AUDICIONES HM III GRUPO A y E

ESCRIBIR NOMBRE , AUDICIÓN Y TEMA AL QUE PERTENECE

TEMA 1: LA MÚSICA EN LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XIX

Audición 1 : Franz Schubert : Erlkönig ( El rey de los elfos)
EJEMPLO
(primero lo básico)
Lied para voz y piano de Franz Schubert escrito a comienzos del siglo XIX. Se trata de un Lied
desarrollado puesto que no hay repeticiones musicales con cada estrofa de manera que la
música siempre es diferente. Presenta todas las características del Romanticismo temprano:
la agitación rítmica, los cambios bruscos de tonalidad y dinámica y el tema de la poesía.

(….lo descriptivo)
El lied se basa en un poema de Goethe sobre una leyenda escandinava en la que el Rey de
los Elfos arrebata la vida de aquellos que toca. La magistral adaptación de Schubert
representa a un narrador y a los tres personajes. El narrador introduce la historia en el que
un padre cabalga por el sombrío bosque con su hijo enfermo en brazos, representado por las
figuras pianísticas que representan la velocidad del caballo . Padre e hijo mantienen un
diálogo en el que el padre calma las extrañas alucinaciones que el hijo febril parece tener.
Pero en realidad, en otro plano el hijo enfermo es interpelado por el Rey de los Elfos que en
modo mayor canta una melodía zalamera para atraer al niño hacia su reino y por tanto hacia
la muerte. Cada personaje es representado por el cantante en un registro diferente, grave
para el padre tranquilizador, más alto para el hijo etc. Al final el Rey delo Elfos consigue su
objetivo.

(al final lo histórico)

Schubert escribió más de seiscientos lieds que forman parte de un repertorio que en
Centroeuropa se convirtió en la estrella de multitud de interpretaciones para un público
privado como fueron las Schubertiaden donde el propio compositor acompañaba al piano
sus propias canciones.

Audición 2-) Franz Schubert: Gretchen am spinrade (Margarita en la rueca)

Daniel R. Arranz Carreño

“Margarita en la rueca” es un lied estrófico variado para voz (soprano) y piano que fue
compuesto por Franz Schubert en la primera mitad del siglo XIX, concretamente en el año
1814. Esta obra tiene la característica de que cada estrofa tiene letra diferente y, aunque la
música sea prácticamente igual, en cada una de ellas aparece un detalle distintivo nuevo,
por ejemplo las variaciones melódicas o armónicas que presentan la música de la segunda y
tercera estrofa, de ahí su etiqueta de lied estrófico variado.
La letra de esta composición tiene como origen el poema de “Fausto” del poeta J. W.
Goethe. La historia que narra es el enamoramiento de Margarita por Fausto, un exitoso
mago erudito que sedujo a la joven después de hacer un trato con Mefistófeles (el diablo)
adquiriendo sabiduría y juventud eterna a cambio de su alma. Se nos muestra en el poema
pues, los sentimientos de Margarita mientras está hilando en una rueca y, en el momento en
que ella sueña con el beso de Fausto, su estado de ánimo se acelera. El acompañamiento del
piano, que es un ostinato, se sincroniza en tempo con Margarita y representa la rueca.

Schubert fue uno de los primeros compositores musicales de la etapa del Romanticismo. A
lo largo de su vida, compuso más de 600 lieds, 9 sinfonías, 35 obras de cámara, 22 sonatas
para piano y otras obras, 17 óperas, 6 misas y 200 corales. Utilizó las Schubertiaden (veladas
musicales en las que se reunían artistas de diferentes disciplinas) para exponer sus obras al
piano.
REVISADO

Audición 3: Robert Schumann Fantasiestücke Op. 12 Nr. 2 Aufschwung.

Juan Caamaño Fernández

Aufschwung es la segunda obra de Fantasiestücke, que es un conjunto de piezas breves

(fantasías poéticas con contenido programático) para piano escritas sobre 1837 por Robert
Schumann. En estas pequeñas composiciones se representan dos personajes a partir de los
temas musicales, que representan a su vez las personalidades del autor. Florestán, como
héroe revolucionario, y Eusebius, como poeta melancólico. En Aufschwung vemos como
Florestán se entrega a sus deseos a través de un tema agitado, mientras que Eusebius se
contempla a través de un tema más calmado.

Robert Schumann pertenece a la que se conoce como la primera generación de románticos,

siendo uno de los mejores. Se considera el prototipo de artista romántico y del músico
programático, representando con gran maestría la parte literaria de la música.

REVISADO

Audición 4: Frédéric Chopin: Preludios Op. 28 del No. 1 al No. 4.

Celia Chazo Costa

En la década de 1830 (primera mitad del XIX) Chopin compuso una serie de veinticuatro
preludios que conforman el Op. 28. Se caracterizan por ser breves (entre 30 segundos y 5
minutos) y estar cada uno en una tonalidad distinta inspirándose así en el Clave bien
temperado de Bach. Su orden sigue el círculo de quintas en los impares mientras los pares
están en el correspondiente relativo menor
El preludio No. 1 escrito en Do mayor es un agitato en 2/8 que plasma una figuración de
tresillo de acordes arpegiados que envuelve una melodía con pedal en ámbito de tenor,
resonando su eco a una octava superior. El No. 2 está escrito en La menor, siendo un lento. El
bajo ejecuta corcheas con grandes saltos que alternan el ritmo armónico, mientras la
melodía se sucede en una figuración más lenta en ámbito medio y grave. El No. 3 es un
vivace en Sol mayor compuesto en 4/4. El bajo está compuesto de inicio a fin por
semicorcheas mayormente sucedidas por grados conjuntos, mientras que la melodía es sutil
y refinada compuesta por acordes. Finalmente, el preludio No. 4 está escrito en Mi menor
en tempo largo. El bajo se forma con una sucesión de corcheas que plasman los acordes de
la tonalidad ascendiendo y descendiendo por cromatismo. La melodía es bella y combina la
figuración larga con tramos cortos que dan énfasis a la pieza.

Chopin fue un destacado pianista y compositor romántico. La mayoría de su obra está escrita
para piano. Entre sus composiciones encontramos estudios técnicos, preludios en todas las
tonalidades basados en el Clave bien temperado, polonesas, mazurkas, valses y nocturnos,
además de obras extensas como baladas, scherzos, sonatas y conciertos. Su música se
caracteriza principalmente por la presencia de elementos folklórikos de su Polonia natal, las
melodías y armonías concentradas, además de su majestuosa combinación de virtuosismo
con lirismo.

Revisado

Audición 5: Franz Liszt: Etude de concert m nº3 Un Sospiro

Yolanda Gómez González

Estudio de concierto de Franz Liszt escrito entre 1845-1849. Se trata de un estudio

donde se puede ver la técnica virtuosa de este compositor. El estudio muestra la
dificultad de exhibir una melodía en medio de acordes arpegiados. Parece estar
escrito para tres manos, pero el pentagrama inferior se toca con la mano izquierda,
el medio con la derecha y el superior con la que esté libre en cada momento. Utiliza
armonía cromática, escalas, saltos difíciles, séptimas disminuidas, acordes
aumentados…

La ornamentación melódica y armónica está muy elaborada con una sonoridad

disonante, algo que será característico en la armonía del Romanticismo tardío. La
armonía de Liszt está basada en relaciones de tercera y las escalas no diatónicas.

Liszt se movió en los círculos intelectuales de Budapest, Viena y París. Dio

conciertos por toda Europa siendo el pianista virtuoso por excelencia. Es gracias a
él que ahora tenemos como tradición hacer recitales o tocar de memoria. Compuso
cientos de piezas para piano, así como poemas sinfónicos, música de cámara o
canciones.

REVISADO
Audición 6, Tema 1 : Beethoven : Adagio del cuarteto op 131 en do # menor
Julio Martín Vázquez

El adagio de Beethoven es el primer movimiento del Cuarteto nº 14, op. 131, en Do# menor,
escrito para violín 1º, violín 2º, viola y cello. Se compuso a principios del siglo XIX, dedicado
a Joseph von Stutterheim.

El primer movimiento del cuarteto, Adagio ma non troppo e molto espressivo, es algo
inesperado en las composiciones de Beethoven, puesto que en todos los demás cuartetos
comienzan todos los instrumentos y en este no. Se trata de una fuga, comienza un
instrumento, el violín 1º, siguiendo por orden de tesitura los demás instrumentos ; violín 2,
viola y cello. Cada uno a distancia de 4 compases. El tema de la fuga tiene mucha
expresividad, impulsada por los crecendo y los sforzato en la cuarta nota. El sujeto podría
dividirse en dos motivos: En el primer motivo, las cuatro primeras notas, y en las que están
ligadas. Concretamente, estando en Do# menor, la segunda nota, Si#, contrasta con la
cuarta, La, creando un intervalo de segunda aumentada. En el segundo motivo, las
siguientes notas tratan de deshacer la tensión del primer motivo. El sujeto aparece en
diversas formas. A veces tan solo la primera mitad, sin llegar a resolver. Dialogando entre los
violines, con figuración más larga. El final de este movimiento queda armónicamente
indefinido porque hacen unísonos con el do#.

Beethoven fue un compositor, director de orquesta y pianista, que abarcaba

cronológicamente desde el clasicismo hasta el romanticismo, siendo uno de los
compositores más importantes. Concretamente, los cuartetos fueron las últimas
composiciones que hizo. En los cuartetos se puede comprobar el desarrollo de Beethoven a
través de sus tres estilos. Los primeros cuartetos, fieles a Haydn. El segundo periodo se
reflejan en los cuartetos rusos. Por último, los más significativos son los seis finales,
compuestos entre 1824 y 1827, correspondientes a la última etapa.

Revisado ( cuidado con las citas al pie de la letra )

Audición 7: Felix Mendelssohn: Trío con piano en re menor nº 1, 1er movto

Kevin Morales Rey

Primer movimiento del trío con piano en Re menor nº 1 de Felix Mendelssohn, compuesta
en 1839. Se trata de un trío en forma sonata compuesto para violín, cello y piano, en la que
Mendelssohn demuestra gran talento compositivo, ya que logra hacer frente a todos los
problemas acústicos (piano con sonido muy poderoso, al contrario que el violín, y un cello
que tiene mucha dificultad en destacar entre estos dos debido a su tesitura)
En este 1er movimiento, que se inicia en un allegro agitado, el tema lo presenta el cello con
una melodía romántica y apasionada con un acompañamiento sincopado del piano en
pianissimo, el violín interviene más tarde para completar el tema del cello (repartiendo el
protagonismo entre estos 3 instrumentos tan diferentes). Después de una tempestuosa
transición con pasajes muy virtuosos en el piano y el desarrollo del 1er tema en la cuerda se
presenta un 2o tema también introducido por el cello, esta vez con una melodía más amable
y lírica en modo mayor, que pasa luego por el piano y el violín. Una vez presentados los 2
temas principales el trío se desarrolla siguiendo las reglas de la forma sonata. Cabe
destacar que las diferentes partes de este movimiento están separadas por una transición
virtuosa y enérgica en el piano, así como la constante alternancia entre Re mayor y menor,
dando la posibilidad de un final feliz, que termina por no aparecer.

Esta obra fue estrenada en el mismo año de su composición, en la temporada de otoño en

Leipzig. En su estreno fue interpretada por Mendelssohn lo que nos da una idea de su talla
como pianista. Otro dato interesante es que reescribió el acompañamiento de piano para
hacerlo más romántico, al estilo de Schumann.

REVISADO

TEMA 2 . LA MÚSICA EN LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XIX (II)

AUDICIÓN 1 - Franz Schubert: Sinfonía inacabada, primer Movimiento

Iván Quintana Vázquez

Compuesta en 1822 (aunque descubierta póstumamente) y estrenada en 1865, la Sinfonía

nº8 en Si menor de Schubert se denomina inacabada, ya que consta solo de dos
movimientos. Aunque algunos teóricos afirman que la obra podría estar completa, ya que se
conservan los primeros compases de la versión orquestada de un Scherzo que podría servir
como tercer movimiento, nada demuestra que Schubert quisiera terminar la obra. En el caso
de que, efectivamente esté inacabada, todavía son inciertos hoy en día los motivos por los
cuales el compositor abandonó su composición. Los dos movimientos completos que se
conservan cuentan con la siguiente instrumentación: flautas, oboes, clarinetes, fagots,
trompas, trompetas, trombones, timbales y cuerdas.

El primer movimiento, en Si menor, tempo allegro moderato, compás de 3/4 y forma sonata,
abre con una melodía lenta y misteriosa a modo de Introducción, interpretada por las
cuerdas graves. Tras esta Introducción, comienza la Exposición con un pasaje con
direccionalidad ascendente de las cuerdas agudas sobre un ostinato en pizzicato de las
cuerdas graves y aparece el primer tema de la sinfonía, presentado por los oboes y los
clarinetes, de nuevo con carácter lúgubre y sombrío. La exposición del tema se corta
bruscamente para que, a continuación, este sea recogido por las demás secciones de la
orquesta, que lo varían y lo modulan hasta llegar a un fortísimo en el compás 36, que marca
el final de la primera sección de la Exposición. Justo después, hace acto de presencia el
segundo tema, en sol mayor, presentando por el cello. La segunda sección se fundamenta,
básicamente, en variaciones melódicas y armónicas de este tema. Son frecuentes la
inflexiones a tonalidades cercanas, así como las dominantes secundarias, aunque se
intenta respetar el modo mayor, el cual confiere al segundo tema una vitalidad que contrasta
totalmente con el carácter sombrío del primero.

Tras una repetición, llegamos al Desarrollo, que comienza en Mi menor, la subdominante.

Como acostumbraban a hacer los anteriores compositores, Schubert compuso esta parte
mediante la variación y el desarrollo de los motivos y temas que aparecieron en la
Exposición, aunque introdujo un nuevo elemento: el uso del material de la introducción. De
hecho, este Desarrollo comienza con una especie de recapitulación en otro tono de la
Introducción. También cabe destacar que, en alguna sección desarrolla no solo motivos o
temas, sino que también usa partes destacadas del acompañamiento, como el pasaje
ascendente de semicorcheas que los violines interpretan justo después de la Introducción.

La reexposición nos devuelve a la tonalidad de Si menor, enriquecida ahora con diálogos

modulados entre la madera y la cuerda. Se trata de una Reexposición bastante rigurosa,
siguiendo en gran medida los cánones del Clasicismo, con la salvedad de que el segundo
tema se reexpone en Re mayor, en vez de en el tono fundamental (Si menor). A manera de
coda vuelve una vez más la lastimosa melodía de la Introducción, con la cual concluye el
movimiento.

REVISADO

AUDICIÓN 2- Hector Berlioz IV y V movimiento de la Sinfonía Fantástica

EJEMPLO del profe

Escrita por el francés Hector Berlioz en 1830 Se trata de una sinfonía programática que se
basa como dice el propio programa del compositor en “ un episodio de la vida del artista”
(así está subtitulada la misma). Es una sinfonía autobiográfica en la que aparece un motivo
musical idée fixe (el leitmotiv francés). Es un motivo que representa a su amada, podemos
verlo interpretado a lo largo de la sinfonía, en diferentes contextos y con muchas
variaciones: como la ilusión inicial de los amantes, las miradas, los movimientos del vals en
el segundo movimiento, brillando entre los claros tras la tormenta en el tercer movimiento
pastoral.

El IV movimiento contiene muchos de los pasajes más conocidos de esta inusual sinfonía: el
autor ingiere laúdano y sueña que ha matado a su amada al sentirse rechazado por lo que
es llevado a la guillotina. La música de la banda escolta al reo en su marcha al cadalso,
cuando su cabeza es colocada bajo la cuchilla el último pensamiento hacia su amada, la idee
fixe, hace acto de aparición para después escuchar literalmente el golpe de la guillotina al
caer y el redoble de los tambores anunciando el final.

En el V movimiento Berlioz presenta un interesante movimiento de ultratumba, el autor

asiste a su propio entierro y se ve rodeado de presencias fantasmales (que se convirtieron
en convenciones instrumentales del lenguaje del misterio y el terror en música), trémolos,
pasajes oscuros en la cuerda grave, citas de la Misa de Requiem ( Dies irae etc ) y la
presencia del tema que aparece de nuevo, esta vez de una forma grotesca y deformada
representando a su amada como una bruja.

En cuanto a instrumentación, esta obra destaca por contener un mayor número de

combinaciones orquestales, mostrando la clara influencia de Beethoven y el camino que
seguirá la composición orquestal y la orquestación en la segunda mitad del siglo .

AUDICIÓN 3: Una Voce Un Poco Fa (El Barbero de Sevilla)

Jesús Viejo Álvarez

Es la primera de las dos arias (“Una voce un poco fa” y “Largo al factótum”) que forman “El
barbero de Sevilla”, ópera bufa (temática cómica) italiana de la primera mitad del siglo XIX :
con música de Gioachino Rossini (y libreto en italiano de Cesare Sterbini, basada en la
comedia del mismo nombre (1775) de Pierre-Augustin de Beaumarchais).

En ella, la protagonista canta mientras está escribiendo una carta. Se usa mucho el estilo bel
canto (con mucha ornamentación), La melodía es sencilla pero muy cantabile y la coloratura
la complementa con las agilidades del cantante . Rossini dejaba la ornamentación al
cantante

la instrumentación que utilizó Rossini para la orquesta es sencilla (2 flautas, 1 oboe, 2

clarinetes, 2 fagotes, 2 trompas, 2 trompetas, timbales, guitarra y cuerda) y da completa
prioridad a la voz del cantante, cuya melodía aunque sencilla, está plagada de la
ornamentación propia del bel canto (estilo vocal operístico propio de la época). Se reconoce
fácilmente a la hora de escucharla, pues después de una breve introducción orquestal, la
primera frase que se canta es: “una voce un poco fa”.

REVISADO

AUDICIÓN 4 . Carl Maria von Weber: Escena de la Cañada del Lobo (de Der Freischütz)
Carla Alvariño Fernández ( grupo D )

La Cañada del Lobo es una escena de la ópera alemana El cazador furtivo, compuesta por
Carl Maria von Weber y estrenada en Berlín en 1821. La aparición de esta ópera fue
fundamental para establecer la ópera romántica alemana debido a la introducción de
elementos folclóricos y del pueblo como centro de escena, mostrando sus preocupaciones,
amores y temores.

La escena de la Cañada del Lobo, con elementos del melodrama, cuenta una historia
derivada del folclore en la que Max, un joven guarda forestal, tiene que pasar una prueba de
tiro para obtener la mano en matrimonio de su amada Agathe. Tras intentos fallidos, su
amigo Caspar lo persuade para usar unas balas mágicas que lo ayudarán a ganar, sin saber el
protagonista que su amigo había vendido el alma al diablo y sería este quien controlaría la
última bala, destinada a matar a Agathe. Así pues, en el último tiro de Max, la bala se dirige
a su amada cuando de pronto es protegida por una corona mágica y mata finalmente a
Caspar.

Toda esta escena sombría y trágica va acompañada musicalmente con intervalos

aumentados y disminuidos o con cromatismos, y con un coro fuera de escena que refuerza
los elementos diabólicos y sobrenaturales. Esto finalmente clausura el acto II de esta
importante ópera en la que Weber, junto al libreto de Friedrich Kind, crea un antes y un
después en el mundo de la ópera alemana.

REVISADO

TEMA 3 . LA MÚSICA EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XIX

Audición 1 Verdi :Escena del Acto III de la Traviata Dúo Alfredo y Violeta (Parigi O cara)
Celia Chazo

Se trata de una ópera basada en la novela La dama de las camelias de Dumas, con libreto
de Francesco Maria Piave. Esta ópera en tres actos es intimista y realista, y narra la
relación de un joven con una ramera de lujo hasta que la tuberculosis pone fin a dicha
relación, todo ello ambientado en París. Esta ópera alcanzó el estilo maduro de Verdi, lo que
sirvió de base y modelo a óperas posteriores.

El acto III muestra la reconciliación entre Violeta y Alfredo, y se estructura en: scena
(recitativo), tempo d' attacco (inicio), cantabile, tempo di mezzo (sección dramática de
contraste) y cabaletta rápida. Esta forma está inspirada en los dúos de Rossini, sin embargo
es conocida por Verdi como solita forma (forma usual), la cual combina música y drama sin
demasiadas interrupciones gracias a partes cantadas y recitadas.

La scena es iniciada por la orquesta con melodía saltarina y seguida por un diálogo en
recitativo entre Violeta y la criada Annina quien anuncia la llegada de Alfredo. A
continuación entra Alfredo y comienza el tempo d' attacco a dúo con Violeta en una melodía
lírica seguido por el cantabile (cavatina) Parigi o Cara de forma AABB + Coda, expresando
la ilusión de ir a vivir juntos. El tempo di mezzo es un recitativo contrastante (Violeta se
desmaya) y las emociones se concentran en la cabaletta de forma AABA' + Coda
concluyendo en un dúo.
En esta ópera Verdi aprovecha toda oportunidad para reflejar contrastes y emociones
fuertes usando melodías pegadizas en acción y movimiento, resultado de la mezcla de
recitativo y canto.

REVISADO

Audicion 2 : Tristan e Isolda. Richard Wagner. Preludio Acto I

Irene Miguez Ruibal
Se trata de una ópera alemana de Richard Wagner (1813-1883). Wagner fue uno de los
músicos más influyentes de todos los tiempos y el más destacado de la ópera alemana. Creó
lo que él consideraba un género nuevo; el drama musical. En sus obras, la poesía, la
escenografía, la acción y la música trabajaban juntos para crear lo que llamó una
Gesamtkunstwerk; “la obra de arte total”.Esta obra fue compuesta entre 1857 y 1859 y se
estrenó en Múnich en 1865. Fue patrocinada por el rey Ludwig II de Baviera, quien por aquel
entonces pagaba al compositor.

Cada uno de los dramas musicales está organizado en torno a numerosos temas y motivos,
asociados a personas, cosas, emociones o ideas concretas. Es lo que se conoce como
“Leitmotiv” o motivo conductor ( ya utilizado anteriormente por Berlioz con su idée fixe).
La asociación se establece con la primera aparición del Leitmotiv y con sus sucesivas
apariciones, a la vez que va transformándose.

Esto se ve reflejado en el inicio del acto I, cuando aparece el Leimotiv de Tristán y

posteriormente el de Isolda, introduciendo así a los personajes del drama musical.
Aquí encontramos el llamado “acorde de Tristán”, que puede ser entendido como un acorde
de séptima disminuida sobre Fa( fa, si re#, sol#), lo utiliza para pivotar entre dos tonalidades
(mib mayor y la menor)

Los contrastes entre la música cromática y diatónica y entre pasajes estables e inestables
tonalmente hablando, conforman los elementos básicos expresivos de Wagner. La voz ahora
forma parte de la textura orquestal, la línea vocal es semideclamada, flexible y sin cadencias
claras, lo que se conoce como “melodía infinita”. Esta música se caracteriza por su constante
modulación y el uso del cromatismo, con alteraciones complejas que diluyen las
progresiones armónicas clásicas.
Solo añadir que estos preludios presentan ya muchos de los leit motivs que aparecerán en el
drama

REVISADO

Audición 3 Piotr Ilich Tchaikovsky : Danza del Hada del Azúcar de El Cascanueces (1892)
Alvaro J Iglesias

La Danza del Hada de Azúcar es una pieza mundialmente famosa que forma parte del ballet
Cascanueces de Piotr Ilich Chaikovski, cuyo estreno tuvo lugar en 1892. Se interpreta después del
“Divertissement” y el “Vals de las flores” durante el segundo acto, y es concebido como parte del
solo de un “pas de deux”. La melodía la entona principalmente la celesta (instrumento que se hizo
conocido mundialmente por primera vez a través de esta danza). La Danza del Hada de Azúcar
también es parte integrante de la suite Cascanueces, obra que apareció antes del ballet y con la que
Chaikovski obtuvo un éxito inmediato.

El ballet de Chaikovski está basado en la trama del cuento de E. T. A. Hoffmann" El cascanueces y el

rey de los ratones", en la adaptación de Alexandre Dumas (el padre) y el libretista Marius Petipa. Por
ello, la obra de Chaikovski contiene tanto elementos alemanes como franceses. La Danza del Hada de
Azúcar está incluida en las escenas en el Palacio Mágico del Castillo del Azúcar. El ambiente aquí
tiene un carácter francés, de modo que el Hada de Azúcar se llama La Fée Dragée y el príncipe,
Prince Coqueluche ) y los otros personajes también tienen nombres franceses. En el palacio hay una
fiesta para celebrar la victoria del ejército del Cascanueces sobre las tropas del Rey de los Ratones. Se
presentan danzas de distintos países. Entonces aparecen en el sueño el Cascanueces como Príncipe y
Clara como Hada de Azúcar, quienes bailan un extenso “pas de deux”. La danza de a dos se
interrumpe con un solo de cada uno de ellos: una “tarantela” del príncipe y la Danza del Hada de
Azúcar propiamente.

La Danza del Hada de Azúcar se determina en la partitura como Variation II. Pour la Danseuse, es
decir, como una danza para la solista. Para el Hada del Azúcar, Chaikovski elige en cambio un tempo
más lento de “andante non troppo”. La suite del Cascanueces está compuestas en compases
ternarios como 3/4 o 3/8, el Hada del Azúcar, está en un compás binario de 2/4.

Piotr Ilich Chaikovski fue un compositor ruso del período del Romanticismo. Es autor de algunas de
las obras de música clásica más famosas del repertorio actual, como los ballets “El lago de los cisnes”,
“La bella durmiente y El cascanueces”, la “Obertura 1812”,… Fue considerado uno de los
compositores más importante del periodo aunque obtuvo un gran número de críticas.

Audición 4 Johannes Brahms : Sinfonia 1 en do m op 68 Primer movimiento, Andante

Sostenuto
Adrián Vidal
Johannes Brahms fue un compositor y pianista alemán del romanticismo, considerado el más clásico
de los compositores de dicho período. Se mantuvo fiel toda su vida al clasicismo romántico y
conservador, influenciado por Mozart, Haydn y, particularmente, por Beethoven.

Dedicó al menos catorce años a completar esta obra, cuyos bocetos datan de 1862. Una ejecución
completa de la sinfonía dura, como promedio, entre 45 y 50 minutos.

La sinfonía tiene cuatro movimientos:

1. Un poco sostenuto – Allegro – meno Allegro (do menor)

2. Andante sostenuto (mi mayor)
3. Un poco Allegretto e grazioso (la bemol mayor)
4. Adagio – Più Andante – Allegro non troppo, ma con brio – Più Allegro (do mayor)

La larga gestación se sospecha que fue debida a dos factores. En primer lugar, Brahms era
enormemente autocrítico e inseguro, lo que le llevó a destruir muchos de sus primeros trabajos.
Segundo, había una tal expectación entre los amigos de Brahms y, el público en general, sobre si
Brahms iba a ser continuador de la "herencia" de Beethoven y producir una sinfonía de dignidad y
alcance intelectual comparable. Este no se sentía capaz de estar a la altura.

Al director Hans von Bülow le pareció adecuado en 1877 llamar a esta sinfonía la Décima Sinfonía de
Beethoven, debido a las similitudes percibidas entre la obra y varias composiciones de Beethoven.
Estos comentarios confundían a Brahms, ya que los consideraba equivalentes a acusaciones de
plagio, mientras él consideraba su utilización del idioma de Beethoven un acto de homenaje
consciente. No obstante, esta obra es todavía apodada como la "Décima de Beethoven".

El manuscrito del primer movimiento parece que se ha perdido, pero el resto de la partitura, en
concreto la parte correspondiente al Andante, el Allegretto y el Finale se conservan.

Movimiento nº 1

Sobre un ostinato de corcheas en compás de 6/8 de los timbales, los cuales, hacen alusión a los
pasos de Beethoven; Brahms construye una lenta introducción en la que se encuentra la génesis de
todo el material temático sobre el que basa el movimiento.

Los sutiles pasajes de las trompas, así como los contrastes de intensidad y el sublime trabajo
contrapuntístico, nos recuerdan inevitablemente a Beethoven.

Audición 5 Gustav Mahler: Sinfonía 1 , primer movimiento

Juan Caamaño
Esta primera Sinfonía fue compuesta por Gustav Mahler a sus 24 años . Inicialmente se
trataba de un largo poema sinfónico de cinco movimientos al que, posteriormente se le
eliminó uno de ellos, dando lugar a esta Sinfonía en cuatro movimientos. Se trata de una de
las más apreciadas debido a su riqueza melódica.

Langsam, schleppend es el primer movimiento, y empieza con una introducción mágica con
diversas músicas muy diferentes entre sí : fanfarrias militares, el cuco , reclamos de
pastores, sinfonías pastorales, etc. Sigue una sección más alegre y rápida, primero en la
cuerda para finalmente aparecer en toda la orquesta. Luego repetirá la introducción,para
llegar a una nueva sección con las trompas, justo antes de llegar al momento culmen de la
obra.
Al comienzo podemos escuchar
Se considera a Mahler como el auténtico transmisor de la sinfonía al siglo XX. Director
musical de la Ópera de Viena que sólo componía en períodos vacacionales. En sus
sinfonías se detectan nuevos modos de expresión en una música que estéticamente mira al
pasado. Es el último representante de la tradición clásica vienesa, existiendo una enorme
tensión entre tradición y la búsqueda de nuevos caminos. Resulta característico en sus
sinfonías el lirismo, como demuestra la inclusión vocal en alguna de ellas, es el caso de la
primera sinfonía.

REVISADO

Audición 6: Franz Liszt: Poema sinfónico Les Preludes.

Yolanda Gómez González

Poema sinfónico de Franz Liszt escrito en. Se trata de una pieza donde se puede ver un método
llamado Transformación Temática. Este método fue creado por el propio compositor con el fin de
proporcionar unidad, variedad y lógica narrativa transformando el material temático para reflejar
todos los caracteres necesarios de una obra programática. Hay un motivo de tres notas que se
modifica creando caracteres distintos; fluido, lírico, tormentoso, excitado…

El motivo inicial va siendo enriquecido por medio de añadidos, transposiciones , superposiciones ,

transformaciones rítmicas , Inversiones , etc...

Esta obra fue vinculada a un poema de Alfonse-Marie de Lamartine que usa la misma secuencia de
caracteres.

Liszt se movió en los círculos intelectuales de Budapest, Viena y París. Dio conciertos por toda Europa
siendo el pianista virtuoso por excelencia. Es gracias a él que ahora tenemos como tradición hacer
recitales o tocar de memoria. Compuso cientos de piezas para piano, así como poemas sinfónicos,
música de cámara o canciones.

REVISADO

Audición 7 Isaac Albeniz : El Corpus en Sevilla (de la Suite Iberia)

Pablo Ruibal
Pieza pianística del compositor catalán Isaac Albéniz de su Suite Iberia, colección de obras para
piano de 1905 . Albéniz representa el nacionalismo español en música con sus citas literales y la
adopción de elementos de la música del Sur de España, pero al mismo tiempo su música está
igualmente influenciada por las nuevas tendencias provenientes de la modernidad francesa y por
la propia inventiva y virtuosismo de Albéniz.

En el Corpus, pieza de gran dificultad técnica pero muy brillante cita al comienzo la Tarara, canción
popular española tras la imitación del redoble de tambores de la procesión al principio. Luego
complica las apariciones del tema con pasajes densos en armonía y en fraseo.

Hay un segundo tema que evoca las saetas cantadas en las procesiones en un ambiente muy
tranquilo, en el que se mezclan los giros melódicos flamencos con acordes ampliados y armonía
impresionista, un desarrollo de mucho contrapunto y movimiento rítmico y un última sección sin
pasajes melódicos compuesta de armonías modales con sonoridad “acuática” y sensación de
estatismo que observamos en la música francesa ( p ej La Catedral Sumergida de Debussy de 1910)

Audición 8 Johannes Brahms Quinteto con clarinete en si menor, primer movimiento

Kevin Morales

Primer movimiento del quinteto con clarinete escrito por Johannes Brahms en 1891. Se trata
de una de las composiciones de música de cámara más famosas de Brahms, que fue compuesta para
el clarinetista Richard Mühlfeld y estrenada ese mismo año en Berlín por él y el cuarteto Joachim.

Este primer movimiento es un allegro, comienza con un leitmotiv muy melódico (negra con
puntillo y 6 semicorcheas) interpretado primeramente por los 2 violines y que aparecerá en varias
ocasiones y cerrará la obra. Consta de 3 temas diferenciados en la exposición, el primero comienza
con una frase introducida por el clarinete que luego recogerán el cello y la viola y conducirán a la
tensión del segundo tema, más espeso que se transformará en calma para desembocar en el tercer
tema, levemente entrecortado sobre síncopas. Seguido de esta exposición viene un desarrollo libre
en la que una idea secundaria toma protagonismo, para acabar con una reexposición simétrica y una
coda que termina con el leitmotiv inicial en el clarinete.

Esta obra si bien tiene un tono melancólico y nostálgico propio del romanticismo, se puede
apreciar en ella la influencia del clasicismo (el quinteto con clarinete de Mozart) y su creciente
admiración por Bach.

REVISADO

Audición 9 Johannes Brahms : Wie melodien

Cristina López Fraga ( grupo C )
"Wie melodien" es un lieder dentro del Opus 105, un ciclo de composiciones de Brahms.
"Wie melodien" es uno de los más conocidos. Es tan famoso por la belleza de su melodía
principal. Es conveniente conocer el significado de su texto (más abajo la traducción), un
poema de Klaus Groth, para entender el sentido total de la obra. Cuando leemos el poema, y
cuando ya creemos entender su significado, éste parece desaparecer, y Brahms presenta esa
sensación perfectamente a través del desvanecimiento de la tónica al final de cada estrofa.
Está evasión da un importante pista sobre el significado del poema, ya que es un poema
autorreflexivo, un poema sobre la poesía misma.

Las palabras encajan a la perfección con la melodia, y dan sentido total al poema. De hecho,
Brahms se queja de que este ciclo de poemas se canta sin pararse a pensar en el orden que
le da significado. Lo cantan muchas veces desordenado, perdiendo así la coherencia del
orden y que Brahms le otorgó.i

"Wie Melodien zieht es" "Como melodías"

Wie Melodien zieht es Como melodías atraviesa

Mir leise durch den Sinn, mi espíritu dulcemente.
Wie Frühlingsblumen blüht es, Como flores primaverales florece
Und schwebt wie Duft dahin. y flota como el perfume.
Doch kommt das Wort und faßt es Pero viene la palabra y lo agarra
Und führt es vor das Aug', y os lo pone ante la vista;
Wie Nebelgrau erblaßt es como grises brumas palidece
Und schwindet wie ein Hauch. y desaparece como un soplo.
Und dennoch ruht im Reime Y ,sin embargo, en la rima
Verborgen wohl ein Duft, se oculta todavía un perfume
Den mild aus stillem Keime que el ojo húmedo reclama
Ein feuchtes Auge ruft. de su callada semilla.

(Klaus Groth) REVISADO

Audición 10 : Charles Harris : After the ball ( 1892)

Daniel Arranz
“After the ball” es un canción de carácter popular que fue compuesta por Charles Harris a finales del
siglo XIX, concretamente en el año 1891. Este vals escrito en 3/4 contiene 3 estrofas que se van
combinando con un único estribillo. Presenta los rasgos de la canción de musical de Broadway aún
sin elementos del jazz
Esta canción fue escrita por C. Harris después de presenciar una pelea entre dos jóvenes amantes en
un baile de Chicago. El argumento de esta obra es el relato que hace un anciano a su sobrina sobre
las circunstancias que le han llevado a no tener nunca pareja sentimental. El señor mayor había visto
a su novia en un baile besándose en los brazos de otra persona y la había rechazado furiosamente.
Transcurrido un tiempo, cuando la mujer había muerto, el descubre que fue su hermano quien
estaba con su novia.

“After the ball” se convirtió en la primera partitura de la historia en vender un millón de copias,
aunque sus ventas en total sobrepasan de los cinco millones. Curiosamente, y como muchos
compositores de la época, Harris nunca aprendió a leer o escribir notación musical.

REVISADO
SEGUNDA PARTE: SIGLO XX
Tema 4 La música en la primera mitad del siglo XX (I)
Audición 1 A. Schönberg: Pierrot Lunaire op. 21
Daniel Arranz
Inspirada en el ambiente generado por el cabaret vienés, esta obra es un ciclo de canciones
basadas en un conjunto de 21 poemas de Albert Giraud cuya música fue compuesta por
Arnold Schoenberg. Fue estrenada en Berlín en 1912, con Albertine Zehme como vocalista.
La soprano solista canta los poemas en el estilo recitado (conocido como “sprechstimme”).
La obra es atonal, pero no es dodecafónica ya que esto sería experimentado más adelante
por Schoenberg.
La estructura temática de Pierrot Lunaire, que consiste en tres grupos de siete poemas, está
hecha de esta forma: el primer grupo trata sobre el amor, el sexo y la religión; el segundo
sobre la violencia, el crimen y la blasfemia; y el tercero sobre su regreso a casa en Bérgamo.
Schoenberg hace un uso extensivo de motivos de siete notas.
Arnold Schoenberg fue uno de los músicos y compositores más importantes del siglo XX
debido a que fue uno de los primeros en hacer uso de la música atonal, sobre todo cuando
comenzó a emplear la técnica del dodecafonismo, técnica fundamental para el desarrollo del
que sería más adelante el estilo del serialismo.
REVISADO

Audición 2. Tema 4. Anton Webern: sinfonía op. 21

JUAN CAAMAÑO FERNÁNDEZ

A Sinfonía op.21 foi composta por Anton Webern e estreouse en 1929. Escribeuse en
linguaxe dodecafónico, un sistema creado polo seu mentor Arnold Schönberg, no cal se
escribía a música a partir de series de doce notas da escala cromática en diferente orden, e
en combinación dunhas series con outras. Emprega o dodecafonismo dun xeito diferente a
Schönberg, levando a serialización a outros factores da música, como as dinámicas e o
timbre.Consta de dous movementos: o primeiro, en forma sonata e cun doble canon
inverso; e o segundo, que consta dun tema con variacións.

Webern foi un coñecido director de orquesta nos anos 20, pero a partir de 1933 foi
marxinado pola súa ideoloxía. As súas obras son breves, arredor de 10 minutos, sin
repeticións nin adornos. Reescribía e revisaba as súas obras tanto que o seu catálogo
resulta ben reducido.

REVISADO
Audición 3 Kurt Weill: Kanonen song (de Drei Groschen oper)
CELIA CHAZO COSTA

Die Dreigroschenoper, "La ópera de los tres centavos" (1928) es un temprano ejemplo de la
comedia musical y el éxito definitivo de Kurt Weill, compositor alemán nacido en 1900. El
título reconoce esta ópera en 3 actos como una obra de poco valor, una ópera que habla
acerca de la clase baja, los delincuentes y las prostitutas, todo ello envuelto en una marcada
crítica social. El dramaturgo Bertolt Brecht colaboró en esta pieza, una versión y actualizada
escrita para orquestina de cabaret, de la ópera inglesa del XVIII. La pieza está muy influida
por el jazz y doblada para varios instrumentos, alrededor de 23 partes.

La canción Kanonensong aparece en el acto I. Peachum, el rey de los mendigos, intenta

deshacer la relación entre su hija Poll Sophie y Macheath, y para ello lo manda matar. Es
salvado por su amigo y jefe de policía Tiger Brown, quien canta a dúo junto a él esta canción.
Pues la letra trata sobre la experiencia de ambos en las guerras coloniales de Inglaterra. Esta
canción está escrita en ritmo de foxtrot, para la velocidad y voz del charleston, un baile de
moda de los años 20. La pieza consta de acordes incompletos por momentos, sin la 3ª o la
5ª. Tiene una estructura que alterna estrofas con un mismo estribillo, todo ello con
contestaciones de los vientos y demás instrumentos.

Durante la era nacionalista Weill reflejó su descontento con la sociedad mediante su música
en un tono crítico e irónico, pues su música huye de lo intelectual, inspirándose en lo
popular con influencias del jazz. Su música fue rechazada y prohibida por los nazis y se exilió
a París y, más tarde, a EEUU, en donde triunfó como compositor de musicales en Broadway.

REVISADO

Audición 4 Carl Orff: Carmina Burana, III: Veris leta facies

Álvaro Iglesias Díaz

Estamos ante el tercer movimiento (Veris Leta Facies) de la obra “Carmina Burana”
de Carl Orff. Esta cantata escénica fue creada en la Alemania, sobre 1935 y 1936,
utilizando como texto una selección de poemas medievales escritos en latín tardío,
alto alemán medio y francés antiguo. Estos fueron encontrados en Bauren, y era
una crítica hacia las clases sociales. Se estrenó el 8 de junio de 1936 en la Alte
Oper de Francfort del Meno, dirigida por Oskar Wäterlin. En cuanto a su
instrumentación, se creó para orquesta y coros, aunque intervienen solistas
(soprano, tenor, barítono) y percusión.
 “Veris leta facies” es el tercer movimiento que se encuentra en la primera
parte de la cantata. Tiene una temática de un canto a la vida, a la primavera y a la
naturaleza. Comienza con una introducción de dos pianos e instrumentos de
percusión, seguido de un tema A formado por las voces del coro en modo eólico.
Posteriormente comienza el tema B (dos pianos y percusión) que acompañan con
acordes a un coro ahora en un registro más agudo. Estos dos temas se repiten
periódicamente durante todo el movimiento sin apenas variación.

Audición 5 Bela Bartok: Allegro barbaro (1911)

Yolanda Gómez González

Allegro Bárbaro es una pieza para piano solista de Bela Bartók. Obra compuesta en 1911,
introduce una nueva concepción del piano utilizándolo más como un instrumento de
percusión.

En esta pieza combina la escala pentatónica propia de la música campesina húngara, y la

escala cromática propia de la música rUmana. Es una composición corta, para el baile,
aunque al principio parece una composición libre. Está escrita en forma ternaria donde hay
dos temas y uno repetido creando la forma A-B-A.

Bela Bartók fue pianista y compositor de un gran talento. Estaba profundamente

comprometido con la música tradicional, tanto como compositor como etnomusicólogo.
Recopiló y estudió la música campesina húngara, rumana, eslovaca y búlgara.

REVISADO

Audición 6 Bela Bartok: Dos piezas de Mikrokosmos

6.a) Mikrokosmos : nº 86 Dos pentacordos mayores ( bimodalidad)
6 b) Mikrokosmos nº 113 Ritmos búlgaros

Fabián Jamardo
Audición 7 Claude Debussy: Prelude La cathedrale engloutie
Julio Martín Vázquez

La catedral sumergida de Claude Debussy pertenece al primer libro de preludios escrito para
piano, siendo este el número 10. Es una obra de la primera mitad del siglo XX.

La obra comienza con acordes extendidos por cuartas y quintas y a su vez arpegiados en
pianísimo, representando las burbujas ascendiendo del fondo del mar, creando un ambiente
submarino. El empleo de las escalas pentatónicas recuerda a la ascendencia bretona de la
leyenda.

La realización de estos acordes recuerda a Debussy cuando la catedral comienza a

descubrirse porque baja la marea y suenan las campanas, seguido de esto, vuelve al
ambiente del principio, cuando la catedral vuelve a sumergirse por la marea alta. La armonía
que pretende crear son zonas estáticas con distintos colores y matices, y a la hora de
cambiar hace una modulación.

Claude Debussy se inspiró en la leyenda bretona de la ciudad de Ys que fue una ciudad que
fue sumergida por el mar, que recuerda a París cuando tuvo inundaciones.
REVISADO

Audición 8 Darius Milhaud: Saudades do Brasil , nº 12: Paysandú

Kevin Morales Rey

La número 12 es la última de las danzas de la suite “Saudades do Brasil” para piano

compuesta por el francés Darius Milhaud en 1920, después de su visita a América latina
(1917-18). Cada danza se basa en un tango o ritmo de danza y lleva el nombre de un barrio
de Río de Janeiro o de una ciudad brasileña. A esta etapa le debe su fama y reconocimiento,
(aunque en Francia en un principio no tuvo tanta aceptación) por lo que le dedicó sus obras
a las personas que lo acompañaron en su estancia en Brasil. Así pues, la danza n.º 12 se la
dedicó a Paul Claudel, un poeta francés enviado a Brasil junto con Milhaud. Su música
destaca por sus experimentos politonales, la exploración de las miniaturas, la riqueza rítmica
y las ásperas disonancias entremezcladas con los fragmentos de melodías tonales
tradicionales, simples y claras.

Milhaud es un miembro de Les six y uno de los compositores más prolíficos del siglo XX. Él
consideraba que los años en Brasil y posteriores fueron su etapa de mayor riqueza musical,
no solo como compositor sino también como intérprete, ya que aquí al contrario que en
Francia, tenía la oportunidad de dar muchos conciertos, de violín mayormente pero también
de piano o viola. Otro factor importante en esta etapa fue la oportunidad de asistir a
numerosos conciertos y veladas musicales, que lo ayudaron a asimilar más profundamente
la música brasileña.

REVISADO

Audición 9 Igor Stravinsky: Danse des adolescentes de La Consagración de la Primavera

Sergio Piñeiro Martínez

A “Consagración da Primavera” está composta por Igor Stravinsky en 1913 para a compañía
de teatro de Sergéi Diáguilev en París. Foi estreada nese mesmo ano no teatro dos Campos
Elíseos e tivo moitas críticas polo seu estilo vangardista tanto na música como nas
coreografías que foron usadas para o ballet. Debido a sua ampla orquestación e dificultade
técnica, a música fixose incluso máis famosa que o propio teatro ou danza e foi considerada
unha das obras máis importantes e influintes do século XX.

“A danza dos adolescentes” forma parte da primeira parte da obra titulada “A adoración da
terra” e dentro desa parte é o segundo movemento, xusto a continuación do inicio da obra,
aberta polo famoso solo de fagot. A trama da obra xira arredor dun rapto sucedido na Rusia
antiga para sacrificala ao inicio da primavera no que bailan facendo o rito de quitarlle a vida
e asi obter a benevolencia dos deuses ao comezo desta nova estación. En concreto, este
movemento a analizar trata sobre os xóvenes chegando ao río en fila para así executar a
danza da primavera. Este movemento abrese cun rítmo claro de corcheas sobre o acorde de
mib M ca contestación das trompas nas partes acentuadas, durando 8 compases (podendo
predecir que é música escrita para ballet). O tema parece que se quere escapar da violencia
e rítmica anterior ca intervención dos fagotes e ventos pero logo volve a parte a sección
anterior cun toque de timbales. E o movemento transcurre asi, intercalando partes violentas
con partes máis dociles e remata con dous acordes en fortissimo para dar paso ao seguinte
movemento.

Igor Stravinsky naceu na seguna metade do século XIX en Rusia e morre na segunda metade
do século XX en Nova Iork. Foi director e compositor de orquesta sendo un dos músicos máis
importantes deste século. As súas obras máis populares e destacables son “Petrushka”, “A
Consagración da Primavera” e “Pájaro de Fuego”.

REVISADO
Audición 10 Dmitri Shostakovich: Marcha de la Sinfonía nº 7
Fabián Jamardo

Tema 5 La música en la primera mitad del siglo XX (II)

Audición 1 Cole Porter: Night and day

Versión orquestal (1933 aprox)
Versión de Billie Holiday, (1939)
Jesús Viejo
La canción Night and Day fue compuesta por Cole Porter, quien fue un reconocido compositor
y letrista de música popular estadounidense. Porter compuso Night and Day en 1932 para el
musical Gay Divorce (Alegre Divorcio), el cual tuvo mucho éxito en su versión cinematográfica
de 1934, con el actor Fred Astaire y la actriz Ginger Rogers, titulada The Gay Divorcee (Alegre
Divorciada). En la escena en la que se representa esta canción, el personaje que interpreta
Astaire le canta al personaje de Ginger, con el fin de poder enamorarla.
La versión de Billie Holiday de la canción Night and Day, nos demuestra una vez más la
increíble capacidad de esta cantante de jazz de transformar melodías que han sido tocadas y
representadas una y otra vez, en verdaderas obras de arte vocal.
De hecho, al escuchar ambas grabaciones, se puede apreciar perfectamente la diferencia de
timbre, ritmo y cadencia que Billie Holiday aporta a la canción, y parece ser una pieza
completamente distinta y nueva.
REVISADO

Audición 2 Bessie smith : Black water blues (1927)

Daniel Arranz
Black water blues es una canción perteneciente al estilo del blues que fue escrito y grabado
por la cantante Bessie Smith con la compañía, en la grabación, del pianista James P. Johnson
en 1927. Aunque está asociada a la Gran Inundación del río Mississippi en 1927, la canción
fue escrita tras una devastadora inundación que tuvo lugar en Nashville, Tennessee en la
Navidad del año 1926.
La estructura de la letra es AAB, una estructura corriente en este estilo musical. En este
estándar, las palabras pueden sufrir variaciones de un artista a otro, sin embargo, hay un
versículo de apertura que es representativa de la obra: “Cuando llueve cinco días y el cielo se
oscurece como la noche, esa noche hay problemas en las tierras bajas.”
Bessie Smith, también conocida con el mote de “Emperatriz del Blues”, fue la cantante de
blues femenina más popular de las décadas de 1920 y 1930 y, además, suele ser considerada
como una de las mejores cantantes de su época siendo de gran influencia para futuros
cantantes del blues y del jazz.
REVISADO

Audición 3. Tema 5. Louis Armstrong: west end blues (1928)

JUAN CAAMAÑO FERNÁNDEZ

West end blues es un blues de doce compases compuesta por Joe Oliver. En esta
grabación de Louis Armstrong, además de ser la más conocida de esta pieza, también
apreciamos la técnica del scat, es decir, cantar haciendo ruidos, la voz como un
instrumento, sin letra.

En la primera vuelta se toca la pieza en conjunto, en las siguientes repeticiones se

mantiene el esquema armónico, sobre el cual se realiza un desarrollo de la melodía, una
improvisación, de manera más bien individual, ( CHORUS) para finalizar reaparece el
conjunto otra vez.

Louis Armstrong es uno de los iconos del jazz, considerado probablemente el más conocido
de todos los tiempos. Es reconocido tanto como trompetista como vocalista dejando una
clara influencia en ambos.
REVISADO

Audición 4 Duke Ellington: Cotton Tail

CELIA CHAZO COSTA

Cotton tail (1940) es una pieza cuya melodía se basa en la progresión armónica de I Got
Rhythm de Gershwin. Ellington lo compuso originalmente para instrumentos y más tarde le
añadió letra. Esta pieza está escrita para su big band de entre 10 y 12 músicos,
agrupándolos en viento metal, viento madera y ritmo. Tiene ritmos muy marcados y ligeros,
con acentuaciones propias del swing

En general, las piezas jazzísticas tienen la siguiente estructura: presentación del tema en la
melodía inicial, rueda de solos por todos los instrumentos o en su mayoría durante los
choruses, finalizando de nuevo con el tema principal, a veces escogidos y reconocidos
como standards. En Cotton Tail esta estructura se puede diferenciar claramente.
Esta primera grabación de esta pieza es conocida por el solo de saxofón tenor de Ben
Webster. Cabe destacar que Ellington reconoció el barítono como fundamental en la
agrupación. En esta pieza instrumental para big band se alterna un tema principal con
pasajes de solista y ornamentos.

Ellington influye en todas las bandas de jazz a partir de los años 30, tanto por su estilo
como por sus estructuras modales. Duke Ellington difundió la idea del jazz como música de
concierto y no sólo como música de baile o entretenimiento. Sus obras eran extensas y
complejas y exigían un alto nivel interpretativo. No obstante, la música de Ellington trataba
sobre historias cotidianas y cercanas, alejándose de lo culto y artístico; aún así fue muy
criticado.

Esta canción es utilizada como la principal del programa de radio The Art of Jazz tanto al
inicio como al final.

REVISADO

Audición 5 Charles Ives: The unanswered question

Alvaro Iglesias Díaz

Originalmente era la primera parte de la obra “Dos contemplaciones’ compuesta en 1906.

Como con la mayoría de las obras de Ives, se mantuvo desconocida durante mucho tiempo,
hasta ser publicada por primera vez en 1940. La perenne pregunta sin respuesta (The
Unanswered Perennial Question) fue uno de los dos nombres que le dió Ives junto con A
Contemplation of a Serious Matter (Una contemplación de un asunto serio).

A principios Ives pulió la partitura en 1908, entre 1930 y 1935 trabajó en una versión
de ella para orquesta sinfónica y el estreno fue el 11 de mayode 1946, interpretado por una
orquesta de cámara. La versión original de la obra no fue estrenada sino hasta marzo de
1984, por Dennis Russell Davies y la American Composers Orchestra en Nueva York
(Mortensen 2005).

Podríamos decir que la obra tiene un carácter filosófico ya que se basa en las
preguntas que se puede hacer un hombre sobre su propia existencia. Está formada por tres
niveles, cada uno de ellos con un tempo y tonalidad diferente. Por un lado encontramos las
cuerdas, por otra parte el viento madera y por último la trompeta. La obra comienza con una
armonía clara (triádica) en las cuerdas que ejemplifica la existencia del hombre sin
preocupación alguna y posteriormente la trompeta plantea la pregunta que se repite a lo
largo de toda la obra (hasta en siete ocasiones sin ninguna alteración). La primera
respuesta que observamos está en los vientos y es atonal y la madera según avanza la
pieza también se vuelva atonal y confusa. Finaliza termina con la trompeta dejando la
pregunta al aire, ya que no se puede obtener respuesta alguna.

Charles Ives fue un compositor estadounidense nacido a finales del siglo XIX. Tenía
gran influencia de todas las corrientes musicales europeas de este siglo, aunque no tenía
contacto directo con ellas. Su inquietud por la búsqueda de las posibilidades musicales le
llevó a introducir en su creaciones elementos novedosos, sin perder sus raíces
estadounidense.

Audición 6 Edgar Varese: Ameriques

Yolanda Gómez González

Ameriques es una composición orquestal escrita entre 1918 y 1921 por Edgar Varese. En ella
se nota la influencia de Debussy, por sus melodías fragmentarias y su estructura poco
definida, de Schönberg por las fuertes disonancias y el extremo uso del cromatismo, y
Stravinsky por relacionar una idea musical con el color instrumental.

En esta obra no hay un desarrollo lineal, sino una estructura en capas sonoras, coloca una
serie de bloques de música marcados por la textura y el timbre. Está escrita para una
orquesta grande con mucha percusión. Incluye sonidos distintos como las sirenas, con ellas
representa las sirenas de los coches de policía en la ciudad de Nueva York.

Edgar Varese, nació en Francia, pero fue exiliado a Nueva York, destruyó mucha de su música
para partir de cero haciendo honor a su nueva patria. Sus obras evocaban la ciencia, la
ciudad y el mundo moderno.

REVISADO
Audición 7 Aaron Copland: Fragmento de Appalachian spring
Fabián Jamardo

Audición 8 Heitor Villalobos: Cantilena de la Bachiana nº 5:

Julio Martín Vázquez

Las Bachianas brasileiras son un conjunto de obras creadas por Heitor Villalobos entre 1930
y 1945, concretamente la número 5 es la más famosa.

Es una obra escrita para soprano y un conjunto de 8 violonchelos en la menor. Comienza con
un aria en tempo adagio en 5/4 sobre los pizzicato de los violonchelos. La melodía de la
soprano es doblada a unísono por uno de los chelos. A continuación hay un soli entre dos
violonchelos y van haciendo solos alternándose hasta terminar en un 3/2. Comienza un
tempo piu mosso, es la parte más difícil para el soprano, exigiendo una capacidad expresiva.
Hay 14 compases de espera para que el soprano tome un respiro y la obra termina volviendo
al adagio.

Heitor Villalobos fusionó el folklore brasileño con el estilo y forma de Johann Sebastián Bach,
que era uno de sus ídolos.

REVISADO

Audición 9 Manuel de Falla: El Amor brujo.

Kevin Morales

El amor brujo es un ballet con cante jondo compuesto por Manuel de Falla en 1915, tras
volver a España de París al iniciarse la primera guerra mundial. Sugerida por la bailarina
gitana Pastora Imperio, está basada en una misteriosa historia folclórica que solía narrar la
madre de la artista, quien instruyó a Falla con respecto a las canciones folclóricas y las
leyendas gitanas. La obra se estrenó en Madrid en el teatro Lara el mismo año, pero con
poco éxito. Por esta razón Falla decidió realizar cambios, como pasarlo de un conjunto de
cámara a una orquesta sinfónica, así como combinar sus dos escenas en una sola y eliminar
canciones y danzas.

A través de sus canciones y danzas populares, El amor brujo refleja el misticismo de la

cultura gitana. La historia nos habla de Candelas, una joven bella y apasionada, que se
enamoró de un gitano malvado y celoso, y a pesar de haber sido infeliz con él, lloró su
pérdida, siendo incapaz de olvidarlo. Su recuerdo la persigue y la atormenta como si de un
espectro se tratase. Aparece Carmelo, quien se enamora de Candelas e intenta que este
amor sea correspondido. Ante la insistencia del espectro de atormentarla, Carmelo idea un
plan para conseguir liberarla de él. En el pasado fue camarada del gitano cuyo espectro
ronda a Candelas y conoce su debilidad por las mujeres bellas. Por ello acude a Lucía, una
bella gitana amiga de Candelas, y la convence para que seduzca al espectro y así poder
separarlo de su amada para poder conquistarla. Así llegamos a la parte del ballet más
conocida, la Danza ritual del fuego, donde Candelas baila con sus compañeras en un ritual
alrededor de un brasero, entre tanto, el espectro queda prendido por la belleza de Lucía,
quien danza mientras entona la Canción del fuego fatuo, rica en melodía y llena de
simbolismos. Finalmente Carmelo y Candelas logran intercambiar el beso que derrota a la
maligna influencia del espectro, el cual perece.

En la versión original, es la propia Pastora Imperio quien dio vida al papel de Candelas. Su
familia, que fue determinante en la creación de esta obra por sus conocimientos del folclore
andaluz ,además de facilitar material musical, también fueron parte de la producción de la
misma, ya que varios de ellos participaron en el estreno. Por otro lado, durante muchos años
se creyó que el libreto pertenecía al escritor Gregorio Martínez Sierra, con quien trabajó
muchas veces, sin embargo todo parece indicar que fue su mujer María Lejárraga García la
autora, que en varias ocasiones había escrito en su nombre.

REVISADO

Tema 6 La música después de la Segunda Guerra Mundial

(1945-1970)

Audición 1 Olivier Messiaen: Quatuor pour la fin du temps.: Liturgie de cristal

Sergio Piñeiro Martínez

O “Cuarteto para a fin dos tempos” está composto por Olivier Messiean no século XX
durante a segunda guerra mundial e foi estreada en 1941 nun campo de prisioneiros en
Görlitz. E esta composta para un inusual cuarteto formado por un violín, un clarinete en sib,
un violonchelo e un piano e ten unha duración estimada de 50 min.

Messiaen foi prisioneiro nun campo de concentración en Görlitz. Con el estaban tres
músicos profesionais que tocaban o clarinete, o violonchelo e mais o violín. De camiño ao
campo, Messiaen ensinoulles uns bocetos do que iba a ser o 3º movementos deste cuarteto,
titulado “Abîme des oiseaux”. Despois de conseguir papel e lapis para escribir, compuxo un
trío para eles e logo o dito cuarteto. “Liturxia de cristal” está escrito para os catro
instrumentos do cuarteto, non como o 3º movemento que está escrito para clarinete solo.

A “Liturxia de cristal” as cancións de dous paxaros interpretados polo clarinete e o violín e o

rítmo levano o chelo e o piano, onde o chelo fai ciculos dunha melodía de cinco notas(DO,
MI, RE, FA# e SIb nun patrón de 15 compases. A parte dun piano consiste nun patrón rítmico
de 17 notas permutado estrictamente a través de 29 acordes para que nos dea a sensación
de que e algo eterno.

Olivie Messiaen naceu na primeira metade do século XX en Francia en Francia en 1992. Foi
un organista, compositor, pedagógo e ornitólogo. Foi un dos músicos máis importantes da
segunda metade do século XX pola súa admiración á natureza e fascinación polo hinduismo.

REVISADO

Audición 2 Pierre Boulez: Structures I

Audición 3 John Cage: Sonata V for prepared piano

Jesús Viejo
La sonata V para piano preparado es una pieza que forma parte de una colección llamada
Sonatas e interludios, que consta de 20 piezas para piano preparado, escritas entre 1946 y
1948, por el compositor vanguardista John Cage.
Las más destacadas son las 16 primeras sonatas, trece con una composición en forma
binaria, tres en forma ternaria, y cuatro interludios de estructura más libre.
El propósito de dichas piezas consiste en expresar las ocho emociones permanentes de la
tradición india “rasa”, en la cual se había iniciado Cage unos años antes de empezar a
componer estas obras.
En su momento hubo algunos críticos musicales que decían que Cage pretendía burlarse del
piano y de la música para ese instrumento con estas obras, pero Cage siempre afirmó que él
lo único que buscaba era experimentar la sonoridad del instrumento pues él siempre se
consideró una persona curiosa, según cuenta en algunos de sus escritos sobre estas sontas e
interludios.
REVISADO

Audición 4 Harry Partch: Castor & Pollux

Daniel Arranz

Castor and Pollux es una obra de danza que cuenta la historia de Leda y de los gemelos
celestiales (en la mitología griega) Castor y Pollux. Ambos gemelos tienen su propia mitad de
la composición de 15 minutos. Las primeras tres escenas de cada mitad están escritas para
dos instrumentos y son interpretadas por dos bailarines mientras que en la última escena,
los seis músicos y seis bailarines actúan simultáneamente creando una superposición de
ritmo, melodía y armonía.

En esta obra, Partch hace uso de un método de composición de doble exposición. En ella,
una sección que suele estar diseñada para interpretar a dúo instrumental es seguida por uno
o más duetos para otros instrumentos de la misma longitud. Seguidamente se produce una
polifonía como resultado de la interpretación simultánea de varios duetos.

Harry Partch fue un músico estadounidense del siglo XX que se dedicó a componer
complicadas obras musicales que requerían del uso de instrumentos singulares que el
mismo inventaba. Fue uno de los primeros compositores en utilizar el sistema musical
microtonal.

REVISADO

Audición 5. Tema 5. Pierre Schaeffer: Etude aux chemins de fer

JUAN CAAMAÑO FERNÁNDEZ

Etude aux chemins de fer forma parte de los Cinq études de bruits (cinco estudios de
ruidos), compuestos por Pierre Schaeffer en 1948, siendo las primeras piezas de música
concreta, es decir, que utiliza sonidos pregrabados y los combina, sin notación ni
instrumentos. En el caso de esta audición apreciamos los diferentes "ruidos" que produce
un tren.
REVISADO

Audición 6 Stockhausen:Gesang der Junglinge (Canto de los adolescentes)

CELIA CHAZO COSTA

Stockhausen compuso El canto de los adolescentes en 1955, una obra fundamental

de la música electrónica en la cual se mezclan sonidos por sintetizador, es decir,
sonidos electrónicos de laboratorio hechos mediante ondas. Pues así mismo
estamos ante un instrumento electrónico puro.

Las voces juegan con diferentes sonoridades en las cuales se puede diferenciar un
niño entre los demás efectos. El estreno de esta obra se realizó colocando altavoces
en diferentes puntos del escenario, provocando así el efecto estéreo, emitiendo los
sonidos y voces por diferentes vías, algo que parecía muy real e inquietante.

La música electrónica revolucionó el concepto tradicional de música, pues además

de la capacidad de almacenar y evitar así el uso de intérpretes, se podía combinar o
mezclar con la música tradicional. El sintetizador tendría cabida en casi todos los
géneros, especialmente en el pop, rock, música de cine y música experimental.

REVISADO

Audición 7 Krzysztof Penderecki: Threnody for the victims of Hiroshima.

Alvaro Iglesias Díaz

Krzysztof Eugeniusz Penderecki nació en Dębica, el 23 de noviembre de

1933-(Cracovia). Fue compositor y director de orquesta clásica, conocido por su
estilo de composición, específicamente reconocible en sus obras atonales. Se
caracterizó por el uso no convencionales de los sonidos, timbres o articulaciones.

“Treno a las víctimas de Hiroshima” (en castellano), es una composición

musical de 1960 para 52 instrumentos de cuerda (24 violines, 10 violas, 10
violonchelos y 8 contrabajos). Contiene una gran variedad de colores, sonidos y
texturas (chillidos de sirenas, bomba explotando,…), para lo que utiliza recursos
como el pizzicato, vibratos, glissandos, tremolos o golpes de percusión violentos e
insistentes para recrear un ambiente de caos y explosiones. Utilizaba el cromatismo
y los cuartos de tonos para lograr grandes disonancias. Otra característica
novedosa y peculiar es su partitura gráfica (sin barras de compás) donde se
desarrolla un nuevo lenguaje musical escrito. Para ello creó una guía donde se
indicaban los símbolos y lo que el compositor quiere conseguir con ellos.

La obra de Penderecki, fue creada como homenaje a las víctimas del bombardeo de
Hiroshima causada por Estados Unidos. Fue muy conocida ya que despertó el
interés del gran público e hizo famoso a su compositor.

Audición 8 Terry Riley: In C (1964)

Yolanda Gómez González

In C es una obra escrita por Terry Riley en 1964. Esta obra se basa en la repetición de un
esquema. Está escrita con técnicas de composición seriales y minimalistas.

Esta pieza puede ser tocada por cualquier número de instrumentos, es una composición de
53 figuras que van desde dos notas hasta melodías largas. Se basa en la repetición de la nota
Do constantemente. Cada instrumentista elige una de las frases y la repite las veces que
quiere antes de pasar a otra, creando un proceso de cambio lento que va desde la
consonancia hasta la disonancia y viceversa.

Terry Riley es un compositor minimalista que exploró esquemas generados por la repetición,
técnicas de música de cinta y sistemas de retardo.

REVISADO

Audición 9 Big Mama Thornton Hound Dog

Fabian Jamardo
Audición 10 The Beatles: A day in the life
Julio Martín Vázquez

“A day In the life” es la última canción del disco “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band” de
“the Beatles”, publicada en 1967. La canción es una mezcla de varias partes compuestas por
los integrantes del grupo.

Esta canción de género rock sinfónico está en sol mayor, comienza con una intro de guitarra
y piano en 4/4, cada verso lo canta John Lennon, en sol mayor y en mi menor, y el puente en
mi mayor. Hay un crescendo en cada verso, hasta unirse la orquesta, contrastando con
cromatismos ascendentes y glissandos, cambiando radicalmente con todo lo anterior. Se
vuelve a repetir con ritmo más marcado por la batería y contrabajo, y vuelve a aparecer la
orquesta en crecendo contrastando con lo anterior, acabando en un acorde final en mi
mayor.

La canción fue censurada en las estaciones británicas por su supuesta referencia a las
drogas, por otro lado, se reconoce como una de las canciones más influyentes de “the
Beatles”, incluso fue nominada a un Grammy en 1967 por “mejor arreglo de
acompañamiento vocal e instrumental”.
REVISADO

Audición 11 Procol Harum: A Whiter Shade Of Pale

Kevin Morales

A Whiter Shade of Pale es una canción del grupo de rock británico Procol Harum. Un sencillo
lanzado en 1967 que generó un gran éxito, imponiéndose en la lista de canciones más
escuchadas de la época, durante seis semanas, y llegando a ser conocida a nivel mundial.
Ello condujo a considerarlo más adelante un clásico y una canción de culto. Esta canción
mezcla música clásica con rock, un impulso hacia lo que posteriormente se conocería como
rock progresivo.

La letra, escrita por Keith Reid el compositor del grupo, muestra una especie de película que
describe una historia, la de una relación que se termina. El estilo poético de Keith pasa por
plasmar ideas e imágenes que evocan un estado de ánimo, en este caso, la escena se
presenta como algo decadente, en contraste con la música, claramente basado en el Aria de
la suite n.º 3 de Bach, con el riff de órgano compuesto por Matthew Fisher, genio de la
Hammond B-3. Gary Brooker, cantante, pianista y líder de la banda, le da con la voz un toque
psicodélico a la canción.

Esta canción fue la más representativa del grupo, a quién le deben su fama. A raíz de esto,
hubo un conflicto por los derechos de autor, que pertenecían a Keith Reid por la letra y a
Gary Brooker por componer la música, y no fue hasta 2006 que un juez dictaminó que se
debía compartir el 40% de los mismos con Matthew Fisher, quien compuso la melodía en el
órgano, determinante en el éxito de la canción.
REVISADO

Audición 12 Charlie Parker: Anthropology

Sergio Piñeiro Martínez

“Anthropology” é un standard de jazz (peza de jazz moi coñecida) composta por Charlie
Parker na primeira metade do século XX. Ainda que se di que tivo unha colaboración de
Dizzy Gillespie, a peza asignaselle solo a Parker. O standard pertence ao estilo bebop usando
a progresion armómica doutra canción, como moitos outros bebop compostos nesta época.

Na súa primeira grabación foi titulado como “Thriving from a Riff” e co tempo atribuíuselle o
nome de “Anthropology”. A peza ten unha forma AABA con 32 compases na tonalidade sib
maior. A progresión antes citada proven do tema “I got rythm” de George Gershwin.

Charlie Parker naceu en 1920 en Nova Iork e morre 35 anos despois en Nova Iork. Foi
coñecido como un gran saxofonista e un dos grandes compositores de standards da historia
do jazz. Foi coñecido como “Bird” ou “Yardbird”.

REVISADO

Audición 13 Ornette Coleman: Free jazz part 1

Fabian Jamardo

Audición 14 Bernard Hermann: Tema principal de Psicosis (1960) y escena de la ducha

Jesús Viejo
La clave para entender la composición que se utilizó como banda sonora para la película de
“Psicosis” de Alfred Hitchcock, así como su repercusión, reside en la propia naturaleza de la
composición en sí misma:
Una banda sonora creada únicamente mediante instrumentos de cuerda (exactamente 14
primeros violines, 12 segundos violines, diez violas, ocho violonchelos y seis contrabajos),
cambiando el uso de extensas melodías o motivos con un gran desarrollo, por efectos de
sforzando y abundante forte-piano.
Es una banda sonora increíblemente ligada a la película hasta el punto de llevar el peso de la
acción o promover el avance de los acontecimientos, siempre con un argumento complejo y
manteniendo el suspense de una forma perfecta, característica de las películas de Hitchcock.

REVISADO