las excavaciones realizadas
en 1920 por sir John Marshall en Mohenjo-Daro, antigua ciudad que en sucesivos
emplazamientos muestra una planificada urbanización, con edificios públicos
construidos en ladrillos de barro cocido. De igual importancia son las excavaciones
realizadas en Harappa, con restos de cerámica, escultura y útiles de metal (oro,
plata, cobre y latón).17
Período védico (siglos XIII-VI a. C.) y premauria (siglos VI-III a. C.): en esta
etapa se introdujeron los pueblos arios, apareciendo las religiones tradicionales
indias. En el siglo VI a. C. aparecieron el budismo y el jainismo, estableciéndose
estrechos lazos con el arte persa. La expedición a la India de Alejandro Magno
(326-325 a. C.) abrió contacto con el arte helenístico griego, plasmado en las
formas grecobudistas.
Arte maurya (siglos III-II a. C.): la dinastía Maurya, de religión budista, ocupó
todo el curso medio del Indo y la parte central de la península del Deccán. La
arquitectura de piedra sustituye al ladrillo, como en el Palacio de Aśoka en
Pātaliputra. El monumento característico de este periodo es la stūpa, túmulo
funerario de carácter conmemorativo, generalmente recubierto de relieves con
escenas de la vida de Buda, como la Stūpa de Sānchi.
Arte de Gandhāra (siglos II a. C.-I d. C.): el arte de Gandhāra es de tradición
grecobudista, con influencia helenística y sasánida, destacando por la
representación directa de la imagen de Buda. Evolucionó la tipología de la stūpa,
que es con cúpula sobre un alto tambor cilíndrico colocado sobre una base cuadrada,
como el de Kanisha, en Peshawar.
Arte de Mathurā y Amarāvatī (siglos I-IV): en la ciudad de Mathurā, situada en la
cuenca superior del Ganges, se desarrolló una importante escuela artística que se
difundiría por el resto de la India e influenciaría al arte gupta. El estilo
Mathurā mezclaba elementos tradicionales indios con motivos grecorromanos, sin
embargo nos han llegado pocas representaciones de este periodo debido a la
destrucción producida por la invasión islámica. El arte de Amarāvatī también tiene
influencia grecorromana, como lo demuestra los restos hallados en Virapatnam
(Pondicherry). Al igual que los estilos anteriores, sus obras principales son
monasterios y stūpas, destacando la gran stūpa de Amarāvatī, de 50 metros de
altura.18

La Guerra de Kurukshetra en una ilustración del Mahābhārata.

La literatura india comenzó alrededor del 2500 a. C., escrita en sánscrito. Su
primera manifestación fue la literatura védica (de veda, ‘verdad’), con escritos
centrados en la religión y la guerra, con un tono poético y evocador de un mundo
mágico. Se divide en tres grupos: los Samjitas (o ‘colecciones’, que incluyen el
propio Rigveda (himnos litúrgicos de tema mitológico, con un lenguaje poético y de
exaltación de la naturaleza); los Brāhmaṇa, también de carácter litúrgico, pero de
signo más esotérico, incluyendo los Upaṇiṣad, escritos sobre doctrinas secretas que
suponen la primera obra de tipo filosófico en la India; y los Sutra, series de
aforismos sobre religión, gramática, filosofía y otros aspectos del brahmanismo. En
un período posvédico (hacia el siglo III a. C.) surgen los grandes poemas épicos
indios: el Majabhárata es la tercera obra literaria más extensa del mundo, con
doscientos mil versos recopilados en dieciocho libros (donde destaca el Bhagavad-
gītā), sobre leyendas y epopeyas de la mitología hindú, pero con un fuerte
trasfondo filosófico y moral; y el Ramaiana, obra de Valmiki, nueva síntesis de
poesía y epopeya con elementos teológicos y filosóficos.19

El teatro indio tiene su origen en el Nāṭya-śāstra, libro sagrado de Brahma

comunicado a los hombres por el rishi Bharata Muni, donde se habla de canto, danza
y mímica. Generalmente, la temática es de signo mitológico, sobre las historias de
los dioses y héroes indios. La representación es básicamente actoral, sin
decorados, destacando únicamente el vestuario y el maquillaje. Había diversas
modalidades: Śakuntalā, de siete actos; Mricchakaṭikā, de diez actos. Como
dramaturgos destacaron Kālidāsa y Śūdraka.20

La música india tiene un fuerte sello ecléctico debido a la multiplicidad étnica de

los diversos pueblos que fueron llegando al subcontinente índico: los vedas tenían
melodías únicamente de dos notas; los drávidas tenían músicas y danzas más
elaboradas, relacionadas con cultos a la fertilidad; los protomediterráneos
introdujeron nuevos instrumentos, como el magudhi, la famosa flauta de los
encantadores de serpientes; los arios introdujeron los himnos religiosos en los
Vedas. El Ṛig vedá («himnos vedas») deja constancia de tres tipos de entonaciones:
udatta (aguda), anudatta (grave) y svarita (media). El Sāma Vedá («cantos vedas»)
pasó de cinco a siete notas, usando generalmente un tetracordio en las melodías
vocales, que aún perdura en zonas del Himalaya.21

China
Artículo principal: Arte de China

Ejército de terracota de Xian (210 a. C.), situado en el interior del Mausoleo de

Qin Shi Huang.
El arte chino ha tenido una evolución más uniforme que el occidental, con un
trasfondo cultural y estético común a las sucesivas etapas artísticas, marcadas por
sus dinastías reinantes. Como la mayoría del arte oriental tiene una importante
carga religiosa (principalmente taoísmo, confucianismo y budismo) y de comunión con
la naturaleza. Al contrario que en Occidente, los chinos valoraban por igual la
caligrafía, la cerámica, la seda o la porcelana, que la arquitectura, la pintura o
la escultura, a la vez que el arte está plenamente integrado en su filosofía y
cultura.

Dinastía Shang (1600-1046 a. C.): destacó por sus objetos y esculturas en bronce,
especialmente vasijas decoradas en relieve y máscaras y estatuas antropomórficas,
como las halladas en la zona de Chengdu, en el alto Yangtsé, de alrededor del 1200
a. C. Se han encontrado restos arqueológicos de varias ciudades en la zona de
Henan, amuralladas y con una retícula rectangular, como en Zhengzhou y Anyang. En
estos asentamientos se han hallado igualmente tumbas con ricos ajuares de armas,
joyas y diversos utensilios en bronce, jade, marfil y otros materiales.
Dinastía Zhou (1045-256 a. C.): evolucionando desde el arte Shang, los Zhou crearon
un estilo decorativo y ornamentado, de figuras estilizadas y dinámicas, continuando
el trabajo en cobre. Una invasión nómada en 771 a. C. fragmentó el imperio en
pequeños reinos, periodo en el que sin embargo florecieron la agricultura y la
metalurgia, apareciendo diversos estilos artísticos locales en el llamado Periodo
de los Reinos Combatientes. Aparecieron el taoísmo y el confucianismo, que
influenciarían enormemente al arte. Destacó el trabajo en jade, decorado en
relieve, y apareció la laca.
Dinastía Qin (221-206 a. C.): unificada China bajo el reinado de Qin Shi Huang, se
construyó la Gran Muralla para evitar invasiones exteriores, con 2400 kilómetros de
longitud y una media de 9 metros de altura, con torres de guardia de 12 metros de
altura. Destaca el gran hallazgo arqueológico del Ejército de terracota de Xian
(210 a. C.), situado en el interior del Mausoleo de Qin Shi Huang. Está compuesto
por cientos de estatuas de terracota de guerreros a medida natural, incluidos
varios caballos y carros, con gran naturalismo y precisión en la fisonomía y los
detalles.
Dinastía Han (206 a. C.-220 d. C.): época de paz y prosperidad, se introdujo el
budismo, que tuvo una implantación lenta pero progresiva. Destacó por sus capillas
funerarias, con estatuas aladas de leones, tigres y caballos. La pintura se centró
en temas de la corte imperial, nobles y funcionarios, con un sentido confucianista
de la solemnidad y la virtud moral. También son de remarcar los relieves en
santuarios y cámaras de ofrendas, generalmente dedicados a motivos confucianistas,
en un estilo lineal de gran simplicidad.
Periodo de las Seis dinastías (220-618): se difundió más ampliamente el budismo,
construyéndose grandes santuarios con estatuas colosales de Buda (Yungang,
Longmen). Junto a esta nueva religión, y gracias a la ruta de la seda, se
recibieron diversas influencias procedentes del oeste asiático. En pintura se
formularon los seis principios, enunciados por Xie He a principios del siglo VI, y
comenzó la caligrafía artística con la figura legendaria de Wang Xianzhi.22

Versión del Tao te king hallada en Mawangdui.

La literatura china se inició con obras de carácter religioso y filosófico,
apareciendo entre los siglos X y V a. C. los llamados Cinco Clásicos: el Li-Ki,
compendio de rituales y costumbres que fue posteriormente ampliado, llegando a los
cien tomos; el I Ching, manual de adivinación basado en el significado de ocho
trigramas, atribuido al mítico emperador Fu Xi; el Shu-king, crónica escrita en un
lenguaje formal y ceremonioso que será típico de la producción literaria china; el
Shi King (El clásico de la poesía), recopilación de poemas; y el Ch'uen-tsieu,
primera crónica fechada (722-481 a. C.). En torno al siglo V a. C. surgieron las
principales obras del pensamiento chino, grandes compendios de la filosofía y la
moral: el Lùn Yǔ (Analectas) de Confucio y el Tao te king (Libro del Tao) de Lao
Tse. También tuvo mucha repercusión El arte de la guerra de Sun Tzu. En época Han
apareció un nuevo género, el fu, poesía de carácter didáctico asociada a una
composición musical, mientras que en prosa destacó el She-ki (Memorias históricas)
de Ssê Ma-ts'ien.23

La música china es pentatónica (de cinco notas), al contrario que el sistema

heptatónico occidental (de siete notas). Del periodo predinástico hay constancia de
varios instrumentos, como el ch'ing (piedra sonora), el hsüan (flauta), el ku
(tambor) y el chun (campana). De época Shang es el Shih Ching (Libro de los
Cantos), que recoge creaciones musicales desde el 1600 hasta el 600 a. C. Durante
la dinastía Zhou se sentaron las bases de la música tradicional china, recopiladas
en el Lü Shih Ch'un Ch'iu (Anales del Sr. Lü) de Lü Buwei (239 a. C.): sobre un
«tono base» (huang chung) procedente de una caña de bambú, derivaron tonos más
agudos cortando el tubo un tercio menor que el anterior, obteniendo las cinco
notas: king, shang, chiao, chih, yü. Los principales instrumentos eran: el pien-
ch'ing (carillones de piedra de jade), el pien-chung (campanillas), el sheng
(órgano de tubos de bambú), el p'ai-hsiao (flauta pánica o siringa) y el ch'in
(cítara).24

Japón
Artículo principal: Arte de Japón

Página de un Nihonshoki (Anales de Japón) del período Heian.

El arte japonés ha estado marcado por su insularidad, aunque a intervalos ha ido
recibiendo la influencia de las civilizaciones continentales, sobre todo de China y
Corea. Gran parte del arte producido en Japón ha sido de tipo religioso: a la
religión sintoísta, la más típicamente japonesa, formada alrededor del siglo I, se
añadió el budismo en torno al siglo V, forjando un sincretismo religioso que aún
hoy perdura.

Período Jōmon (5000-200 a. C.): durante el Mesolítico y el Neolítico se fabricaron

instrumentos de hueso y piedras pulimentadas, cerámica y figuras antropomorfas.
Japón se mantuvo aislado del continente, por lo que toda su producción fue
autóctona, aunque de poca relevancia. Cabe señalar que la cerámica Jōmon es la más
antigua producida por el ser humano, hecha a mano y decorada con incisiones o
impresiones de cuerda.25
Período Yayoi (200 a. C.-200 d. C.): desde el siglo I a. C. empezó a introducirse
la civilización del continente, a causa de las relaciones con China y Corea. En esa
época se difundió un tipo de sepulturas de gran tamaño con cámara y túmulo
ornamentado con cilindros de terracota, con figuras humanas y de animales. La
cerámica se producía con torno.
Período Kofun (200-600): destacan las grandes sepulturas de los emperadores Ōjin
(200-310) y Nintoku (310-399), donde aparecieron diversas joyas, armas, cerámica y
unas figuras de terracota llamadas haniwa. En este período encontramos las primeras
muestras de pintura japonesa (tumbas de Kyūshū, siglos siglo V d. C.-VI;
enterramiento real de Otsuka). En cuanto a arquitectura religiosa, cabe destacar el
templo de Isa.26
La literatura japonesa tiene una fuerte influencia china, debido sobre todo a la
adopción de la escritura china. El testimonio más antiguo conservado es el Kojiki
(Relatos de cosas antiguas), especie de historia universal de corte mítico y
teogónico. Otro testimonio de relevancia es el Nihonshoki (Anales de Japón). La
poesía está representada por el Man'yōshū (Colección de diez mil hojas), antología
de poemas de diverso signo, con gran variedad temática y estilística, redactado por
varios autores entre los que destacan Ōtomo no Yakamochi y Yamanoue no Okura.27

La música japonesa tuvo sus primeras manifestaciones en las honkyoku («piezas

originales»), que se remontan al siglo XIX a. C., así como el min'yō, canciones
folclóricas japonesas. Los ritos sintoístas tenían coros que recitaban un trino
lento acompañado de flauta de bambú (yamate-bue) y cítara de seis cuerdas (yamato-
goto). La principal modalidad de música y danza sintoísta es la kagura, sobre el
mito de Amaterasu, diosa del sol. Se ejecuta con los instrumentos mencionados, y
otros como el hichiriki (oboe) y tambores como el o-kakko y el o-daiko.28

Oceanía
Artículo principal: Arte de Oceanía

Pintura rupestre de los aborígenes australianos.

El arte oceánico está marcado por la multiplicidad de territorios insulares que
jalonan el océano Pacífico, destacando las islas de Australia y Nueva Zelanda, y
tres principales áreas de islas y archipiélagos: Polinesia, Melanesia y Micronesia.
La primera cultura desarrollada en la zona fue la lapita (1500-500 a. C.),
originada en Nueva Caledonia y extendida por Nueva Guinea y Polinesia occidental
(islas Salomón, Vanuatu, Fiyi, Tonga y Samoa, principalmente). Se caracteriza por
su cerámica decorada con motivos dentados hechos con peines o púas, así como
objetos de obsidiana y conchas. Entre el 500 a. C. y el 500 d. C. continuó la
colonización hacia Micronesia, Melanesia y Polinesia oriental (islas Sociedad,
Marquesas, isla de Pascua, Hawái), aunque en estas primeras fases no se han hallado
numerosos vestigios, excepto algunos utensilios y abalorios, principalmente de
conchas. En Australia destacan las pinturas rupestres, que son bastante
esquemáticas, llegando a la simplificación geométrica.29

Otras manifestaciones

Puerta del León en Boğazköy.

Arte hitita: el pueblo hitita habitó en la península de Anatolia, Armenia y Siria,
entre el III y el II milenio a. C. Recibió influencia mesopotámica y, a su vez,
influenció al arte persa, minoico y etrusco. Su arquitectura era monumental, con
palacios precedidos de avenidas con esculturas de esfinges, como en Boğazköy, donde
aparecieron también diversos relieves con escenas de guerra y caza. También
destacaron las esculturas de Karkemish y Tell-Halaf (Siria).
Arte fenicio: pueblo de tradición marinera, dedicados principalmente al comercio,
navegaron por todo el Mediterráneo y el norte de África, fundando la ciudad de
Cartago en la actual Tunicia. Transmitieron la influencia del arte oriental por
todo el Mediterráneo. Destacan sus esculturas, de influencia asiria y egipcia, con
cierta rigidez arcaica y falta de naturalidad. El arte fenicio se dio también en
distintas zonas del Mediterráneo, especialmente Chipre, Cerdeña e Ibiza.
Arte escita: también llamado «arte de las estepas», es el correspondiente a los
pueblos nómadas que habitaban las llanuras euroasiáticas, principalmente entre el
II y el I milenio a. C. Su arte era preponderantemente mobiliar, fácil de
transportar, al ser un pueblo nómada. Ligado a la metalurgia, destacan los objetos
en bronce, hierro y metales preciosos (armas, escudos, fíbulas, cinturones, joyas),
así como obras en madera, hueso, cuero, telas y alfombras. En sus obras destacan
los motivos animalísticos, posiblemente de origen totémico. El arte escita
influenció al de los pueblos germánicos, vikingos y paleocristianos.
Arte ibérico: se desarrolló en la península ibérica coetáneamente a la cultura de
La Tène, principalmente en Andalucía y la zona de levante y, en menor medida, en la
Meseta Central y el sur de Francia. La arquitectura se basaba en los muros de
tapial, con sistema adintelado, realizando arcos y bóvedas falsas por aproximación
de hiladas. Las ciudades se solían construir en acrópolis, como en Azaila,
Ullastret y Olérdola. Se desarrolló notablemente la escultura, destacando la
tipología de las «damas», como las de Elche, Baza y el Cerro de los Santos. También
fue típica la representación de animales (caballos, toros, leones), algunos de
carácter antropoide, como la Bicha de Balazote.
Arte persa: en Persia se desarrolló una importante cultura bajo el reinado de dos
importantes dinastías: la aqueménida (560-331 a. C.) y la sasánida (226-640 d. C.).
La arquitectura persa aglutinó las formas mesopotámicas con las egipcias, empleando
por primera vez la piedra en grandes palacios como los de Susa, Persépolis y
Pasargada, donde surgió por vez primera el uso de la ventana —a diferencia de la
iluminación cenital utilizada hasta entonces—, y donde destacan las grandes salas o
apadanas, con columnas de gran altura y capiteles de volutas. En época sasánida
surgieron palacios (Ctesifonte, Firuzabad) con sistemas abovedados con cúpulas
sobre trompas, y un pórtico o iwan con gran arco abierto a un patio, que influirá
al arte islámico. En la escultura persa destacan los relieves, en piedra o cerámica
esmaltada, con escenas de guerreros, combates con monstruos o animales como toros y
leones.30
Arte nabateo: pueblo de origen semítico que habitaron en la zona sirio-palestina
entre los siglos VI y II a. C., destaca especialmente la ciudad de Petra, situada
entre desfiladeros de montaña, donde se han hallado diversos templos, palacios y
tumbas excavados en la roca, de estilo helenístico. Entre ellos destaca el Jazneh
Firaun («el tesoro del faraón»), con una monumental fachada con pronaos hexástilo y
frontón, y la parte superior con un tholos redondo y dos edículos laterales con
semifrontones.
Arte hebreo: los hebreos se instalaron en Palestina en el siglo XIII a. C.
Recibieron la influencia del arte egipcio, fenicio y mesopotámico, así como del
helenístico más adelante. De acuerdo a su religión se rechazaban las imágenes, por
lo que la mayoría de su arte es ornamental. En arquitectura, hay testimonios de la
gran magnificencia del Templo de Jerusalén, que lamentablemente no ha llegado hasta
nuestros días. Aparte de eso destacan las sinagogas, generalmente de planta
basilical y fachada tripartita, como en los templos sirios. En la literatura hebrea
destaca la Biblia (el Tanaj o Antiguo Testamento, también llamado Torá, «ley»),
importante documento no solo religioso sino también literario, redactado entre los
siglos X a. C. y II d. C. en diversos estilos y géneros (histórico, legendario,
mitológico, poético, profético, sapiencial y epistolar). Posteriormente se
redactaron la Mishná, el Talmud y la Cábala.31

Puerta de todas las Naciones, Persépolis.

Dama de Elche, Museo Arqueológico Nacional de España, Madrid.

Tumba de Jazneh Firaun («el tesoro del faraón»), en Petra.

Página del Tanaj, nombre hebreo del Antiguo Testamento.

Arte clásico

Fachada del Partenón, en la Acrópolis de Atenas.

Artículo principal: Arte y cultura clásica
Se denomina arte clásiconota 2 al arte desarrollado en las antiguas Grecia y Roma,
cuyos adelantos tanto científicos como materiales y de orden estético aportaron a
la historia del arte un estilo basado en la naturaleza y en el ser humano, donde
preponderaba la armonía y el equilibrio, la racionalidad de las formas y los
volúmenes, y un sentido de imitación («mímesis») de la naturaleza que sentaron las
bases del arte occidental, de tal forma que la recurrencia a las formas clásicas ha
sido constante a lo largo de la historia en la civilización occidental.

Grecia
Artículo principal: Arte de la Antigua Grecia
En Grecia se desarrollaron las principales manifestaciones artísticas que han
marcado la evolución del arte occidental. Tras unos inicios donde destacaron las
culturas minoica y micénica, el arte griego se desarrolló en tres periodos:
arcaico, clásico y helenístico. Caracterizado por el naturalismo y el uso de la
razón en medidas y proporciones, y con un sentido estético inspirado en la
naturaleza, el arte griego fue el punto de partida del arte desarrollado en el
continente europeo.

En arquitectura destacaron los templos, donde se sucedieron tres órdenes

constructivos: dórico, jónico y corintio. Eran construcciones en piedra, sobre un
basamento (krepis), con o sin pórtico (o con pórtico delante y detrás, es decir,
anfipróstilo), con o sin columnas (que pueden ser frontales, laterales, o pueden
rodear todo el edificio, en cuyo caso se denomina períptero), y coronados
generalmente en forma de frontón, situado por encima del entablamento, cuyo friso
muestra habitualmente relieves escultóricos. Destaca especialmente el conjunto de
la Acrópolis, con el templo dórico del Partenón y los jónicos del Erecteión y la
Niké Áptera. Otras obras de relevancia fueron el Teatro de Epidauro y la Linterna
de Lisícrates, y se desarrolló el urbanismo de la mano de Hipodamo de Mileto.

En escultura predominó la representación del cuerpo humano, basado en la armonía de

las proporciones. En época arcaica se dieron formas rígidas y esquemáticas, de gran
expresividad, destacando por un tipo de sonrisa cercano a la mueca, llamada
«sonrisa eginética» por tener su mayor representación en las figuras del Templo de
Afaia en Egina. También son típicos de esta época las estatuas de atletas desnudos
(kouros) y de muchachas vestidas (kore). En el siglo V a. C. (el llamado «siglo de
Pericles») se instauró el clasicismo, llevando a la perfección el canon en las
proporciones del cuerpo humano, con mayor naturalismo y un estudio anímico en la
expresión de la figura representada. Destacó especialmente la obra de Mirón, Fidias
y Policleto. En una segunda fase clasicista, se rompió la serenidad naturalista en
aras de enfatizar la expresión, que resulta más trágica y angustiosa, como
percibimos en la obra de Escopas, Praxíteles y Lisipo. Por último, en el periodo
helenístico la proporción y la armonía dan paso al recargamiento y la sinuosidad,
al dinamismo violento de la forma y la expresión patética del sentimiento, como en
el Laocoonte y el Toro Farnesio, si bien persisten las formas clásicas en obras
como la Venus de Milo y la Victoria de Samotracia.

La pintura se desarrolló sobre todo en la cerámica, en escenas cotidianas o de

temática histórica o mitológica. Se suele establecer dos épocas, en función de la
técnica utilizada en la confección de cerámica pintada: «figuras negras sobre fondo
rojo» (hasta el siglo VI a. C.) y «figuras rojas sobre fondo negro» (desde el siglo
VI a. C.). Aunque no han llegado numerosas muestras hasta la actualidad, se tiene
constancia por fuentes históricas del nombre de varios famosos pintores griegos,
como Zeuxis, Apeles, Parrasio, Eufranor, Polignoto, etc.32
Comienzo de la Odisea, de Homero.
La literatura griega alcanzó cotas de gran calidad, poniendo las bases de la
literatura occidental. Se configuraron los géneros literarios (épica, lírica y
dramática), siendo la base argumental de sus obras la religión y la mitología.
Desde unos inicios de tradición oral (la epopeya), surgió la literatura escrita con
el desarrollo del alfabeto griego alrededor del siglo VIII a. C.. Los mitos griegos
eran una fusión de elementos indogermánicos y mediterráneos, con un particular
sentido estético que daría origen a la poesía. En origen, el mythos griego era una
historia explicada, de tradición oral, considerándose fidedigna —al contrario que
hoy, en que «mito» es sinónimo de leyenda, de ficción—; con la épica y la poesía,
el mito pasó a la literatura, principalmente con la figura de Homero y sus dos
grandes obras: la Ilíada y la Odisea. La poesía destacó por una lírica coral que
expresaba sentimientos colectivos, como se percibe en la obra de Hesíodo, Píndaro,
Safo y Anacreonte. También se desarrolló la prosa, sobre todo en el género
histórico, destacando Heródoto, Tucídides y Jenofonte; la oratoria, representada
por Demóstenes, Platón y Aristóteles; y la fábula, practicada por Esopo.33

En Grecia nació el teatro entendido como «arte dramático», donde junto a un texto —
donde predomina el diálogo, base de la representación escénica—, intervienen
también los actores, la escenografía, las luces y efectos de sonido, el vestuario,
el maquillaje, etc., mientras que es esencial la presencia de un público que
contempla el espectáculo. El teatro griego evolucionó de antiguos rituales
religiosos (komos); el ritual pasó a mito y, a través de la «mímesis», se añadió la
palabra, surgiendo la tragedia. A la vez, el público pasó de participar en el rito
a ser un observador de la tragedia, la cual tenía un componente educativo, de
transmisión de valores, a la vez que de purgación de los sentimientos («catarsis»).
Más adelante surgió la comedia, con un primer componente de sátira y crítica
política y social, derivando más tarde a temas costumbristas y personajes
arquetípicos. Apareció entonces también la mímica y la farsa. Los principales
dramaturgos griegos fueron: Esquilo, Sófocles y Eurípides en tragedia, mientras que
en comedia destacaron Aristófanes y Menandro.34

La música griega nos es desconocida a nivel auditivo, tan sólo tenemos idea de cómo
podía ser por documentos escritos. Los griegos escribían música con las letras del
alfabeto, pero no se sabe cuánto duraba cada nota, por lo que se desconoce el
ritmo. Una de las primeras modalidades fue el ditirambo, relacionado con el culto a
Dioniso. El teatro y las narraciones épicas eran cantados, aunque al perderse las
anotaciones musicales han quedado como documentos escritos. En Grecia fue la
primera vez en la historia que se estudió la música de forma científica: Pitágoras
la relacionó con las matemáticas, y se escribieron tratados teóricos sobre música,
siendo el primero el de Aristóxeno en el siglo IV a. C. Los principales
instrumentos utilizados en Grecia fueron: la lira, la cítara, el aulos, la siringa,
varios tipos de tambores —como por ejemplo el tympanon—, el crótalo, el címbalo, el
sistro, etc.35 Grecia fue el primer lugar donde la danza fue considerada un arte,
teniendo una musa dedicada a ella: Terpsícore. Los primeros vestigios provienen
nuevamente de los cultos a Dioniso, mientras que fue en las tragedias —
principalmente las de Esquilo— donde se desarrolló como técnica, en los movimientos
rítmicos del coro.36

Estatua de mármol de kouros (hacia 590-580 a. C.), Metropolitan Museum of Art,

Nueva York.

Copia romana del Discóbolo de Mirón (455 a. C.), Museo Nacional Romano, Roma.
La Venus de Milo (130-100 a. C.), Museo del Louvre, París.

Laocoonte y sus hijos, de Agesandro, Atenodoro y Polidoro de Rodas (hacia 50 d.

C.), Museo Pío-Clementino, Vaticano.

Roma
Artículo principal: Arte de la Antigua Roma

El Coliseo de Roma.
Con un claro precedente en el arte etrusco, el arte romano recibió una gran
influencia del arte griego. Gracias a la expansión del Imperio romano, el arte
clásico grecorromano llegó a casi todos los rincones de Europa, norte de África y
Próximo Oriente, sentando la base evolutiva del futuro arte desarrollado en estas
zonas.

La arquitectura destacó por su carácter práctico y utilitario: grandes ingenieros y

constructores, los romanos destacaron en arquitectura civil, con la construcción de
carreteras, puentes, acueductos y obras urbanísticas, así como templos, palacios,
teatros, anfiteatros, circos, termas, arcos de triunfo, etc. Al sistema
arquitrabado griego añadieron el uso del arco y la bóveda, con el empleo de
sillería, ladrillo y mampostería. Utilizaron los órdenes griegos, al que añadieron
el orden toscano, de fuste liso y capitel con collarino y equino rematado en un
ábaco cuadrado. Entre sus principales obras se pueden recordar el Coliseo, el
Panteón de Agripa, el Teatro de Mérida, la Maison Carrée de Nîmes, las Termas de
Caracalla, el Acueducto de Segovia, el Arco de Constantino, la Torre de Hércules,
etc.

La escultura, inspirada en la griega, se centró igualmente en la figura humana,

aunque con más realismo, no les importaba mostrar defectos que eran ignorados por
la idealizada escultura griega. Un género muy difundido fue el retrato, con gran
detallismo y fidelidad en los rasgos, perceptible en el uso del trépano para
producir claroscuro y en el hecho de grabar las pupilas. Más idealizados son los
retratos de los emperadores, realizados en tres versiones: togata, como patricio;
thoracata, como militar; y apoteósica, como divinidad. Destacó especialmente el
relieve, en temas históricos o religiosos, como vemos en el Ara Pacis de Augusto,
en el Arco de Tito y en la Columna Trajana.

La pintura es conocida sobre todo por los restos hallados en Pompeya, donde se
perciben cuatro estilos: el de incrustación, que imita el revestimiento en mármol;
el arquitectónico, llamado así por simular arquitecturas; el ornamental, con
arquitecturas fantásticas, guirnaldas y amorcillos; y el fantástico, mezcla de los
dos anteriores, con paisajes imaginarios, variadas formas arquitectónicas y escenas
mitológicas. También destacó el mosaico, en opus sectile, de formas geométricas, u
opus tesellatum, con pequeñas piezas que forman escenas figurativas, como El
sacrificio de Ifigenia en Ampurias o La batalla de Isos en Nápoles.37

La literatura romana recibió como en el resto de las artes la influencia griega, de

la que adoptaron técnica y géneros; la principal innovación latina fue el concepto
de «estilo» que los romanos aplicaron a sus obras. Si bien su producción no fue de
gran calidad —en el aspecto estético-literario—, la obra de los autores latinos ha
ejercido una gran influencia en la literatura occidental, por su ascendiente sobre
la literatura cristiana y medieval, y debido a que el latín fue el origen de las
lenguas vernáculas habladas posteriormente en muchos lugares de Europa. Cultivaron
los mismos géneros que los griegos, destacando en poesía Lucrecio, Virgilio,
Horacio y Ovidio; en prosa, Petronio y Apuleyo; en oratoria, Cicerón y Séneca; en
historiografía, Salustio, Tácito y Tito Livio.38
El teatro romano recibió la influencia del griego, aunque originalmente derivó de
antiguos espectáculos etruscos, que mezclaban el arte escénico con la música y la
danza: tenemos así los ludiones, actores que bailaban al ritmo de las tibiae —una
especie de aulos—; más tarde, al añadirse la música vocal, surgieron los histriones
—que significa «bailarines» en etrusco—, que mezclaban canto y mimo (las saturae,
origen de la sátira). Al parecer, fue Livio Andrónico —de origen griego— quien en
el siglo III a. C. introdujo en estos espectáculos la narración de una historia. El
ocio romano se dividía entre ludi circenses (circo) y ludi scaenici (teatro),
predominando en este último el mimo, la danza y el canto (pantomima). Como autores
destacaron Plauto y Terencio.39 La música romana nos es desconocida, igual que la
griega. Tan sólo Cicerón habla un poco de ella en sus escritos. Al parecer, la
época de mayor esplendor fue el reinado de Nerón, que favoreció notablemente la
música —él mismo tocaba la lira—. La música romana pasó a la iglesia cristiana
primitiva.

Arco de Constantino.

Augusto de Prima Porta, Museos Vaticanos.

Fresco hallado en Pompeya.

Mosaico de la Batalla de Isos, Casa del Fauno, Pompeya.

Arte medieval

Mosaico del Buen pastor, Mausoleo de Gala Placidia, Rávena (primera mitad del siglo
V).
Artículo principal: Arte medieval
La caída del Imperio romano de Occidente marcó el inicio en Europa de la Edad
Media, etapa de cierta decadencia política y social, pues la fragmentación del
imperio en pequeños estados y la dominación social de la nueva aristocracia militar
supuso la feudalización de todos los territorios anteriormente administrados por la
burocracia imperial. El arte clásico será reinterpretado por las nuevas culturas
dominantes, de origen germánico, mientras que la nueva religión, el cristianismo,
impregnará la mayor parte de la producción artística medieval.

Arte paleocristiano
Artículo principal: Arte paleocristiano
Se denomina arte paleocristiano al efectuado por los primeros seguidores de esta
nueva religión, primero de forma oculta, mientras aún eran perseguidos por el poder
imperial, para pasar posteriormente, tras la conversión al cristianismo del
emperador romano Constantino, a ser el estilo oficial del Imperio. Las formas
clásicas fueron reinterpretadas para servir como vehículo de expresión de la nueva
religión oficial, y se produjo una atomización de estilos por zonas geográficas.

En arquitectura, las primeras manifestaciones se produjeron en el ámbito de los

cementerios o «catacumbas», que servían a la vez de lugares de reunión para los
perseguidos devotos cristianos. Con la legalización de su religión, destacó como
tipología la basílica, adaptación del edificio romano de mismo nombre que, sin
embargo, pasó de una función civil a una religiosa. Generalmente constaba de tres
partes: un atrio de acceso, el cuerpo de la basílica, dividido en tres naves, y el
presbiterio, donde se sitúa el altar. Destacan las basílicas de San Pedro del
Vaticano, San Juan de Letrán, San Lorenzo y San Clemente en Roma, y San Apolinar en
Rávena.

Las artes figurativas inician el camino del arte medieval, eminentemente religioso,
dando preponderancia al simbolismo de las escenas representadas por encima del
realismo de la narración o de su carácter estético. En escultura destacaron los
sarcófagos, que evolucionaron desde la simple decoración ornamental con molduras
cóncavas (strygiles) hasta la narración de escenas en friso. La pintura se dio
sobre todo en las catacumbas, con escenas religiosas y alegóricas, y surgió la
miniatura, iluminación de manuscritos, con dos principales escuelas: la
helenística-alejandrina y la siria. Cobró especial relevancia el mosaico, que tuvo
un gran desarrollo, llegando a influir al arte bizantino; los mejores ejemplos se
hallan en Santa María la Mayor de Roma y San Apolinar y San Vital de Rávena.40

La literatura cristiana fue desarrollada en latín y griego, generalmente con

propósito didáctico y propagandístico de la nueva fe. Eran obras prácticas, sin
voluntad estilística, con una finalidad moralizante. En un primer momento destacó
la elaboración del Nuevo Testamento, redactado en griego, con tres partes
principales: los cuatro evangelios (Mateo, Marcos, Lucas, Juan), el corpus
epistolar (cartas de San Pablo y otros apóstoles) y el Apocalipsis de San Juan. A
continuación surgieron una serie de escritos apologéticos de los llamados Padres de
la Iglesia: Atenágoras, Orígenes, Clemente de Alejandría, Eusebio de Cesarea, etc.
Al convertirse el cristianismo en la religión oficial del Imperio surgió una
tendencia más literaria, más elaborada y retórica, destacando san Basilio el
Grande, san Juan Crisóstomo y san Gregorio Nacianceno. Entre los exegetas latinos
destacaron Tertuliano, Lactancio, Prudencio, San Jerónimo (traductor de la Biblia
al latín, la llamada Vulgata) y, especialmente, San Agustín.41

Gaudeamus omnes
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Canto gregoriano.
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La música cristiana primitiva era heredera de la romana, así como de la liturgia
judía. La misa era cantada, de tipo coral. En el siglo IV san Ambrosio introdujo el
canto ambrosiano, ondulación vocal sin ritmo ni saltos entre notas. Más adelante,
el papa Gregorio I Magno creó el canto gregoriano (siglo VII), con una línea
melódica continua, en forma de misal (missalis romanum). Existen tres estilos de
canto gregoriano, que se clasifican dependiendo de la cantidad de tonos diferentes
que se cantan por sílaba: cuando hay un tono por sílaba se llama estilo «silábico»;
de 2 a 5 tonos por sílaba se llama «neumático»; y de 6 a más tonos por sílaba se
llama «melismático».42

Arte germánico

Iglesia visigoda de San Juan, en Baños de Cerrato (Palencia).

La invasión del Imperio romano por los pueblos germánicos supuso la fragmentación
del territorio en diversos reinos, donde los pueblos invasores pasaron a ser la
clase dirigente, si bien subsistió la cultura romana entre las clases humildes.
Esta convivencia cultural generó la aparición de las lenguas vernáculas y la
creación de nuevas entidades políticas y culturales, que se irán afianzando a lo
largo de la Edad Media hasta formar las diversas nacionalidades existentes en la
actualidad en el mundo occidental.

Las primeras manifestaciones arquitectónicas de estos pueblos fueron de escasa

relevancia, debido a la pobreza de los materiales usados y a la falta de un
programa constructivo de envergadura. Se solían aprovechar instalaciones y
materiales romanos, generalizándose el uso del arco de medio punto y la bóveda.
Destacan las construcciones ostrogodas en Italia, como el Mausoleo de Teodorico en
Rávena. En escultura destacó el relieve, como los de Poitiers en Francia o de
Cividale en Italia. La pintura se desarrolló en la miniatura, como vemos en los
sacramentarios de Luxeuil y Gelasiano (Vaticano).

Entre los pueblos germánicos conviene destacar el visigodo, asentado en la

península ibérica, que desarrolló un estilo propio de gran relevancia. La
arquitectura destacó por el empleo de la sillería, el arco de herradura y la
bóveda, bien de cañón o de aristas. Desarrollaron tres tipos de iglesias: la
basilical de tres naves (San Juan de Baños), la de una nave con cámaras laterales
(San Pedro de la Mata) y la de cruz griega (Santa Comba de Bande). En escultura, es
de destacar la incorporación de la escultura figurativa a las iglesias, sobre todo
en frisos y capiteles, como en Quintanilla de las Viñas ) y San Pedro de la Nave).
Destacó también la orfebrería, sobre todo en coronas y cruces, como los hallados en
los tesoros de Guarrazar y Torredonjimeno.43

Arte prerrománico
Artículo principal: Arte prerrománico

Interior de la Capilla Palatina, en Aquisgrán.

Se denomina así a los múltiples estilos desarrollados en Europa desde la coronación
de Carlomagno (año 800) hasta alrededor del año 1000, donde la aparición del
románico supondrá la divulgación de un mismo estilo unitario a lo largo de todo el
continente europeo. Esta acepción es simplemente una forma de englobar una serie de
estilos independientes y con pocos o ningún factor común, con el único aglutinante
de ser predecesores de la internacionalización del románico.

Arte carolingio: la coronación de Carlomagno supuso en cierta forma la restauración

del Imperio Romano, lo que conllevó un renacer cultural y un primer retorno a la
cultura clásica como fuente de inspiración, aunque matizada por la religión
cristiana. La arquitectura carolingia se basó en el uso del pilar en vez de la
columna, con arcos de medio punto y cubiertas de madera o bóvedas de cañón.
Ejemplos de ello son la Capilla Palatina de Aquisgrán y monasterios benedictinos
como Sankt Gallen, Fulda y Corvey. La escultura se produjo sobre todo en marfil y
bronce, como la Estatua ecuestre de Carlomagno (Louvre). La pintura se
circunscribió a la miniatura, con varias escuelas como la palatina, la de Tours, la
de Reims y la de Saint-Denis.
Arte otoniano: se denomina así por coincidir con los reinados de Otón I, Otón II y
Otón III. Arquitectónicamente son herederos del arte carolingio: el modelo de
Aquisgrán se percibe en el coro de la abadía de Essen y en Ottmarsheim, mientras
que el modelo basilical benedictino se halla presente en San Ciriaco de Genrode,
San Miguel de Hildesheim y la catedral de Espira. En artes plásticas se percibe la
influencia bizantina, debido al matrimonio de Otón II con Teófano de
Constantinopla: en escultura destacan las obras en bronce, como las puertas de San
Miguel de Hildesheim; en pintura, cabe citar los frescos de San Jorge de Oberzell.
Arte celta: en las islas británicas, recientemente evangelizadas, tuvo una época de
esplendor el arte celta. En arquitectura se conservan pocos restos, ya que
generalmente se construía en madera: cabe destacar las iglesias de Deerhurst y
Bradford-on-Avon. En escultura destacan las grandes cruces irlandesas, decoradas en
relieve, como las de Moone, Kells y Monasterboice. La miniatura tuvo influencia
carolingia, destacando la escuela de Winchester, a la que perteneció el Pontifical
de San Aethelwold (British Museum).
Arte vikingo: la arquitectura era en madera, destacando las iglesias de forma
piramidal, de tejados apuntados y salientes de gran verticalidad, al estilo de las
salas de reunión vikingas, como la iglesia noruega de Borgund. Destacan asimismo
los trabajos de orfebrería, especialmente las fíbulas con largas agujas y las
espadas con botón terminal y anillos en la empuñadura.
Arte asturiano: con la invasión islámica de la península ibérica, los cristianos se
vieron reducidos a la región de Asturias, que vio florecer notablemente el arte
sobre todo en arquitectura, donde se distinguen tres etapas, en función del reinado
de Ramiro I: prerramirense, ramirense y posramirense. Se caracteriza por el empleo
de muros de sillarejo, arcos de medio punto —a veces peraltados—, bóvedas de cañón
con arcos fajones y contrafuertes exteriores. La tipología principal es la
basilical de tres naves, con amplio crucero y tres capillas rectangulares a la
cabecera. En el primer periodo destaca la iglesia de San Julián de los Prados; en
el ramirense, Santa María del Naranco, San Miguel de Lillo y Santa Cristina de
Lena; y en el posramirense, San Salvador de Valdediós.
Arte mozárabe: se denomina mozárabes a los cristianos que vivían bajo la dominación
islámica, y que, al pasar de nuevo a territorio reconquistado por los cristianos,
practicaban un tipo de arte de gran influencia islámica. Se desarrolló sobre todo
en el siglo X, principalmente al norte del Duero, en el alto Ebro, sur de Galicia,
Cantabria y Pirineos. La arquitectura destaca por el uso del arco de herradura
califal, más cerrado que el visigótico, así como el uso de dos tipos de bóveda: de
nervios de tipo califal, formada por arcos que se cruzan, y la de gallones; también
son característicos los aleros muy sobresalientes. Son iglesias generalmente de
pequeño tamaño, con gran variedad en la tipología de su planta, destacando Santa
María de Melque (Toledo), San Cebrián de Mazote (Valladolid), San Baudelio de
Berlanga (Soria), San Millán de la Cogolla (La Rioja) y San Miguel de Escalada
(León). Cabe destacar en miniatura los beatos, ilustraciones del Comentario al
Apocalipsis del Beato de Liébana.44
La literatura medieval es heredera de la tradición clásica grecorromana, aunque con
un claro componente teocéntrico y de exaltación de la religión cristiana. Enmarcada
en el terreno eclesiástico, que es el encargado de la conservación del antiguo
legado cultural, la producción literaria es enteramente en latín, generalmente
sobre temas morales y de retórica, como se percibe en la obra de Sidonio Apolinar,
Boecio, Casiodoro, san Isidoro, san Gregorio Magno, Venancio Fortunato, etc.
También destacó la escuela irlandesa (san Columbano, san Beda el Venerable) y la
carolingia (Alcuino de York, Teodulfo de Orleans, Rabano Mauro).45

En esta época, la música va experimentando sucesivos avances: la música carolingia

fue la primera en incorporar instrumentos musicales, además del canto de tipo
gregoriano; surgen las primeras piezas musicales sin texto, en incisos a los cantos
litúrgicos (tropos a medio texto, y secuencias al final); en el siglo VIII comenzó
un tipo de escritura musical diferenciada del alfabeto, con una serie de grafismos
(neumas) actualmente no identificados.46

Iglesia otoniana de San Miguel de Hildesheim.

Cruz de Brompton (Irlanda).

Iglesia vikinga de Borgund.

Santa María del Naranco, principal exponente del arte asturiano.

Arte bizantino
Artículo principal: Arte bizantino

Iglesia de Santa Sofía, Estambul.

Pese a la caída del Imperio Romano de Occidente, en Oriente perduró —conocido como
Imperio bizantino—nota 3 hasta la conquista de Constantinopla en 1453 por los
turcos otomanos. Heredero del arte helenístico, el arte bizantino recogió las
principales tradiciones artísticas orientales, de las que fue puerta de entrada en
Europa, donde el arte bizantino influyó en el arte prerrománico y románico. Se
distinguen en el arte bizantino tres «edades de oro»: una primera en el siglo VI,
coincidiendo con el reinado de Justiniano; una segunda desde el siglo IX hasta la
toma de Constantinopla por los cruzados el 1204; y una tercera en el siglo XIV, con
la dinastía Paleólogo.

En arquitectura se empleó la piedra y el ladrillo, con recubrimientos exteriores de

placas de piedra con relieves e interiores de mosaico. Abundó el uso de la columna,
con capiteles cúbicos decorados con relieves a dos planos, o bien en forma de
avispero. Se utilizó el arco de medio punto y la bóveda con cúpula sobre pechinas.
La tipología más utilizada fue la de planta centralizada —quizá por la importancia
otorgada a la cúpula—, con un atrio de entrada, nártex, presbiterio y coro al
fondo, con dos cámaras o sacristías laterales y el altar bajo un baldaquino. Las
primeras manifestaciones, de época de Justiniano, son las más monumentales: iglesia
de los Santos Sergio y Baco, de Santa Irene y de Santa Sofíanota 4 en
Constantinopla; en la segunda edad dorada destacan la catedral de Santa Sofía de
Kiev y San Marcos de Venecia; y en la tercera cabe mencionar los conjuntos de
Mistra, Salónica y monte Athos.

Las artes figurativas tuvieron en época de Justiniano influencia paleocristiana, a

la vez que recogieron diversas tradiciones anteriores, especialmente la helenística
y la siria neoática, destacando los conjuntos musivarios de San Demetrio de
Salónica y San Vital de Rávena. En la segunda edad dorada se establecieron la
estética y la iconografía bizantinas, sobre todo en torno a los iconos, con una
fuerte carga simbólica de las imágenes, con figuras estilizadas y perspectivas
jerárquicas (el tamaño de la figura depende de su importancia religiosa). La
escultura solía ser en relieve, sobre piedra o marfil, destacando las imágenes de
«consagración imperial» (Cristo con las manos sobre las cabezas de los
emperadores). En la tercera edad dorada la pintura sustituyó al mosaico, sobre todo
los iconos de pintura sobre tabla, destacando las escuelas de Chipre, Salónica,
Creta, Venecia y Moscú (donde descuella Andrei Rubliov).47

Arte islámico
Artículo principal: Arte islámico

Gran Mezquita de Córdoba.

Con la Hégira de Mahoma en 622 surgió una nueva religión, el islamismo, que tuvo
una rápida difusión desde el Próximo Oriente por el norte de África, llegando a
Europa con la conquista de la península ibérica y con la zona de los Balcanes tras
la caída del Imperio bizantino. Con el tiempo, la nueva religión aglutinó a una
gran diversidad de pueblos y culturas, siendo su arte el reflejo de esta
disparidad, teniendo numerosas manifestaciones y variantes estilísticas según la
región donde se produjese. La mayor parte de las manifestaciones del arte islámico
son obras de arquitectura —en las que se incluyen magníficas ornamentaciones
esculturales o de otro tipo—. En cuanto a pintura y escultura, la prohibición
religiosa de representar imágenes figurativas conllevó que se desarrollase sobre
todo como ornamentación, en motivos abstractos o geométricos; las escasas muestras
de obras figurativas se dieron habitualmente en ámbitos privados como los
palaciegos.

La arquitectura destacó por el uso del arco apuntado —que en al-Ándalus fue de
herradura por herencia del arte visigodo—, usado a veces en superposiciones y
entrecruzamientos, surgiendo más adelante el arco lobulado, generalmente de tres o
cinco lóbulos. Se utilizaban diversos tipos de bóveda, como la de gallones y la de
crucería. Se otorgó gran relevancia a la decoración ornamental, generalmente de
yesería, alabastro, mármol, mosaico o pintura, que era de signo abstracto, con
motivos epigráficos, vegetales o de lacería. La principal tipología es la mezquita,
compuesta habitualmente por un amplio patio (sahn), la torre o alminar y la sala de
oración (haram), en cuyo fondo (quibla) se sitúa una hornacina llamada mihrab,
precedida en ocasiones de un espacio con arquerías (macsura). Destacan las
mezquitas de Damasco, la de la Roca y al-Aqsa de Jerusalén, la de Samarra, la de
Ibn Tulun en Egipto, la de Isfahán, la de Tamerlán en Samarcanda, la Mezquita Azul
de Estambul, etc.

En al-Andalus el arte islámico tuvo su momento de esplendor en el emirato de

Córdoba: la arquitectura cordobesa era heredera de las formas hispanorromanas y
visigodas, como demuestra el uso del arco de herradura, que es enmarcado en alfiz y
al que se añade una característica alternancia de sus dovelas en color rojo y
blanco. Su principal monumento es la Mezquita de Córdoba, compuesta de once naves
perpendiculares a la quibla, con una serie de arcadas superpuestas, de medio punto
en la parte superior y de herradura en la inferior, con la tradicional alternancia
blanco-rojo. También cabe destacar la Mezquita de Bab al-Mardum en Toledo y el
Palacio de Medina Azahara. Otras importantes manifestaciones del arte islámico en
la península fueron las producidas en Sevilla durante la dominación almohade,
destacando la Giralda y la Torre del Oro; y el arte nazarí en Granada, que tiene su
principal expresión en la Alhambra.48

El Corán fue la primera obra importante y la más influyente de la literatura árabe.

La literatura árabe arrancó con una obra de gran trascendencia, el Corán, libro
sagrado del islam escrito por Mahoma y fijado en su texto definitivo por el califa
Uthman Ibn Affan en 650. Consta de 114 capítulos (sura), en versículos rimados, con
dos principales grupos de predicaciones: las escritas por Mahoma en La Meca, breves
y de tono poético, de una religiosidad más fervorosa; y las escritas en Medina, más
largas y discursivas, exponiendo los principales preceptos de la nueva religión. El
Corán fue la base gramatical y estilística de la literatura árabe, que se
desarrolló sobre todo en la poesía (Abu Nuwas, al-Mutanabbi, Ibn Quzman); y la
prosa, ya sea filosófica (al-Kindi, Avicena, Avempace, Ibn Tufail, Averroes),
histórica (Ibn Jaldún), narrativa (Ibn al-Muqaffa, al-Jahiz), o fantástica (al-
Hamadani, al-Hariri). Cabe destacar la recopilación de cuentos titulada Las mil y
una noches, obra anónima redactada entre los siglos IX y XV en diversos estilos, y
que es un impresionante ejercicio de ingenio y fantasía.49

La música árabe tiene su origen en antiguos cantos (huda’) efectuados por los
beduinos en sus viajes en caravana, con seis pies métricos (rajaz) derivados —según
la leyenda— de los pasos del camello. El canto tenía una especial relevancia, con
dos partes: estribillo (tarji’) y antífona (jawab). La música sacra no se
desarrolló tanto como la cristiana: en origen, la llamada a la oración (adhdan) era
cantada; el Corán tiene una prosa rimada cuya asonancia se presta a la modulación.
La música profana fue prohibida por los califas ortodoxos, pero potenciada
posteriormente por los Omeyas, predominando el canto solista con laúd. Ibn Misjaḥ
fue el primer teórico musical árabe, y es considerado el padre de la música clásica
árabe. Creó un sistema melódico ornado (zawa'id), similar a la fioritura
occidental. A partir del siglo X cobró importancia la música instrumental —con una
modalidad principal, la nauba, especie de suite vocal—, y comenzó el estudio
teórico de la música (al-musiqi), destacando diversos eruditos como Avicena, al-
Kindi y al-Farabi. Entre los instrumentos árabes destacan el laúd (‘ud), la lira
(mi'zaf), el arpa (jank), la flauta (gussaba), el oboe (mizmar), el pífano
(shahin), el tambor (tabl), la pandereta (duff) y los palillos (gadib).50

Arte románico
Artículo principal: Arte románico

Pantocrátor del ábside de San Clemente de Tahull, MNAC.

El arte románico representa el primer estilo de carácter internacional de la
cultura europea occidental, con una identidad plenamente consolidada tras el paso
del latín a las lenguas vernáculas. De carácter eminentemente religioso, casi todo
el arte románico estaba dirigido a la exaltación y divulgación del cristianismo.
Surgido a mediados del siglo XI, se desarrolló fundamentalmente durante el siglo
XII, a finales del cual empezó a coexistir con el incipiente gótico. En el románico
culminaron los diversos estilos producidos por el prerrománico, a la vez que se
denota la influencia oriental del arte bizantino.

La arquitectura destacó por el uso de muros de sillería, arcos de medio punto y

bóvedas de cañón, apoyadas en pilares por arcos fajones, correspondientes con los
contrafuertes exteriores; también son frecuentes las cúpulas, sobre trompas o
pechinas. Las iglesias son de una o tres naves, con crucero y en ocasiones girola.
Se inició la construcción de grandes catedrales, que seguirá durante el gótico.
Como principales muestras tenemos: el Monasterio de Cluny, San Lázaro de Autun,
Santa Fe de Conques, San Saturnino de Toulouse, San Front de Périgueux y San
Esteban de Caen en Francia; las catedrales de Durham, York y Canterbury en
Inglaterra; San Ambrosio de Milán, San Abundio de Como, San Zenón de Verona y las
catedrales de Parma, Módena, Pisa y Lucca en Italia; las catedrales de Spira,
Maguncia y Worms en Alemania; las catedrales de Braga y Coímbra en Portugal; y Sant
Pere de Roda, San Isidoro de León, San Martín de Frómista, San Juan de Duero
(Soria), Santo Domingo de Silos y las catedrales de Jaca, Solsona y Santiago de
Compostela en España.51

La escultura se desarrolló principalmente en el marco arquitectónico, de carácter

religioso, con figuras esquematizadas, sin realismo, de signo simbólico, con un
marcado carácter didáctico, debido al analfabetismo de la época. Los principales
ciclos escultóricos se producen en los tímpanos de los portales de acceso a las
iglesias y catedrales, como en Santa Magdalena de Vézelay, San Lázaro de Autun,
Santa Fe de Conques y el Pórtico Real de Chartres. En Italia destacó la figura de
Benedetto Antelami, que trabajó en la Catedral de Parma, como en su magnífico
Descendimiento (1178). En España destacaron en primer lugar los talleres catalanes
de Ripoll y la zona pirenaica, los talleres de marfil de León (Crucifijo de
Fernando I), los talleres del Camino de Santiago, la Fachada de las Platerías de la
Catedral de Santiago y el claustro de Silos; en el siglo XII se produjeron diversas
escuelas regionales: la catalana (portal del monasterio de Santa María de Ripoll),
la aragonesa (monasterio de San Pedro el Viejo de Huesca), la navarra (portada de
Sangüesa) y la castellana (monasterio de Santa María la Real de Nájera).52

La pintura se desarrolló sobre todo en formato mural y en tabla, así como en la

miniatura. Su temática era de signo eminentemente religioso, en un estilo de corte
esquemático al igual que la escultura, con una intencionalidad simbólica alejada de
la descripción naturalista. Tuvo una fuerte influencia bizantina, difundida sobre
todo por la orden benedictina a través de la abadía de Montecassino como centro
irradiante. La pintura mural se vinculó estrechamente con la arquitectura, hasta el
punto de que casi todos los muros de las iglesias se decoraban con pinturas, con un
programa iconográfico donde destacaba la figura del Pantocrátor —localizada por lo
general en el ábside—, así como el Tetramorfos, la Virgen y los apóstoles, el
Juicio Final y otras escenas del Antiguo y Nuevo Testamento. Algunos de los mejores
exponentes se encuentran en la Abadía de Sant'Angelo in Formis (Capua), la iglesia
de San Clemente de Tahull y el panteón real de San Isidoro de León. En la pintura
sobre tabla, generalmente destinada a servir de frontal de altar, se empleó
principalmente el temple. En la miniatura cabe destacar las escuelas inglesa e
italiana.53

Tuvieron gran relevancia en esta época las artes aplicadas,nota 5 especialmente la

orfebrería en oro y piedras preciosas (Arca de las reliquias de los Reyes Magos,
catedral de Colonia; Cáliz de doña Urraca, San Isidoro de León); el esmalte,
desarrollado notablemente por el taller de Limoges; y las labores textiles (Tapiz
de Bayeux, Tapiz de la Creación de la catedral de Gerona).54

En esta época, la literatura siguió preferentemente en manos eclesiásticas,

conservando la tradición latina, aunque poco a poco fueron surgiendo obras en
lengua vernácula y comenzó la producción literaria de ámbito profano,
principalmente con el género trovadoresco. Las principales innovaciones se
produjeron en Francia, donde los círculos artísticos cortesanos fueron ganando peso
y desplazando al poder eclesiástico: destaca la gran epopeya del Cantar de Roldán,
de finales del siglo XI. La poesía trovadoresca se desarrolló especialmente en
lengua provenzal, exaltando el amor cortesano (fin'amors), representada por
Guillermo de Poitiers, Jaufré Rudel, Bernart de Ventadorn, Marcabrú, Arnaut Daniel,
Bertran de Born, etc. Otro género relevante fue la novela de caballería (roman
courtois), en francés, representada principalmente por Chrétien de Troyes y sus
novelas del ciclo artúrico. En España, los primeros textos escritos en lengua
romance fueron las glosas del monasterio de San Millán de la Cogolla, a las que
siguieron las jarchas mozárabes; posteriormente surgieron los «cantares de gesta»,
como el Cantar de Mío Cid (1140).55

Notación musical con los versos del Himno a San Juan Bautista, que dieron nombre a
las siete notas musicales, innovación realizada por Guido de Arezzo.nota 6
El teatro medieval era de calle, lúdico, festivo, con tres principales tipologías:
«litúrgico», temas religiosos dentro de la Iglesia; «religioso», en forma de
misterios y pasiones; y «profano», temas no religiosos. Estaba subvencionado por la
Iglesia y, más adelante, por gremios y cofradías. Los actores eran en principio
sacerdotes, pasando más tarde a actores profesionales. Las obras fueron en primer
lugar en latín, pasando a continuación a lenguas vernáculas. El primer texto que se
conserva es el Regularis Concordia, de san Æthelwold, que explica la representación
de la obra Quem quaeritis?, diálogo extraído del Evangelio entre varios clérigos y
un ángel.56

Durante el románico surgió la música tal como es practicada actualmente, gracias a

la creación del pentagrama y a la nomenclatura de las notas musicales elaborada por
Guido de Arezzo. Las principales obras musicales se circunscriben al canto
gregoriano, aunque empezó a desarrollarse la polifonía y la música profana, en
torno a trovadores y juglares. Los juglares eran trotamundos, mitad poetas y mitad
saltimbanquis, mezclando en sus actuaciones la declamación y el malabarismo, la
música y la sátira, la lírica y las gestas épicas. Los trovadores eran de clase
social más elevada (el mismo rey Ricardo Corazón de León fue trovador), y componían
y cantaban sus propias obras. Entre las formas trovadorescas destacan: el rondeau
(alternancia de coplas y estribillo), el virelai (en que el estribillo no
interrumpe el desarrollo de las estrofas), y la ballade (estribillo alternante cada
tres estrofas). En Alemania, los trovadores recibieron el nombre de minnesänger.57

La danza medieval tuvo escasa relevancia, debido a la marginación a la que la

sometió la Iglesia, que la consideraba un rito pagano. A nivel eclesiástico, el
único vestigio eran las «danzas de la muerte», que tenían una finalidad
moralizadora. En las cortes aristocráticas se dieron las «danzas bajas», llamadas
así porque arrastraban los pies, de las que se tiene poca constancia. Fueron más
importantes las danzas populares, de tipo folclórico, como el pasacalle y la
farándula, siendo famosas las «danzas moriscas», que llegaron hasta Inglaterra
(Morris dances).58

Catedral de Pisa.

Detalle del Pórtico Real de Chartres.

Códice de Santa Hildegarda (1165), Abadía de Santa Hildegarda, Eibingen (Alemania).

Tapiz de la Creación, Catedral de Gerona.

Arte gótico
Artículo principal: Arte gótico

Catedral de Nuestra Señora de París.

El arte góticonota 7 se desarrolló entre los siglos XII y XVI, época de gran
desarrollo económico y cultural. El fin de la época feudal supuso el afianzamiento
de los estados centralizados, con mayor predominio de las ciudades sobre el campo,
al tiempo que un sector cada vez mayor de la sociedad tenía acceso a la cultura,
que dejó de ser patrimonio exclusivo de la Iglesia. El auge de las universidades
comportó un aumento de los estudios científicos, filosóficos y literarios, sentando
las bases de la cultura moderna.

La arquitectura sufrió una profunda transformación, con formas más ligeras, más
dinámicas, con un mejor análisis estructural que permitió hacer edificios más
estilizados, con más aberturas y, por tanto, mejor iluminación. Aparecieron nuevas
tipologías como el arco apuntado y la bóveda de crucería, y la utilización de
contrafuertes y arbotantes para sostener la estructura del edificio, permitiendo
interiores más amplios y decorados con vitrales y rosetones. Es la época de las
grandes catedrales, entre las que cabe destacar: Laon, Chartres, Amiens, Reims,
Bourges y Notre-Dame de París, en Francia; Canterbury, Salisbury y Gloucester, en
Inglaterra; Siena, Orvieto, Florencia, Bolonia y Milán, en Italia; Colonia,
Estrasburgo, Ulm y Magdeburgo en Alemania; San Esteban de Viena en Austria;
Barcelona, Gerona, Palma de Mallorca, Sevilla, Toledo, Burgos, León, Zamora y
Sigüenza, en España; y los monasterios de Batalha y Alcobaça en Portugal. En España
cabe destacar también el desarrollo del arte mudéjar, fuertemente influido por las
formas islámicas, y que se caracteriza por el empleo del ladrillo, el yeso y la
madera de pequeña escuadría: Cristo de la Vega (Toledo), San Lorenzo de Sahagún,
Las Huelgas (Burgos), Santa Clara de Tordesillas, Convento de Guadalupe (Cáceres),
Alcázar de Sevilla, etc.

La escultura continuó enmarcada en la obra arquitectónica, aunque comenzó a

desarrollarse la escultura exenta, con formas más realistas, inspiradas en la
naturaleza. Los artistas buscaban la belleza ideal, en formas sencillas y diáfanas,
con cierta melancolía y nobleza en los sentimientos, y con escenas de carácter
narrativo. En Francia destacan el Pórtico Real y las portadas del crucero de la
Catedral de Chartres, así como los conjuntos de Amiens y Reims. En Italia destaca
el taller de Nicola y Giovanni Pisano en Pisa, mientras en Alemania descuella la
obra de Veit Stoss y Tilman Riemenschneider. En España destaca el Pórtico de la
Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela, las portadas de la Colegiata de
Toro y de las catedrales de Tuy y Ciudad Rodrigo, los conjuntos de Burgos, León y
Toledo, así como la obra de Pere Johan y Gil de Siloé.

La pintura dejó de ser mural para pasar a retablos situados en los altares de las
iglesias, y empezó a desarrollarse la pintura en lienzo, al temple o al óleo. Se
sucedieron cuatro estilos pictóricos:

Gótico lineal o franco-gótico: se desarrolló desde el siglo XIII hasta principios

del XIV, caracterizado por el dibujo lineal, el fuerte cromatismo, un naturalismo
de líneas sencillas y el idealismo de los temas representados. Este estilo se
desarrolló sobre todo en vidrieras y miniaturas.
Gótico itálico o trecentista: surgido en el siglo XIII en Italia, se caracteriza
por la aproximación realizada a la representación de la profundidad —que
cristalizará en el Renacimiento con la perspectiva lineal—, los estudios sobre
anatomía y el análisis de la luz para conseguir la matización tonal. Destacan dos
escuelas: la florentina (Cimabue, Giotto, Andrea Orcagna) y la sienesa (Duccio,
Simone Martini, Ambrogio Lorenzetti).
Gótico internacional: corresponde a finales del siglo XIV y primera mitad del XV,
suponiendo una fusión de los estilos anteriores. Se caracteriza por la estilización
de la figura y el predominio de la línea curva, el detallismo técnico y el
naturalismo simbólico de la narración. Destacan los pintores Paul de Limbourg,
Stefan Lochner, Conrad Soest, Bernat Martorell y Lluís Borrassà.
Gótico flamenco: surgió en Flandes a principios del siglo XV, predominando a lo
largo de ese siglo en la mayor parte de Europa —excepto Italia, donde ya descollaba
el Renacimiento—. Su principal aportación es la técnica al óleo, que da colores más
brillantes y permite su gradación en diversas gamas cromáticas, a la vez que
permite mayor minuciosidad en los detalles. Cabe destacar a Jan y Hubert van Eyck,
Robert Campin, Rogier van der Weyden, Hans Memling, Gerard David, Hugo van der Goes
y el Bosco; en el resto de Europa, Jean Fouquet, Conrad Witz, Martin Schongauer,
Hans Holbein el Viejo, Nuno Gonçalves, Lluís Dalmau, Jaume Huguet, Bartolomé
Bermejo, Fernando Gallego, etc.
Las artes aplicadas también tuvieron gran relevancia durante el gótico, favorecidas
por las nuevas clases urbanas de mercaderes y artesanos. Destacó la ebanistería, la
tapicería —siendo famosos los tapices de Arras—, la orfebrería —especialmente las
custodias y los relicarios, donde sobresale el nombre de Enrique de Arfe—, las
obras en esmalte —en particular las procedentes de Limoges—, la cerámica —donde
destaca la de Faenza y Manises—, la vidriería —singularmente la veneciana y
catalana—, etc.59

Dante Alighieri y el universo de La Divina Comedia, representados por Domenico di

Michelino en la Catedral de Florencia.
La literatura tardomedieval se movió entre las obras escritas todavía en latín —
generalmente de signo religioso—, y las escritas en lenguas vernáculas, que irán
ganando protagonismo y popularidad. El centro creador pasó de Francia a Italia,
donde las cortes de los pequeños estados que se repartían el territorio de la
península itálica favorecieron las artes y las letras, dando origen a lo que será
el Renacimiento. Se practicó sobre todo el género del canzone, escrito en
endecasílabo —del que surgirá el soneto—, mientras que en Florencia surgió el
llamado Dolce Stil Novo, género poético de signo más subjetivo, que exalta el amor,
pero un amor más puro, más simbólico que el trovadoresco. Destacan especialmente
tres nombres: Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio y Dante Alighieri, autor de La
Divina Comedia (1304-1320), una de las grandes obras de la literatura universal. En
Inglaterra destacó Geoffrey Chaucer con sus Cuentos de Canterbury (1386-1400). En
Francia, François Villon fue el primer gran poeta en lengua francesa. En España, en
el siglo XIII surgió la poesía del mester de clerecía (Gonzalo de Berceo), así como
la lírica galaico-portuguesa (Alfonso X el Sabio) y la catalana (Ramon Llull); en
el siglo XIV destacaron el Arcipreste de Hita, don Juan Manuel y Pedro López de
Ayala; mientras que en el siglo XV es de remarcar las figuras de Jorge Manrique y
el Marqués de Santillana, así como del poeta catalán Ausiàs March.60

El teatro se desarrolló en tres principales tipologías: «misterios», sobre la vida

de Jesucristo, con textos de gran valor literario y elementos juglarescos;
«milagros», sobre la vida de los santos, con diálogos y partes danzadas; y
«moralidades», sobre personajes simbólicos, alegóricos, con máscaras tipificadas.
En esta época nació el teatro profano, con tres posibles orígenes —según los
historiadores—: la imitación de textos latinos de Terencio y Plauto; el arte
polivalente de los juglares; o los pequeños divertimentos escritos por autores de
signo religioso para evadirse un poco de la rigidez eclesiástica.61

En música, durante el gótico se desarrolló la polifonía, surgiendo por vez primera

una música profana separada de la música religiosa realizada hasta entonces (Le jeu
de Robin et Marion, de Adam de la Halle, 1285). Surgió el contrapunto, voces
paralelas que se funden o se contraponen, y se desarrollaron las técnicas
compositivas y la notación. De la primera fórmula compositiva por repetición se
pasó a la imitación en el siglo XIV, y a la variación en el XVI. El primer
compositor conocido es Leoninus, organista de Notre-Dame de París de mediados siglo
XIII. En el siglo XIV surgió el Ars Nova, con Guillaume de Machaut y Francesco
Landino, mientras que en el XV destacan Josquin des Prés, Guillaume Dufay, Gilles
Binchois, Johannes Ockeghem, Jacob Obrecht, John Dunstable y Bartolomé Ramos de
Pareja. En danza, las principales modalidades fueron: el carol, el estampie, el
branle, el saltarello y la tarantela.62

Palacio Ducal de Venecia.

Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela.

La adoración de los Reyes Magos (1305-1306), de Giotto, Capilla de los Scrovegni

(Padua).

El matrimonio Arnolfini (1434), de Jan van Eyck, National Gallery de Londres.

América
Artículo principal: Arte precolombino

Machu Picchu.
El arte precolombino floreció con gran brillantez hasta el descubrimiento de
América. Los invasores destruyeron numerosas obras de arte precolombino (máscaras,
códices ilustrados, piezas de plumas y, especialmente, obras de oro y plata, que
fueron fundidas). Aun así, la huella precolombina perduró en numerosas producciones
artísticas posteriores.

En México se desarrollaron varias culturas: la primera fue la de Teotihuacan,

ciudad construida entre los siglos I y VII, de sistema reticular —con un trazado de
base astrológica—, donde destacaba una gran avenida flanqueada de templos en forma
de pirámide escalonada, decorados con esculturas en relieve y pinturas al fresco.
Los mayas ocupaban la península del Yucatán y las actuales Belice y Guatemala
(siglos II-IX), desarrollando un arte de signo religioso, donde destacaban
igualmente los templos, concebidos bajo mediciones astronómicas, de forma piramidal
(Tikal, Uxmal, Templo de Kukulcán en Chichén Itzá). La escultura era en relieve,
generalmente de animales mitológicos, serpientes, pájaros y figuras humanas, a
menudo con jeroglíficos. Los toltecas (siglos VII-VIII), en el estado de Hidalgo,
construyeron el Templo del Dios de la Estrella Matutina en Tula, y nos han dejado
una de las mejores muestras de escultura precolombina: el Chac Mool. En la meseta
mexicana se desarrolló la cultura azteca (siglos XIII-XV), que recogió diversas
tradiciones anteriores en un arte sintético consagrado a la expresión del poder. En
su capital, Tenochtitlán, construyeron una gran ciudad con grandes palacios y
jardines, y templos de forma piramidal, dedicados al sacrificio humano.

En los Andes floreció el arte inca, surgido igual que el azteca en el siglo XIII,
abarcando los actuales Ecuador, Perú, Bolivia, Chile y parte de Argentina. Los
incas tenían una cultura muy desarrollada, con adelantados procedimientos
metalúrgicos, cerámicos y textiles. Al igual que los romanos desarrollaron una
notable arquitectura e ingeniería civil, con ciudades planificadas y carreteras
bien trazadas, como el Camino Real de las Montañas, de 6000 kilómetros, amurallado
y con un ancho de 9 metros. Su capital, Cuzco, estaba fortificada con murallas de
sillares poligonales, técnica igualmente empleada en Machu Picchu. Sus edificios
eran rectangulares o circulares, con puertas y ventanas de forma trapezoidal.
Además de su arquitectura, destacó su cerámica y arte textil, generalmente decorado
con motivos geométricos. En Bolivia destacó la ciudad de Tiahuanaco.63

La literatura precolombina era predominantemente oral, por lo que nos han llegado
pocos vestigios. En México se conservan varias expresiones en lengua náhuatl:
escritos de signo religioso, cosmológico y adivinatorio (Códice Borgia); documentos
administrativos y relatos históricos (Códice Xólotl); y composiciones poéticas,
como los himnos rituales recogidos por Bernardino de Sahagún en Cantares de los
Dioses. En lengua maya destacan los libros de Chilam Balam, transcripción de obras
jeroglíficas sobre tradiciones orales, y el Popol Vuh, libro sagrado de los indios
quiché. En Perú, la literatura inca está representada por una serie de obras de
poesía religiosa, así como largos poemas narrativos de temática histórica o
mitológica. Al parecer, fue la única cultura precolombina donde se desarrolló algo
parecido al teatro, como se puede apreciar en el drama en lengua quechua
Ollantay.64

África
Artículo principal: Arte africano

Iglesia de San Jorge, del conjunto de iglesias talladas en la roca de Lalibela

(Etiopía).
El norte de África tuvo más relación con el arte europeo y asiático,
introduciéndose el cristianismo en el siglo IV, especialmente en Etiopía.
Posteriormente, el islamismo se expandió con fuerza por todos los países del
Magreb. El África subsahariana, en cambio, estuvo más aislada, con pequeños reinos
sumidos en frecuentes disputas. Sus primeras manifestaciones artísticas, en
materiales perecederos, no han llegado hasta nosotros. Los primeros vestigios son
tallas en madera, como las de los pueblos tellem y dogon, en el actual Malí. Los
objetos en bronce aparecen en África occidental y meridional alrededor del siglo X,
como algunas vasijas del pueblo Igbo-Ukwu en Nigeria. En Zimbabue floreció la
cultura Monomotapa (siglos XI-XV), cuya capital, Gran Zimbabue, fue una de las
ciudades más grandes de toda África. En Ife (igualmente en Nigeria), de cultura
yoruba, surgió en los siglos XII-XIII una notable escuela de figuras en terracota,
de gran naturalismo. De esta época datan las iglesias talladas en la roca de
Lalibela, en Etiopía, donde también destaca la pintura de temas cristianos. Entre
los siglos XII y XV se dio en Djenné (Malí) un estilo de figuras de terracota más
esquemático, de figuras masculinas con una característica barba puntiaguda. Por
último, entre los siglos XV y XVI, se dio otra notable escuela escultórica en
Benín, destacando su magnífica colección de bronces.65

Asia
India
Artículo principal: Arte de la India

Templo de Khajurāhō.
Arte gupta (siglos IV-VIII): en el Imperio gupta se expandió el budismo, con un
arte caracterizado por el purismo formal, la armonía de proporciones y la
idealización de la figura humana. Destacan los grandes santuarios rupestres o
vihara (Ajantā, Ellorā, Elephanta) y los templos al aire libre (Bhitargaon,
Bodhagaya, Deogarth, Sirpur). El arte gupta se extendió por casi todo el Deccán:
los Chālukya lo emplearon en los templos de Ahiōlē y Bādāmi (550-750), y los
Pallava lo pusieron de manifiesto en su complejo arquitectónico-escultórico de
Mahābalipuram. A estos estilos se les suele denominar «posgupta».
Arte hindú (siglos VIII-XII): durante este periodo perviven los estilos anteriores,
acentuando las formas brahmánicas. El tipo de santuario más difundido es el
śikhara, como el de Udaipur. La arquitectura se divide en dos tipologías: «el
edificio cubierto y la pirámide» (vimāna de Tanjore, siglo XI), y «el edificio con
tejado curvilíneo» (templo de Gujarāt). Entre los siglos X-XI se produjo el arte de
Khajurāhō, máxima expresión del arte indoario por la elegancia formal y estética de
sus templos, así como de la escultura que los adorna. En Orissā, en la parte
nororiental de la India, se desarrollan nuevas tipologías que convirtieron los
śikhara y los vimāna en representaciones arquitectónicas de los dioses hindúes,
como en Bhubaneshwar y Kōnārka.66
La literatura india de esta época se realizó en diversas modalidades: el drama
continuó con las epopeyas mitológicas, con un fuerte sello de imaginación,
destacando Bhavabhūti, autor de Malatimadhava, historia sobre el amor de dos
jóvenes que ha sido comparada con Romeo y Julieta; el poema épico es heredero del
Rāmāyana, en un nuevo género denominado mahakavya, de temas históricos y
mitológicos, destacando el Rajatarangini de Kalhana (hacia 1150); la poesía lírica
está representada por las Sataka de Bhartrihari, conjunto de poesías sobre el
concepto indio de la vida, y la Gītāgovinda de Jāyādeva, poemas de amor de tipo
alegórico; por último, la fábula se caracterizó por cuentos breves de aire popular,
de carácter didáctico y aleccionador, destacando los autores Narayana y Sivadasa.
También cabe citar al famoso Kama-sutra, compilado en el siglo VI por Vātsyāyana,
que es un conjunto de preceptos y consejos relativos al amor y el sexo.67

El teatro evolucionó sin grandes signos de ruptura desde época antigua, en

espectáculos donde, junto a dramas de tipo mitológico sobre la cosmogonía hindú,
destacaban el canto, la danza y la mímica. En esta época destacaron dos modalidades
principales: el mahanataka (gran espectáculo), sobre las grandes epopeyas indias; y
el dutangada, en que un actor recita el texto principal mientras otros lo
escenifican con ayuda del mimo y la danza.68

La música fue en esta época predominantemente vocal, con acompañamiento de diversos

instrumentos, principalmente cítaras y laúdes. Se escribieron varios tratados sobre
música: el Brihad deshi de Matamga (siglo VIII), el Naradiya-siksa de Nārada (siglo
X) y el Samgita-Ratnakara de Śārngadeva (siglo XIII). Tenían siete notas (svaras):
sa, ri, ga, ma, pa, dha, ni; con 22 grados microtonales (srutis). La melodía se
componía de varias estructuras de ciclos tonales (ragas), que incluyen diversos
ornamentos (gamakas). A su vez, cada raga está relacionado con un tala o medida de
tiempo, para marcar el ritmo, que puede ser lento (vilambita), medio (madhya) o
rápido (druta). Por último, el kharaja (pedal) es un sonido mantenido que sostiene
el centro tonal, ejerciendo de guía durante la ejecución de la obra.69

China
Artículo principal: Arte de China

Colores del otoño en las montañas Qiao y Hua, de Zhao Mengfu.

Dinastía Tang (618-907): este fue uno de los periodos más florecientes del arte
chino, destacando por su escultura y sus célebres figuras de cerámica. La figura
más representada siguió siendo Buda, así como los bodhisattvas (místicos budistas),
destacando la estatua en madera policromada de Guan Yin (o Bodhisattva de la
Misericordia), de 2,41 metros de altura. En arquitectura la tipología principal fue
la pagoda (Hua-yen, Hsiangchi). En pintura apareció el paisaje, género inicialmente
de signo elitista, destinado a reducidos círculos culturales. Desafortunadamente,
los paisajes Tang no han llegado hasta nuestros días, y sólo se conocen por copias,
como Templo budista en las colinas después de la lluvia, de Li Cheng (siglo X).
Dinastía Song (960-1279): época de gran florecimiento de las artes, se alcanzó un
nivel de elevada cultura que sería recordado con gran admiración en posteriores
etapas. Apareció el grabado sobre madera, impregnada de tinta sobre seda o papel.
En arquitectura continuó la construcción de pagodas, como la pagoda hexagonal de
Kuo-Hsiang-Su (960), o la pagoda de madera de Chang-Tiu-Fu. En cerámica destacan
dos tipologías: la cerámica de esmalte blanco de Ting-tcheu, y la cerámica de
esmalte rosa o azul de Kin-tcheu. En pintura continuó el paisaje, con dos estilos:
el septentrional, de dibujo preciso y colores nítidos, con figuras de monjes o
filósofos, flores e insectos; y el meridional, de pinceladas rápidas, colores
ligeros y diluidos, con especial representación de paisajes nublados.
Dinastía Yuan (1280-1368): dinastía de origen mongol (su primer emperador fue
Kublai, nieto de Gengis Khan), China se abrió más hacia Occidente, como queda
patente en el famoso viaje de Marco Polo. En arquitectura destaca la Pagoda Blanca
de Pekín. Se desarrollaron especialmente las artes decorativas: se manufacturaron
alfombras, se produjo cerámica con nuevas formas y colores, y se elaboraron obras
de metalistería de gran riqueza. En pintura proliferaron los temas religiosos,
especialmente los taoístas y budistas, destacando las pinturas murales del templo
de Yonglegong (Shanxi), y artistas como Huang Gongwang, Wang Meng y Ni Zan.70

Representación de un concierto de música tradicional china en el Museo Provincial

de Hubei (Wuhan).
La literatura china de esta época estuvo marcada por la continuidad respecto a la
producción anterior. La época Tang fue la edad dorada de la poesía china,
destacando Li Bai y Du Fu, mientras que en prosa se tendió a un estilo más
simplificado, representado por Han Yu y Liu Zongyuan. También apareció un nuevo
género, el pienhuen, mezcla de verso y prosa, de signo budista. Durante la dinastía
Song apareció la imprenta de tipos móviles (inventada por Bi Sheng), que favoreció
la difusión de la literatura. La poesía estaba íntimamente relacionada con la
música (género ts'e), como en Liu Yu-Hui y Su She; en prosa destacó el tratado
histórico Tsê-che T'ong-kien, de Ssê Ma-kuang. En época Yuan cobró relevancia el
teatro, destacando Kuan-Han-K'ing y Po-Yeu-Fu, mientras que en poesía descolló San-
K'iu.71

En este periodo se produjo la edad de oro musical china: destacaron los rituales
confucianistas, donde un coro cantaba el himno, con instrumentos de viento y
campanillas, un órgano soplado para el contrapunto, y diversos juegos de cítaras
(ch'in, de 5 cuerdas, y sê, de 26 cuerdas), para definir la duración (tsao-man).
Era una música predominantemente tímbrica, con una armonía sencilla y elemental.
Durante el reinado del emperador Hsüan-tsung (713-756) hay constancia de que
existía en la corte una orquesta de unos 1300 músicos. Los poetas recitaban al
ritmo de un laúd corto (p'i-p'a), música de la que nos han llegado composiciones
como La última batalla de Hsiang Yü y Nueve canciones para Yüeh. Durante la
dinastía Song se popularizaron los espectáculos músico-teatrales, como Nan-ch'ü
(Cantos del sur) y Pei-ch'ü (Cantos del norte). En época Yuan surgieron los dramas
musicales u óperas, con dos escuelas: septentrional y meridional, que han llegado
hasta nuestros días.72

Japón
Artículo principal: Arte del Japón

Templo de Hōryū-ji, en Nara.

Período Asuka (552-646): la llegada del budismo produjo en Japón un gran impacto a
nivel artístico y estético, con fuerte influencia del arte chino. Como edificio más
destacable de este período hay que mencionar el templo de Hōryū-ji (607),
representante del estilo Kudara. Las primeras imágenes de Buda fueron importadas
del continente, pero luego se instalaron en Japón gran número de artistas chinos y
coreanos (Kannon de Kudara, siglo VI). La pintura denota un gran sentido del
dibujo, con obras de gran originalidad, como el relicario de Tamamushi.
Período Nara (646-794): en esta época tuvo su apogeo el arte budista, continuando
con gran intensidad la influencia china. Se conservan pocos ejemplos de
arquitectura: Pagoda del Este de Yakushi-ji, templo de Tōdai-ji, templo de Kōfuku-
ji, Shōsoin de Nara. Obtuvo gran desarrollo en escultura la representación de Buda:
Sho Kannon, Buda de Tachibana, Bodhisattva Gakko de Tōdai-ji. La pintura está
representada por la decoración mural de Hōryū-ji (finales del siglo VII) y por
kakemonos y makimonos, historias pintadas en un largo rollo de papel o seda, con
textos relatando las diversas escenas o sutras.
Período Heian (794-1185): la iconografía budista tuvo un nuevo desarrollo con la
importación de dos nuevas sectas del continente: Tendai y Shingon. La arquitectura
sufrió un cambio en la planta de los monasterios, que se erigían en lugares
apartados, pensados para la meditación: templos de Enryaku-ji, Kongōbu-ji y
santuario-pagoda de Muro-ji. Durante el período Fujiwara (897-1185), el templo
volvió a situarse en la ciudad, siendo centro de reunión de las clases dirigentes.
Se construían según el modelo de los grandes palacios, con una decoración muy
desarrollada (monasterio de Byōdō-in, también llamado del Fénix). En pintura, la
aparición de la escuela de Yamato-e supuso la independencia de la pintura japonesa
de la influencia china; se caracterizó por su armonía y luminosidad, con colores
brillantes.
Período Kamakura (1185-1333): en esta época se introdujo en Japón la secta zen, que
influyó poderosamente en el arte figurativo. En escultura destacó la Escuela de
Nara, con la figura más remarcada de Unkei (estatuas de los montes Muchaku y
Seshin). La arquitectura era más sencilla, más funcional, menos lujosa y recargada;
la influencia zen provocó el llamado estilo Kara-yo. Destacan el conjunto de cinco
grandes templos de Sanjūsangen-dō (1266). La pintura se caracterizó por un mayor
realismo y por su introspección psicológica, desarrollándose principalmente el
retratismo y el paisajismo.
Período Muromachi o Ashikaga (1333-1573): en este período floreció notablemente la
pintura, enmarcada dentro de la estética zen. Predominó la técnica de la aguada,
perfecta transcripción de la doctrina zen, que pretendía reflejar en los paisajes
lo que significan, más que lo que representan, destacando Sesshū, autor de retratos
y paisajes. Cabe mencionar también la Escuela Kanō, que aplicó la técnica de la
aguada a temas tradicionales. La arquitectura se distinguió por su elegancia,
destacando las mansiones señoriales: el Pabellón de Oro y el Pabellón de Plata, en
Kioto; también hay que mencionar el monasterio de Zuiho-ji. Se desarrolló
notablemente el arte de la jardinería, en cerámica destaca la de Seto, y cobraron
importancia los objetos de laca y metal.73

Interpretación de teatro nō en el Gran Santuario Kasuga (Nara).

La literatura japonesa continuó con el influjo de la china, sobre todo en poesía,
donde la mayor producción fue en lengua china, considerada más culta: tenemos así
el Kaifuso (Tiernos recuerdos de poesía, 751), antología de varios poetas. En época
Heian hubo un renacer de las letras japonesas, destacando la narrativa: Genji
Monogatari (Relato de Genji), de Murasaki Shikibu, es un clásico de la literatura
nipona, describiendo el mundo de la nobleza en un lenguaje sencillo, de tono a
veces erótico. La poesía de la época fue compilada en la antología imperial
Kokinshu, donde se exaltaba preferentemente la naturaleza, escrita en waka
(composición de 31 sílabas). En el período Kamakura la literatura se vio afectada
por las constantes guerras feudales, reflejadas en una narrativa de tono pesimista
y desolado: Hojoki (Narración de mi cabaña), de Kamo no Chomei. Del período
Muromachi cabe destacar el Tsurezuregusa (Ensayos en ocio), de Yoshida Kenkō, y el
Sannin Hoshi (Los tres sacerdotes), anónimo.74

En teatro apareció en el siglo XIV la modalidad denominada nō, drama lírico-musical

en prosa o verso, de tema histórico o mitológico. Su origen se sitúa en el antiguo
baile kakura y en la liturgia sintoísta, aunque posteriormente fue asimilado por el
budismo. Está caracterizado por una trama esquemática, con tres personajes
principales: el protagonista (waki), un monje itinerante y un intermediario. La
narración es recitada por un coro, mientras los actores principales se desenvuelven
de forma gestual, en movimientos rítmicos. Los decorados son austeros, frente a la
magnificencia de vestidos y máscaras. Su principal exponente fue Chikamatsu
Monzaemon.75

En música la llegada del budismo comportó la influencia extranjera, surgiendo dos

corrientes: la música izquierda, de origen indio y chino; y la música derecha, de
origen manchú y coreano. Estas modalidades empleaban instrumentos como el biwa
(laúd de cuello corto), el taiko (tambor japonés), el kakko (tambor chino), el
shôko (gong), el sô-no-koto (cítara), el koma-bue (flauta), el hichiriki (oboe), el
ôteki (flauta travesera) y el shô (órgano soplado). Asimismo había una gran
variedad de tipos de música tradicional: dos de los estilos más antiguos eran
shōmyō («hombre gordo que canta») y gagaku («música graciosa»), ambos provenientes
de los períodos Nara y Heian. Adicionalmente, el gagaku se divide en sōgaku (música
instrumental) y bugaku (música y danza).76

Sudeste asiático

Templo de Angkor Wat, principal realización del arte jemer.

En el sudeste asiático el arte estuvo a caballo entre la tradición hinduista y
budista, introduciéndose el islamismo en el siglo XV, principalmente en Indonesia.
En las culturas autóctonas de la edad del bronce y del hierro —de las que se
conservan escasos restos— se denota la influencia china, siendo a partir del siglo
VI que comenzará progresivamente la influencia india.

Arte jemer: el reino jemer se situó en Camboya, teniendo su apogeo entre los siglos
VIII y XII. Su principal manifestación es el magnífico conjunto de Angkor Wat
(1113-1150), ciudadela-templo dedicado a Vishnú, cuya planimetría representa el
universo. El templo central está rodeado de cuatro santuarios más pequeños,
coronados por agujas inspiradas en las śikhara indias, construidos con piedra
caliza con abrazaderas de hierro. Destaca igualmente la decoración esculpida en
relieve.
Arte thai: es el desarrollado en Siam (Tailandia), caracterizado por una
arquitectura vertical de formas alargadas y puntiagudas, con una torre-relicario
(prang), como el templo de Vat Sri Sampet (siglo XVI). Destacan las imágenes de
Buda, como la de Sukhothai (siglo XIV), en bronce y pan de oro.
Arte cham: se dio en el reino de Champa (Vietnam). En los siglos VIII-IX recibió la
influencia hindú (monasterio de Dông-Dương). En el siglo XII predominó la
influencia jemer, plasmada en una arquitectura armónica de sobria decoración.
Arte birmano: en Birmania es más palpable la influencia china, como en el uso de la
bóveda de crucería. Se utilizaba el ladrillo recubierto de estuco, sobre el que se
realizaba la decoración. Su período clásico fue la época de Pagan (siglos X-XIII),
donde destacan las stūpas, que pueden ser de forma cilíndrica, cónica, hemisférica,
en bulbo o en campana (templo de Ananda, siglo XII).
Arte indonesio: se recibió una primera influencia india —principalmente gupta—,
constatable en las stūpas con cúpulas de campana. El período más floreciente se dio
entre los siglos VII y X, principalmente en Java, donde la dinastía Sailendra
adoptó el budismo, construyendo el templo de Borobudur, la stūpa más grande del
mundo, con 120 metros de largo por cada lado y 35 metros de altura, contando con
1500 bajorrelieves y 400 estatuas de Buda. Entre los siglos X y XV predominó
nuevamente el hinduismo, con una arquitectura más vertical, con decoración en
relieve, destacando los monumentos funerarios (chandi), como los de Shwentar y
Kidal. En el siglo XV se introdujo el islamismo, destacando las estelas sepulcrales
y las nuevas tipologías arquitectónicas, como la mezquita de Sendang Duwur.77

Arte thai: templo de Wat Phra Kaew, Bangkok.

Arte cham: templo de Po Klaung Garai, Phan Rang (Vietnam).

Arte birmano: pagoda de Shwedagon, Rangún (Birmania).

Arte indonesio: templo de Borobudur (Indonesia).

Oceanía
Artículo principal: Arte de Oceanía

Moái en Rano Raraku, isla de Pascua.

En este periodo continuó la expansión polinesia hacia la periferia oceánica (Nueva
Zelanda, islas Kermadec, islas Chatham). Se produjo una gran diversificación
cultural y artística: solo en Melanesia, por ejemplo, había más de 1000 grupos
étnicos diferentes. La mayoría de manifestaciones artísticas eran de carácter
ritual, relacionadas con danzas y ceremonias de tipo animista o politeísta. En
Micronesia se produjeron elaborados complejos arquitectónicos con esculturas de
piedra y megalitos. En Yap (islas Carolinas), apareció un tipo de moneda de piedra
compuesta por grandes discos con un agujero central. En Guam y las islas Marianas
destacan las casas sobre columnas de piedra (latte). En Hawái se construyeron
grandes templos (heiau), con esculturas de madera de hasta tres metros que
representaban a sus dioses. En las islas Marquesas se dieron un tipo de
construcciones de casas megalíticas sobre plataformas de piedra, con grandes
estatuas antropomórficas. En Nueva Zelanda, los maoríes desarrollaron un tipo de
talla de madera con figuras de líderes políticos y religiosos, así como colgantes
de nefrita tallada (hei tiki). Por último, cabe destacar la construcción en la isla
de Pascua de las famosas cabezas monolíticas (moái), de las que se erigieron unas
600 entre el año 900 y el 1600. Son figuras de 4 o 5 metros, que se situaban sobre
plataformas de piedra que servían de base a los templos (ahu) de culto a los
ancestros.78

Arte de la Edad Moderna

El nacimiento de Venus (1485), de Sandro Botticelli, Uffizi (Florencia).

Artículo principal: Arte de la Edad Moderna
El arte de la Edad Moderna —no confundir con arte moderno, que se suele emplear
como sinónimo de arte contemporáneo—nota 8 se desarrolló entre los siglos XV y
XVIII. La Edad Moderna supuso cambios radicales a nivel político, económico, social
y cultural: la consolidación de los estados centralizados supuso la instauración
del absolutismo; los nuevos descubrimientos geográficos —especialmente el
continente americano— abrieron una época de expansión territorial y comercial,
suponiendo el inicio del colonialismo; la invención de la imprenta conllevó una
mayor difusión de la cultura, que se abrió a todo tipo de público; la religión
perdió la preponderancia que tenía en la época medieval, a lo que coadyuvó el
surgimiento del protestantismo; a la vez, el humanismo surgió como nueva tendencia
cultural, dejando paso a una concepción más científica del hombre y del universo.

El origen de la historia del arte como tal data del siglo XVI, considerándose las
Vidas de Giorgio Vasari el texto inaugural del estudio del arte con carácter
historiográfico. El método que siguió el erudito florentino era la biografía del
artista. Esta metodología fue la que se impuso hasta el siglo XVIII, cuando el
historiador alemán Johann Joachim Winckelmann inició un nuevo tipo de análisis del
arte buscando en el desarrollo de las civilizaciones una evolución estilística.nota
9

Renacimiento
Artículo principal: Renacimiento
Surgido en Italia en el siglo XV (Quattrocento), se expandió por el resto de Europa
desde finales de ese siglo e inicios del XVI. Los artistas se inspiraron en el arte
clásico grecorromano, por lo que se habló de «renacimiento» artístico tras el
oscurantismo medieval. Estilo inspirado en la naturaleza, surgieron nuevos modelos
de representación, como el uso de la perspectiva. Sin renunciar a la temática
religiosa, cobró mayor relevancia la representación del ser humano y su entorno,
apareciendo nuevas temáticas como la mitológica o la histórica, o nuevos géneros
como el paisaje, el bodegón e, incluso, el desnudo. La belleza dejó de ser
simbólica, como en la era medieval, para tener un componente más racional y
mesurado, basado en la armonía y la proporción.
Iglesia de Santa Maria Novella, en Florencia, diseñada por Leon Battista Alberti.
La arquitectura recuperó los modelos clásicos, reelaborados con un concepto más
naturalista y con bases científicas: se recuperó el uso del arco de medio punto, la
bóveda de cañón, la cúpula de media naranja y los órdenes clásicos (dórico, jónico,
corintio y compuesto). La estructura del edificio se basó en proporciones
matemáticas, que buscaban la perfección de las formas, a la vez que se potenció la
luminosidad y la diafanidad de los espacios. En el Quattrocento destacó la
arquitectura desarrollada en Florencia: Filippo Brunelleschi (cúpula de Santa María
del Fiore, Basílica de San Lorenzo), Leon Battista Alberti (San Andrés de Mantua);
mientras que en el Cinquecento el centro artístico pasó a ser Roma: Bramante (San
Pietro in Montorio, Basílica de San Pedro del Vaticano), Antonio da Sangallo
(Palacio Farnesio). En esta época cobró un progresivo auge la jardinería, que
empezó a ser concebida mediante un diseño estructurado; surgió así el llamado
«jardín italiano», de composición geométrica, construido sobre terrazas con
escalinatas (Jardín del Belvedere, Bramante; Villa Madama, Rafael). Fuera de
Italia, el Renacimiento se desarrolló sobre todo en Francia, con la obra de
Philibert Delorme; en Alemania no llegó hasta mediados del siglo XVI, con el
castillo de Heidelberg y, sobre todo a finales de siglo, en Baviera; en los Países
Bajos la influencia italiana se denotó especialmente en la decoración, sobre
estructuras todavía de signo gótico; en Inglaterra se produjo el estilo Tudor,
desarrollado sobre todo en la construcción de palacios civiles, caracterizado por
la utilización del arco Tudor; en Rusia, el Renacimiento italiano —introducido por
Aristotile Fioravanti— fue adaptado al estilo bizantino típicamente ruso, como en
el magnífico conjunto del Kremlin. En España se desarrollaron varios estilos: el
plateresco, caracterizado por el uso de paramentos almohadillados, columnas
abalaustradas y profusa decoración de grutescos (Alonso Covarrubias, Diego de
Siloé); y el purismo, más preocupado por la estructura racional del edificio,
abandonando la decoración exuberante del plateresco (Rodrigo Gil de Hontañón,
Andrés de Vandelvira).

La escultura buscó igualmente la idealizada perfección del clasicismo, aunque

perduraron hasta el siglo XVI la elegancia curvilínea y la esbeltez de proporciones
del gótico internacional. Se utilizaban materiales nobles, como el mármol y el
bronce, con un especial gusto por la forma monumental. Junto a la temática
religiosa se desarrolló el retrato, en busto o en figuras ecuestres, al estilo de
la antigua Roma. Destacaron especialmente: Lorenzo Ghiberti, Jacopo della Quercia,
Luca della Robbia, Andrea Verrocchio y, especialmente, Donatello (David, 1409;
Judit y Holofernes, 1455-1460); y, fuera de Italia, Michel Colombe en Francia,
Peter Vischer en Alemania, y Felipe Bigarny, Bartolomé Ordóñez y Damián Forment en
España.

La pintura sufrió una notable evolución desde las formas medievales, con formas
naturalistas y temáticas profanas o mitológicas junto a las religiosas. Los
estudios de perspectiva permitieron hacer obras de gran efecto realista, basadas en
proporciones matemáticas, con especial utilización de la «sección áurea» tras el
estudio publicado por Luca Pacioli (De Divina Proportione, 1509). Se utilizó el
fresco y el temple, mientras que se introdujo el óleo a mediados del siglo XV por
influencia flamenca. Uno de sus principales exponentes fue Leonardo Da Vinci, genio
polifacético que introdujo el sfumato o «perspectiva aérea», con obras como La
Virgen de las Rocas (1483), La Última Cena (1495-1497), La Gioconda (1503), etc.
Otro nombre de relevancia fue Rafael, maestro del clasicismo sereno y equilibrado,
con una perfecta ejecución pictórica, como se demuestra en sus frescos de las
Estancias del Vaticano. Otros artistas destacados fueron: Masaccio, Fra Angelico,
Paolo Ucello, Andrea del Castagno, Perugino, Piero della Francesca, Benozzo
Gozzoli, Domenico Ghirlandaio, Botticelli, Andrea del Verrocchio, Luca Signorelli,
Andrea Mantegna, Giovanni Bellini, Antonello da Messina, etc. En el resto de
Europa: Matthias Grünewald, Alberto Durero, Hans Holbein el Joven y Lucas Cranach
el Viejo en Alemania; Quentin Metsys y Pieter Brueghel en Holanda; y Pedro
Berruguete, Alejo Fernández, Vicente Masip, Juan de Juanes, Pedro Machuca y Luis de
Morales en España.

Las artes industriales tuvieron un gran auge debido al gusto por el lujo de las
nuevas clases adineradas: se desarrolló la ebanistería, sobre todo en Italia y
Alemania, destacando la técnica de la intarsia, embutidos de madera de varios tonos
para producir efectos lineales o de ciertas imágenes. La tapicería destacó en
Flandes, con obras basadas en bocetos desarrollados por pintores como Bernard van
Orley. La cerámica se elaboró en Italia con barnices vidriados, consiguiendo tonos
brillantes de gran efecto. El vidrio se desarrolló notablemente en Venecia
(Murano), decorado a veces con hilos de oro o con filamentos de vidrios de colores.
La orfebrería fue cultivada por escultores como Lorenzo Ghiberti, con piezas de
gran virtuosismo y elevada calidad, destacando especialmente los esmaltes y
camafeos. Con la invención de la imprenta se desarrollaron las artes gráficas,
apareciendo o perfeccionándose la mayoría de las técnicas de grabado: calcografía
(aguafuerte, aguatinta, grabado al buril, grabado a media tinta o grabado a punta
seca), linograbado, xilografía, etc.79

Don Quijote (1605), de Miguel de Cervantes.

La literatura renacentista se desarrolló en torno al humanismo, la nueva teoría que
destacaba el papel primordial del ser humano sobre cualquier otra consideración,
especialmente la religiosa. En esta época el mundo de las letras recibió un gran
impulso con la invención de la imprenta por Gutenberg, hecho que propició el acceso
a la literatura por un público más mayoritario. Ello conllevó a una mayor
preocupación por la ortografía y la lingüística, surgiendo los primeros sistemas de
gramática en lenguas vernáculas (como la española de Elio Antonio de Nebrija) y
apareciendo las primeras academias de lenguas nacionales. Entre los literatos de
esta época destacan: Angelo Poliziano, Matteo Maria Boiardo, Ludovico Ariosto,
Jacopo Sannazaro, Pietro Bembo, Baldassare Castiglione, Torquato Tasso, Tomás Moro,
Erasmo de Róterdam, François Rabelais, Pierre de Ronsard, Michel de Montaigne,
Edmund Spenser, Luís de Camões, etc. En España comenzó una edad dorada de las
letras, que se prolongaría hasta el siglo XVII: la poesía, influida por la italiana
del stil nuovo, contó con las figuras de Garcilaso de la Vega, fray Luis de León,
San Juan de la Cruz y Santa Teresa de Jesús; en prosa surgieron los libros de
caballería (Amadís de Gaula, 1508) y se inició el género de la picaresca con el
Lazarillo de Tormes (1554), mientras que despuntó la obra de Miguel de Cervantes,
el gran genio de las letras españolas, autor del inmortal Don Quijote (1605).80

El teatro renacentista también acusó el paso del teocentrismo al antropocentrismo,

con obras más naturalistas, de aspecto histórico, intentando reflejar las cosas tal
como son. Se buscaba la recuperación de la realidad, de la vida en movimiento, de
la figura humana en el espacio, en las tres dimensiones, creando espacios de
efectos ilusionísticos, en trompe-l'œil. Surgió la reglamentación teatral basada en
tres unidades (acción, espacio y tiempo), basándose en la Poética de Aristóteles,
teoría introducida por Lodovico Castelvetro. En torno a 1520 surgió en el norte de
Italia la Commedia dell'arte, con textos improvisados, en dialecto, predominando la
mímica e introduciendo personajes arquetípicos como Arlequín, Colombina, Pulcinella
(llamado en Francia Guignol), Pierrot, Pantalone, Pagliaccio, etc. Como principales
dramaturgos destacaron Niccolò Machiavelli, Pietro Aretino, Bartolomé Torres
Naharro, Lope de Rueda y Fernando de Rojas, con su gran obra La Celestina (1499).
En Inglaterra descolló el teatro isabelino, con autores como Christopher Marlowe,
Ben Jonson, Thomas Kyd y, especialmente, William Shakespeare, gran genio universal
de las letras (Romeo y Julieta, 1597; Hamlet, 1603; Otelo, 1603; Macbeth, 1606).81

Orfeo - Toccata
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Toccata, de La favola d'Orfeo, una de las primeras óperas (1607), compuesta por
Claudio Monteverdi.
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La música renacentista supuso la consagración de la polifonía, así como el
afianzamiento de la música instrumental, que iría evolucionando hacia la orquesta
moderna. Apareció el madrigal como género profano que aunaba texto y música, siendo
la expresión paradigmática de la música renacentista. En 1498 Ottaviano Petrucci
ideó un sistema de imprenta adaptado a la música, en pentagrama, con lo que se
empezó a editar música. Como compositores renacentistas destacaron Orlandus Lassus,
Carlo Gesualdo, Giovanni Gabrieli, Tomás Luis de Victoria, Cristóbal de Morales,
Claudio Monteverdi y Giovanni Pierluigi da Palestrina. A finales del siglo XVI
nació la ópera, iniciativa de un círculo de eruditos (la Camerata Fiorentina) que,
al descubrir que el teatro griego antiguo era cantado, tuvieron la idea de
musicalizar textos dramáticos. La primera ópera fue Dafne (1594), de Jacopo Peri, a
la que siguió Euridice (1600), del mismo autor; en 1602 Giulio Caccini escribió
otra Euridice; y, en 1607, Claudio Monteverdi compuso La favola d'Orfeo, donde
añadió una introducción musical que denominó sinfonía, y dividió las estructuras
cantadas en arias.82

La danza renacentista tuvo una gran revitalización, debida de nuevo al papel

preponderante del ser humano sobre la religión, de tal manera que muchos autores
consideran esta época el nacimiento de la danza moderna. Se desarrolló sobre todo
en Francia —donde fue llamado ballet-comique—, en forma de historias bailadas,
sobre textos mitológicos clásicos, siendo impulsado principalmente por la reina
Catalina de Médicis. Se suele considerar que el primer ballet fue el Ballet comique
de la Reine Louise (1581), de Balthazar de Beaujoyeulx. Las principales modalidades
de la época eran la gallarda, la pavana y el tourdion. En esta época surgieron los
primeros tratados sobre danza: Domenico da Piacenza escribió De arte saltandi et
choreas ducendi, siendo considerado el primer coreógrafo de la historia; Thoinot
Arbeau hizo una recopilación de danzas populares francesas (Orchesographie,
1588).83

Templete de San Pietro in Montorio, de Bramante (1502-1510).

David (c. 1440), de Donatello, Museo Bargello, Florencia.

La Gioconda (1503-1506), de Leonardo da Vinci, Museo del Louvre.

Frontispicio de la edición de Hamlet de 1605, de William Shakespeare.

Manierismo
Artículo principal: Manierismo

David (1501-1504), de Miguel Ángel, Galería de la Academia, Florencia.

Surgido igualmente en Italia a mediados del siglo XVI como evolución de las formas
renacentistas, el manierismonota 10 abandonó la naturaleza como fuente de
inspiración para buscar un tono más emotivo y expresivo, cobrando importancia la
interpretación subjetiva que el artista hace de la obra de arte. La arquitectura
adquirió un signo más efectista y de tenso equilibrio, destacando el polifacético
artista Miguel Ángel, autor del ábside y la cúpula de San Pedro del Vaticano;
Jacopo Vignola (Iglesia del Gesù); y Andrea Palladio, creador de un estilo propio
(paladianismo), como vemos en la Basílica de Vicenza, la Villa Capra (llamada la
Rotonda), San Giorgio Maggiore de Venecia, etc. En Francia surgió la notable
Escuela de Fontainebleau. En España se produjo la arquitectura herreriana (por Juan
de Herrera), estilo sobrio y sencillo, de formas simples y desnudas de decoración,
de acuerdo a la doctrina contrarreformista que entonces imperaba; tuvo su máxima
realización en el Monasterio de El Escorial.

La escultura es nuevamente reflejo del pesimismo que dominaba la sociedad italiana

de la segunda mitad del siglo XVI, con un arte donde se deforma la realidad a
capricho, predominando la expresión sentimental del artista, con figuras
estilizadas, en posiciones violentas y actitudes dramáticas. Descuella nuevamente
la obra de Miguel Ángel, con obras de tenso dinamismo donde resalta la expresión de
la persona representada: Piedad (1501), David (1501-1504), Moisés (1513-1515),
Sepulcro de los Médicis (1520-1534), etc. Otros importantes escultores fueron:
Baccio Bandinelli, Benvenuto Cellini, Giambologna y Jacopo Sansovino; y, fuera de
Italia, Jean Goujon y Germain Pilon en Francia, Adriaen de Vries en Flandes, Hubert
Gerhard en Alemania, y Alonso Berruguete, Juan de Juni y Gaspar Becerra en España.

La pintura manierista tuvo un sello más caprichoso, extravagante, con gusto por la
forma sinuosa y estilizada, deformando la realidad, con perspectivas distorsionadas
y atmósferas efectistas. Destacó en primer lugar —como en las otras artes— Miguel
Ángel (autor de la decoración de la Capilla Sixtina), seguido de Bronzino, Andrea
del Sarto, Pontormo, Correggio, Parmigianino, Giorgione, Tiziano, Veronese,
Tintoretto, Jacopo Bassano, Giuseppe Arcimboldo, etc. Cabe mencionar a Maarten van
Heemskerck y Abraham Bloemaert en los Países Bajos, y Bartholomeus Spranger en
Alemania. En España destacaron Juan Fernández de Navarrete, Alonso Sánchez Coello,
Juan Pantoja de la Cruz y, especialmente, El Greco, artista excepcional creador de
un estilo personal y único, de fuerte sentido expresionista.84

Villa La Rotonda, de Andrea Palladio.

Moisés (1513-1515), de Miguel Ángel, iglesia de San Pietro in Vincoli.

Venus de Urbino (1538), de Tiziano, Galería Uffizi (Florencia).

El entierro del Conde de Orgaz (1587), el Greco, iglesia de Santo Tomé (Toledo).

Barroco
Artículo principal: Barroco

Las Meninas (1656), de Velázquez (Museo del Prado), fue un alegato de la figura del
pintor como artista inspirado, frente a la condición de simple artesano que hasta
entonces se tenía del oficio de pintor.
El barroconota 11 se desarrolló entre el siglo XVII y principios del XVIII. Fue una
época de grandes disputas en el terreno político y religioso, surgiendo una
división entre los países católicos contrarreformistas, donde se afianzó el estado
absolutista, y los países protestantes, de signo más parlamentario. El arte se
volvió más refinado y ornamentado, con pervivencia de un cierto racionalismo
clasicista pero con formas más dinámicas y efectistas, con gusto por lo
sorprendente y anecdótico, por las ilusiones ópticas y los golpes de efecto.

La arquitectura, bajo unas líneas clásicas, asumió unas formas más dinámicas, con
una exuberante decoración y un sentido escenográfico de las formas y los volúmenes.
Cobró relevancia la modulación del espacio, con preferencia por las curvas cóncavas
y convexas, poniendo especial atención en los juegos ópticos (trompe-l'œil) y el
punto de vista del espectador. Al igual que en la época anterior, el motor del
nuevo estilo volvió a ser Italia: Gian Lorenzo Bernini fue uno de sus mejores
exponentes, siendo el principal artífice de la Roma monumental que conocemos hoy
día (columnata de la Plaza de San Pedro, baldaquino de San Pedro, San Andrés del
Quirinal, Palacio Chigi-Odescalchi); Francesco Borromini es otro gran nombre de la
época, autor de las iglesias de San Carlo alle Quattre Fontane y Sant'Ivo alla
Sapienza; también destacaron Pietro da Cortona, Baldassare Longhena, Filippo Juvara
y Guarino Guarini. En Francia, bajo el reinado de Luis XIV, se iniciaron una serie
de construcciones de gran fastuosidad: fachada del Palacio del Louvre, de Louis Le
Vau y Claude Perrault; Palacio de Versalles, de Le Vau y Jules Hardouin-Mansart. En
Austria destacó Johann Bernhard Fischer von Erlach, autor de la Iglesia de San
Carlos Borromeo en Viena. En Inglaterra cabe mencionar la Catedral de San Pablo de
Londres, de Christopher Wren. En España, la arquitectura acusó en la primera mitad
del siglo XVII la herencia herreriana, con Juan Gómez de Mora como figura
destacada, mientras que en la segunda mitad de siglo se dio el estilo
churrigueresco (por José Benito Churriguera), caracterizado por el exuberante
decorativismo y el uso de columnas salomónicas (Retablo Mayor de San Esteban de
Salamanca).

La escultura adquirió el mismo carácter dinámico, sinuoso, expresivo, ornamental,

destacando el movimiento y la expresión, con una base naturalista pero deformada a
capricho del artista. En Italia destacó nuevamente Bernini, autor de obras como
Apolo y Dafne (1622-1625), Éxtasis de Santa Teresa (1644-1652), Muerte de la beata
Ludovica Albertoni (1671-1674), etc. En Francia destacaron François Girardon,
Antoine Coysevox y Pierre Puget. En España perduró la imaginería religiosa de
herencia gótica, destacando Gregorio Fernández, Juan Martínez Montañés, Alonso
Cano, Pedro de Mena, Francisco Salzillo, etc.

La pintura se desarrolló en dos tendencias contrapuestas: el naturalismo, basado en

la estricta realidad natural, con gusto por el claroscuro —el llamado tenebrismo—,
donde cabe citar a Caravaggio, Orazio y Artemisia Gentileschi, Pieter van Laer,
Adam Elsheimer, Georges de La Tour y los hermanos Le Nain; y el clasicismo, que es
igualmente realista pero con un concepto de la realidad más intelectual e
idealizado, englobando a Annibale Carracci, Guido Reni, Domenichino, Guercino,
Giovanni Lanfranco, Nicolas Poussin, Claude Lorrain, Hyacinthe Rigaud, etc. En el
llamado «pleno barroco» (segunda mitad del siglo XVII), de estilo decorativo y
predominio de la pintura mural, destacaron Pietro da Cortona, Andrea Pozzo, Luca
Giordano y Charles Le Brun. Aparte de estas corrientes, hubo infinidad de escuelas,
estilos y autores de muy diverso signo, destacando dos escuelas regionales: la
flamenca (Peter Paul Rubens, Anton Van Dyck, Jacob Jordaens, Frans Snyders), y la
holandesa (Rembrandt, Jan Vermeer, Frans Hals). En España destacó la figura
excepcional de Diego Velázquez (La fragua de Vulcano, 1630; La rendición de Breda,
1635; Venus del espejo, 1650; Las Meninas, 1656; Las hilanderas, 1657), así como
José de Ribera, Francisco Ribalta, Alonso Cano, Francisco de Zurbarán, Juan de
Valdés Leal y Bartolomé Esteban Murillo.

En el terreno de las artes industriales, destaca especialmente la ebanistería, que

llegó a cotas de altísima calidad sobre todo en Francia, gracias a la obra de
André-Charles Boulle, creador de una nueva técnica de aplicación de metales (cobre,
estaño) sobre materiales orgánicos (carey, madreperla, marfil) o viceversa. Entre
sus obras destacan las dos cómodas del Trianón, en Versalles, y el reloj de péndulo
con el Carro de Apolo en Fontainebleau. También destacaron la tapicería, la
orfebrería —especialmente las «piedras duras» en Florencia—, la cerámica y el
vidrio —que cobró relevancia en Bohemia—.85

Portada del Manuscrito Chacón, que transmitió la obra poética de Luis de Góngora.
La literatura barroca se caracterizó por el pesimismo, con una visión de la vida
planteada como lucha, sueño o mentira, donde todo es fugaz y perecedero. Su estilo
era suntuoso y recargado, con un lenguaje muy adjetivado y metafórico. En un primer
momento se produjeron diversas corrientes: el eufuismo en Inglaterra (John Lyly,
Robert Greene), el preciosismo en Francia (Vincent Voiture), el marinismo en Italia
(Giambattista Marino), la primera (Martin Opitz, Angelus Silesius, Andreas
Gryphius) y segunda escuela de Silesia (Daniel Casper von Lohenstein, Hans Jakob
Christoph von Grimmelshausen) en Alemania. Más adelante surgió el clasicismo en
Francia, con autores como François de la Rochefoucauld, Jacques-Bénigne Bossuet,
Nicolas Boileau-Despréaux, Jean de La Fontaine, François de Malherbe, Cyrano de
Bergerac y Madeleine de Scudéry. En Inglaterra destacó la obra poética de John
Milton (El paraíso perdido, 1667). En España, donde el siglo XVII sería denominado
el Siglo de Oro, se produjeron dos corrientes: el culteranismo, liderado por Luis
de Góngora, donde destacaba la belleza formal, con un estilo suntuoso, metafórico,
con proliferación de latinismos y juegos gramaticales; y el conceptismo,
representado por Francisco de Quevedo y Baltasar Gracián, donde predominaba el
ingenio, la agudeza, con un lenguaje conciso pero polisémico, con múltiples
significados en pocas palabras.86

En el teatro barroco se desarrolló sobre todo la tragedia, basada en la

ineluctabilidad del destino, con un tono clásico, siguiendo las tres unidades de
Castelvetro. La escenografía era más recargada, siguiendo el tono ornamental
característico del Barroco. Destacan Pierre Corneille, Jean Racine y Molière,
representantes del clasicismo francés. En España el teatro era básicamente popular
(«corral de comedias»), cómico, con una personal tipología, distinguiéndose:
bululú, ñaque, gangarilla, cambaleo, garnacha, bojiganga, farándula y compañía.
Destacaron Tirso de Molina, Guillén de Castro, Juan Ruiz de Alarcón y,
principalmente, Lope de Vega (El perro del hortelano, 1615; Fuenteovejuna, 1618) y
Pedro Calderón de la Barca (La vida es sueño, 1636; El alcalde de Zalamea, 1651).87

Tocata y fuga en re menor, BWV 565

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de Johann Sebastian Bach
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La música barroca destacó por el contraste, los acordes violentos, los volúmenes
móviles, la ornamentación exagerada, la estructura variada y contrastada. Se
caracterizó especialmente por la utilización del bajo continuo, sección
instrumental grave que sostenía ininterrumpidamente la parte melódica superior. En
esta época la música alcanzó cotas de gran brillantez, desvinculándose plenamente
de la voz y el texto, surgiendo las formas instrumentales puras (suite, sonata,
tocata, concierto, sinfonía). Con la sonata nacieron los nombres de velocidad:
allegro, adagio, presto, vivace, andante, etc. En la música religiosa nacen el
oratorio y la cantata, mientras que la música coral triunfó especialmente en el
mundo protestante. En España nacieron la zarzuela y la tonadilla como
manifestaciones de la música popular. Entre las grandes figuras de la música
barroca conviene recordar a Antonio Vivaldi, Tommaso Albinoni, Arcangelo Corelli,
Marc-Antoine Charpentier, Johann Pachelbel, Heinrich Schütz, Johann Sebastian Bach,
Georg Philipp Telemann, Georg Friedrich Haendel, etc.

En ópera destacó la escuela veneciana, primer lugar donde la música se desligó de

la protección religiosa o aristocrática para ser representada en lugares públicos:
en 1637 se fundó el Teatro di San Cassiano, primer centro operístico del mundo.
Comenzó el gusto por las voces solistas, principalmente las agudas (tenor,
soprano), apareciendo el fenómeno de los castrati. La ópera barroca destacó por la
escenografía complicada, ornamentada, recargada, con cambios repentinos. Destacan
Pier Francesco Cavalli, Antonio Cesti, Jean-Baptiste Lully, Henry Purcell, Georg
Friedrich Haendel, etc. A finales del siglo XVII, la escuela napolitana introdujo
un estilo más purista, más clasicista, simplificando los argumentos y haciendo
óperas más cultas y sofisticadas. Alessandro Scarlatti introdujo el aria en tres
partes (aria da capo).88

En Francia, la danza barroca (ballet de cour) hizo evolucionar la música

instrumental, de melodía única pero con una rítmica adaptada a la danza. Fue
patrocinada especialmente por Luis XIV, que convirtió la danza en grandes
espectáculos (Ballet de la Nuit, 1653, donde intervino el rey caracterizado de
sol), creando en 1661 la Academia real de Danza. Como coreógrafo destacó Pierre
Beauchamp, creador de la danse d'école, el primer sistema pedagógico de la danza.
Las principales tipologías fueron: minuet, bourrée, polonaise, rigaudon, allemande,
zarabande, passepied, gigue, gavotte, etc. En España también se dieron diversas
modalidades de danza: seguidilla, zapateado, chacona, fandango, jota, etc.89

Baldaquino de San Pedro (1624-1633), de Gianlorenzo Bernini.

Éxtasis de Santa Teresa (1647-1651), de Gianlorenzo Bernini, iglesia de Santa María

de la Victoria, Roma.

Puerto con el embarque de la Reina de Saba (1648), de Claude Lorrain, National

Gallery de Londres.

Las tres Gracias (1636-1639), de Peter Paul Rubens, Museo del Prado.

Rococó
Artículo principal: Rococó

El columpio (1767), de Jean-Honoré Fragonard, Colección Wallace, Londres.

Desarrollado en el siglo XVIIInota 12 —en convivencia a principios de siglo con el
barroco, y a finales con el neoclasicismo—, supuso la pervivencia de las
principales manifestaciones artísticas del barroco, con un sentido más enfatizado
de la decoración y el gusto ornamental, que son llevados a un paroxismo de riqueza,
sofisticación y elegancia. El progresivo auge social de la burguesía y los
adelantos científicos, así como el ambiente cultural de la Ilustración, conllevaron
el abandono de los temas religiosos a favor de nuevas temáticas y actitudes más
mundanas, destacando el lujo y la ostentación como nuevos factores de prestigio
social.

La arquitectura pasó de la grandilocuencia barroca a un gusto más delicado, de

formas gráciles y con preponderancia de espacios pequeños, de ambientes de
recogimiento pensados para el bienestar y el confort. Se puso de moda lo exótico,
especialmente el gusto por el arte oriental. El rococó se desarrolló sobre todo en
Francia y Alemania, representado principalmente por Ange-Jacques Gabriel (Petit
Trianon de Versalles, Hotel Biron de París), François de Cuvilliés (Pabellón de
Amalienburg del Palacio de Nymphenburg en Múnich), Johann Balthasar Neumann
(Palacio Episcopal de Würzburg) y Dominikus Zimmermann (Iglesia de Wies). En
jardinería, al «jardín italiano» sucedió el «jardín francés», de composición
geométrica igual que el italiano, pero con una perspectiva más larga, composición
más simple, mayores zonas de césped y un nuevo detalle ornamental: el parterre;
destacan los jardines de Versalles (diseñados por André Le Nôtre) y Aranjuez.

La escultura tiene un aire grácil, refinado, con cierta pervivencia de las formas
barrocas, especialmente por influencia de Bernini. En Italia cabe destacar la
Fontana de Trevi, de Pietro Bracci y Filippo della Valle. En Francia destacó la
obra de Edmé Bouchardon, Jean-Baptiste Pigalle y Étienne-Maurice Falconet. En
Alemania tenemos la presencia de Georg Rafael Donner, Ignaz Günther y los hermanos
Asam (Cosmas Damian y Egid Quirin). En España podemos reseñar a Juan Pascual de
Mena y Luis Salvador Carmona.

La pintura se movió entre la exaltación religiosa o el paisajismo vedutista en

Italia (Giambattista Tiepolo, Canaletto, Francesco Guardi), y las escenas
cortesanas de Jean-Antoine Watteau, François Boucher, Jean-Baptiste-Siméon Chardin
y Jean-Honoré Fragonard en Francia, pasando por el retratismo inglés de Joshua
Reynolds y Thomas Gainsborough. Figura aparte es el inclasificable pintor español
Francisco de Goya, que evolucionó desde un sello más o menos rococó hasta un cierto
prerromanticismo, pero con una obra personal y expresiva de fuerte tono intimista.
Cultivó tanto la pintura como el grabado, siendo igualmente de destacar sus
cartones para tapices. Entre sus obras destacan: los Caprichos (1799), La familia
de Carlos IV (1800), El tres de mayo de 1808 en Madrid (1814), las Pinturas negras
(1820), etc.

Las artes decorativas tuvieron especial relevancia, ya que, como se ha señalado, el

rococó fue un arte de aire burgués dedicado a la ostentación y el lujo. Se
desarrolló notablemente el interiorismo, con especial énfasis en el mobiliario, los
espejos, las sedas, los tapices y los objetos de porcelana. Esta última tuvo una
gran difusión, sobre todo la de Sajonia y la de Sèvres, con delicados motivos
ornamentales, preferentemente de estilo oriental. En porcelana se fabricaron
también pequeñas tallas escultóricas con motivos galantes, pastorales o de la
Commedia dell'arte. En mobiliario se desarrolló el «estilo Chippendale» (por Thomas
Chippendale), caracterizado por el eclecticismo, con mezcla de elementos góticos,
rococó, palladianos y chinescos. En España adquirieron notoriedad los tapices de la
Real Fábrica de Santa Bárbara, algunos de ellos diseñados por Goya. En esta época
apareció la litografía, nueva modalidad de grabado sobre piedra caliza, inventada
por Aloys Senefelder en 1778.90

Portada de L'Encyclopédie (1751).

A nivel literario, el siglo XVIII fue el de la Ilustración, proyecto iniciado con
L'Encyclopédie de Diderot y D'Alembert y que supuso la consagración del
racionalismo a nivel filosófico, poniendo el acento en la idea de progreso del ser
humano y su capacidad ilimitada, concepto que estableció el germen de la era
moderna. Sus principales representantes fueron Montesquieu, Voltaire, Denis
Diderot, Jean-Jacques Rousseau, el Abate Prévost, André Chénier, Giambattista Vico,
Alexander Pope, Daniel Defoe, Jonathan Swift, etc. En España se denotó la
influencia francesa en una literatura crítica y especulativa, ganando gran auge el
género del ensayo; destacaron Benito Jerónimo Feijoo, Diego de Torres Villarroel,
Ignacio Luzán y José Francisco de Isla. Es de remarcar la fundación en esta época
de la Biblioteca Nacional y la Real Academia Española.91

El teatro en el siglo XVIII siguió modelos anteriores, contando como principal

innovación la reforma que efectuó Carlo Goldoni de la comedia, que abandonó la
vulgaridad y se inspiró en costumbres y personajes de la vida real. También se
desarrolló el drama, situado entre la tragedia y la comedia. La escenografía era
más naturalista, con un mayor contacto entre público y actores. Los montajes solían
ser más populares, atrayendo un mayor público, dejando el teatro de estar reservado
a las clases altas. Al organizarse espectáculos más complejos, empezó a cobrar
protagonismo la figura del director de escena. Como dramaturgos destacan Pietro
Metastasio, Pierre de Marivaux, Pierre-Augustin de Beaumarchais y Voltaire. En
España, Nicolás Fernández de Moratín se enmarca en la «comedia de salón»
dieciochesca, con base en Molière.92

Al rococó en música corresponde la llamada «música galante», que era más tranquila
que la barroca, más ligera y sencilla, amable, decorativa, destacando el
sentimentalismo. Desapareció el gusto por el contraste y se buscó la gradación
sonora (crescendo, diminuendo). En la llamada Escuela de Mannheim se desarrolla la
música sinfónica, con la primera gran orquesta moderna (40 instrumentos),
iniciativa del elector Carlos Teodoro de Wittelsbach. Su principal representante,
Johann Stamitz, es considerado el primer director de orquesta. De entre los músicos
de la época destacan los hijos de Bach: Wilhelm Friedemann, Carl Philipp Emanuel,
Johann Christoph Friedrich y Johann Christian —este último introductor del piano en
la música sinfónica, inventado en 1711 por Bartolomeo Cristofori—. En ópera, junto
a la culta aparece la «ópera bufa», de aire cómico, destinada a un público más
popular, con influencia de la Commedia dell'arte (Niccolò Piccinni, Baldassare
Galuppi).93

La danza siguió desarrollándose sobre todo en Francia, donde en 1713 se creó la

Escuela de Ballet de la Ópera de París, la primera academia de danza. Raoul-Auger
Feuillet creó en 1700 un sistema de notación de danza, para poder transcribir por
escrito la diversa variedad de pasos de danza. En esta época la danza comenzó a
independizarse de la poesía, la ópera y el teatro, consiguiendo autonomía propia
como arte, y formulando un vocabulario propio. Se empezaron a escribir obras
musicales sólo para ballet, destacando Jean-Philippe Rameau —creador de la opéra-
ballet—, y comenzaron a surgir nombres de bailarines destacados, como Gaetano
Vestris y Marie Camargo. A nivel popular, el baile de moda fue el vals, de compás
¾, mientras que en España surgió el flamenco.94

Basílica de Ottobeuren (Baviera).

Fontana de Trevi (1732-1762), de Pietro Bracci y Filippo della Valle, Roma.

La familia de Carlos IV (1800), de Francisco de Goya, Museo del Prado (Madrid).

Interior rococó del palacio de Gatchina, cerca de San Petersburgo, en Rusia.

Neoclasicismo
Artículo principal: Neoclasicismo

Juramento de los Horacios (1784), de Jacques-Louis David, Museo del Louvre.

El auge de la burguesía tras la Revolución francesa favoreció el resurgimiento de
las formas clásicas, más puras y austeras, en contraposición a los excesos
ornamentales del barroco y rococó, identificados con la aristocracia. A este
ambiente de valoración del legado clásico grecorromano influyó el hallazgo
arqueológico de Pompeya y Herculano, junto a la difusión de un ideario de
perfección de las formas clásicas efectuado por Johann Joachim Winckelmann, quien
postuló que en la antigua Grecia se dio la belleza perfecta, generando un mito
sobre la perfección de la belleza clásica que aún condiciona la percepción del arte
hoy día.nota 13

La arquitectura neoclásica era más racional, de signo funcional y un cierto aire

utópico, como vemos en los postulados de Claude-Nicolas Ledoux y Étienne-Louis
Boullée. Conviene distinguir dos tipos de arquitectura neoclásica: la de herencia
barroca, pero despojada de excesiva decoración para distinguirse de la arquitectura
rococó; y la propiamente neoclásica, de líneas austeras y racionales, sobria y
funcional. A la primera pertenecen obras como el Panteón de París, de Jacques-
Germain Soufflot, o la Ópera de Berlín, de Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff;
también se enmarca en esta línea el neopalladianismo británico y estadounidense. En
la nueva línea más racional puede mencionarse el proyecto urbanístico de las
Tullerías, de Pierre-François-Léonard Fontaine (iniciador del llamado «estilo
Imperio»); la Piazza del Popolo de Roma, de Giuseppe Valadier; el Walhalla de
Ratisbona, de Leo von Klenze; y el Museo del Prado de Madrid, de Juan de
Villanueva.

La escultura, de lógico referente grecorromano, tuvo como principales figuras a:

Jean-Antoine Houdon, retratista de la sociedad prerrevolucionaria (Rousseau,
Voltaire, Lafayette, Mirabeau); Antonio Canova, que trabajó para los papas y la
corte de Napoleón (Paulina Borghese como Venus, 1805-1807); y Bertel Thorvaldsen,
muy influido por la escultura griega, consagrado a la mitología y la historia
antiguas (Jasón con el vellocino de oro, 1803). Otros nombres destacables serían
John Flaxman, Johann Gottfried Schadow, Johan Tobias Sergel y Damià Campeny.

La pintura mantuvo un sello austero y equilibrado, influido por la escultura

grecorromana o figuras como Rafael y Poussin. Destacó especialmente Jacques-Louis
David, pintor «oficial» de la Revolución Francesa (Juramento de los Horacios,1784;
La muerte de Marat, 1793; Napoleón cruzando los Alpes, 1800). Junto a él conviene
recordar a: François Gérard, Antoine-Jean Gros, Pierre-Paul Prud'hon, Anne-Louis
Girodet-Trioson, Jean Auguste Dominique Ingres, Joseph Wright of Derby, Johann
Zoffany, Angelika Kauffmann, Anton Raphael Mengs, Joseph Anton Koch, Asmus Jacob
Carstens, José de Madrazo, etc.95

Las artes decorativas se desarrollaron en diversos estilos, algunos de los cuales

perduraron a lo largo del siglo XIX: el estilo Directorio surgió en Francia en la
época del Directorio (1795-1805), caracterizado por las líneas sencillas, clásicas,
sobrias, sin adornos excesivos; el estilo Imperio se desarrolló en la Francia
napoleónica y de la Restauración, de donde pasó al resto de Europa, sustituyendo la
sobriedad por la ostentación y el lujo, con un estilo suntuoso, con preferencia de
temas exóticos y orientales; en contraposición, el estilo Biedermeier alemán
presentó un diseño más práctico y cómodo, de líneas sencillas y hogareñas. Estos
estilos influyeron en el isabelino español y el victoriano inglés, de aire burgués,
dedicados al lujo y la ostentación, aunque sin renunciar al confort y la
funcionalidad.

A nivel literario, a finales del siglo XVIII se produjo una vuelta a premisas
clasicistas, con la pretensión de establecer un tipo de literatura preceptiva,
ordenadora, con una base ética e intelectual. Muchos de los autores de esta época
estuvieron a caballo entre el neoclasicismo y el prerromanticismo, destacando:
Friedrich Gottlieb Klopstock, Christoph Martin Wieland, Henry Fielding, Laurence
Sterne, etc. En España, se denotó la influencia del clasicismo francés y los
preceptos fijados por Boileau, destacando José Cadalso, Juan Meléndez Valdés y
Gaspar Melchor de Jovellanos, así como los fabulistas Tomás de Iriarte y Félix
María Samaniego.96 El teatro neoclásico tuvo pocas variaciones respecto al
desarrollado a lo largo del siglo XVIII, siendo su principal característica la
inspiración en modelos clásicos grecorromanos, seña de identidad de esta corriente.
Destacan: Vittorio Alfieri, Richard Brinsley Sheridan y Gotthold Ephraim Lessing y,
en España, Leandro Fernández de Moratín y Vicente García de la Huerta.97

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Obertura de Don Giovanni, una de las piezas más famosas de Wolfgang Amadeus Mozart
(1787).
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La música clásicanota 14 supuso entre el último tercio del siglo XVIII y principios
del XIX la culminación de las formas instrumentales, consolidadas con la definitiva
estructuración de la orquesta moderna. El clasicismo se manifestó en el equilibrio
y la serenidad de la composición, la búsqueda de la belleza formal, de la
perfección, en formas armoniosas e inspiradoras de altos valores. Nació el
desarrollo, nueva forma de composición que consistía en desmontar el tema, cogiendo
el ritmo o la melodía, pero cambiando la tonalidad a través de la modulación.
Evolucionó la música de cámara al desaparecer el bajo continuo, en distintos
formatos: dúo, trío, cuarteto, quinteto, etc. La música clásica está representada
principalmente por: Franz Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Christoph
Willibald Gluck, Luigi Boccherini y Domenico Cimarosa. La ópera clásica era menos
recargada que la barroca, con una música austera, sin ornamentos vocales, arias
limitadas, recitativo con acompañamiento orquestal, argumentos más sólidos y
personajes más verídicos. Destacan: Jean-Philippe Rameau, Christoph Willibald Gluck
y, especialmente, Wolfgang Amadeus Mozart, autor de varias de las mejores óperas de
la historia (Le Nozze di Figaro, 1786; Don Giovanni, 1787; La flauta mágica,
1791).98

El ballet clásico también experimentó un gran desarrollo, sobre todo gracias al

aporte teórico del coreógrafo Jean-Georges Noverre y su ballet d'action, que
destacaba el sentimiento sobre la rigidez gestual del baile académico. Se buscó un
mayor naturalismo y una mejor compenetración de música y drama, hecho perceptible
en las obras del compositor Gluck, que eliminó muchos convencionalismos de la danza
barroca. Otro coreógrafo relevante fue Salvatore Viganò, que dio mayor vitalidad al
«cuerpo de ballet», el conjunto que acompaña a los bailarines protagonistas, que
cobró independencia respecto a estos.99

Panteón de París (1757-1791), de Jacques-Germain Soufflot.

Perseo con la cabeza de Medusa (1800), de Antonio Canova, Museos Vaticanos.

La muerte de Viriato (1806-1807), de José de Madrazo, Museo del Prado.

Wolfgang Amadeus Mozart.

América
Artículo principal: Arte colonial hispanoamericano

Catedral Metropolitana de la Ciudad de México.

Desde el descubrimiento de América por Cristóbal Colón en 1492 hasta la
independencia de los diversos países americanos a lo largo del siglo XIX (los
últimos Cuba y Puerto Rico en 1898) se dio el denominado arte colonial, que fue un
fiel reflejo del arte efectuado en la metrópoli, desarrollándose los mismos estilos
artísticos que en el continente europeo, principalmente el Renacimiento, el Barroco
y el Rococó. Las principales muestras de arte colonial se produjeron en los dos
centros geográficos de más relevancia en la era precolombina: México y Perú.

La arquitectura se basó en las mismas tipologías de edificios propios de la cultura

europea, principalmente iglesias y catedrales, dado el rápido avance de la labor de
evangelización de los pueblos nativos americanos, pero también edificios civiles
como ayuntamientos, hospitales, universidades, palacios y villas particulares.
Durante la primera mitad del siglo XVI fueron las órdenes religiosas las encargadas
de la edificación de numerosas iglesias en México, preferentemente un tipo de
iglesias fortificadas llamadas «capillas de indios». A mediados de siglo se
empezaron a construir las primeras grandes catedrales, como las de México, Puebla,
Guadalajara, Cuzco y Córdoba. La arquitectura barroca se caracterizó por una
profusa decoración, que resultaría exacerbada en el llamado «ultrabarroco» (Fachada
del Sagrario de la Catedral de México). En Perú, las construcciones desarrolladas
en Lima y Cuzco desde 1650 muestran unas características originales que se
adelantan incluso al barroco europeo, como en el uso de muros almohadillados y de
columnas salomónicas (Iglesia de la Compañía, Cuzco). En el siglo XVIII la
arquitectura se orientó a un estilo más exuberante, otorgando un aspecto
inconfundible al barroco limeño (Palacio del Marqués de Torre-Tagle.

Las primeras muestras de pintura colonial fueron las de escenas religiosas

elaboradas por maestros anónimos, como las imágenes de la Virgen con el Niño. La
producción artística hecha en Nueva España por indígenas en el siglo XVI es
denominada arte indocristiano. La pintura barroca recibió la influencia del
tenebrismo sevillano, principalmente de Zurbarán, como se puede apreciar en la obra
de los mexicanos José Juárez y Sebastián López de Arteaga, y del boliviano Melchor
Pérez de Holguín. A finales del siglo XVI destacó la Escuela cuzqueña de pintura,
representada principalmente por Luis de Riaño y Marcos Zapata. En el siglo XVIII la
principal influencia sería la de Murillo, y en algún caso —como en Cristóbal de
Villalpando— la de Valdés Leal. Destacan Gregorio Vázquez de Arce en Colombia y
Juan Rodríguez Juárez y Miguel Cabrera en México.

En escultura las primeras muestras fueron nuevamente en el terreno religioso, en

tallas exentas y retablos para iglesias, confeccionadas generalmente en madera
recubierta con yeso y decorada con encarnación —aplique directo del color— o
estofado —sobre un fondo de plata y oro—. A principios del siglo XVII nacieron las
primeras escuelas locales, como la quiteña y la cuzqueña, destacando la labor
patrocinadora de la orden jesuita. En el barroco destacó la obra escultórica
desarrollada en Lima, como la sillería de la Catedral de Lima. En Brasil destacó la
obra del Aleijadinho.100

África
Artículo principal: Arte africano

Gran Mezquita de Djenné, Malí.

En esta época continuó la diversidad de estilos y manifestaciones artísticas en el
continente africano, debido a la multiplicidad étnica y religiosa, y a las
diferentes organizaciones sociales, desde pueblos nómadas hasta estados
centralizados como Benín, Dahomey, el Congo y Ashanti. Los principales materiales
eran la madera, la piedra, el marfil, el metal, la arcilla, pieles, plumas,
conchas, etc. En las montañas Drakensberg (Sudáfrica), los San (o bosquimanos)
realizaron miles de pinturas rupestres entre los siglos XVIII y XIX, relacionadas
con rituales chamánicos. En la región de Owerri (Nigeria) se construyeron una serie
de edificios votivos llamados mbari, decorados con pinturas y esculturas. En Malí
destacaron las construcciones en adobe, como la Gran Mezquita de Djenné, datada
inicialmente del siglo XIII pero reconstruida varias veces. En Ashanti (actual
Ghana) adquirieron notoriedad los tejidos llamados kente, de algodón o seda,
decorados con motivos geométricos.

La escultura fue la principal actividad artística en el continente en general,

caracterizada por su gran expresividad y fuerza emotiva, que llegó a influir en el
arte de vanguardia europeo cuando el colonialismo favoreció la creación de museos
etnológicos que llevaron las obras de arte africanas por toda Europa. En Benín se
hacían figuras de latón desde el siglo XV hasta el XIX. En Ashanti se dio un estilo
naturalista de pequeñas esculturas de metal (siglos XVII-XX). En la cultura yoruba
(entre Nigeria, Benín y Togo) proliferaron los relieves en madera tallada, como en
las puertas del palacio de Ikere, del escultor Olowe de Ise. Otras tipologías
fueron: los fetiches o «figuras de poder» (nduda), relacionadas con ritos
ultraterrenales, de figuras antropomórficas recubiertas de tela, cuero o plumas;
los pfemba, dedicados a la maternidad, generalmente una mujer con un niño en
brazos; y los mbulu-ngulu, relicarios protectores. También se forjaron figuras en
hierro, como la del rey Glele de Dahomey, de tamaño natural, obra de Akate Akpele
Kendo (1860). Por último, destacaron las máscaras, destinadas a ritos de distinta
índole (funerarios, agrícolas, de fertilidad, etc.).101

Asia
India
Artículo principal: Arte de la India

Taj Mahal.
Durante este periodo se introdujo en la India el arte islámico. La invasión
musulmana, que tuvo su culminación en el Imperio mogol, provocó una gran convulsión
en la sociedad india y, por tanto, en su arte. A las formas tradicionales se
añadieron elementos característicos del arte islámico, con nuevas tipologías como
la mezquita. Este sincretismo artístico se manifestó en construcciones como las
mezquitas de Lahore y Delhi y en las sepulturas de Agra, sobre todo en el famoso
Taj Mahal (siglo XVII). También se desarrollaron la jardinería y la miniatura,
ambas de influencia persa, y adquirieron gran relevancia las artes textiles y las
joyas engarzadas (como el Trono de Aurangzeb).

El arte tradicional hindú tuvo su manifestación en el magnífico templo de Meenakshi

(Madurai), así como en la escuela miniaturista de Rajput, donde vivía una comunidad
jainista que creó un arte que tuvo gran difusión en Occidente, plasmado en un
conjunto de templos y esculturas de mármol con incrustaciones de piedras de
colores, decorados con gran preciosismo. A partir del siglo XII la escultura se
realizó más en bronce que en piedra, destacando las representaciones del dios Śivá
en actitud danzante; después serían característicos los retratos de guerreros y
cortesanos, tradición que llegó hasta el siglo XVIII. La arquitectura de finales de
este periodo evolucionó hacia formas cada vez más complejas, con gran riqueza
decorativa, en la que se podría denominar una fase «barroca» del arte indio (aunque
sin hacer paralelismos con el barroco europeo).102

En literatura la principal particularidad de esta época fue el despunte de las

lenguas vernáculas, surgiendo una literatura en hindi, bengalí, tamil, maratí,
guyaratí, télugu, rayastaní, etc. En el género dramático destacó Anandarayamakhin,
autor de Jiva-nandana (hacia 1700), drama alegórico que representa el alma humana
como un rey encarcelado en su palacio (el cuerpo); y en el poema épico destaca el
Ram-chari-manas de Tulsidas, reelaboración del Ramaiana con gran pureza lingüística
y estilística. El teatro derivó en tiempos más recientes del antiguo dutangada —
donde predominaba la danza y la mímica— en una nueva modalidad denominada
kathakali, que igualmente ponía énfasis en la música y la gestualidad. En esta
interpretación adquirió gran relevancia el lenguaje de las manos (mudras, con 24
posiciones básicas y otras combinadas), así como la expresión del rostro y los
movimientos de los ojos (navarasya). También tenía importancia el maquillaje, donde
los colores eran simbólicos, identificando al rol o personaje.103

La música recibió igualmente la influencia musulmana, aunque subsistieron las

antiguas formas tradicionales, basadas en los ragas. Sin embargo, la convivencia de
ambas modalidades provocó una división en dos tradiciones musicales diferenciadas:
la septentrional o indostánica, más influida por la música árabe; y la meridional o
carnática, más conservadora de la antigua tradición. La primera era más elegante,
decorativa, romántica, mientras que la segunda era más austera, intelectual. Dos de
las danzas clásicas de la India que ejemplifican lo anterior son el kathak, en el
norte, y el bharatanatyam, en el sur.104

China
Artículo principal: Arte de China
El Palacio de la Suprema Armonía, en el centro de la Ciudad Prohibida de Pekín.
Dinastía Ming (1368-1644): supuso la restauración de una dinastía autóctona tras el
periodo mongol, retornando a las antiguas tradiciones chinas. El tercer emperador
de la dinastía, Yongle, trasladó la capital de Nankín a Pekín (1417), construyendo
un Palacio Imperial (la Ciudad Prohibida), con tres grandes patios rodeados de una
muralla de 24 kilómetros, y un amplio complejo de edificios donde destacan la Sala
de la Suprema Armonía (con el trono imperial) y el Templo del Cielo. La pintura de
esta época era tradicional, de signo naturalista y cierta opulencia, como en la
obra de Lü Ji, Shen Zhou, Wen Zhengming, etc. También destacó la porcelana, muy
ligera y de tonos brillantes, generalmente en blanco y azul, y comenzó la
decoración de vasijas de bronce en esmalte cloisonné.
Dinastía Qing (1644-1911): dinastía de origen manchú, en el arte supuso la
continuidad de las formas tradicionales. La pintura era bastante ecléctica,
dedicada a temas florales (Yun Shouping), religiosos (Wu Li), paisajes (Gai Qi),
etc. En arquitectura, se continuó la construcción —y, en algunos casos,
restauración— del recinto imperial, con el mismo sello estilístico, al tiempo que
se edificaban nuevos templos y villas aristocráticas, destacando la riqueza de los
materiales (balaustradas de mármol, cerámica en los tejados, etc.). Continuó
igualmente la tradición en las artes aplicadas, especialmente ebanistería,
porcelana, tejidos de seda, lacas, esmalte, jade, etc. Cabe mencionar que las
manufacturas chinas influyeron en la decoración del rococó europeo (las llamadas
chinoiseries).105
La literatura siguió siendo de corte tradicional, destacando en época Ming la
producción teatral, con obras como El círculo de tiza de Li-Hsing-Tao, La guitarra
de Kao Ming y El pabellón de T'ang-Hien-Tsu. En prosa destacó El mono, de Wu
Cheng'en, de signo alegórico; y La ciruela del vaso de oro, de Wang Shih-chên,
narración de tono erótico. En época Qing la poesía destacó por su virtuosismo,
detectándose por vez primera el influjo occidental en la obra de Huang-Tuen-Hien.
La narrativa era más humanista, como se puede percibir en P'u-Song-Ling y Ts'ao-
Sine-K'in, autor de Hong-leu-mon, la más famosa novela de amor china; Los letrados,
de Wu-Ching-Tzu, es una novela de tono satírico.106

La música siguió las tradiciones anteriores, recopiladas en el Manual de música de

Tsai Yü (1596). De esta época destacan las tonadas para cítara, con dos vertientes:
tonadas breves (hsiao-ch'ü), de letra con acompañamiento musical; y tonadas largas
(ta-ch'ü), puramente instrumentales. En la dinastía Ming destacó el compositor Wei
Liang-fu, creador de un nuevo estilo dramático con óperas de 30 actos (k'un-ch'ü),
con partes cantadas y partes declamadas. El instrumento principal era la flauta
travesera (ti), junto a la guitarra (san-hsien), el laúd corto (p'i-p'a) y el
tambor (pan-ku). Durante la dinastía Qing surgió un nuevo tipo de ópera (ching-
hsi), más popular, con acompañamiento de violín de una cuerda (hu'chpin). En ese
periodo comenzó la influencia occidental, al tiempo que la música china llegó a
Occidente, como se observa en la obertura de Turandot, de Carl Maria von Weber
(1809).107

Japón
Artículo principal: Arte del Japón

El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina (1857), de Utagawa Hiroshige,
Brooklyn Museum of Art, Nueva York.
Período Momoyama (1573-1615): el arte de esta época se alejó de la estética
budista, remarcando los valores tradicionales japoneses, aunque durante este
período se recibieron las primeras influencias de Occidente. Se construyeron
grandes castillos y palacios: palacio de Fushimi, castillos de Himeji y Osaka. En
pintura, la escuela de Tosa continuó la tradición épica japonesa (Mitsuyoshi,
Mitsunori). La cerámica alcanzó un momento de gran apogeo: Seto continuó siendo uno
de los primeros centros de producción, mientras que en Mino nacieron dos escuelas
muy importantes: Shino y Oribe. En la producción de laca destaca el nombre de
Honami Kōetsu.
Período Edo o Tokugawa (1615-1868): este período artístico se corresponde con el
histórico de Tokugawa, en el que Japón se cerró a todo contacto exterior. Los
edificios más importantes son el mausoleo de Toshogu en Nikkō y el palacio de
Katsura en Kioto. También son características de esta época las casas de té
(chashitsu). Se desarrolló notablemente la pintura, que adquirió gran vitalidad,
destacando Tawaraya Sōtatsu y Ogata Kōrin, así como la escuela de Ukiyo-e, que
destacó por la representación de tipos y escenas populares (Kitagawa Utamaro,
Katsushika Hokusai, Utagawa Hiroshige). La cerámica tuvo uno de sus mayores centros
de producción en Kioto, con influencia del arte chino y coreano; su principal
artista es Nonomura Ninsei. En este período se produjeron las primeras porcelanas,
con un primer centro productor en Arita; destacan las escuelas de Kakiemon,
Nabeshima y Ko-Kutami.108
La literatura evolucionó hacia un mayor realismo, generalmente de tono costumbrista
y con una sutil vena humorística, como se aprecia en la obra de Saikaku Ihara,
Jippensha Ikku y Ejima Kiseki. En poesía, la principal modalidad es el haiku,
composición de 17 sílabas, generalmente de tono bucólico, centradas en la
naturaleza y el paisaje, destacando Matsuo Bashō, Yosa Buson y Kobayashi Issa.
Continuó el género de la waka, generalmente en chino, representada principalmente
por Rai Sanyo. En el siglo XIX destacó el novelista Takizawa Bakin, autor de Satomi
Kakkenden (Vidas de ocho perros).109

En teatro surgió la modalidad del kabuki, que sintetizó las antiguas tradiciones
tanto musicales e interpretativas como de mímica y danza, con temáticas desde las
más mundanas hasta las más místicas. Así como el nō era de tono aristocrático, el
kabuki sería la expresión del pueblo y la burguesía. La puesta en escena era de
gran riqueza, con decorados donde destacaba la composición cromática, vestidos de
lujo y maquillaje de tono simbólico, representando según el color diversos
personajes o estados anímicos. La dicción era de tipo ritual, mezcla de canto y
recitativo, en ondulaciones que expresaban la posición o el carácter del
personaje.110

La música fue en esta época principalmente de cámara, de tipo profano, desarrollada

con diversos instrumentos entre los que destacan el shamisen (laúd de tres
cuerdas), el shakuhachi (flauta de bambú) y el koto (cítara de 13 cuerdas). El
koto, principalmente, tuvo un gran auge a partir del siglo XVII, siendo
popularizado por el músico ciego Yatsushashi. Se tocaba solo, con diversas
variaciones (dan) de 52 compases (hyoshi), o acompañado de voz (kumi).111

Oceanía
Artículo principal: Arte de Oceanía

Casa de reunión melanesia.

El arte siguió siendo predominantemente indígena, aunque se dieron los primeros
contactos con la civilización occidental. En sus viajes por el Pacífico (1768-1780)
James Cook reunió una serie de obras de arte que incluían tejidos, esculturas,
joyas, muebles, armas, herramientas, instrumentos musicales, etc. En Melanesia
destacan las grandes casas de reunión o «casas de los espíritus», dedicadas a
ceremonias relacionadas con el culto a los antepasados. Continuó la talla de
figuras antropomórficas —principalmente deidades locales—, como la de Kukailimoku,
dios de la guerra hawaiano (British Museum), o el dios A'a, de Rurutu (islas
Australes). También siguió la tradición de las máscaras, especialmente en Nueva
Guinea (mai), Nueva Irlanda (malanggan) y Nueva Caledonia (apuema). Los asmat,
tribu de Irian Jaya (Nueva Guinea), construían unos postes conmemorativos (bisj) de
entre 5 y 10 metros de altura, tallados con figuras antropomórficas, una encima de
otra. En las islas Salomón se dan estatuas de madera (indalo) de figuras humanas o
animales, con incrustaciones de conchas. En Australia continuó la tradición de las
pinturas rupestres, así como las churingas, piezas de madera, piedra o concha,
decoradas con motivos geométricos.112
Arte contemporáneo

Viajero frente al mar de niebla (1818), de Caspar David Friedrich, Kunsthalle de

Hamburgo.
Artículo principal: Arte contemporáneo
Siglo XIX
Artículo principal: Historia del Arte del siglo XIX
Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX se sentaron las bases de la
sociedad contemporánea, marcada en el terreno político por el fin del absolutismo y
la instauración de gobiernos democráticos —impulso iniciado con la Revolución
francesa—; y, en lo económico, por la Revolución Industrial y el afianzamiento del
capitalismo, que tendrá respuesta en el marxismo y la lucha de clases. En el
terreno del arte, comienza una dinámica evolutiva de estilos que se suceden
cronológicamente cada vez con mayor celeridad, que culminará en el siglo XX con una
atomización de estilos y corrientes que conviven y se contraponen, se influyen y se
enfrentan. Surge el arte moderno como contraposición al arte académico, situándose
el artista a la vanguardia de la evolución cultural de la humanidad.

Arquitectura
Artículo principal: Arquitectura del siglo XIX

Torre Eiffel, diseñada por Alexandre Gustave Eiffel para la Exposición Universal de
París (1889).
La arquitectura decimonónica sufrió una gran evolución debido a los avances
técnicos que comportó la Revolución Industrial, con la incorporación de nuevos
materiales como el hierro, el acero y el hormigón, que permitieron la construcción
de estructuras más sólidas y diáfanas. Cobró cada vez mayor importancia el
urbanismo, la preocupación por el entorno habitable, que se tradujo en obras de
saneamiento, infraestructuras, mayor atención a los medios de transporte y apertura
de espacios verdes para buscar mejores ambientes y condiciones de vida para el
ciudadano. Después de unos primeros planteamientos de signo utópico, como los de
Robert Owen o Charles Fourier, se produjeron las grandes transformaciones urbanas
del siglo XIX: París (plan Haussmann), Londres, Bruselas, Viena, Florencia, Madrid,
Barcelona (plan Cerdà), etc. Otro gran motor de la arquitectura de la época fueron
las exposiciones universales, festivales económico-sociales que pretendían
incentivar y difundir el comercio, la industria, la cultura, los avances
tecnológicos, etc. Estos eventos fueron un campo de pruebas para las nuevas
tipologías arquitectónicas, como se puso de manifiesto en la Exposición de Londres
de 1851, la de París de 1889 (con la famosa Torre Eiffel), etc. En jardinería,
apareció el llamado «jardín inglés» —que introdujo el concepto de «arquitectura
paisajística»—, el cual, frente al geometrismo del italiano y el francés, defendía
una mayor naturalidad en su composición, interviniendo únicamente en una serie de
detalles ornamentales, como templetes o pérgolas, o incluso la colocación de ruinas
—naturales o artificiales—, en consonancia con los conceptos románticos de lo
sublime y lo pintoresco (Regent's Park, de John Nash; Kew Gardens, de William
Chambers).

Estilísticamente, la primera mitad de siglo vio un cierto eclecticismo de las

formas, así como un revival de estilos anteriores reinterpretados según conceptos
modernos: es el llamado historicismo, que produjo movimientos como el neorrománico,
el neogótico, el neobarroco, etc. Entre sus principales artífices cabe recordar a:
John Nash, Augustus Pugin, Viollet-le-Duc, etc. En Estados Unidos surgió una nueva
tipología de edificio, el rascacielos, fomentado por la denominada Escuela de
Chicago (William Le Baron Jenney, Louis Sullivan). A finales de siglo surgió el
modernismo,nota 15 que supuso una gran revolución en el terreno del diseño, con
nombres como Victor Horta, Henry van de Velde, Hector Guimard, Charles Rennie
Mackintosh, Otto Wagner, Adolf Loos, Joseph Maria Olbrich, Hendrik Petrus Berlage,
Antoni Gaudí, Lluís Domènech i Montaner, Josep Puig i Cadafalch, etc.113
Pabellón Real de Brighton (1815-1822), de John Nash.

The Crystal Palace, de Joseph Paxton, Exposición de Londres de 1851.

Home Insurance Building (1884), de William Le Baron Jenney, Chicago (Illinois).

Templo Expiatorio de la Sagrada Familia (comenzado en 1882), de Antoni Gaudí,

Barcelona.

Romanticismo
Artículo principal: Romanticismo

La Libertad guiando al pueblo (1830), de Eugène Delacroix, Museo del Louvre, París.
Movimiento de profunda renovación en todos los géneros artísticos, los románticos
pusieron especial atención en el terreno de la espiritualidad, de la imaginación,
la fantasía, el sentimiento, la evocación ensoñadora, el amor a la naturaleza,
junto a un elemento más oscuro de irracionalidad, de atracción por el ocultismo, la
locura, el sueño. Se valoró especialmente la cultura popular, lo exótico, el
retorno a formas artísticas menospreciadas del pasado —especialmente las medievales
—, y adquirió notoriedad el paisaje, que cobró protagonismo por sí solo. Cobraron
también importancia las artes gráficas, principalmente la litografía y el grabado
en madera.

En pintura, después de una fase prerromántica donde podríamos citar a William Blake
y Johann Heinrich Füssli, destacaron Hubert Robert, Eugène Delacroix, Théodore
Géricault, Francesco Hayez, John Constable, Joseph Mallord William Turner, Caspar
David Friedrich, Karl Friedrich Schinkel, Philipp Otto Runge, etc. Una derivación
del romanticismo fue el movimiento alemán de los Nazarenos, inspirados en el
Quattrocento italiano y en el Renacimiento alemán, principalmente Durero (Friedrich
Overbeck, Peter Cornelius, Franz Pforr). En España destacaron Genaro Pérez
Villaamil, Valeriano Domínguez Bécquer, Leonardo Alenza y Eugenio Lucas.

En escultura prevalecen las formas neoclásicas, reinterpretadas según las nuevas

temáticas románticas. Cabría citar en Francia a: François Rude, que evolucionó del
neoclasicismo al romanticismo (La Marsellesa, 1832); Antoine-Louis Barye,
especializado en figuras de animales; Jean-Baptiste Carpeaux, artista polivalente
con gusto por lo espectacular; y David d'Angers, autor del relieve del frontón del
Panteón de París (1830-1837). En Alemania destacaron: Christian Daniel Rauch,
Rudolf Schadow y Johann Heinrich Dannecker.114

Lord Byron, uno de los mejores poetas románticos.

La literatura del Romanticismo estableció la idea de un arte que surge
espontáneamente del individuo, destacando la figura del «genio» —el arte es la
expresión de las emociones del artista—. Exaltó la naturaleza, el individualismo,
el sentimiento, la pasión, con un nuevo gusto por formas íntimas y subjetivas de
expresión como lo sublime, y dando valor a nuevos aspectos como lo oscuro, lo
tenebroso, lo irracional. En un prerromanticismo —plasmado en el movimiento alemán
Sturm und Drang— destacaron Johann Christoph Friedrich von Schiller y Johann
Wolfgang von Goethe, así como el poeta inglés William Blake. Posteriormente es de
remarcar la obra de: Johann Christian Friedrich Hölderlin, Novalis, Heinrich Heine,
August Wilhelm von Schlegel, Friedrich von Schlegel, Heinrich von Kleist, Johann
Ludwig Tieck, E. T. A. Hoffmann, Walter Scott, William Wordsworth, Samuel Taylor
Coleridge, John Keats, Lord Byron, Percy Shelley, Mary Wollstonecraft Shelley, Jane
Austen, Alphonse de Lamartine, Madame de Staël, François-René de Chateaubriand,
Alfred de Vigny, Victor Hugo, George Sand, Prosper Mérimée, Alexandre Dumas
(padre), Ugo Foscolo, Giacomo Leopardi, Alessandro Manzoni, Aleksandr Pushkin,
Nikolai Gogol, Adam Mickiewicz, Washington Irving, James Fenimore Cooper, Ralph
Waldo Emerson, Nathaniel Hawthorne, Edgar Allan Poe, Gustavo Adolfo Bécquer, Ramón
de Campoamor, José de Espronceda, Mariano José de Larra, Fernán Caballero, Rosalía
de Castro, Bonaventura Carles Aribau, Andrés Bello, Domingo Faustino Sarmiento,
José Hernández, Gertrudis Gómez de Avellaneda, etc.115

El teatro romántico tuvo dos notables antecedentes nuevamente en el Sturm und Drang
con Schiller (Don Carlos, 1787; Guillermo Tell, 1804) y Goethe (Fausto, 1808). Como
en el resto de la literatura romántica, destaca por el sentimentalismo, el
dramatismo, la predilección por temas oscuros y escabrosos, la exaltación de la
naturaleza y del folclore popular. Surgió un nuevo género, el melodrama, y se
popularizaron los espectáculos de variedades (vaudeville). Sus mejores exponentes
fueron: Georg Büchner, Christian Dietrich Grabbe, Juliusz Słowacki, Alfred de
Musset, Victor Hugo, Francisco Martínez de la Rosa, el Duque de Rivas, Antonio
García Gutiérrez, José Echegaray, José Zorrilla (Don Juan Tenorio, 1844), etc.116

Oda a la alegría
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De la Novena Sinfonía de Beethoven.
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La música romántica se caracteriza como en el resto de las artes por el predominio
del sentimiento y la pasión, de la subjetividad y emotividad del artista, exaltando
la música nacional y popular. Se amplía notablemente la orquesta, para poder
satisfacer plenamente la expresividad del artista, los nuevos sentimientos que en
él anidan (lo sublime, lo patético). El piano fue el instrumento de moda, pues su
registro, la intensidad de la pulsación, son fiel reflejo de esa emotividad, ligada
al nuevo culto a la personalidad que se desarrolla en el romanticismo. Nació la
musicología como ciencia aplicada a la música, así como la crítica y la estética
musicales, y aparecieron los primeros conservatorios. Sus principales
representantes fueron: Ludwig van Beethoven, Carl Maria von Weber, Franz Schubert,
Felix Mendelssohn-Bartholdy, Robert Schumann, Franz Liszt, Frédéric Chopin, Niccolò
Paganini, Johann Strauss, Johannes Brahms, Anton Bruckner, Hector Berlioz, Jules
Massenet, etc.

En esta época se desarrolló notablemente la ópera, sobre todo en Italia, donde

recibió el nombre de bel canto. Destacó por el brillo de sus voces, la coloratura,
la ornamentación, ganando importancia el papel de la soprano —desde 1840 se puso de
moda el do de pecho—. La ópera romántica tuvo dos vertientes: la cómica —o bufa— y
la dramática, sobre los grandes dramas literarios románticos. Destacan: Luigi
Cherubini, Gaetano Donizetti, Vincenzo Bellini, Gioacchino Antonio Rossini, Charles
Gounod, Georges Bizet y, especialmente, Giuseppe Verdi (Rigoletto, 1851; Il
trovatore, 1853; La Traviata, 1853; Aida, 1870). En Alemania, Richard Wagner dio a
la ópera cotas de gran brillantez, con la pretensión de hacer una «obra de arte
total» (gesamtkunstwerk) que aunase música, poesía, filosofía, escenografía, etc.
(Tannhäuser, 1845; Lohengrin, 1850; Tristán e Isolda, 1865; Parsifal, 1882).117

La danza romántica recuperó el gusto por los bailes populares, las danzas
folclóricas, muchas de las cuales sacó del olvido. Surgió el clásico vestuario de
ballet (el tutú), aparecido por vez primera en el Ballet de las Monjas de Robert le
Diable (1831), de Giacomo Meyerbeer. Se empezó a componer música puramente para
ballet, destacando Coppélia (1870), de Léo Delibes. En el aspecto teórico, destacó
la figura del coreógrafo Carlo Blasis, principal creador del ballet moderno en
cuanto codificó todos los aspectos técnicos concernientes a la danza: en El código
de Terpsícore (1820) relacionó la danza con las otras artes, efectuando estudios de
anatomía y movimientos corporales, ampliando el vocabulario relativo a la danza, y
distinguiendo varios tipos de bailarines según su físico. También introdujo el
baile sobre las puntas de los pies, en el que destacaron Maria Taglioni y Fanny
Elssler. En bailes populares, continuó la moda del vals, y aparecieron la mazurca y
la polca.118

La pesadilla (1781), de Johann Heinrich Füssli, Detroit Institute of Arts.

La balsa de la Medusa (1819), de Théodore Géricault, Museo del Louvre.

La Marsellesa (1832), de François Rude, Arco de Triunfo de París.

Primera página de la Quinta sinfonía (1808), de Ludwig van Beethoven.

Realismo
Artículo principal: Realismo pictórico

El Ángelus (1857), de Jean-François Millet, Museo de Orsay, París.

Desde mediados de siglo surgió una tendencia que puso énfasis en la realidad, la
descripción del mundo circundante, especialmente de obreros y campesinos en el
nuevo marco de la era industrial, con un cierto componente de denuncia social,
ligado a movimientos políticos como el socialismo utópico.

En pintura destacaron Camille Corot, Gustave Courbet, Jean-François Millet, Honoré

Daumier, Adolph von Menzel, Hans Thoma, Ilya Repin y Marià Fortuny. Ligado al
realismo estuvieron dos escuelas paisajísticas: la francesa de Barbizon (Théodore
Rousseau, Charles-François Daubigny, Narcisse-Virgile Díaz de la Peña), marcada por
un sentimiento panteísta de la naturaleza; y la italiana de los Macchiaioli
(Silvestro Lega, Giovanni Fattori, Telemaco Signorini), de corte antiacadémico,
caracterizada por el uso de manchas (macchia en italiano, de ahí el nombre del
grupo) de color y formas inacabadas, esbozadas. En Gran Bretaña surgió la escuela
de los prerrafaelitas, que se inspiraban —como su nombre indica— en los pintores
italianos anteriores a Rafael, así como en la recién surgida fotografía, destacando
Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones, John Everett Millais y Ford Madox
Brown.119

La escultura se basó igualmente en el fiel reflejo de la sociedad, con predilección

por figuras de obreros y personajes marginales. Destacan: Max Klinger, Adolf von
Hildebrand, Aimé-Jules Dalou, los hermanos Agapito y Venancio Vallmitjana, Ricardo
Bellver, Mariano Benlliure y, especialmente, Constantin Meunier, principal evocador
de la figura del proletario, con cierto aire idealizado, el obrero como héroe
moderno (El Pudelador, 1884-1888).

La literatura realista se opuso al subjetivismo romántico, defendiendo la

descripción rigurosa y detallada de la realidad, con influencia de la filosofía
positivista, que consideraba al artista como parte indisoluble de la sociedad,
siendo la obra artística un fiel reflejo de los condicionamientos sociales que
envuelven al artista. El principal formato realista fue la novela, que destacó por
un estilo naturalista que enfatizaba el aspecto cotidiano de la realidad, que era
descrita en toda su minuciosidad y fidelidad al mundo real, con descripciones
temperamentales de los personajes, de gran prospección psicológica. El autor es un
«cronista», que presenta de forma objetiva los hechos, con un elevado componente
crítico, de afán reformador. Destacan figuras como: Honoré de Balzac, Stendhal,
Gustave Flaubert, Guy de Maupassant, Émile Zola, Giovanni Verga, Giosuè Carducci,
Charles Dickens, Alfred Tennyson, las hermanas Emily, Charlotte y Anne Brontë,
George Eliot, Fiodor Dostoievski, Lev Tolstoi, Maksim Gorki, Mark Twain, Herman
Melville, Henry James, Emily Dickinson, Joseph Conrad, Benito Pérez Galdós, Pedro
Antonio de Alarcón, Marcelino Menéndez y Pelayo, Emilia Pardo Bazán, Leopoldo Alas
(Clarín), Vicente Blasco Ibáñez, Ignacio Manuel Altamirano, José María Eça de
Queirós, etc. También destacan las novelas de aventuras y suspense, como las de
Alexandre Dumas (hijo), Emilio Salgari, Jules Verne y Arthur Conan Doyle.120

Con el teatro realista nació el teatro moderno, pues sentó las bases del que sería
el teatro del siglo XX. Se puso énfasis en el naturalismo, la descripción minuciosa
de la realidad, no solo en la temática y el lenguaje, sino también en decorados,
vestuario, atrezzo, etc. La interpretación era más veraz, sin grandes
gesticulaciones ni dicción grandilocuente, como en la «representación antiteatral»
—actuar como en la vida real, como si no se estuviese en un teatro— de André
Antoine y su Théâtre Libre —donde por primera vez se iluminó sólo el escenario,
dejando al público a oscuras—. A un periodo prenaturalista corresponden Eugène
Scribe, Victorien Sardou y Eugène Labiche. Destacó especialmente el teatro nórdico,
con figuras como Björnstjerne Björnson, August Strindberg y Henrik Ibsen. Otros
autores fueron: Frank Wedekind, Anton Chejov, Adelardo López de Ayala, Manuel
Tamayo y Baus, Àngel Guimerà, etc.121

E lucevan le stelle
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Acto III de Tosca, ópera de Giacomo Puccini.
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En el terreno de la música, en paralelo al realismo surgió el llamado nacionalismo
musical, que supuso el renacer de diversas regiones europeas hasta entonces poco
destacadas culturalmente. Heredero de las formas musicales románticas, se
revalorizó el folclore y la música popular como portadores de ancestrales valores
culturales de todos los pueblos. Destacaron figuras como: Mijaíl Glinka, Modest
Músorgski, Aleksandr Borodín, Nikolái Rimski-Kórsakov y Piotr Chaikovski en Rusia;
Antonín Dvořák, Bedřich Smetana y Leoš Janáček en Checoslovaquia; Jean Sibelius en
Finlandia; Edvard Grieg en Noruega; Carl Nielsen en Dinamarca; Karol Szymanowski en
Polonia; Béla Bartók y Zoltán Kodály en Hungría; Edward Elgar y Ralph Vaughan
Williams en Gran Bretaña; Isaac Albéniz, Enrique Granados y Manuel de Falla en
España. También en América surgieron las primeras escuelas nacionales: John Philip
Sousa en Estados Unidos; Heitor Villa-Lobos en Brasil; Manuel María Ponce en
México; Guillermo Uribe en Colombia; Próspero Bisquertt en Chile; Juan Bautista
Plaza en Venezuela; Amadeo Roldán en Cuba; y Eduardo Fabini en Uruguay. En ópera,
el verismo italiano buscaba en igual medida reflejar la realidad, con argumentos
más populares, en ambientes rurales y proletarios, donde los protagonistas son
personajes corrientes. Está representado por Arrigo Boito, Amilcare Ponchielli,
Ruggero Leoncavallo, Umberto Giordano y, principalmente, Giacomo Puccini (La
bohème, 1896; Tosca, 1900; Madama Butterfly, 1903).122

En la danza, el centro geográfico en cuanto a creación e innovación pasó de París a

San Petersburgo, donde el Ballet Imperial alcanzó cotas de gran brillantez, con un
centro neurálgico en el Teatro Mariinski —y, posteriormente, en el Bol'šoj de Moscú
—. La figura principal en la conformación del ballet ruso fue Marius Petipa, que
introdujo un tipo de coreografía narrativa donde es la propia danza la que cuenta
la historia. Hizo ballets más largos, de hasta cinco actos, convirtiendo el ballet
en un gran espectáculo, con deslumbrantes puestas en escena, destacando su
colaboración con Chaikovski en tres obras excepcionales: La bella durmiente (1889),
El cascanueces (1893) y El lago de los cisnes (1895). A nivel popular, el baile más
famoso de la época fue el cancán, mientras que en España surgieron la habanera y el
chotis.123

Entierro en Ornans (1849), de Gustave Courbet, Museo de Orsay, París.

Ecce Ancilla Domini (1850), de Dante Gabriel Rossetti, Tate Gallery, Londres.

El Pudelador (1884-1888), de Constantin Meunier, Museos Reales de Bellas Artes de

Bélgica.

Representación de El cascanueces, de Piotr Chaikovski.

Impresionismo

Impresión, sol naciente (1872-1873), de Claude Monet, Museo Marmottan Monet, París.
Cuadro al que debe su nombre el movimiento.
Impresionismo: fue un movimiento profundamente innovador, que supuso una ruptura
con el arte académico y una transformación del lenguaje artístico, iniciando el
camino hacia los movimientos de vanguardia. Los impresionistas se inspiraban en la
naturaleza, de la que pretendían captar una «impresión» visual, la plasmación de un
instante en el lienzo —por influjo de la fotografía—, con una técnica de pincelada
suelta y tonos claros y luminosos, valorando especialmente la luz. Surgió una nueva
temática, derivada de la nueva forma de observar el mundo: junto a los paisajes y
marinas, aparecen vistas urbanas y nocturnas, interiores con luz artificial,
escenas de cabaré, circo y music-hall, personajes de la bohemia, mendigos,
marginados, etc. Cabe mencionar como principales representantes a Édouard Manet —
considerado un precursor—, Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Pierre-
Auguste Renoir y Edgar Degas. Igual de renovador fue en el terreno de la escultura
el papel de Auguste Rodin, que sentó las bases de la escultura del siglo XX (El
pensador, 1880-1900; Los burgueses de Calais, 1884-1886). También destacó Medardo
Rosso, que conduciría la escultura hacia la desintegración de la forma.
Neoimpresionismo: evolucionando desde el impresionismo, los neoimpresionistas se
preocuparon más de los fenómenos ópticos, desarrollando la técnica del puntillismo,
consistente en componer la obra mediante una serie de puntos de colores puros, que
se colocan junto a otros de colores complementarios, fusionándose en la retina del
espectador en un nuevo tono. Sus principales representantes fueron Georges Seurat y
Paul Signac. Otra variante fue el divisionismo, surgido en Italia en ambientes de
inconformismo social cercanos al anarquismo. Esta técnica se caracteriza por la
proximidad de colores descompuestos, con largas pinceladas que, observadas a larga
distancia, producen un efecto de composición. Este estilo fue practicado
principalmente por Giovanni Segantini, Giuseppe Pellizza da Volpedo y Gaetano
Previati, e influyó en el futurismo italiano.
Postimpresionismo: fueron una serie de artistas que, partiendo de los nuevos
hallazgos técnicos efectuados por los impresionistas, los reinterpretaron de manera
personal, abriendo distintas vías de desarrollo de suma importancia para la
evolución del arte en el siglo XX. Así, más que un determinado estilo, el
postimpresionismo fue una forma de agrupar a diversos artistas de distinto signo:
Henri de Toulouse-Lautrec, autor de escenas de circo y cabaret esbozadas con
rápidos apuntes del natural; Paul Gauguin experimentó con la profundidad dando un
nuevo valor al plano pictórico, con colores planos de carácter simbólico; Paul
Cézanne estructuraba la composición en formas geométricas (cilindro, cono y
esfera), en una síntesis analítica de la realidad precursora del cubismo; Vincent
van Gogh fue autor de obras de fuerte dramatismo y prospección interior, con
pinceladas sinuosas y densas, de intenso colorido, deformando la realidad, a la que
otorgó un aire onírico. En España podemos reseñar a Joaquín Sorolla, autor de
escenas populares donde destaca la utilización de la luz.124
En paralelo a la pintura, la música impresionista hace primar la armonía sobre la
melodía, igual que en la pintura prevalece el color sobre la línea. Se deja al
espectador la reconstrucción de una composición musical, hecha a base de partes, de
sugerencias. Su principal representante, Claude Debussy, rechazó el cromatismo
tónico, introduciendo nuevos acordes de cinco y seis tonos, opuestos a las escalas
habituales. Frente a la melodía continua wagneriana, volvió a la tonalidad
estática, aquietando la armonía y potenciando la textura, la tímbrica, la
irregularidad rítmica (Preludio a la siesta de un fauno, 1894). Maurice Ravel
retornó a la expresión lineal, aunque con notas y acordes algo fuera de contexto
(Bolero, 1928). Otros representantes fueron Paul Dukas y Florent Schmitt.125

Clase de baile (1875), de Edgar Degas, Musée d'Orsay, París.

Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte (1884), de Georges Pierre Seurat,

Instituto de Arte de Chicago.

Los girasoles (1888), de Vincent van Gogh, Neue Pinakothek, Múnich.

El pensador (1902), de Auguste Rodin.

Simbolismo
Artículos principales: Simbolismo y Pintura simbolista.

El beso (1908), de Gustav Klimt, Österreichische Galerie Belvedere (Viena).

Estilo de corte fantástico y onírico, surgió como reacción al naturalismo de la
corriente realista e impresionista, poniendo especial énfasis en el mundo de los
sueños, así como en aspectos satánicos y terroríficos, el sexo y la perversión. Una
característica principal del simbolismo fue el esteticismo, reacción al
utilitarismo imperante en la época y a la fealdad y materialismo de la era
industrial. Frente a ello, el simbolismo otorgó al arte y a la belleza una
autonomía propia, sintetizada en la fórmula de Théophile Gautier «el arte por el
arte» (L'art pour l'art), llegando incluso a hablarse de «religión estética». La
belleza se alejó de cualquier componente moral, convirtiéndose en el fin último del
artista, que llega a vivir su propia vida como una obra de arte —como se puede
apreciar en la figura del dandy—. Destacaron: Gustave Moreau, Odilon Redon, Pierre
Puvis de Chavannes, James McNeill Whistler, Lawrence Alma-Tadema, Arnold Böcklin,
Ferdinand Hodler y Gustav Klimt, así como el grupo de los Nabis (Maurice Denis,
Paul Sérusier, Pierre Bonnard, Félix Vallotton y el escultor Aristide Maillol).
Ligado al simbolismo estuvo también el llamado arte naïf, cuyos autores eran
autodidactas, con una composición algo ingenua y desestructurada, instintiva, con
cierto primitivismo, aunque plenamente consciente y expresiva (Henri Rousseau,
Séraphine Louis, Grandma Moses).126

La literatura simbolista destacó por su esteticismo y decadentismo, llevando la

sensibilidad romántica a la exageración, sobre todo en el gusto por lo morboso y
terrorífico, surgiendo una «estética del mal», apreciable en la atracción por el
satanismo, la magia y los fenómenos paranormales, o la fascinación por el vicio y
las desviaciones sexuales. Los escritores se apartan del mundo y las convenciones
sociales, surgiendo la figura del «poeta maldito». Su principal vehículo de
expresión fue la poesía, que era elaborada, formalmente exigente, con un sentido
rítmico casi musical, con un lenguaje evocador y sugerente, simbólico, destacando
su carácter polisémico. Tuvo un antecedente en el parnasianismo de Leconte de
Lisle, José María de Heredia y Charles Baudelaire, destacando posteriormente
autores como Oscar Wilde, Algernon Charles Swinburne, Arthur Rimbaud, Paul
Verlaine, Stéphane Mallarmé, el Conde de Lautréamont, Jean Moréas, Anatole France,
Frédéric Mistral, Joris-Karl Huysmans, Walt Whitman, Dmitri Serguéievich
Merezhkovski, etc.127

El teatro simbolista recibió la influencia del «espectáculo total» wagneriano,

destacando por un lenguaje de fuerte trasfondo metafísico y trascendente, buscando
la esencia humana a través de la intuición y la meditación, con preferencia por los
temas míticos y las leyendas, de influjo esotérico y teosófico. Destacaron Auguste
Villiers de l'Isle-Adam, Paul Claudel, Maurice Maeterlinck y Émile Verhaeren.128 En
música, Gabriel Fauré innovó con un lenguaje sonoro preciosista, minucioso y
personal, en la línea de la poesía simbolista. Hizo una música estática, difusa, de
armonías líquidas, dando importancia a los instrumentos solistas: La buena canción
(1892), sobre poemas de Verlaine.

Júpiter y Sémele (1894-1895), de Gustave Moreau, Museo Gustave Moreau, París.

Las rosas de Heliogábalo (1888), de Lawrence Alma-Tadema, colección particular,

México.

La noche (1902), de Aristide Maillol, Schlossplatz, Stuttgart.

Oscar Wilde.

Modernismo
Artículo principal: Modernismo (arte)

El valle de los naranjos, Biniaraix (Mallorca) (1901), de Santiago Rusiñol.

En paralelo a la arquitectura, el modernismonota 15 también se desarrolló en
pintura, surgiendo una notable escuela en Cataluña, con artistas como Ramon Casas y
Santiago Rusiñol, con un estilo caracterizado por una temática naturalista de
ambiente sombrío, con una cierta influencia del impresionismo francés. Más tarde se
recibió la influencia del simbolismo, practicado por el mismo Rusiñol y por
artistas como Alexandre de Riquer, Adrià Gual y Joan Llimona. En escultura cabe
mencionar a Eusebi Arnau, Josep Llimona y Miguel Blay. En un llamado
«posmodernismo»nota 16 se encuentran nombres como Isidre Nonell y Joaquim Mir, así
como hallamos la presencia de un joven Pablo Picasso, que se adentró en el ambiente
modernista alrededor del año 1900, hecho que supuso un cambio en su trayectoria y
su adscripción al arte de vanguardia, como podemos ver en su etapa fauvista (1900-
1901) y en el simbolismo de la «época azul» (1901-1904), para desembocar finalmente
en el cubismo.

En el resto de Europa, la pintura modernista estuvo muy ligada al mundo del diseño
y la ilustración, especialmente al cartelismo, nuevo género artístico a caballo
entre la pintura y las artes gráficas, ya que se basaba en un diseño realizado por
un pintor o ilustrador, para ser luego reproducido en serie. En su génesis fue
determinante el aspecto publicitario del cartel, aunque pronto se dedicó también a
la divulgación de eventos y a la propaganda política e institucional. Entre los
diversos artistas dedicados a la pintura o el cartel conviene recordar a Alfons
Mucha, Aubrey Beardsley, Jan Toorop, Fernand Khnopff, etc.

El modernismo, por su carácter ornamental, supuso una gran revitalización de las

artes aplicadas, especialmente la carpintería, la forja, la vidriería, la cerámica,
el moldeado en yeso, la impresión (libros, revistas, postales), la joyería, el
mosaico, etc.129 A ello ayudaron los nuevos procedimientos industriales, que
permitían la fabricación en serie. Cobró especial relevancia el diseño, el proceso
creador del artista, que materializa su creación en el bosquejo de la obra, que
puede ser luego realizada por diversos artesanos. Entre sus principales artífices
destacaron Émile Gallé (ceramista y vidriero), René Lalique (orfebre), Koloman
Moser (diseñador), Louis Comfort Tiffany (joyero y vidriero), Gaspar Homar
(ebanista), etc. También tuvo especial relevancia el movimiento inglés Arts and
Crafts («Artes y Oficios»), promovido por John Ruskin y William Morris, que
defendía una revalorización del trabajo artesanal y propugnaba el retorno a las
formas tradicionales de fabricación, estipulando que el arte debe ser tan útil como
bello.130

En literatura, se suele vincular el modernismo a la obra del nicaragüense Rubén

Darío, inaugurador de las letras modernas españolas con un lenguaje esteticista de
gran riqueza formal, de influjo simbolista. Otros exponentes fueron el cubano José
Martí, el mexicano Amado Nervo, el peruano José Santos Chocano, el argentino
Leopoldo Lugones y el colombiano José Asunción Silva, así como los españoles
Salvador Rueda y Eduardo Marquina. Con el mismo afán modernizador podemos situar
también aquí la denominada Generación del 98 que, frente al pesimismo por la
pérdida de las últimas colonias españolas, supuso un gran impulso en la renovación
de la literatura española, especialmente en cuanto a contenido. Destacaron autores
como Ramón María del Valle-Inclán, Antonio Machado, Jacinto Benavente, Juan Ramón
Jiménez, Azorín, Pío Baroja, Miguel de Unamuno, Ramiro de Maeztu, Ramón Menéndez
Pidal, etc. En Cataluña se dio el movimiento de la Renaixença, destacando Jacinto
Verdaguer y Joan Maragall, mientras que en Galicia el Rexurdimento contó con
figuras como Manuel Curros Enríquez y Eduardo Pondal.131

La carga (1899), de Ramon Casas, MNCARS, Madrid.

El Ángel Exterminador (1895), de Josep Llimona, cementerio de Comillas (Cantabria).

Biscuits Lefèvre-Utile (1896), litografía de Alfons Mucha.

Tiara con forma de gallo, de René Lalique.

Fotografía
Artículo principal: Historia de la fotografía

Isla Pagoda en la desembocadura del río Min (1870), de John Thomson. La fotografía
supuso una gran revolución a la hora de concebir el arte en el siglo XIX y el XX.
En el siglo XIX apareció una nueva tecnología que permitía captar imágenes del
natural, a través del principio de la cámara oscura. Pese a ser una realización
puramente técnica, pronto se vislumbró la artisticidad de este nuevo medio, pues la
obra resultante podía ser considerada artística en cuanto suponía la intervención
de la creatividad de la persona que capta la imagen, derivada de la labor de
percepción, diseño y narratividad efectuada en la toma de la imagen. Así, pronto la
fotografía pasó a ser considerada una de las artes, concretamente la octava.nota 17

Esta nueva técnica comenzó con las investigaciones de Joseph Nicéphore Niépce, que
logró la primera fotografía en 1816, en negativo sobre papel, a partir de donde se
fueron perfeccionando los procedimientos técnicos para su captación y reproducción.
La construcción del daguerrotipo por Louis-Jacques-Mandé Daguerre supuso un nuevo
adelanto, consiguiendo impresionar placas metálicas y fijar la imagen con un baño
de sal y mercurio. Otro de los pioneros fue William Henry Fox Talbot, que en 1835
inventó el negativo, que permitía sacar diversas copias de la imagen obtenida.
Hippolyte Bayard logró en 1840 la fotografía en positivo directo. Otro precursor,
John Frederick William Herschel, fue el creador del término fotografía, así como
negativo y positivo, e instantánea cuando se redujo el tiempo de exposición (25/100
de segundo). En 1888 George Eastman lanzó la película de celuloide y el aparato
Kodak, pequeña cámara cargada con 100 clichés. La primera fotografía en color fue
obtenida por James Clerk Maxwell en 1861; sin embargo, la primera placa fotográfica
en color (Autochrome) no llegó a los mercados hasta 1907.

A partir de entonces la fotografía se popularizó, ya que era un medio que no

requería grandes cualidades personales, simplemente el dominio de la técnica,
apareciendo numerosos aficionados que se lanzaron a plasmar el mundo en imágenes.
Surgieron los primeros estudios y laboratorios fotográficos, dedicados en principio
sobre todo al retrato, aunque posteriormente a todo tipo de eventos y a imágenes
del natural. También apareció la fotomecánica y las primeras publicaciones
ilustradas, siendo pioneros los álbumes de Excursions Daguerriennes (1841-1842) y,
como primer libro ilustrado, Pencil of Nature (1844), de Fox Talbot. Igualmente
apareció la fotografía documental, especialmente en cuanto a la plasmación de
conflictos bélicos, siendo las guerras de Crimea y de Secesión americana las
primeras en ser retratadas.

A finales de siglo se empezó a considerar la fotografía como un arte, surgiendo el

pictorialismo como primer movimiento artístico fotográfico; este tenía la
pretensión de hacer fotografías con una composición de tipo pictórico, con
influencia del impresionismo. Entre los fotógrafos más destacados del siglo XIX se
puede citar a Gaspard-Félix Tournachon, Louis Désiré Blanquart-Evrard, André
Adolphe Eugène Disdéri, David Octavius Hill, John Thomson, Julia Margaret Cameron,
Oscar Gustav Rejlander, Eadweard Muybridge, Étienne-Jules Marey, Jacob August Riis,
etc.132

Siglo XX
Artículo principal: Arte del siglo XX

Fuente, de Marcel Duchamp. El siglo XX ha supuesto una pérdida del concepto de

belleza clásica para conseguir un mayor efecto en el diálogo artista-espectador.
El arte del siglo XX experimentó una profunda transformación: en una sociedad más
materialista, más consumista, el arte se dirige a los sentidos, no al intelecto.
Igualmente, ha cobrado especial relevancia el concepto de moda, una combinación
entre la rapidez de las comunicaciones y el aspecto consumista de la civilización
actual. Surgieron así los movimientos de vanguardia, que pretendían integrar el
arte en la sociedad, buscando una mayor interrelación artista-espectador, ya que es
este último el que interpreta la obra, pudiendo descubrir significados que el
artista ni conocía. Las últimas tendencias artísticas han perdido incluso el
interés por el objeto artístico: el arte tradicional era un arte de objeto, el
actual de concepto. Hay una revalorización del arte activo, de la acción, de la
manifestación espontánea, efímera, del arte no comercial (arte conceptual,
happening, environment).133

Arquitectura
Artículo principal: Arquitectura del siglo XX
Casa de la Cascada (1939), de Frank Lloyd Wright, Bear Run, Pensilvania.
La arquitectura ha sufrido una profunda transformación desde las formas
tradicionales hasta los movimientos de vanguardia, que han supuesto un nuevo
concepto constructivo basado en una idea más racional del espacio, estructurado de
forma más depurada y funcional, con especial atención a las nuevas tecnologías y a
su ubicación medioambiental. Ha cobrado gran importancia el urbanismo, fomentado
por el nuevo aspecto consumista de la civilización occidental, a la vez que el auge
de las comunicaciones ha derivado en un desarrollo de los estudios de ingeniería
aplicados a la arquitectura.

La arquitectura del siglo XX ha tenido un desarrollo independiente del resto de las

artes, aunque en ocasiones ha ido en paralelo a algún determinado movimiento
artístico. Tenemos así la arquitectura expresionista, caracterizada por el uso de
nuevos materiales y su fabricación en masa (ladrillo, acero, vidrio), con nombres
como Bruno Taut, Erich Mendelsohn, Hans Poelzig y Fritz Höger. El futurismo también
tuvo alguna manifestación arquitectónica, aunque lo utópico de sus formulaciones
impidió en muchos casos su realización material; destaca la obra de Antonio
Sant'Elia. En el neoplasticismo neerlandés tenemos la obra de Jacobus Johannes
Pieter Oud, Gerrit Thomas Rietveld y Truus Schröder. Por último, cabe reseñar la
vertiente arquitectónica del constructivismo ruso, donde se inició un programa
ligado a la revolución que buscaba una arquitectura funcional que satisficiese las
necesidades reales de la población; estuvo representado principalmente por
Konstantin Melnikov.

Pero la principal tendencia artística del siglo XX ha sido el racionalismo (1920-

1950) —también llamado «Estilo Internacional»—, representado fundamentalmente por
la Escuela de la Bauhaus. Esta corriente buscaba una arquitectura fundamentada en
la razón, de líneas sencillas y funcionales, basadas en formas geométricas simples
y materiales de orden industrial (ladrillo, acero, hormigón, vidrio), renunciando a
la ornamentación excesiva y otorgando gran importancia al diseño, que es igualmente
sencillo y funcional. Entre sus figuras sobresalen: Walter Gropius, Ludwig Mies van
der Rohe, Le Corbusier, José Luis Sert, Frank Lloyd Wright, Eliel Saarinen, Oscar
Niemeyer, Alvar Aalto, etc.

Entre las últimas tendencias arquitectónicas se ha producido una gran diversidad de

estilos y movimientos, como en el resto de artes plásticas: en los años 1950 surgió
el denominado brutalismo en paralelo al expresionismo abstracto, caracterizado por
las formas austeras, basadas en la pureza del material, primando la estructura
sobre el acabado (Alison y Peter Smithson, Louis Kahn y Anne Tyng); el metabolismo
japonés respondía a las necesidades de una sociedad masificada, con grandes
escalas, estructuras flexibles y formas orgánicas (Kenzō Tange, Kishō Kurokawa); la
arquitectura pop destacó el carácter urbano y las tipologías populares, tomando
como referencia los ambientes nocturnos de Las Vegas, con sus luces de neón y su
escenografía decorativista (Robert Venturi, Denise Scott Brown); el llamado «diseño
científico y estructural» puso énfasis en las nuevas posibilidades de la técnica,
especialmente el uso de hormigón y las formas orgánicas (Félix Candela, Pier Luigi
Nervi, Frei Otto, Jørn Utzon, Eero Saarinen, Richard Buckminster Fuller); en los
años 1960 apareció el high-tech, basado en las posibilidades otorgadas por las
nuevas tecnologías, tanto a nivel práctico como estético (Norman Foster, Richard
Rogers, Renzo Piano); entre los años 1960 y 1970 surgió el antidiseño, opuesto al
racionalismo y a la primacía del diseño sobre la función social y cultural de la
arquitectura, representado por el grupo inglés Archigram y los italianos Archizoom
y Superstudio; el neorracionalismo supuso en los años 1970 el retorno a las
premisas funcionalistas, representado por el grupo italiano Tendenza y el
estadounidense Five Architects; desde 1975 se ha desarrollado la arquitectura
posmoderna, que como en las otras artes se basa en el eclecticismo y la
reinterpretación de estilos anteriores (James Stirling, Aldo Rossi, Ricardo Bofill,
Arata Isozaki); en los años 1980 se dio el deconstructivismo, caracterizado por la
fragmentación, el proceso de diseño no lineal y la manipulación de las estructuras
(Frank Gehry, Peter Eisenman, Rem Koolhaas). Entre otros arquitectos contemporáneos
conviene destacar igualmente a Jean Nouvel, Glenn Murcutt, Peter Zumthor, Jacques
Herzog, Pierre de Meuron, Sverre Fehn, Ieoh Ming Pei, Zaha Hadid, Santiago
Calatrava, Rafael Moneo, Luis Barragán, Álvaro Siza, etc.134

Pabellón de Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona (1929), obra de

Ludwig Mies van der Rohe.

Corte Suprema de Chandigarh (1952), de Le Corbusier.

Ópera de Sídney (1956), de Jørn Utzon.

Pabellón estadounidense de la Expo 67, de Richard Buckminster Fuller, llamado

actualmente Biosphère, en Île Sainte-Hélène, Montreal.

Vanguardismo
Artículo principal: Vanguardismo

Formas únicas de continuidad en el espacio (1913), de Umberto Boccioni, Galleria

d'Arte Moderna, Milán.
En los primeros años del siglo XX se forjaron las bases del llamado arte de
vanguardia: el concepto de realidad fue cuestionado por las nuevas teorías
científicas (la subjetividad del tiempo de Bergson, la relatividad de Einstein, la
mecánica cuántica); también influyó la teoría del psicoanálisis de Freud. Por otra
parte, las nuevas tecnologías provocaron que el arte cambiase de función, ya que la
fotografía y el cine ya se encargaban de plasmar la realidad. Gracias a las
colecciones etnográficas fomentadas por el colonialismo europeo los artistas
tuvieron contacto con el arte de otras civilizaciones (africano, asiático,
oceánico), que aportó una visión más subjetiva y emotiva del arte. Todos estos
factores comportaron un cambio de sensibilidad que se tradujo en la búsqueda de
nuevas formas de expresión por parte del artista.

Fauvismo (1905-1908): primer movimiento vanguardistanota 18 del siglo XX, el

fauvismo supuso una experimentación en el terreno del color, que es concebido de
modo subjetivo y personal, aplicándole valores emotivos y expresivos,
independientes respecto a la naturaleza. Destacan Henri Matisse, Albert Marquet,
Raoul Dufy, André Derain, Maurice de Vlaminck y Kees van Dongen.
Expresionismo (1905-1923): surgido como reacción al impresionismo, los
expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la
visión interior del artista —la «expresión»— frente a la plasmación de la realidad
—la «impresión»—, reflejando en sus obras una temática personal e intimista con
gusto por lo fantástico, deformando la realidad para acentuar el carácter expresivo
de la obra. Con precedentes en las figuras de Edvard Munch y James Ensor, se formó
principalmente en torno a dos grupos: Die Brücke (Ernst Ludwig Kirchner, Erich
Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, Emil Nolde), y Der Blaue Reiter (Vasili Kandinski,
Franz Marc, August Macke, Paul Klee). Otros exponentes fueron el Grupo de Viena
(Egon Schiele, Oskar Kokoschka) y la Escuela de París (Amedeo Modigliani, Marc
Chagall, Georges Rouault, Chaïm Soutine). Figuras individuales serían: José
Gutiérrez Solana, Constant Permeke, Cândido Portinari, Oswaldo Guayasamín, etc.
También se suele considerar como una derivación del expresionismo el grupo Nueva
Objetividad (George Grosz, Otto Dix, Max Beckmann). En México tuvo su expresión en
el muralismo de José Clemente Orozco, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros135 y
Rufino Tamayo, e influyó en la obra de Frida Kahlo. En escultura destacaron Ernst
Barlach, Wilhelm Lehmbruck y Käthe Kollwitz.
Cubismo (1907-1914): este movimiento se basó en la deformación de la realidad
mediante la destrucción de la perspectiva espacial de origen renacentista,
organizando el espacio de acuerdo con una trama geométrica, con visión simultánea
de los objetos, una gama de colores fríos y apagados, y una nueva concepción de la
obra de arte, con la introducción del collage. La figura principal de este
movimiento fue Pablo Picasso, uno de los grandes genios del siglo XX, junto a
Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Juan Gris y Fernand Léger, así como
Alexander Archipenko, Jacques Lipchitz, Pablo Gargallo y Julio González en
escultura. Una derivación del cubismo fue el orfismo de Robert Delaunay, así como
el rayonismo ruso, síntesis de cubismo, futurismo y orfismo (Mijaíl Larionov,
Natalia Goncharova). Igualmente, el purismo fue un movimiento poscubista (Amédée
Ozenfant, Le Corbusier).
Futurismo (1909-1930): movimiento italiano que exaltó los valores del progreso
técnico e industrial del siglo XX, destacando aspectos de la realidad como el
movimiento, la velocidad y la simultaneidad de la acción. El futurismo aspiraba a
transformar el mundo, a cambiar la vida, mostrando un concepto idealista y algo
utópico del arte como motor de la sociedad. Fue el primer movimiento que se
proclamó con un manifiesto (redactado por Filippo Tommaso Marinetti), sello
distintivo de los futuros movimientos de vanguardia, que denotaba además la
interrelación entre las diversas artes. Destacan en pintura Giacomo Balla y Gino
Severini, y Umberto Boccioni en escultura.136
Arte abstracto (1910-1932): cuestionado el concepto de realidad por las nuevas
teorías científicas, y con el surgimiento de nuevas tecnologías como la fotografía
y el cine, que ya se encargaban de plasmar la realidad, se produjo la génesis del
arte abstracto: el artista ya no intenta reflejar la realidad, sino su mundo
interior, expresar sus sentimientos. El arte pierde todo aspecto real y de
imitación de la naturaleza para centrarse en la simple expresividad del artista, en
formas y colores que carecen de cualquier componente referencial. Iniciado por
Vasili Kandinski, fue desarrollado por el movimiento neoplasticista (De Stijl), con
figuras como Piet Mondrian y Theo Van Doesburg en pintura, y Georges Vantongerloo
en escultura.
Constructivismo (1914-1930): surgido en la Rusia revolucionaria, fue un estilo
comprometido políticamente que pretendía a través del arte realizar una
transformación de la sociedad, mediante una reflexión sobre las formas puras
artísticas concebidas desde aspectos como el espacio y el tiempo, que generan una
serie de obras de estilo abstracto, con tendencia a la geometrización. Destacan
Vladimir Tatlin, Lissitzky, Anton Pevsner y Naum Gabo. Una variante fue el
suprematismo de Kasimir Malevich.
Dadaísmo (1916-1922): movimiento de reacción a los desastres de la guerra, el
dadaísmo supuso un planteamiento radical del concepto de arte, que pierde cualquier
componente basado en la lógica y la razón, reivindicando la duda, el azar, lo
absurdo de la existencia. Esto se traduce en un lenguaje subversivo, donde se
cuestionan tanto las temáticas como las técnicas tradicionales del arte,
experimentando con nuevos materiales y nuevas formas de composición, como el
collage, el fotomontaje y los ready-made. Destacan Hans Arp, Francis Picabia, Kurt
Schwitters y Marcel Duchamp.
Surrealismo (1924-1955): con un claro precedente en la pintura metafísica (Giorgio
de Chirico, Carlo Carrà), el surrealismonota 19 puso especial énfasis en la
imaginación, la fantasía, el mundo de los sueños, con una fuerte influencia del
psicoanálisis, como se percibe en su concepto de «escritura automática», por la que
intentan expresarse liberando su mente de cualquier atadura racional, mostrar la
pureza del inconsciente. La pintura surrealista se movió entre la figuración
(Salvador Dalí, Paul Delvaux, René Magritte, Max Ernst) y la abstracción (Joan
Miró, André Masson, Yves Tanguy). En escultura destacan Henry Moore, Constantin
Brâncuşi, Alberto Giacometti y Alexander Calder.137

Fränzi ante una silla tallada (1910), de Ernst Ludwig Kirchner, Museo Thyssen-
Bornemisza, Madrid.

Retrato de Picasso (1912), de Juan Gris, Instituto de Arte de Chicago.

Composición VII (Las Tres Gracias) (1917), de Theo van Doesburg, Mildred Lane
Kemper Art Museum, Saint Louis, Missouri.

Family Group (1950), de Henry Moore, Stevenage (Hertfordshire).

Últimas tendencias

Elogio del agua (1987), de Eduardo Chillida, Parque de la Creueta del Coll,
Barcelona.
Desde la Segunda Guerra Mundial el arte ha experimentado una vertiginosa dinámica
evolutiva, con estilos y movimientos que se suceden cada vez más rápido en el
tiempo. El proyecto moderno originado con las vanguardias históricas llegó a su
culminación con diversos estilos antimátericos que destacaban el origen intelectual
del arte por sobre su realización material, como el arte de acción y el arte
conceptual. Alcanzado ese nivel de prospección analítica del arte, se produjo el
efecto inverso —como suele ser habitual en la historia del arte, donde los diversos
estilos se enfrentan y se contraponen, el rigor de unos sucede al exceso de otros,
y viceversa—, retornando a las formas clásicas del arte, aceptando su componente
material y estético, y renunciando a su carácter revolucionario y transformador de
la sociedad. Surgió así el arte postmoderno, donde el artista transita sin pudor
entre diversas técnicas y estilos, sin carácter reivindicativo, volviendo al
trabajo artesanal como esencia del artista. Por último, hay que remarcar a finales
de siglo la aparición de nuevas técnicas y soportes en el terreno del arte: video,
informática, internet, láser, holografía, etc.138

Informalismo (1945-1960): conjunto de tendencias basadas en la expresividad del

artista, renunciando a cualquier aspecto racional del arte (estructura,
composición, aplicación preconcebida del color). Es un arte eminentemente
abstracto, donde cobra relevancia el soporte material de la obra, que asume el
protagonismo por encima de cualquier temática o composición. Incluye diversas
corrientes como el tachismo, el art brut y la pintura matérica. Destacan Georges
Mathieu, Hans Hartung, Jean Fautrier, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, etc. En España
surgieron los grupos El Paso (Antonio Saura, Manolo Millares) y Dau al set (Antoni
Tàpies, Modest Cuixart). En escultura cabe citar a Jorge Oteiza y Eduardo Chillida.
En Estados Unidos se desarrolló el expresionismo abstracto —también llamado action
painting—, caracterizado por la utilización de la técnica del dripping, el
chorreado de pintura sobre la tela, sobre la que intervenía el artista con diversos
utensilios o con su propio cuerpo. Entre sus miembros figuran Jackson Pollock, Mark
Rothko, Franz Kline y Willem de Kooning.
Nueva figuración (1945-1960): como reacción a la abstracción informalista surgió un
movimiento que recuperó la figuración, con cierta influencia expresionista y con
total libertad de composición. Aunque se basaban en la figuración no quiere decir
que ésta fuese realista, sino que podía ser deformada o esquematizada a gusto del
artista. En la génesis de este estilo tuvo decisiva influencia la filosofía
existencialista y su visión pesimista del ser humano, y entroncaron con el
movimiento beat y los angry young men. Entre sus figuras se puede mencionar a
Francis Bacon, Lucian Freud, Bernard Buffet, Nicolas de Staël y los miembros del
grupo CoBrA (Karel Appel, Asger Jorn, Corneille y Pierre Alechinsky), así como
Germaine Richier y Fernando Botero en escultura.
Arte cinético (desde 1950): también llamado op-art (arte óptico), es un estilo que
pone énfasis en el aspecto visual del arte, especialmente en los efectos ópticos,
que son producidos bien por ilusiones ópticas (figuras ambiguas, imágenes
persistentes, efecto de moiré), bien mediante el movimiento o los juegos de luces.
Es un arte abstracto pero racional, compositivo, al contrario que el informalismo.
Destacan Victor Vasarely, Jesús Rafael Soto, Yaacov Agam, Julio Le Parc, Eusebio
Sempere, etc.
Pop art (1955-1970): surgió en Estados Unidos como movimiento de rechazo al
expresionismo abstracto, englobando una serie de autores que retornaron a la
figuración, con un marcado componente de inspiración popular, tomando imágenes del
mundo de la publicidad, la fotografía, el cómic y los medios de comunicación de
masas. Con un precedente en el llamado New Dada (Robert Rauschenberg, Jasper
Johns), destacaron en el pop art Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Tom Wesselmann,
James Rosenquist, Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton y, en escultura, Claes
Oldenburg.
Nuevo realismo (1958-1970): movimiento francés inspirado en el mundo de la realidad
circundante, del consumismo y la sociedad industrial, del que extraen —al contrario
que en el pop art— su aspecto más desagradable, con especial predilección por los
materiales detríticos. Sus representantes fueron Arman, César Baldaccini, Yves
Klein, Jean Tinguely, Piero Manzoni, Daniel Spoerri, Niki de Saint Phalle, etc.
Klein y Manzoni fueron antecedentes del arte conceptual: Klein con sus
antropometrías y sus cosmogonías (pinturas expuestas a los elementos: fuego,
lluvia) o con su exposición Vacío (1958, Galería Iris Clert), donde vendió el
espacio vacío de una galería; y Manzoni envasando sus excrementos en lata (Merda
d'artista, 1961).

¿Por qué el proceso entre Pilatos y Jesús duró solamente dos minutos? (1996), de
Wolf Vostell, Museo Vostell, Malpartida de Cáceres.
Arte de acción (desde 1960): son diversas tendencias basadas en el acto de la
creación artística, donde lo importante no es la obra en sí, sino el proceso
creador, en el que además del artista interviene a menudo el público, con un gran
componente de improvisación. Engloba diversas manifestaciones artísticas como el
happening, la performance, el environment, la instalación, etc. Entre sus figuras
destacan Joseph Beuys, Allan Kaprow, Wolf Vostell, Yoko Ono, Nam June Paik y los
grupos Fluxus y Gutai.
Minimalismo (1963-1980): con un antecedente en la Nueva abstracción o Abstracción
postpictórica (Barnett Newman, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Kenneth Noland) el
minimalismo fue una corriente que supuso un proceso de desmaterialización que
desembocaría en el arte conceptual. Son obras de carácter abstracto, de acusada
simplicidad, reducidas a un mínimo motivo, depurado al planteamiento inicial del
autor, la base sobre la que habría desarrollado la idea que, sin embargo, queda
plasmada en su fase inicial. Destacaron los pintores Robert Mangold y Robert Ryman,
y los escultores Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd y Sol LeWitt.
Hiperrealismo (desde 1965): como reacción al minimalismo surgió esta nueva
corriente figurativa, caracterizada por su visión superlativa y exagerada de la
realidad, que es plasmada con gran exactitud en todos sus detalles, con un aspecto
casi fotográfico. Destacan Chuck Close, Richard Estes, Don Eddy, John Salt, Ralph
Goings, Antonio López García y, en escultura, George Segal, famoso por sus figuras
humanas en yeso.
Arte conceptual (1965-1980): tras el despojamiento matérico del minimalismo, el
arte conceptual renunció al sustrato material para centrarse en el proceso mental
de la creación artística, afirmando que el arte está en la idea, no en el objeto.
Incluye diversas tendencias: el arte conceptual lingüístico, el más purista de la
conceptualidad, centrado en la relación arte-lenguaje (Joseph Kosuth); el arte
povera, centrado en las instalaciones, generalmente de materiales detríticos (Mario
Merz, Jannis Kounellis); el body-art, con el cuerpo humano como soporte (Gilbert
and George, Dennis Oppenheim); el land-art, que utiliza la naturaleza como soporte,
con un marcado componente efímero (Christo, Walter De Maria, Robert Smithson,
Richard Serra); el bio-art, que usa técnicas biológicas (Joe Davis, Estéfano Viu),
etc. También podrían enmarcarse en esta corriente diversos géneros de
reivindicación social como el arte feminista (Jenny Holzer, Barbara Kruger, Cindy
Sherman, Judy Chicago) y el arte homoerótico (Paul Cadmus, Robert Mapplethorpe,
Deborah Cherena).
Nuevas tecnologías (desde 1965): la aparición de nuevas tecnologías desde los años
1960 (televisión, video, informática) ha supuesto una gran revolución para el arte
no solo en cuanto a nuevos soportes y materiales, sino a nuevas formas de expresión
que han ampliado los límites del arte. El videoarte surgió en 1965 con la aparición
de la primera cámara de video portátil (la Portapak de Sony). En esta modalidad
destaca no solo su componente físico —la emisión de imágenes, generalmente en el
marco de instalaciones o performances—, sino el mensaje inherente a la imagen
filmada, fusionando el mundo de la comunicación con la cultura popular. Exponentes
de esta modalidad son Nam June Paik, Dan Sandin, Bill Viola, Tony Oursler, etc. El
sound art (o audio art) se basa en el sonido, ya sea natural, musical, tecnológico
o acústico, y se integra en el arte a través de ensamblajes, instalaciones,
performances, videoarte, etc. (Laurie Anderson, Brian Eno). La informática e
internet han supuesto igualmente un gran impulso para el arte, no solo como soporte
sino por sus nuevas posibilidades creativas y, especialmente, por su aspecto
interactivo, suponiendo una nueva forma de colaboración entre el artista y el
público (Olia Lialina, Heath Bunting, Jake Tilson).
Arte postmoderno (desde 1975): por oposición al denominado arte moderno, es el arte
propio de la postmodernidad. Asumen el fracaso de los movimientos de vanguardia
como el fracaso del proyecto moderno: las vanguardias pretendían eliminar la
distancia entre el arte y la vida, universalizar el arte; el artista postmoderno,
en cambio, es autorreferencial, el arte habla del arte, no pretenden hacer una
labor social. Destacan artistas individuales como Jeff Koons, David Salle, Jean-
Michel Basquiat, Keith Haring, Julian Schnabel, Eric Fischl, Miquel Barceló, etc.;
o también diversos movimientos como la transvanguardia italiana (Sandro Chia,
Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Nicola De Maria, Mimmo Paladino), el
neoexpresionismo alemán (Anselm Kiefer, Georg Baselitz, Jörg Immendorff, Markus
Lüpertz, Sigmar Polke), el neomanierismo, la figuración libre, etc.139

Hombre a caballo, de Fernando Botero, Museo de Israel, Jerusalén.

Liberación de 1001 globos azules, «escultura aerostática» de Yves Klein.

The Umbrella Project (1991), instalación artística de Christo, Ibaraki (Japón).

Estilos artísticos occidentales del siglo XX

Globalización del arte

Instalación del grupo japonés Gutai, en la Bienal de Venecia de 2009.

Durante el proceso de colonización iniciado por las potencias europeas en el siglo
XIX, y sobre todo en el XX con el auge de los medios de comunicación (radio,
televisión, internet) y el proceso de globalización cultural producido a nivel
mundial, el arte se ha estandarizado progresivamente hacia la universalización de
estilos, conservando en muchos lugares las formas autóctonas y tradicionales, pero
adquiriendo un sello estilístico común perceptible en diversos puntos del planeta.
Antiguas formas artísticas basadas en materiales y tipologías tradicionales han
abrazado las nuevas tecnologías y un nuevo sentido estético dominado por factores
como la moda y la rapidez de difusión de los diversos movimientos artísticos.

En el continente africano aún perduran ciertas formas tradicionales de arte, si

bien la colonización europea introdujo el arte occidental, produciéndose cierta
mezcolanza de ambos estilos. En muchas partes de África el arte está marcado por la
religión islámica, mientras que en otras es más de signo cristiano, pero aún
perduran las antiguas formas animistas. El interés por el arte africano en Europa
ha llevado a su producción con fines de exportación, principalmente máscaras y
esculturas ornamentales de ébano o marfil. Entre los artistas más destacados se
puede citar a Ashira Olatunde (de Nigeria), Nicholas Mukomberanwa (de Zimbabue),
Henry Tayali (de Zambia) y Eric Adjetey Anang (de Ghana).

En la India, el arte se abrió a mediados del siglo XX a las formas de vanguardia,

como se puede apreciar en la intervención de arquitectos extranjeros como Le
Corbusier en Chandigarh y Bangalore. Actualmente la India está viviendo un auge en
el campo de la creación emergente y las artes plásticas contemporáneas, siendo el
artista indio más cotizado el escultor Anish Kapoor, junto al que destacan nombres
como Ram Kinker Baij, Sankho Chaudhuri, Ajit Chakravarti y Nek Chand.

El fin de la era imperial supuso la modernización de China, que se abrió más a la

influencia occidental. El triunfo de la revolución comunista impuso como arte
oficial el realismo socialista, si bien recientemente la nueva política aperturista
ha favorecido la llegada de las últimas tendencias artísticas, ligadas a las nuevas
tecnologías. En 1989 tuvo gran resonancia la exposición China/Vanguardia, en la
Galería Nacional China de Pekín, que mostraba las últimas creaciones del momento,
incluyendo tanto obra pictórica como fotografías, instalaciones y performances.
Desgraciadamente, los sucesos de Tiananmen provocaron un nuevo retroceso, hasta una
nueva apertura en 1992. Los artistas chinos contemporáneos más relevantes son: Qi
Baishi, Wu Guanzhong, Pan Yuliang, Zao Wou Ki y Wang Guangyi.

En Japón, el período Meiji (1868-1912) supuso una profunda renovación cultural,

social y tecnológica, abriéndose más al exterior y empezando a incorporar los
nuevos adelantos conseguidos en Occidente. La pintura presentó entonces dos
corrientes: una tradicional (Nihonga), y otra occidentalista (Yōga). En escultura
existe igualmente la dualidad tradición-vanguardia. Más recientemente destaca la
presencia en el terreno del arte de acción del grupo Gutai, que asimiló la
experiencia de la Segunda Guerra Mundial a través de acciones cargadas de ironía,
con un gran sentimiento de crispación y una agresividad latente. Artistas
destacados del Japón contemporáneo son: Tsuguharu Foujita, Kuroda Seiki, Tarō
Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi
Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara, Isamu
Noguchi y Etsuro Sotoo.140

Artes decorativas

Diseño de objetos de uso art déco Pal-Bell, de Maurice Ascalon.

En el siglo XX las artes decorativas han tenido una rápida evolución, marcada por
el uso de nuevos materiales y tecnologías más avanzadas, y con una clara apuesta
por el diseño como base creadora, remarcando el aspecto intelectual de estas
creaciones frente a la mera realización material otorgada tradicionalmente a la
artesanía. La gran revitalización de esta actividad artística provino del art
déco,nota 20 movimiento surgido en Francia a mediados de los años 1920 que supuso
una revolución para el interiorismo y las artes gráficas e industriales. Este
estilo se caracterizó por la predilección por la línea curva y el floreado
simétrico en artes gráficas, y las formas cuadradas y geométricas en mobiliario y
decoración interior. Dirigido principalmente a un público burgués, destacó por la
ostentación y el lujo, y se desarrolló notablemente en ilustración publicitaria
(Erté) y cartelismo (Cassandre). El art déco también se dio en arquitectura (el
Chrysler Building de William van Alen) y pintura (Tamara de Lempicka, Santiago
Martínez Delgado).

Otro gran adelanto en el terreno del diseño se produjo con la Bauhaus, que frente a
la excesiva ornamentación del art déco introdujo un concepto de diseño más racional
y funcional, más adaptado a las necesidades reales de la gente. Esta institución
pretendía romper las barreras entre arte y artesanía, con una clara apuesta por la
producción industrial. Su diseño se basaba en la simplicidad, la abstracción
geométrica y el uso de colores primarios y de nuevas tecnologías, como se hizo
patente en el mobiliario de acero tubular creado por Marcel Breuer, o las lámparas
diseñadas por Marianne Brandt. En esta escuela destacaron creadores como László
Moholy-Nagy, Oskar Schlemmer, Johannes Itten, Paul Klee, Josef Albers, etc.
Igualmente, el grupo neoplasticista De Stijl desarrolló un estilo interiorista
basado en la simplicidad, las formas geométricas y los colores primarios, como la
famosa silla roja y azul de Gerrit Thomas Rietveld (1923). Desde entonces el diseño
industrial y de interior ha seguido por la vía de la creación intelectual y el
diseño funcional, con un progresivo aumento de la experimentación con nuevos
materiales (plástico, fibra de vidrio), atendiendo a las necesidades de mercado sin
renunciar al proceso de modernización de la sociedad, lo que ha generado una línea
llamada styling (representada fundamentalmente por Raymond Loewy).141

Literatura contemporánea
Artículo principal: Historia de la literatura moderna
En el siglo XX la literatura ha tenido —como el resto de las artes— una gran
diversidad estilística, partiendo de premisas anteriores y cánones clásicos en
algunos casos, y rompiendo con el pasado y experimentando nuevas formas y estilos
en otros. El afán de innovación llevó a la búsqueda de la esencia literaria, de un
lenguaje trascendente y metafísico, como es el caso de la denominada «poesía pura»
(Paul Valéry, William Butler Yeats, Ezra Pound, T. S. Eliot, Eugenio Montale,
Fernando Pessoa, Konstantinos Kavafis). El principal campo de experimentación fue
el de las vanguardias artísticas: el futurismo destacó por su afán modernizador,
exaltando los adelantos técnicos, la velocidad, la acción, incluso la violencia
(tuvo estrechos contactos con el fascismo italiano), defendiendo la destrucción de
la sintaxis y la libertad de las palabras; estuvo representado principalmente por
Filippo Tommaso Marinetti y Vladimir Maiakovski. El cubismo buscó nuevas formas
sintácticas, deshaciendo los poemas y dándoles un aspecto gráfico, con diferentes
tipos de letra y aparición de signos extralingüísticos, suprimiendo los signos de
puntuación («collage lingüístico»), destacando Guillaume Apollinaire. El dadaísmo
introdujo la anarquía en la génesis literaria, buscando deliberadamente un lenguaje
caótico y absurdo, que pierde su aspecto lógico y comunicativo, como en la obra de
Tristan Tzara. El expresionismo criticó la sociedad burguesa de su época, el
militarismo, la alienación del individuo en la era industrial y la represión
familiar, moral y religiosa. Ya no se imita la realidad, no se analizan causas ni
hechos, sino que el autor busca la esencia de las cosas, mostrando su particular
visión. Destacaron Franz Kafka, Gottfried Benn, Alfred Döblin, Georg Heym, Franz
Werfel, Georg Trakl y Rainer Maria Rilke. El surrealismo tuvo gran influencia de la
psicología freudiana, evocando en sus obras el mundo del inconsciente, de los
sueños, de la subjetividad, en un estilo que buscaba la asociación insólita de
palabras, de metáforas oníricas y delirantes, que se tradujo en la técnica de la
«escritura automática». Destacaron André Breton, Paul Éluard y Louis Aragon.

Ulises, de James Joyce. Portada de la primera edición (1922).

En el ámbito de la narrativa, la amarga experiencia bélica en la contienda mundial
provocó una serie de obras de crítica de la guerra, de reflexión, de introspección
psicológica, de búsqueda de unos nuevos valores morales, con un lenguaje simbólico
y metafórico; así se aprecia en la obra de Marcel Proust, André Gide, François
Mauriac, Thomas Mann, Hermann Hesse, etc. Más adelante surgió un mayor compromiso
social, con obras de denuncia de los valores burgueses que habían llevado a la
guerra; esta corriente está representada por André Malraux, Antoine de Saint-
Exupéry, George Orwell y Aldous Huxley. En contraposición, hay una corriente más
innovadora, más centrada en la técnica literaria, en el virtuosismo estilístico y
la profundización de los personajes, como podemos apreciar en James Joyce, Lawrence
Durrell y Virginia Woolf. En Estados Unidos surgió la llamada «generación perdida»,
caracterizada igualmente por la crítica social y la búsqueda de unos nuevos valores
humanos: John Dos Passos, F. Scott Fitzgerald, John Steinbeck, William Faulkner,
Gertrude Stein, Henry Miller y Ernest Hemingway.

La segunda mitad del siglo XX ha estado marcada por el eclecticismo y la diversidad

de tendencias, con un cierto continuismo de estilos anteriores, sobre todo en
poesía, donde autores como Jacques Prévert, Dylan Thomas y Wystan Hugh Auden hacen
una poesía inconformista e intelectualizada. La narrativa es más innovadora,
caracterizada por la preocupación existencial y el compromiso social: Jean-Paul
Sartre, Albert Camus, Simone de Beauvoir, Jean Genet, Cesare Pavese, Italo Calvino,
Alberto Moravia, etc. En los años 1950 surgió en Francia el nouveau roman («nueva
novela»), centrado en el análisis frío y objetivo de la realidad (Alain Robbe-
Grillet, Nathalie Sarraute). En esos años hay un renacer de la «novela histórica»,
con Marguerite Yourcenar, Robert Graves y Umberto Eco. En Alemania, aparecieron
escritores anticonvencionales como Peter Handke y Günther Grass, mientras que en
Estados Unidos surgió la generación beat (Allen Ginsberg, William Burroughs, Jack
Kerouac), así como una nueva serie de novelistas encabezada por Truman Capote, J.
D. Salinger y Norman Mailer. Entre otros grandes autores del siglo XX merecen
destacarse igualmente: H. G. Wells, Rudyard Kipling, J. R. R. Tolkien, Salvatore
Quasimodo, Nikos Kazantzakis, Halldór Laxness, Pär Lagerkvist, Mika Waltari,
Jaroslav Hašek, Boris Pasternak, Mihail Šolohov, Aleksandr Solzhenitsyn, José
Saramago, Sholem Asch, Rabindranath Tagore, Jalil Gibran, Naguib Mahfuz, Wen Yiduo,
Yukio Mishima, Kenzaburo Oé, Wole Soyinka, Orhan Pamuk, etc.142

En España, la literatura del siglo XX comenzó con el llamado novecentismo,

representado por José Ortega y Gasset, Ramón Pérez de Ayala, Ramón Gómez de la
Serna y Eugeni d'Ors. Más adelante surgió la Generación del 27, con un mayor afán
vanguardista, que persigue el ideal de «poesía pura», con cierta influencia del
surrealismo (Federico García Lorca, Rafael Alberti, Vicente Aleixandre, Pedro
Salinas, Jorge Guillén, Dámaso Alonso, Gerardo Diego, Luis Cernuda, Miguel
Hernández). Los años de la dictadura producen una escisión: por un lado, una
literatura afecta al régimen que exalta los valores nacionales (Luis Rosales,
Leopoldo Panero); por otra, una literatura desarraigada, de tono angustioso (Camilo
José Cela, Ramón J. Sénder, Miguel Delibes, Gonzalo Torrente Ballester, Carmen
Laforet, Ana María Matute). En los años 1950 surgió el realismo social, literatura
más comprometida que denuncia la injusticia y la falta de libertad (Blas de Otero,
Gabriel Celaya, León Felipe). Desde los años 1970 surge una nueva vitalidad en las
letras, con afán reformador (los llamados «Novísimos» en poesía), destacando
figuras como Manuel Vázquez Montalbán, Juan Marsé, Antonio Gala, José Hierro, Jaime
Gil de Biedma, José Agustín Goytisolo, etc. En el siglo XX se desarrollan la
literatura catalana (Josep Carner, Carles Riba, Salvador Espriu, Josep Pla, Mercè
Rodoreda, Josep Maria de Sagarra), gallega (Celso Emilio Ferreiro, Ramón Otero
Pedrayo, Alfonso Rodríguez Castelao, Álvaro Cunqueiro) y vasca (Esteban Urkiaga,
Gabriel Aresti, José Luis Álvarez Enparantza). En Hispanoamérica destacan:
Alfonsina Storni, Gabriela Mistral, Vicente Huidobro, César Vallejo, Pablo Neruda,
Jorge Luis Borges, Nicolás Guillén, Rómulo Gallegos, Miguel Ángel Asturias, Alejo
Carpentier, Juan Rulfo, Carlos Fuentes, Julio Cortázar, Mario Vargas Llosa, Gabriel
García Márquez, Octavio Paz, Guillermo Cabrera Infante, Augusto Roa Bastos, Ernesto
Sabato, Mario Benedetti, Isabel Allende, etc.143

Teatro contemporáneo

Bertolt Brecht, creador del teatro épico.

El teatro del siglo XX ha tenido una gran diversificación de estilos, evolucionando
en paralelo a las corrientes artísticas de vanguardia. Se pone mayor énfasis en la
dirección artística y en la escenografía, en el carácter visual del teatro y no
solo el literario. Se avanza en la técnica interpretativa, con mayor profundización
psicológica (método Stanislavski, Actors Studio de Lee Strasberg), y reivindicando
el gesto, la acción y el movimiento. Se abandonan las tres unidades clásicas y
comienza el teatro experimental, con nuevas formas de hacer teatro y un mayor
énfasis en el espectáculo, retornando al rito y a las manifestaciones de culturas
antiguas o exóticas. Cobra cada vez mayor protagonismo el director teatral, que
muchas veces es el artífice de una determinada visión de la puesta en escena
(Vsevolod Meyerhold, Max Reinhardt, Erwin Piscator, Tadeusz Kantor).

Entre los diversos movimientos teatrales conviene reseñar: el expresionismo (Georg

Kaiser, Fritz von Unruh, Hugo von Hofmannsthal); el «teatro épico» (Bertolt Brecht,
Peter Weiss, Rainer Werner Fassbinder); el «teatro del absurdo», vinculado al
existencialismo (Antonin Artaud, Eugène Ionesco, Samuel Beckett, Albert Camus); y
los Angry young men, de signo inconformista y antiburgués (John Osborne, Harold
Pinter, Arnold Wesker). Otros autores destacados son: George Bernard Shaw, Luigi
Pirandello, Alfred Jarry, Tennessee Williams, Eugene O'Neill, Arthur Miller, John
Boynton Priestley, Dario Fo, etc. En España destacan Federico García Lorca, Miguel
Mihura, Alejandro Casona, Antonio Buero Vallejo, Alfonso Paso y Fernando Arrabal.

Desde los años 1960 el teatro ha reaccionado contra la distanciación del teatro
épico, buscando una comunicación dramática establecida a través de acciones reales
que afecten al espectador (The Living Theatre, teatro-laboratorio de Jerzy
Grotowski, acciones de happening). Los nuevos directores han agregado a este
«teatro de provocación» una conciencia estilística basada en la ceremonia, el
divertimento y el exhibicionismo (Peter Brook, Giorgio Strehler, Luca Ronconi). El
lenguaje oral queda así doblado por el visual, y el arte dramático recupera en
cierta forma su antigua ambición de «teatro total». Esto se pone de manifiesto en
varios grupos españoles, como Els Joglars, Els Comediants y La Fura dels Baus, o el
grupo canadiense Cirque du Soleil.144

Música contemporánea
Artículo principal: Música clásica contemporánea

Adagietto
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Adagietto, cuarto movimiento de la Quinta Sinfonía de Gustav Mahler.
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En el terreno musical la transición de siglo estuvo marcada por el postromanticismo
de Richard Strauss, Gustav Mahler y Aleksandr Skriabin, introduciéndose
posteriormente en el ámbito de las vanguardias artísticas: el cubismo tendió a la
deshumanización, a la esquematización y a las construcciones lineales, sin
ornamentos (Erik Satie); el expresionismo pretendía desligarse de los fenómenos
objetivos externos, siendo instrumento únicamente de la actividad creadora del
compositor y reflejando principalmente su estado anímico, fuera de toda regla y
toda convención (Darius Milhaud, Francis Poulenc, Arthur Honegger); el futurismo
experimentó con el ruido y los sonidos de la naturaleza y la vida cotidiana (Luigi
Russolo, Edgar Varèse); el neoclasicismo —ligado en Rusia al realismo socialista,
también llamado «sinfonismo soviético»— recuperó las formas clásicas, pero
reinterpretándolas, y sin renunciar a los nuevos adelantos vanguardistas (Carl
Orff, Gustav Holst, Ígor Stravinski, Serguéi Prokófiev, Dmitri Shostakóvich,
Serguéi Rajmáninov); el dodecafonismo fue un sistema basado en los doce tonos de la
escala cromática, que se utilizaban en cualquier orden, pero en series, sin repetir
una nota antes de haber sonado las otras, evitando la polarización, la atracción a
centros tonales (Arnold Schönberg, Alban Berg, Anton von Webern); de igual forma,
el ultracromatismo amplió la escala musical a grados inferiores al semitono —
cuartos o sextos de tono— (Alois Hába, Ferruccio Busoni); la Nueva Objetividad
aportó una visión más realista y social de la música, surgiendo el concepto de
Gebrauschmusik («música utilitaria»), basada en el concepto de consumo de masas
para elaborar obras de sencilla construcción y accesibles a todo el mundo (Paul
Hindemith, Kurt Weill).
Desde mediados de siglo ha continuado la experimentación y la diversidad de
conceptos musicales, produciendo nuevas técnicas y efectos sonoros, como la música
electrónica de Karlheinz Stockhausen; la música concreta de Pierre Schaeffer y
Pierre Henry; el serialismo de Olivier Messiaen, Luigi Dallapiccola, Pierre Boulez
y Luis de Pablo; el poliestilismo de Luciano Berio; los «ámbitos sonoros» de Luigi
Nono; la música aleatoria de John Cage, Charles Ives, Witold Lutoslawski y
Cristóbal Halffter; el neotonalismo de Arvo Pärt y Henryk Górecki; la «música
estadística» de Iannis Xenakis, Krzysztof Penderecki y György Ligeti; el
minimalismo de Philip Glass; y el new age de Michael Nyman y Wim Mertens.145

Porgy and Bess, de George Gershwin, por el New York Harlem Theater.
La ópera en el siglo XX ha mantenido vigente el repertorio anterior, que se
continúa representando con éxito en los mejores teatros y auditorios del mundo,
mientras que a nivel productivo, si bien ha existido una copiosa y excelente
producción, las innovaciones producidas en este terreno no han gozado de gran éxito
entre el público mayoritario. A principios de siglo, el verismo italiano continuó
en un llamado «posverismo» representado principalmente por Riccardo Zandonai
(Francesca da Rimini, 1914; Giulietta e Romeo, 1922). El postromanticismo contó con
la gran figura de Richard Strauss (Salomé, 1905; Ariadne auf Naxos, 1912). El
neoclasicismo dejó obras como Edipo rey (1925), de Igor Stravinski; Lady Macbeth de
Mtsensk (1936), de Dmitri Shostakóvich; y Guerra y paz (1946), de Serguéi
Prokófiev. A nivel vanguardista, destacaron el expresionismo y el dodecafonismo:
Moisés y Aarón (1926), de Arnold Schönberg; Wozzeck (1925) y Lulú (1935), de Alban
Berg; Jonny spielt auf (1927), de Ernst Krenek. Más recientemente destaca la obra
de Benjamin Britten, de gran valor dramático (Peter Grimes, 1945; El sueño de una
noche de verano, 1961; Muerte en Venecia, 1973). Otros exponentes son: Kurt Weill
(Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny, 1930), George Gershwin (Porgy and Bess,
1935), Paul Hindemith (Matías el pintor, 1938), Francis Poulenc (Les mamelles de
Tirésias, 1947), Gian Carlo Menotti (La médium, 1946; El teléfono, 1947; El cónsul,
1950), Alberto Ginastera (Bomarzo, 1967), etc.

También ha tenido mucha importancia la música popular, que ha generado diversos

estilos musicales como el jazz, el soul, el blues, el rock, el pop, el heavy, el
punk, el reggae, el rap, el ska, etc. En el siglo XX también han tenido un gran
auge los espectáculos musicales, como el cabaret y el music hall, al tiempo que ha
cobrado un creciente protagonismo la banda sonora cinematográfica (John Williams,
Ennio Morricone, Henry Mancini, Andrew Lloyd Webber, Leonard Bernstein, Maurice
Jarre, Vangelis, Nino Rota). El aspecto consumista de la civilización actual, la
aparición de nuevas tipologías (radio, hilo musical, video-clip) y la introducción
de nuevos soportes de grabación musical (disco de vinilo, casete, disco compacto,
formatos informáticos de audio, mp3) han favorecido la popularización de la música,
que se ha convertido en un aspecto indispensable del ocio moderno, con la
proliferación de conciertos y recitales, y auténticos fenómenos de masas en torno a
diversos grupos e intérpretes (Elvis Presley, The Beatles, Rolling Stones, Bob
Dylan, Bruce Springsteen, Michael Jackson, Madonna, etc.). En los últimos tiempos,
la industria discográfica ha sufrido un progresivo declive debido a las descargas
ilegales en internet, hecho que ha generado una fuerte controversia que aún
perdura.146

Danza contemporánea
Artículo principal: Danza contemporánea

Ballet ruso (1912), de August Macke, Kunsthalle, Bremen.

La danza contemporánea se inició nuevamente con el liderazgo del ballet ruso
adquirido a finales del siglo XIX: Mihail Fokin dio más importancia a la expresión
sobre la técnica; su obra Chopiniana (1907) inauguraría el «ballet atmosférico» —
sólo danza, sin hilo argumental—. Sergéi Diágilev fue el artífice del gran triunfo
de los Ballets Rusos en París, introduciendo la danza en las corrientes de
vanguardia: su primer gran éxito lo obtuvo con las Danzas polovtsianas de El
Príncipe Igor de Borodin (1909), al que siguieron El pájaro de fuego (1910),
Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913), de Stravinski; por
último, Parade (1917) fue un hito dentro de la vanguardia, con música de Erik
Satie, coreografía de Léonide Massine, libreto de Jean Cocteau y decorados de Pablo
Picasso. En el grupo de Diágilev destacaron los bailarines Vaslav Nijinsky, Anna
Pavlova y Tamara Karsavina. Con la Revolución soviética el ballet ruso pasó a ser
un instrumento de propaganda política, perdiendo gran parte de su creatividad,
aunque surgieron grandes bailarines como Rudolf Nureyev y Mihail Baryshnikov, y se
produjeron obras memorables como Romeo y Julieta (1935) y Cenicienta (1945), de
Prokofiev, y Espartaco (1957), de Aram Jachaturián. También alcanzó notoriedad el
sistema pedagógico ideado por Agrippina Vagánova.

La danza expresionista supuso una ruptura con el ballet clásico, buscando nuevas
formas de expresión basadas en la libertad del gesto corporal, liberado de las
ataduras de la métrica y el ritmo, donde cobra mayor relevancia la autoexpresión
corporal y la relación con el espacio. Su principal teórico fue el coreógrafo
Rudolf von Laban, quien creó un sistema que pretendía integrar cuerpo y alma,
poniendo énfasis en la energía que emanan los cuerpos, y analizando el movimiento y
su relación con el espacio. Este nuevo concepto quedaría plasmado con la bailarina
Mary Wigman. De forma independiente, la gran figura de principios de siglo fue
Isadora Duncan, que introdujo una nueva forma de bailar, inspirada en ideales
griegos, más abierta a la improvisación, a la espontaneidad.

En el período de entreguerras destacaron las escuelas francesa y británica, así

como el despuntar de los Estados Unidos. En Francia, el Ballet de la Ópera de París
volvió al esplendor de la era romántica, gracias sobre todo a la labor de Serge
Lifar, Roland Petit y Maurice Béjart. En Gran Bretaña destacaron figuras como Marie
Rambert, Ninette de Valois, Frederick Ashton, Antony Tudor, Kenneth MacMillan,
Margot Fonteyn, etc. En Estados Unidos, donde había escasa tradición, se consiguió
en poco tiempo llegar a un alto nivel de creatividad y profesionalización, gracias
en primer lugar a pioneras como Ruth Saint Denis, Martha Graham, Doris Humphrey y
Agnes De Mille. El ruso George Balanchine —surgido de la compañía de Diágilev— se
instaló allí en 1934, donde fundó la School of American Ballet, y produjo
espectáculos que lo renombraron como uno de los mejores coreógrafos del siglo. En
los años 1950 y 1960 destacó la actividad innovadora de Merce Cunningham que,
influido por el expresionismo abstracto y la música aleatoria de John Cage,
introdujo la danza basada en la casualidad, el caos, la aleatoriedad (chance
choreography). Otro gran hito de la época fue el West Side Story (1957) de Jerome
Robbins.

Con Paul Taylor la danza entró en el ámbito de la posmodernidad, con un manifiesto

inicial en su Duet (1957), donde permanecía inmóvil junto a un pianista que no
tocaba el piano. La danza posmoderna introdujo lo corriente y lo cotidiano, los
cuerpos ordinarios frente a los estilizados de los bailarines clásicos, con una
mezcolanza de estilos e influencias, desde las orientales hasta las folclóricas,
incorporando incluso movimientos de aerobic y kickboxing. Otros coreógrafos
posmodernos fueron Glen Tetley, Alvin Ailey y Twyla Tharp. En las últimas décadas
del siglo destacaron coreógrafos como William Forsythe y Mark Morris, así como la
escuela holandesa, representada por Jiří Kylián y Hans van Manen, y donde también
se formó el español Nacho Duato. A nivel de bailes populares, en el siglo XX ha
existido una gran diversidad de estilos, entre los que se puede remarcar: foxtrot,
charlestón, claqué, chachachá, tango, bolero, pasodoble, rumba, samba, conga,
merengue, salsa, twist, rock and roll, moonwalk, hustle, break dance, etc.147

Fotografía del siglo XX

Artículo principal: Historia de la fotografía

La fotografía del Che Guevara (1960), de Alberto Korda, es una de las fotografías
más famosas y reproducidas del siglo XX.
En el siglo XX se extendió notablemente el uso de la fotografía, ya que las
continuas mejoras técnicas en cámaras portátiles permitían un uso generalizado de
esta técnica a nivel amateur. Su presencia fue esencial en revistas y periódicos,
asumiendo los medios de comunicación de masas un papel preponderante en la cultura
visual del siglo XX. Durante la Primera Guerra Mundial y la siguiente posguerra
nació el periodismo fotográfico, originalmente en Alemania, con revistas como
Berliner Illustrierte Zeitung y Münchner Illustrierte Presse, destacando la obra de
Erich Salomon y Stefan Lorant, creador del «reportaje fotográfico». Pronto esta
forma de fotoperiodismo se expandió por todo el mundo, propiciada por la aparición
de una nueva cámara —la Leica (1925)— con objetivos intercambiables y rollos de 36
tomas. En 1947 apareció la Polaroid, de película instantánea. En el siglo XX la
fotografía también ha estado muy unida a la moda y la publicidad.

La fotografía se integró plenamente a los movimientos de vanguardia: así, los

fotógrafos expresionistas alemanes (August Sander, Karl Blossfeldt, Albert Renger-
Patzsch) crearon un tipo de fotografía basada en la nitidez de la imagen y la
utilización de la luz como medio expresivo, modelando las formas y destacando las
texturas. Este tipo de fotografía tuvo una importante resonancia internacional,
generando movimientos paralelos como la photographie pure francesa y la straight
photography estadounidense. El futurismo italiano estuvo ligado a la fotografía en
movimiento (fotodinamismo), representado por Anton Giulio Bragaglia. En Gran
Bretaña surgió el vorticismo, ligado al cubismo, destacando Alvin Langdon Coburn.
Con la Revolución soviética, en Rusia se impuso el realismo socialista, con la
figura predominante de Aleksandr Rodchenko. En Estados Unidos, Alfred Stieglitz
fundó la Photo-Secession, que mostró la vida urbana con una emotividad artística, y
se vinculó a movimientos como el dadaísmo. En este último destacó Man Ray, que
llegó a hacer fotografías sin cámara, poniendo objetos sobre la película y
exponiéndolos unos segundos a la luz, creando imágenes ambiguas entre la figuración
y la abstracción. Otra innovación del dadaísmo fue el fotomontaje, como los
elaborados por John Heartfield y Hannah Höch. Por último, el surrealismo introdujo
en fotografía el mundo del inconsciente, de los sueños, las imágenes oníricas
(Eugène Atget, Jacques-André Boiffard, Raoul Ubac).

En el período de entreguerras surgieron una serie de fotógrafos que retrataron la

crudeza de la realidad circundante, especialmente tras la crisis económica de 1929,
como es el caso de Lewis Hine, Margaret Bourke-White y Dorothea Lange. Desde la
Segunda Guerra Mundial la fotografía ha seguido unida al periodismo —especialmente
con el auge de agencias como Magnum—, así como a la fotografía documental,
predominando el realismo fotográfico. También ha estado fuertemente vinculada a las
últimas tendencias artísticas, especialmente el pop art, el hiperrealismo y el arte
conceptual. Entre los más afamados fotógrafos de este siglo destacan: Werner
Bischof, Brassaï, René Burri, Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, Agustí Centelles,
Imogen Cunningham, Robert Doisneau, Robert Frank, Raoul Hausmann, André Kertész,
William Klein, Alberto Korda, Jacques-Henri Lartigue, Annie Leibovitz, Dora Maar,
Inge Morath, Helmut Newton, Irving Penn, Joe Rosenthal, Sebastião Salgado, Jeanloup
Sieff, William Eugene Smith, Emmanuel Sougez, Otto Steinert, Gerda Taro, Spencer
Tunick, Edward Weston, etc. Desde 1990, fecha de aparición de la fotografía
digital, la creación fotográfica se ha vinculado fuertemente a las nuevas
tecnologías, preferentemente en el diseño por ordenador y los programas de retoque
fotográfico, como Photoshop.148

Cine
Artículo principal: Historia del cine

Viaje a la Luna
Archivo:Le Voyage Dans La Lune.ogv
Viaje a la Luna (1902), de Georges Méliès.
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Una de las grandes revoluciones artísticas y audiovisuales del siglo XX ha sido el
cine: a partir de la invención del cinematógrafo en 1895 por los hermanos Lumière,
el cine ha tenido una rápida evolución tanto artística como tecnológica que lo ha
convertido en un auténtico fenómeno de masas, siendo rápidamente considerado como
el «séptimo arte».nota 21 El cine es quizá uno de los medios artísticos más
completos, ya que aúna imagen con sonido, guion literario, interpretación,
decorados, maquillaje, vestuario, etc. Además introduce una nueva dimensión, el
tiempo, la sucesión cronológica de los hechos, donde cobra un papel relevante el
montaje. En sus inicios el cine era mudo, sin sonido, hecho que no impidió la
creación de una auténtica gramática visual que aportó la base principal de la
narración cinematográfica. Con la incorporación de elementos tomados del teatro
como los decorados y los efectos especiales —proceso iniciado por Georges Méliès—,
el cine alcanzó un grado de auténtica artisticidad. De carácter netamente
industrial en cuanto a su aspecto productivo, el cine tuvo una primera y rápida
implantación en Estados Unidos, donde se forjó una poderosa industria
cinematográfica que cristalizaría en Hollywood. Allí surgieron algunos de los
primeros genios del cine: Edwin S. Porter, primero en rodar escenas plano-
contraplano; David Wark Griffith, que introdujo el montaje narrativo y los efectos
de luz; y Charles Chaplin, que aparte de ser iniciador del star system
hollywoodiense, fue pionero en numerosos aspectos interpretativos y argumentales,
como los géneros y los personajes arquetipo, además de introducir la psicología en
la interpretación.

El gabinete del doctor Caligari (1919), de Robert Wiene, obra maestra del cine
expresionista alemán.
Los siguientes pasos del cine van en paralelo a las vanguardias artísticas de la
época: el cine expresionista alemán introdujo un estilo subjetivista que ofrecía en
imágenes una deformación expresiva de la realidad, traducida en términos dramáticos
mediante la distorsión de decorados y maquillajes, así como efectos de luz, y la
consiguiente recreación de atmósferas terroríficas o, cuando menos, inquietantes.
Cabe destacar a Robert Wiene, Friedrich Wilhelm Murnau, Fritz Lang, Georg Wilhelm
Pabst, Josef von Sternberg y Ernst Lubitsch. En Francia, tuvieron reflejo
cinematográfico tanto el impresionismo como el surrealismo: el primero se tradujo
en obras de elevado contenido intelectual y moral, de temática refinada y gran
simplicidad estilística, y un naturalismo contrapuesto a la artificiosidad
expresionista, con recursos como el flou y el flashback; estuvo representado por
Louis Delluc, Abel Gance y Jean Epstein. El cine surrealista fue un fiel reflejo
del carácter onírico de esta corriente, con obras donde predominaba una cierta
atmósfera de ensueño, de delirio, sino de locura; fueron sus mejores representantes
Salvador Dalí y Luis Buñuel. El cubismo también tuvo su reflejo en la
experimentación rítmico-plástica del Ballet mecánico (1924) de Fernand Léger. Se
llegaron incluso a realizar algunos filmes abstractos, obra de directores como
Viking Eggeling (Sinfonía Diagonal, 1921), Hans Richter (Rythmus, 1921), Oskar
Fischinger (Composición en azul, 1927) y Germaine Dulac (Arabesque, 1930). Uno de
los grandes aportes al cine mudo fue el del cine soviético: conscientes del valor
divulgativo del nuevo arte, los líderes revolucionarios rusos fomentaron la
industria cinematográfica, que alcanzaría cotas elevadas con la obra de Sergei
Eisenstein, Lev Kuleshov, Dziga Vertov, Vsevolod Pudovkin, Aleksandr Dovzhenko,
etc. Es un cine que aúna pureza visual con elegancia estética, renovando el
lenguaje cinematográfico a través del montaje, con el que consiguen metáforas
visuales de gran impacto y calidad, con un gran componente de introspección
psicológica y expresión sentimental.

En 1926 se introdujo el sonido, con la película Don Juan, a la que siguió al año
siguiente El cantante de jazz, ambas de Alan Crosland. Esta nueva particularidad
comportó por una parte la mejora de los guiones, que podían ser más ricos en
diálogos —lo que llevó a nuevos registros interpretativos por parte de los actores—
y, por otro lado, la introducción de la música, que sería primordial para acompañar
numerosas escenas. El siguiente avance tecnológico fue la introducción del color en
1935 con La feria de la vanidad, de Rouben Mamoulian. Fue esta la época dorada del
cine estadounidense, con directores como King Vidor, Frank Capra, John Ford,
William Wyler, Elia Kazan, George Cukor, Billy Wilder, Cecil B. DeMille, Howard
Hawks, Alfred Hitchcock, Michael Curtiz, Raoul Walsh, Orson Welles, etc. En Europa,
se sucedieron en esos años diversos movimientos de gran relevancia: en Francia
apareció el «naturalismo poético», caracterizado por la simbiosis entre el realismo
descriptivo y el lenguaje poético, representado por Jean Vigo, René Clair y Jean
Renoir; y la nouvelle vague, influida por el existencialismo, de signo
antiintelectual, surgiendo el llamado «cine de autor» (Claude Chabrol, François
Truffaut, Alain Resnais, Jean-Luc Godard). En Italia surgió el neorrealismo, que se
nutrió de la estricta realidad, con obras de denuncia social realizadas
generalmente en ambientes obreros y rurales; destacan Luchino Visconti, Roberto
Rossellini, Vittorio de Sica, Federico Fellini y Pier Paolo Pasolini. En Gran
Bretaña se produjo el Free cinema, caracterizado por una estética realista y
temáticas de compromiso social (Lindsay Anderson, Tony Richardson, Karel Reisz).
Despuntó el cine nórdico con la obra de Carl Theodor Dreyer, Ingmar Bergman y
Victor Sjöström. En España se produjeron las primeras obras de importancia de la
mano de Luis García Berlanga, Juan Antonio Bardem, Carlos Saura, etc.

Ciudadano Kane (1940), de Orson Welles, considerada como la obra maestra de la

historia del cine.149
A mediados de siglo empezaron a cobrar importancia las cinematografías de países no
occidentales, que aportarían nuevas formas de entender el cine y una mayor frescura
tanto en temáticas como en particularidades estéticas. En Brasil se produjo una
escuela (cinema nôvo) que aglutinaba el legado folclórico con la denuncia social:
Glauber Rocha, Nelson Pereira dos Santos, Ruy Guerra, Vítor Lima Barreto. En Cuba
el impulso revolucionario favoreció la creación de una industria de signo
documentalista pero gran calidad estética (Humberto Solás, Tomás Gutiérrez Alea).
También despuntaron las cinematografías mexicana (Juan Bustillo Oro, Emilio
Fernández) y argentina (Hugo del Carril, Leopoldo Torre Nilsson, Mario Soffici). En
Japón se aunó la moderna tecnología con la temática tradicional, con un particular
sentido estético que otorgaba gran importancia a la lírica visual (Akira Kurosawa,
Kenji Mizoguchi, Nagisa Ōshima). Otras cinematografías emergentes son la africana y
la islámica (especialmente en Irán con Abbas Kiarostami). En la India se ha
generado una fuerte industria cinematográfica que se ha denominado Bollywood —
emulando la meca del cine estadounidense pero con B, por Bombay—, con preferencia
por el tema mitológico y la presencia de música y danza tradicionales, destacando
Satyajit Ray, Raj Kapoor, Farah Khan y Sanjay Leela Bhansali.

En las últimas décadas del siglo XX la producción cinematográfica ha oscilado entre

el cine comercial y el cine artístico, siendo de remarcar la obra de directores
como Woody Allen, Pedro Almodóvar, Adolfo Aristarain, Bernardo Bertolucci, Tim
Burton, Mario Camus, Francis Ford Coppola, Constantin Costa-Gavras, Brian De Palma,
Clint Eastwood, Miloš Forman, José Luis Garci, John Huston, Stanley Kubrick, Ang
Lee, David Lynch, George Lucas, Joseph L. Mankiewicz, Vincente Minnelli, Max
Ophüls, Roman Polanski, Sydney Pollack, Otto Preminger, Carol Reed, Arturo
Ripstein, Martin Scorsese, Ridley Scott, Steven Spielberg, Oliver Stone, Andréi
Tarkovski, Guillermo del Toro, Fernando Trueba, Andrzej Wajda, Wim Wenders, Zhang
Yimou, Franco Zeffirelli, Fred Zinnemann, etc. Uno de los últimos movimientos
cinematográficos ha sido Dogma 95 (Lars von Trier, Søren Kragh-Jacobsen), cine
ascético y libre, en localizaciones exteriores, sin decorados ni más luz que la
natural, con sonido directo y color, sin trucajes, géneros ni acción
superficial.150

Historieta
Artículo principal: Historieta
Little Nemo in Slumberland. La historieta ha sido una de las últimas
incorporaciones a la categoría de bellas artes.
La historieta —o cómic— es una narración ilustrada por medio de viñetas, que
presenta imágenes y —opcionalmente— texto (insertado a través de los llamados
«bocadillos» para diálogos, y «cartuchos» para texto al pie de imagen), narrando
una historia en sentido argumental y cronológico. Basado en la reproducción en
serie, apareció por primera vez en periódicos y revistas, para cobrar autonomía
propia en ediciones independientes. Tiene pues su origen en los medios de
comunicación de masas aparecidos a finales del siglo XIX y principios del XX. Se
suele considerar como primera historieta la de The Yellow Kid, de Richard Felton
Outcault, aparecida en 1896 en el diario New York World (la camisa amarilla del
personaje dio nombre a la llamada «prensa amarilla»). En 1905 apareció Little Nemo
in Slumberland, de Winsor McCay, que elevó la historieta a grandes cotas
artísticas, destacando por su fantasía y creatividad. Posteriormente destacaron
Rudolph Dirks, George Herriman, George McManus, etc.151

Pasada la Primera Guerra Mundial aparecieron los primeros comic-books o revistas de

historietas, y comenzó la relación del cine con la historieta, que se influyeron
mutuamente, destacando la obra de Walt Disney, cuyas películas de dibujos animados
se convertirían en auténticos clásicos. En los años 1930 aparecieron algunos de los
personajes y autores más reconocidos del mundo de la historieta: Buck Rogers de
Dick Calkins (1929), Hergé y su Tintín (1930), Chester Gould y Dick Tracy (1931),
Alex Raymond con Flash Gordon (1933), Terry y los piratas de Milton Caniff (1934),
Burne Hogarth y Tarzán (1936), Harold Foster con Príncipe Valiente (1937), etc. Un
gran filón para el cómic fueron los superhéroes, con figuras míticas como Superman
(1938), Batman (1939) o el Capitán América (1941).

La edad de oro de la historieta fue en los años posteriores a la Segunda Guerra

Mundial (1945-1960): en la prensa se impuso la llamada daily strip («tira diaria»),
con personajes como Nancy (1938) de Ernie Bushmiller, Pogo (1948) de Walt Kelly, y
Peanuts (1950) de Charles Schulz, con su mundialmente famoso Snoopy; en el comic-
book se alcanzó una gran variedad temática, triunfando los de ciencia ficción,
aventuras, terror, romance y western. En esta época aparecieron personajes como
Lucky Luke de Morris (1946), Los pitufos de Peyo (1958), Astérix el Galo de
Goscinny y Uderzo (1960), etc. Continuó el éxito de los superhéroes, con Los 4
Fantásticos (1961) y Spiderman (1962), destacando la obra de Stan Lee, Jack Kirby y
el sello Marvel. En España, descuella la obra de Francisco Ibáñez, con personajes
como Mortadelo y Filemón (1958).

Entre los años 1960 y 1980 hubo una gran diversificación del medio, con una nueva
sensibilidad donde predominaba la estética y el sello de calidad, y comenzaron a
abundar los títulos dirigidos a un público más adulto. Destacan personajes como
Barbarella (1962), Blueberry (1963), Mafalda de Quino (1964), Valentina (1965), el
Corto Maltés de Hugo Pratt (1967), Conan de Roy Thomas y John Buscema (1970), etc.
Surgió el cómic erótico (Guido Crepax, Milo Manara), la historieta de autor
(Jacques Tardi, Carlos Giménez, Enki Bilal, Vittorio Giardino), y sellos más
vanguardistas, como Métal Hurlant de Moebius. Desde los años 1980 ha tenido gran
éxito el manga japonés, caracterizado por largas epopeyas de gran dinamismo, con
abundantes efectos sonoros. Aunque su inicio se vincula a la revista Manga Shōnen
(1947), de Osamu Tezuka, sería a finales de los 1980 cuando alcanzaría su mayor
repercusión, con Akira de Katsuhiro Otomo (1982-93) y Dragon Ball de Akira Toriyama
(1984-95). Por último, las nuevas tecnologías han supuesto grandes innovaciones
para la historieta, como el webcómic en internet.152

Arte efímero

Diseño de moda de 1909.

Artículo principal: Arte efímero
En el siglo XX ha adquirido gran auge el arte efímero, que por su carácter
perecedero y transitorio no deja una obra perdurable, o si la deja —como sería el
caso de la moda— ya no es representativa del momento en que fue creada. En estas
expresiones es decisivo el criterio del gusto social, que es el que marca las
tendencias, para lo cual es imprescindible la labor de los medios de comunicación.

Moda: es el arte del vestido, de la confección de prendas según parámetros

funcionales y estilísticos, tanto en ropa como accesorios (sombreros, guantes,
bolsos, zapatos, gafas). La tendencia desde inicios del siglo XX ha sido hacia una
mayor funcionalidad y comodidad (eliminación del corsé), apareciendo en los años
1920 la minifalda, mientras que a partir de 1950 predomina la ropa informal y
juvenil, marcada por la utilización del pantalón vaquero. Entre los más afamados
modistos destacan: Coco Chanel, Cristóbal Balenciaga, Christian Dior, Manuel
Pertegaz, Yves Saint Laurent, Giorgio Armani, Paco Rabanne, Gianni Versace, Karl
Lagerfeld, Calvin Klein, Jean Paul Gaultier, etc.
Peluquería: es el arte del peinado, realizado según parámetros estilísticos que van
evolucionando según la moda. Está fuertemente relacionada con el maquillaje, así
como con el arte corporal (tatuaje, piercing). A principios de siglo se llevó el
pelo corto con flequillo, que recibió diversos nombres: bob cut, shingle bob o eton
crop, característico de un tipo de mujer llamada flapper; a mediados de siglo
volvió el pelo largo, mientras que en los años 1960 se llevó el pelo corto con
cortes geométricos; desde entonces ha habido múltiples tendencias, con una mayor
proliferación del cabello teñido. Han creado tendencia peluqueros como: Lluís
Llongueras, Frank Bongiovi, Jamal Hammadi, Teddy Charles, George Westmore, etc.
Perfumería: es el arte de confeccionar perfumes, líquidos aromáticos que se
utilizan para producir un buen olor corporal. Desde la Edad Media, Francia es el
centro europeo de diseño y comercio en perfumería. Basada sobre todo en el olor de
las flores, en la actualidad se producen muchos perfumes con productos químicos. La
perfumería actual está muy relacionada con la moda, y es frecuente que modistos
famosos comercialicen sus propios perfumes. Como perfumistas cabe destacar a
Pierre-François-Pascal Guerlain, François Coty, Ernest Beaux (creador de Chanel n.º
5), Eugène Schueller (fundador de L'Oréal), Yves Rocher, Estée Lauder, etc.
Gastronomía: es el arte de la cocina, con un claro componente práctico en cuanto la
alimentación es indispensable para el ser humano, pero con una gran faceta de
creatividad derivada de la combinación de alimentos y de la innovación en cuanto a
la creación de nuevas recetas. Las diversas tendencias gastronómicas son debidas
sobre todo a variantes regionales, ya que cada país tiene su propio sello
distintivo. Recientemente surgió la llamada nouvelle cuisine, que pone énfasis
tanto en la comida como en su presentación. Como cocineros de relevancia se podría
citar a: Auguste Escoffier, Joël Robuchon, Paul Bocuse, Heston Blumenthal, Donato
de Santis, Karlos Arguiñano, Juan María Arzak, Ferran Adrià, Santi Santamaria,
etc.153

Peinado bob: Louise Brooks en 1927.

Chanel n.º 5, quizá el perfume más famoso de la historia.

Esferificación de té verde, plato innovador de Ferran Adrià.

La pirotecnia es otro arte efímero.

Véase también
Arte
Métodos de investigación de la Historia del Arte
Crítica de arte
Estética
Estudio de la Historia del Arte
Historia de la arquitectura
Historia del cine
Historia de la danza
Historia del desnudo artístico
Historia de la escultura
Historia de la estética
Historia de la fotografía
Historia de la historieta
Historia de la jardinería
Historia de la literatura
Historia de la música
Historia de la ópera
Historia de la pintura
Historia del teatro
Patrimonio de la Humanidad
Psicología del arte
Sociología del arte
Tema artístico
Teoría del arte
Artes decorativas
Historia de las artes decorativas
Historia del grabado
Notas
El término «faraón» proviene del egipcio per-o («la gran casa», por el palacio
donde habitaba el rey), pero este vocablo surgió durante la dinastía XVIII, por lo
que no debería aplicarse a reyes anteriores, aunque por lo general se suele
extrapolar. Isaac Asimov: Los egipcios, Alianza Editorial, Madrid, 1981, ISBN 84-
206-1794-6, p. 82.
Derivado del latín classicus («de primera clase»), el término «clásico» hacía
referencia al periodo del arte griego comprendido entre el arcaico y el
helenístico, valorado como el de mayor creatividad de la historia del arte griego.
Así, el término quedó como sinónimo de creatividad, de excelencia, de la mejor
época de cualquier estilo artístico, por lo que numerosos estilos a lo largo del
tiempo han tenido una fase denominada «clásica». Heinrich Wölfflin, por ejemplo, se
refería a arte clásico para hablar del Renacimiento italiano. Chilvers (2007), p.
207.
El nombre del Imperio Bizantino deriva del antiguo nombre de su capital, Bizancio
(en griego Bizantion, derivado del fundador de la ciudad el 657 a. C., llamado
Byzas), posteriormente rebautizada Constantinopla en honor al emperador
Constantino, y llamada Estambul en la actualidad. Isaac Asimov: Constantinopla,
Alianza Editorial, Madrid, 1982, ISBN 84-206-1886-1, p. 12.
Hagia Sophía (Άγια Σοφία) en griego, que quiere decir Santa Sabiduría; sin
embargo, se suele nombrar como Santa Sofía en castellano.
El término artes aplicadas es sinónimo de artes decorativas o artes industriales —
también llamadas artes menores—, refiriéndose a las obras realizadas con una
elaboración industrial o artesanal pero persiguiendo una cierta finalidad estética,
generalmente de tipo ornamental. Guillermo Fatás y Gonzalo Borrás, Diccionario de
términos de arte y elementos de arqueología, heráldica y numismática, Alianza,
Madrid, 1990, ISBN 84-206-0292-2, p. 30.
Ut queant laxis, resonare fibris, mira gestorum, famuli tuorum, solve polluti,
labii reatum, Sancte Ioannes. Más tarde, se cambió ut por do —excepto en Francia—.
En los países anglogermánicos se mantuvo la notación por las letras del alfabeto:
a=la, b=si, c=do, d=re, e=mi, f=fa, g=sol.«Historia de las notas musicales».
Consultado el 4 de septiembre de 2010.
La denominación «gótico» fue introducida por los artistas italianos del
Renacimiento, en sentido despectivo, pues lo veían como algo bárbaro y atrasado,
como las realizaciones de los «godos» que acabaron con el Imperio romano. Chilvers
(2007), p. 419.
El término «arte moderno» proviene del concepto de «modernidad», teoría
filosófico-cultural que postula la actual vigencia de un periodo histórico marcado
en lo cultural por la Ilustración, en lo político por la Revolución Francesa y en
lo económico por la Revolución Industrial, y que supondría la raíz social propia de
la Edad Contemporánea. El proyecto moderno se caracteriza por el fin del
determinismo y de la supremacía de la religión, sustituidos por la razón y la
ciencia, el objetivismo y el individualismo, la confianza en la tecnología y el
progreso, en las propias capacidades del ser humano. Esta «era moderna» habría
llegado hasta la actualidad, estando plenamente vigente según unos escritores,
mientras que otros defienden que es actualmente una fase superada en la evolución
de la humanidad, hablándose de «posmodernidad» como periodo sucesor de este
proyecto moderno. Valeriano Bozal: Modernos y postmodernos, Historia 16, Madrid,
1993.
Esta es una simplificación del estudio histórico del arte, pues es difícil
establecer en un nombre o una fecha el inicio de la historiografía del arte. Se
suele citar a Vasari como iniciador de esta ciencia, aunque sus escritos —
generalmente crónicas, inventarios, biografías u otros escritos más o menos
literarios— carecían de perspectiva histórica y el rigor científico necesarios para
ser considerados historiografía del arte. Sin embargo, Winckelmann creó una
metodología científica para la clasificación de las artes, por lo que suele ser
considerado el padre de la historia del arte. Valeriano Bozal (y otros): Historia
de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas (vol. I). Visor,
Madrid, 2000, ISBN 84-7774-580-3.
La palabra deriva del término italiano maniera, que significaba «estilo», y que
fue introducido por Giorgio Vasari en sus biografías de artistas para denotar el
estilo grácil y equilibrado de los artistas de su tiempo. Chilvers (2007), p. 593.
El término «barroco» proviene de un vocablo de origen portugués, donde a las
perlas que tenían alguna deformidad se las denominaba perlas barruecas, siendo en
origen una palabra despectiva que designaba un tipo de arte caprichoso,
grandilocuente, excesivamente recargado. Chilvers: (2007), p. 83.
El rococó surgió en Francia durante la regencia del duque de Orleáns, en la
minoría de edad de Luis XV, y pervivió durante el reinado de éste. El término
rococó se formó con la conjunción del italiano barocco y rocaille, elemento
decorativo parecido a una concha, muy usado en la ornamentación durante este
periodo. Chilvers (2007), p. 818.
En Reflexión sobre la imitación de las obras de arte griegas (1755), Johann
Joachim Winckelmann afirmó que los griegos llegaron a un estado de perfección total
en la imitación de la naturaleza, por lo que nosotros sólo podemos imitar a los
griegos. Asimismo, relacionó el arte con las etapas de la vida humana (infancia,
madurez, vejez), estableciendo una evolución del arte en tres estilos: arcaico,
clásico y helenístico. Valeriano Bozal (y otros): Historia de las ideas estéticas y
de las teorías artísticas contemporáneas (vol. I). Visor, Madrid, 2000, ISBN 84-
7774-580-3, pp. 150-154.
Aunque hoy día se suele generalizar como «música clásica» la música sinfónica de
tipo orquestal, en realidad hace referencia a un periodo concreto de la historia de
la música, caracterizado por el clasicismo, correspondiente al último tercio del
siglo XVIII y principios del XIX. El término «música clásica» apareció por primera
vez en el Oxford English Dictionary en 1836, y señalaba las composiciones europeas
más destacadas del siglo anterior. Con el tiempo ha significado lo opuesto a la
música popular en el lenguaje corriente: es el nombre habitual de la música culta,
académica o docta.The Oxford English Dictionary (2007). The OED Online, ed.
«Classical». Consultado el 10 de mayo de 2007.
El modernismo recibió diversos nombres según el lugar de procedencia: Art Nouveau
en Francia, Modern Style en Reino Unido, Jugendstil en Alemania, Sezession en
Austria, Liberty en Italia, etc. Chilvers (2007), p. 61.
Conviene no confundir con arte postmoderno, aplicado a las últimas tendencias
artísticas del siglo XX y principios del XXI. Francesc Fontbona: El modernisme i el
noucentisme, en El llibre d'or de l'art català, Edicions Primera Plana, Barcelona,
1997, pp. 171-172.
Aunque la fotografía es anterior al cine, éste se considera el séptimo arte y la
fotografía el octavo, pues adquirió tal categoría antes que la fotografía alcanzase
dicho estatus.
Se denominan «vanguardias históricas» a las producidas desde la preguerra de
primeros de siglo (en torno a 1910) y el fin de la Segunda Guerra Mundial. Javier
Arnaldo: Vanguardias históricas (I), Historia 16, Madrid, 1993, p. 6.
El término «surrealismo» fue ideado por Apollinaire en 1917, refiriéndose a lo que
está «por encima de la realidad». En español se tradujo directamente del francés
surréalisme, aunque lo correcto sería «sobrerrealismo» o «superrealismo».
El término art déco es diminutivo de arts décoratifs («artes decorativas» en
francés), y proviene de la Exposición de Artes Decorativas de 1925 (Exposition
Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes) en París. AA. VV.:
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