Rubén López-Cano

Úrsula San Cristóbal Opazo

Investigación artística
en música

Problemas, métodos,
experiencias y modelos

Prólogo de Luca Chiantore

 1

ISBN: 978-84-697-1948-0

Portada y maquetación: Úrsula San Cristóbal

Primera edición: Barcelona, Diciembre 2014

Rubén López Cano y Úrsula San Cristóbal

Reconocimiento – NoComercial – SinObraDerivada (by-nc-nd):

No se permite un uso comercial de la obra original ni la
generación de obras derivadas.

La investigación y la publicación del libro fueron financiados por

el Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales
del Fondo Nacional Para la Cultura y las Artes de México, emisión
2013, SC/PFPCC/E29/078/13.
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Contenido

Prólogo ..................................................................................................... 8

Introducción ...........................................................................................15

Una oportunidad a la investigación artística .................................... 17

¿Por dónde comenzar? .................................................................................. 18
Objetivos, alcances y límites de este libro ......................................... 20
Descripción del libro ..................................................................................... 21
Agradecimientos.............................................................................................. 24

Primera parte: principios, confusiones y definiciones

1. El dilema de la investigación artística............................................26

2. Investigación, investigación musical e investigación artística

.................................................................................................................38

2.1. ¿Qué es investigar? ................................................................................ 38

2.2. Definiendo lo imposible ..................................................................... 40
2.3. Localizando la investigación artística en música ................... 46

Segunda parte: problemas e instrumentos

3. Investigación académica e investigación artística ............................ 60

4. Formalización del proyecto .................................................................. 63

5. Título y subtítulo ................................................................................... 67

6. Problema o pregunta de Investigación ............................................... 69

6.1. Definiendo la pregunta de investigación .................................. 72

6.2. Buenas y malas preguntas de investigación ............................. 73
6.3. Generación de preguntas de investigación en proyectos
artísticos. ............................................................................................................. 77
6.4. Identificando preguntas y tareas ................................................... 79
6.5. Sumario ....................................................................................................... 82
 3

7. Tareas de investigación: estrategias metodológicas…………...……..83

7.1. Investigación documental ................................................................. 85

7.1.1. Investigaciones artísticas que parten de estudios
(etno)musicológicos. .................................................................................... 86
7.1.2. Investigación en archivos históricos ........................................... 87
7.1.3. Inferencia entre prácticas interpretativas y compositivas ... 88
7.1.4. Intertextualidad heurística para la creación ............................. 89
7.1.5. Interpretación dramatizada de documentos ........................... 92
7.1.6. Investigación en documentos multimedia ............................... 92
7.2. Métodos cuantitativos ......................................................................... 95
7.2.1. Encuesta................................................................................................. 98
7.2.2. Estadística .......................................................................................... 101
7.2.3. Experimentos .................................................................................... 106
7.3. Métodos cualitativos. ........................................................................ 108
7.3.1. El cuaderno de Campo .................................................................. 110
7.3.1.1. Notas de campo. ..................................................................... 110
7.3.1.2. Diario de campo ...................................................................... 110
7.3.1.3. Registros de campo................................................................ 110
7.3.1.4. Reflexiones de campo ........................................................... 110
7.3.3. Observación participante ............................................................. 112
7.3.4. Entrevista ............................................................................................ 115
7.3.5. La historia de vida ........................................................................... 119
7.3.6. Grupos focales o de discusión. .................................................. 120
8. La práctica musical en la investigación artística .............................123

8.1. Práctica informativa, reflexiva, experimental y vehicular

............................................................................................................................... 126
8.2. El papel del artista-investigador como objeto y sujeto de
la investigación ............................................................................................. 132
8.3. Autoetnografía ..................................................................................... 135
8.3.1. Qué es la autoetnografía.............................................................. 138
8.3.2. Relaciones entre autoetnografía e investigación artística 141
8.3.3. Autoetnografía en la investigación artística ......................... 143
8.3.3.1. Autoetnografía como formadora ...................................... 143
8.3.3.2. Autoetnografía informadora ............................................... 144
 4

8.3.3.3. Autoetnografía heurística .................................................... 144

8.3.3.4. Autoetnografía descriptiva .................................................. 145
8.3.3.5. Autoetnografía analítica ....................................................... 145
8.3.3.6. Autoetnografía crítica ............................................................ 145
8.4. Tareas de investigación autoetnográfica en investigación
artística .............................................................................................................. 146
8.4.1. La memoria personal ..................................................................... 146
8.4.1.1. Cronología ................................................................................. 147
8.4.1.2. Autoinventario.......................................................................... 148
8.4.1.3. Autovisualización .................................................................... 150
8.4.2.1. Elección de lo que se va a observar ................................. 151
8.4.2.2. Estrategias de autobservación ........................................... 152
8.4.2.2.1. Autobservación indirecta ............................................. 152
8.4.2.2.2. Autobservación directa ................................................. 152
8.4.2.3. Estrategias de registro de la autobservación................ 154
8.4.2.3.1. Registro por intervalo .................................................... 154
8.4.2.3.2. Registro por intervalo cronológico ........................... 155
8.4.2.3.3. Registro por intervalo de inventario ........................ 156
8.4.2.3.4. Registro por acción......................................................... 156
8.4.2.3.5. Registro por ocurrencia ................................................ 157
8.4.3. Autorreflexión................................................................................... 159
8.4.3.1. Valores y preferencias ........................................................... 160
8.4.3.2. Elaboración de relatos y textos .......................................... 160
8.4.3.2.1. Textos de intenciones .................................................... 162
8.4.3.2.2. Textos de soporte para la construcción de la obra o
interpretación ...................................................................................... 162
8.4.3.2.3. Palabras clave ................................................................... 163
8.4.3.2.4. Imágenes ............................................................................ 163
8.4.3.2.5. Asociaciones con otras músicas que sean
significativas para nosotros. .......................................................... 164
8.4.3.2.6. Textos de desahogo ....................................................... 164
8.4.3.3. Contraste con otras autonarraciones............................... 165
8.4.4. Entrevistas autoetnográficas ....................................................... 166
8.4.4.1. Autoentrevista .......................................................................... 166
 5

8.4.4.2. Entrevista autoetnográfica interactiva............................. 166

8.4.5. Análisis de artefactos preexistentes ......................................... 167
8.5. Recursos metodológicos para integrar la acción/creación
al proceso de investigación .................................................................... 168
8.5.1. Práctica artística............................................................................... 169
8.5.2. Observar la práctica ....................................................................... 169
8.5.4. Reflexionar sobre la práctica ...................................................... 170
8.5.5. Conceptualizar la práctica............................................................ 170
8.5.6. Diseñar nuevas acciones .............................................................. 171
8.6. Experimentación .................................................................................. 173
8.6.1. Conceptos experimentales operativos .................................... 177
8.6.2. Conceptualización .......................................................................... 178
8.6.3. Diseño y/o planificación experimental ................................... 179
8.6.4. Acciones experimentales.............................................................. 180
8.6.5. Metas o fines de la experimentación. ...................................... 180
8.6.6. Productos experimentales ........................................................... 180
8.6.7. Registro experimental ................................................................... 181
8.6.8. Análisis, interpretación y evaluación de acciones y/o
productos experimentales....................................................................... 182
8.6.9. Conclusión ......................................................................................... 183
9. Productos de investigación ................................................................184

9.1. La obra creada en la investigación artística .......................... 184

9.2. El escrito................................................................................................... 185
9.2.1. Relación entre escrito y obra ...................................................... 187
9.2.1.1. Nivel de soporte o apoyo .................................................... 188
9.2.1.1.1. Escrito académico de soporte .................................... 188
9.2.1.1.2. Escrito reflexivo divergente ......................................... 189
9.2.1.1.3. Escrito artístico ................................................................. 191
9.2.1.2. Nivel de complementariedad ............................................. 192
9.2.1.2.1. Memoria .............................................................................. 193
9.2.1.2.2. Memoria crítica ................................................................. 194
9.2.1.3. Nivel de interdependencia .................................................. 194
9.2.1.3.1. Poética de intenciones .................................................. 195
9.2.1.3.2. Poética analítica ............................................................... 196
 6

9.2.1.3.3. Escrito de investigación. ............................................... 198

9.2.2. Tono de la escritura ....................................................................... 200
9.2.2.1. Primera persona o plural de modestia ............................ 200
9.2.2.2. Tono descriptivo. ..................................................................... 201
9.2.2.3. Tono impresionista. ................................................................ 202
9.2.2.4. Tono confesional. .................................................................... 203
9.2.2.5. Tono teórico. ............................................................................. 205
9.3. La defensa oral ...................................................................................... 205

Tercera parte: tendencias y modelos para la investigación artística en

música

10. Nuevos modelos de concierto y difusión de la música ........... 208

10.1. Conciertos-debate ............................................................................ 208

10.2. Espacio: reflexión, reconfiguración y sitios alternativos
para la performance musical .................................................................. 209
10. 3. Reconstrucción virtual de espacios acústicos ................... 210
10.4. Dramatizaciones y performance art ........................................ 211
10.5. Medios audiovisuales en interacción con performance en
vivo ...................................................................................................................... 214
11. Práctica interpretativa ................................................................. 216

11.1. Reconstrucción de prácticas históricas de interpretación,

crítica o escucha musical .......................................................................... 216
11.2. Estudio del estudio: investigación sobre procesos
artísticos ........................................................................................................... 219
11.3. Making of .............................................................................................. 222
11.4. Intervención, re-composición, arreglo y adaptaciones de
repertorio canónico..................................................................................... 223
11.5. Improvisación ..................................................................................... 226
11.6. Técnicas expandidas para instrumentos convencionales
............................................................................................................................... 226
11.7. Importación y creación de nuevos recursos
interpretativos ............................................................................................... 227
11.8. Movimiento, cuerpo y gesto en la performance y creación
musical ............................................................................................................... 229
 7

11.9. La performance como experiencia (flow, gestión del

estrés, etc.). ...................................................................................................... 231
12. Análisis para la interpretación ................................................... 233

12.1. Análisis performativo ..................................................................... 233

12.2. Hermenéutica, retórica y semiótica performativas ......... 235
12.3. Intertextualidad e interdiscursividad ..................................... 236
13. La investigación artística en la composición……………………..237

13.1. Nuevos modelos compositivos .................................................. 237

13.2. De la experiencia creadora a la teoría ................................... 239
13.3. Colaboración intérprete-compositor...................................... 240
14. Gestión y promoción de la música ............................................ 243

15. A manera de conclusión .............................................................. 244

16. Anexos ........................................................................................... 247

Publicaciones periódicas .......................................................................... 247

Recursos ............................................................................................................ 247
Centros de investigación artística en Europa................................. 247
Bibliografía ......................................................................................... 249
 8

Tabla de figuras

Figura 1. J.S. Bach, Aria “Erbarme dich, mein Gott”, Pasión según San Mateo, BWV
244, violín solista. Compases 2-3 ..................................................................... 48

Figura 2.El Greco, Las Lágrimas de San Pedro (1580-1586). Detalle. ........................ 48

Figura 3. Tom Beghin (Fortepiano)The Virtual Haydn. Universidad McGill (2009)

.................................................................................................................................... 104

Figura 4. Cappella Romana. Icons of Sound: Aesthetics and Acoustics of Hagia

Sophia, Istanbul.................................................................................................... 105

Figura 5. Pedro González,Tangencias: un laboratorio para la práctica

instrumental. Proyecto final de grado (Esmuc 2014) ............................. 115

Figura 6. Juan Parra. Towards a Performance Practice in Computer Music Phd.

Diss. Orpheus Institut - University of Leiden (2014)............................... 134

Figura 7. Bucle de interacción y retroalimentación entre práctica creativa y

reflexión .................................................................................................................. 169

Figura 8. Oriol Saña. I si el jazz et solucionés els problemes? Tesis doctoral.

Universidad Autónoma de Barcelona (en proceso) ................................ 182

Figura 9. Niveles de relación entre el escrito y la obra en investigación artística

.................................................................................................................................... 187

Figura 10. Adrián Blanco. Requiem por la muerte del yo artista. Proyecto final de
carrera (Esmuc 2013). ......................................................................................... 192

Figura 11. Marçal Ayats. Dansant les suites de Bach Proyecto final de grado
(Esmuc 2008) ......................................................................................................... 197

Figura 12. Juan José Faccio. Proyecto Delta : interrelación entre intérprete,obra y
público en la música. Proyecto final de grado (Esmuc 2013) ............. 210

Figura 13. De la repetition au Concert. DVD ................................................................... 217

 9

Figura 14. Rubén Martínez Orio. Análisis interpretativo de la voz y del gesto en la
práctica de la percusión. Proyecto final de máster (Esmuc 2014)..... 233

Figura 15. Stefan Ostersjo. Shut Up ’N’ Play! PhD. Diss. Malmö Academy of Music
(2008) ....................................................................................................................... 241
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Prólogo
Por Luca Chiantore

La investigación produce conocimiento. Pero ¿qué clase de

conocimiento persigue la investigación artística? ¿No es el arte en sí
mismo el producto de una investigación? ¿Tiene sentido hablar de
“investigación artística” como si se tratara de un ámbito específico o
sería preferible no asociar el arte con un conocimiento que
tradicionalmente debe ser racional y verbalizable para poder ser
tratado como tal por el mundo académico?

Investigar es encaminarse hacia lo desconocido. Lo

desconocido por nosotros, en primer lugar; pero también —si
hablamos de la investigación como práctica científica— lo
desconocido por la humanidad en su conjunto. Es ir en busca de
aquello que no conocemos como individuos y como especie. Las
enseñanzas universitarias han incorporado siempre esta idea de
forma natural, orientadas como están hacia el doctorado, el nivel
académico que por definición se identifica con la investigación. En las
últimas décadas, sin embargo, el concepto de “investigación” se ha
insinuado en otros espacios, donde ha originado encendidos debates
y ha planteado retos de nuevo cuño a legisladores, profesionales y
estudiantes.

Es este, sin duda, el caso de la música. Los cambios legislativos

introducidos en Europa con la implantación del Espacio Europeo de
Educación Superior, así como los nuevos marcos curriculares
promovidos en otras partes del mundo, han evidenciado la necesidad
de una reflexión en profundidad en torno a lo que entendemos por
investigación en el ámbito artístico. Un debate que, por otra parte,
trasciende la mera diatriba académica y plantea problemas que se
relacionan con conceptos, realidades y prácticas que conforman el
eje vertebral de la vida profesional del músico.
 11

Si investigar supone buscar nuevos caminos, nuevas formas,

nuevos procesos, cualquier producto artístico podría parecer, de una
u otra forma, el producto de una investigación. La originalidad del
resultado se presenta, sobre el papel, como una calidad irrenunciable
de la actividad artística. La realidad, sin embargo, es más compleja.
Los paradigmas en los que se sustentan las carreras de estudio y la
vida profesional de miles de músicos de todas las edades son a
menudo alejados de la idea de una “investigación” comparable a la
que hallamos en otras ramas del saber. El peso de las tradiciones, la
figura icónica del maestro, el uso constante de una terminología
imaginativa y cargada de metáforas cuyo significado pocos parecen
interesados en concretar, son sólo algunos de los tantos aspectos
que alejan gran parte de la práctica artística de las metodologías y de
los procesos propios de la investigación tal como ésta es entendida
en el mundo académico.

Un buen ejemplo de ello lo tenemos en la carrera académica

mayoritaria en nuestros conservatorios y en las universidades que
ofrecen estudios de música. La música de tradición europea —
“clásica”, “académica”, “erudita”, “de concierto” o como queramos
llamarla— se ha caracterizado a partir del siglo XIX por una creciente
polarización entre las actividades del intérprete y del compositor. En
lugar de ensalzar a un músico integral capaz de componer,
improvisar e interpretar, se fue buscando al especialista centrado
únicamente en una sola de esas facetas. Y durante el siglo XX,

mientras la improvisación pasaba rápidamente a un segundo plano,

la composición se convertía en el único foco en el que poder hablar
de verdadera creación. Los intérpretes de estética neoclásica, sobre
todo a partir de la década de 1930, empezaron a hablar con orgullo
de su renuncia a anteponer su personalidad a la objetividad de la
notación, y trasladar al público la idea del compositor se convirtió en
el eje del código deontológico del intérprete: una despersonalización
perfectamente integrada en la estética musical de esos años, pero
 12

ante la cual no está claro dónde podría ubicarse la idea de una

“investigación”.

El hecho de que muchas de las consignas de esos años sigan

tan presentes en nuestros centros educativos, y que las grabaciones
de referencia de aquella época suenen todavía tan actuales hoy en
día, demuestra la tenacidad de esas ideas, pero ¿qué puede aportar
la investigación a la actividad de un intérprete que se define como
artista y al mismo tiempo considera que su única función es ponerse
al servicio del compositor? Y ante una contraposición tan fuerte entre
los planteamientos del compositor y los del intérprete, ¿qué margen
hay para aplicar a ambas actividades un mismo concepto de
“investigación”?

El presente libro es una fuente extraordinaria para todo aquel

que quiera buscar una respuesta a estas y otras muchas preguntas. Y
lo es precisamente porque no ofrece propuestas dogmáticas, sino
temas de discusión y planteamientos abiertos a futuros desarrollos.
Ofrece, además, muchos ejemplos, consciente de que el debate en
torno a la investigación artística se convierte a menudo en un cúmulo
de buenas intenciones y hermosos planteamientos desligados de una
aplicación práctica real.

El texto está enfocado al mundo de habla hispana, un aspecto

importante considerando el peso que las diferentes tradiciones
alcanzan en los procesos de creación artística. La integración entre
teoría y práctica, la relación entre docentes y estudiantes, el peso de
las “escuelas”, adquieren en cada área cultural características propias,
y cualquier aproximación a una temática como ésta necesita contar
con esta realidad. Especialmente si —como en el caso de este
trabajo— el punto de partida es la investigación artística como
actividad académica de tipo universitario, con la consecuente
necesidad de organizar y evaluar las distintas fases de la
investigación.
 13

El marco educativo, además de estar teniendo el mérito de

atraer la atención de todos en torno al concepto mismo de
“investigación artística”, muestra el enorme potencial de futuro
implícito en esta clase de investigación. En primer lugar por las
múltiples aplicaciones didácticas de sus métodos y sus resultados. Y
en segundo lugar porque permite pensar la actividad del músico
como un verdadero trabajo de laboratorio: una investigación en artes
que experimente nuevos caminos puede convertirse en una realidad
dinamizadora del panorama musical actual y ofrecerle propuestas de
futuro antes inimaginables. Y esto enlaza a la perfección con los
fenómenos a los que estamos asistiendo dentro y fuera de las salas
de concierto. Músicos y profesionales de la industria musical están
actualmente volcados en la búsqueda de propuestas alternativas a lo
existente, incluso allá donde la tradición es más fuerte: ferias
especializadas como Classical:Next, en Viena, y Expoclásica, en
Madrid; iniciativas como el Podium Festival de Esslingen; plataformas
como Emusicarte; conjuntos como el Ensemble Resonanz; las
propuestas audiovisuales de Anderson & Roe; o una realidad ya
consolidada como Yellow Lounge, creada nada menos que por
Deutsche Grammophon, son tan sólo algunas de las tantas caras de
una inquietud que está llegando rápidamente hasta los que hasta
hace poco eran fortines conservadores poco propensos a la aventura.
Y que esta experimentación encuentre un espacio propio en el
ámbito educativo es esperanzador. No sólo porque esto puede
animar a muchos jóvenes a buscar caminos alternativos, sino porque
los obliga a encontrar metodologías rigurosas, marcos teóricos
adecuados y formatos que permitan evaluar y comparar los
resultados de sus investigaciones.

No se trata de renegar del pasado, ni de trazar caminos

excluyentes, sino de crear las condiciones para que el músico actual
encuentre en la realidad académica el marco adecuado para
desarrollar y compartir propuestas sólidas, originales y creativas. La
investigación —en música como en cualquier otro ámbito— es tan
 14

sólo una de las muchas formas que tenemos para aportar nuestro
granito de arena al mundo que nos rodea. Del mismo modo que no
todos los médicos investigan, ni todos los químicos están volcados
en proyectos de vanguardia, la investigación para un músico es tan
sólo una opción entre otras. Pero es allí donde se experimentan
nuevas coordenadas y se busca aquello que, algún día, puede ser un
mundo compartido por todos. Decidir el qué y el cómo de una
investigación es una manera de ofrecer oportunidades a ese futuro:
el nuestro y el de quien vendrá después de nosotros. Como estímulo
para todo ello, nada mejor que un texto como éste, nunca dogmático
y abierto al debate. Porque si algo necesitamos, por encima de todo,
es construir ese futuro entre todos.
 15

Introducción

El propósito fundamental de este libro es ayudar a un tipo

específico de estudiante superior de música práctica. Aquél que tiene
ante sí la obligación de realizar un trabajo o proyecto final, tesina o
tesis de primer ciclo (bachelor, licenciatura, titulación o grado),
segundo ciclo (máster o maestría) o tercer ciclo (PhD, doctorado),
pero no quiere hacer una investigación académica de tipo
universitario similar a las que se realizan en carreras de musicología o
historia del arte. Lo que pretende es elaborar un trabajo de
investigación donde su propia práctica musical y proyecto artístico
sean el eje fundamental del mismo. Los modelos de investigación
que aportamos en este libro pueden ser útiles para el supervisor,
director o tutor del trabajo artístico, así como también para las
instituciones de educación musical superior interesadas, y para
aquellos músicos profesionales que deseen incorporarlos a sus
actividades.
Somos conscientes de que este trabajo se inserta en una
compleja y pesada discusión intelectual, institucional y artística, sobre
la naturaleza de la investigación en artes. La polémica se remonta ya
a más de veinte años y tiene pocas posibilidades de resolverse a
corto plazo. Entre los aspectos que se discuten encontramos no sólo
los métodos y criterios de evaluación o las características y validez
“científica” del conocimiento producido. La definición misma de lo
que es la investigación artística, como veremos, es ya un problema
difícil, polémico y agotador. Inevitablemente, al proponer este libro
estamos irrumpiendo en esta discusión y, aún sin desearlo, estamos
participando de ella. Quizá por ello, la escritura de este trabajo ha
suscitado reacciones muy contrastantes entre diversos colegas. Hay
quienes han comentado que es útil, necesario e incluso
indispensable. Pero también se nos ha dicho que es una empresa
 16

muy arriesgada, ambiciosa, ingenua e incluso peligrosa. 1 Por ello

creemos indispensable aclarar desde el primer momento, que no nos
interesa resolver las polémicas en torno a la investigación artística. Lo
que pretendemos es, simplemente, compartir nuestras observaciones
en relación a cómo se está desarrollando, en algunos centros de
nuestro entorno, un tipo singular de investigación asociada al trabajo
de instituciones de educación musical superior. Nuestro propósito es
organizar y exponer ordenadamente estas observaciones y proponer
ideas prácticas y útiles para su desarrollo. Entre las experiencias que
queremos compartir, se encuentra nuestro trabajo propio como
investigadores-artistas o directores de este tipo de proyectos.

Los motivos que nos han llevado a escribir este libro radican
en nuestras actividades y necesidades profesionales. Úrsula San
Cristóbal es músico, performer e investigadora que desde hace
algunos años desarrolla propuestas de investigación artística. Para
ella es importante desarrollar estrategias prácticas que le permitan
comprender mejor su trabajo y que al mismo tiempo contribuyan a
que otros artistas puedan canalizar sus inquietudes a través de la
investigación. Rubén López Cano, por su parte, es profesor de
metodologías de la investigación en la Escola Superior de Música de
Catalunya (Esmuc) en los niveles de grado y máster, y ha recibido el
encargo de colaborar en el desarrollo de una investigación que se
adapte a las características de un centro de música práctica como la
Esmuc. A través de intercambios con colegas de diversos países
iberoamericanos hemos constatado que algunas de las preguntas
que nos hacemos son compartidas por muchos profesores y
estudiantes hispano y luso parlantes. Por este motivo, hemos
decidido desarrollar estas propuestas basadas en nuestras
experiencias y las experiencias de nuestros colegas europeos, y
promover en el espacio hispanoparlante, como otros autores ya han
hecho antes que nosotros, el desarrollo de una serie de modelos de

1
Peligrosa porque, se nos ha dicho, podría ofrecer engañosas definiciones certeras,
métodos específicos y criterios concretos, para un campo que todavía está en
formación y en abierta discusión.
 17

investigación propios de los profesionales de la música práctica

(Zaldívar 2005; Zaldívar 2006; Zaldívar 2008; Muntané, Hernández y
López 2006; Asprilla 2013).

Una oportunidad a la investigación artística

Pese a los problemas y contradicciones del discurso de la

investigación artística que veremos más adelante, creemos que su
implantación y difusión está repleta de oportunidades. El espíritu
crítico que toda empresa de investigación conlleva seguramente
permitirá actuar sobre aquellas áreas que puedan impedir el avance
hacia nuevos derroteros formativos y creativos dentro de los
conservatorios y prácticas musicales habituales. Del mismo modo,
puede ser un excelente revulsivo que permita a músicos y artistas
contactar con necesidades y aspiraciones sociales. Además, si bien es
comprensible alguna critica que asocia la investigación artística con
las transformaciones recientes en los modelos educativos e incluso
en los ajustes económicos y sociales que apuntan a generar una
sociedad más domesticada, dócil e irreflexiva, con menos
capacidades de superación personal y de aspirar a modelos y
actitudes vitales más allá del tardo capitalismo, estamos convencidos
que la investigación artística también puede colaborar a entorpecer
este proceso, si no a revertirlo. No es banal la observación de Steyerl
(2010) en el sentido que la investigación artística posee numerosos
antecedentes históricos que podemos actualizar en pro de una
estética de resistencia crítica que abogue y trabaje por un mundo
mejor.
Sin embargo, la adopción de la investigación artística en los
centros de enseñanza y prácticas musicales, debe, en nuestra opinión,
optar por ciertos movimientos estratégicos que la adapten a la
realidad y garanticen la obtención de resultados satisfactorios a
mediano plazo, superando las trayectorias erráticas que revisaremos
en el siguiente capítulo. En primer lugar, creemos que la
investigación artística está llamada a crear un nuevo perfil de músico
que no puede sustituir de golpe a los tradicionales ni debe pretender
 18

ser mejor. Es un perfil simplemente diferente y con habilidades

específicas. Consideramos importante que la investigación artística
sea una alternativa entre otras y no una obligación prescriptiva e
inamovible. Consideramos sano y productivo que comparta espacio
con actividades tradicionales del conservatorio o con la investigación
académica habitual y debemos asumir que no todos quieren o
pueden integrarse a ella. Más allá de eso, quienes trabajamos para
desarrollarla, hemos de cuidar que sus contenidos y prácticas sean
atractivos para una amplia cantidad de músicos curiosos.

¿Por dónde comenzar?

Ahora el problema es, cómo estimular su desarrollo. ¿Por

dónde empezar? En nuestra opinión, lo primero es distinguir la
investigación artística de la creación artística y de la investigación
puramente académica. 2 Es muy importante subrayar que, como
señalan Borgdorff y Schuijer (2010), "aunque la investigación puede
llevarse a cabo en estrecha relación con la práctica artística, no son
cosas idénticas". Coincidimos también con ellos cuando afirman que
"una rama artística de la investigación no tiene por qué ser
desarrollada a partir de cero, ni tampoco la investigación como tal,
debe contradecir la naturaleza del arte” y que la tarea es crear “un
punto intermedio entre las disciplinas artísticas, en las que la
investigación habitualmente procede de manera informal, y la
investigación entendida como una disciplina. Para decirlo de otra
manera, tratamos de conferir cierta disciplina a lo informal"
(Borgdorff and Schuijer 2010, 15). Estamos de acuerdo también en
que las competencias básicas de la investigación, como las
habilidades de argumentación, la formulación de preguntas, el
trabajo con la información y su exposición, deben cultivarse desde los
cursos iniciales del primer ciclo en todas las asignaturas, incluyendo
la de instrumento (Borgdorff and Schuijer 2010, 17). No estamos de
acuerdo, sin embargo, en la negativa a proponer recursos y
estrategias prácticas para desarrollar estos puntos: “cuando hablamos
2
De esto último hablaremos en el capítulo 2.
 19

de la integración de la investigación en el dominio artístico, debemos

pensar no tanto en traer nuevas prácticas a ese dominio, como en
apoyar y canalizar las energías que ya están allí” (Borgdorff and
Schuijer 2010, 15). Consideramos que esa “canalización” y “apoyo”
deben traducirse en herramientas, instrumentos y estrategias
prácticas que permitan desarrollar este trabajo. La investigación
artística entendida como una actividad especial en el seno de
instituciones de formación musical superior, donde los objetivos y
métodos de la práctica artística tienen un lugar preponderante y
negocian con aquellos de la investigación en humanidades y ciencias
sociales, requiere de la adquisición y puesta en práctica de
habilidades y conocimientos específicos. Éstos no tienen por qué
invadir de manera abusiva las idiosincrasias artísticas tradicionales.
Por el contrario, para que colaboren con el tránsito de la práctica
informal a la formalización, tienen que ser accesibles, fácilmente
adoptables y, muy importante, tienen que ser atractivos e
interesantes, repletos de posibilidades que llamen la atención del
artista, que le motiven a ampliar sus modus operandi habituales y le
entusiasmen a recorrer nuevas vías de creación y conocimiento.
Estamos convencidos de que la teoría que podamos aportar,
inexorablemente debe emerger y dialogar con las prácticas actuales.
Hemos de analizar continuamente lo que hacen nuestros estudiantes
en los centros, detectar sus necesidades y colaborar con ellos,
desarrollando instrumentos metodológicos y heurísticos para que
puedan desenvolverse mejor. Pero también vale la pena ser más
activo, inventar y sembrar ideas, provocaciones, difundirlas entre
estudiantes y colegas, evaluando el eco que puedan llegar a tener.
Como actividad crítica, la investigación debe analizarse a sí misma de
manera permanente (Steyerl 2010), de tal suerte que las necesidades,
prácticas habituales, ideas nuevas e instrumentos metodológicos
propuestos, sean revisados, criticados y renovados continuamente.
 20

Objetivos, alcances y límites de este libro

En este libro nos ocuparemos de la investigación artística en

música en el contexto de instituciones de educación musical superior
como universidades o conservatorios. Esto quiere decir que nos
interesa cómo se concilian los protocolos y requerimientos
académicos con la idiosincrasia de los músicos y las particularidades
del trabajo de creación artística. Este escrito se focaliza
principalmente en los trabajos finales exigidos para la obtención de
un grado superior en música ya sea de primer, segundo o tercer ciclo.
En la medida de lo posible incluiremos ejemplos de trabajos de
profesores o investigadores. Por razones de extensión, quedan fuera
de nuestro estudio los trabajos que realizan músicos y creadores
experimentales fuera de espacios institucionales.
No pretendemos resolver de una vez por todas los múltiples
dilemas de la investigación artística en música y sólo queremos
proponer algunas estrategias prácticas para su desarrollo. No
pretendemos dar una definición unívoca de lo que es o debe ser la
investigación artística, sino proponer un punto de partida práctico,
documentado y eficaz, desde nuestra comprensión de lo que está
pasando en nuestro entorno. Más que una definición de lo que es la
investigación artística en música y una narrativización de sus
métodos y protocolos, lo que proponemos es compartir una
comprensión particular, pero efectiva, de algunas de sus prácticas.
Este trabajo no prescribirá normas ni métodos taxativos, su objetivo
es mucho más modesto: a partir de la revisión de proyectos
concretos intentaremos localizar y explicitar algunas tendencias,
algunos modelos y un puñado de estrategias metodológicas que
ilustran lo que está sucediendo realmente en la práctica. Por esta
razón, los ejemplos mencionados en el libro se basan en casos reales.

No queremos prescribir recetas, pero sí manifestar nuestro

cansancio ante las infructuosas especulaciones epistémicas sobre la
“generación de un nuevo paradigma de conocimiento” (Haseman
2006) que no acaba de definirse. En respuesta a ello, simplemente
 21

pretendemos ejercer nuestro derecho a ponernos a trabajar en una

ruta firme que necesitará corregirse y reorientarse más de una vez en
el futuro. Lo que aquí proponemos no pretende agotar el espacio y
acción de la investigación artística, sino compartir un punto de inicio
para que cada artista-investigador plantee sus propios desafíos y
cada centro o institución imponga sus propios límites. No nos
proponemos hablar por “la investigación artística” en general. No
pretendemos apropiarnos de su discurso pero sí dar una opinión
crítica sobre él. Todo lo que se dice aquí es de nuestra
responsabilidad. Nuestras propuestas no representan a ninguna
institución y hablamos sólo desde nuestra experiencia. Nuestra tarea
es posicionarnos en el lugar del estudiante, profesor o cargo
institucional común y corriente que necesita un punto de inicio a un
mundo ignoto que, pese a su naturaleza amorfa y en muchas
ocasiones frustrante, creemos que tiene mucho que ofrecer. Por
supuesto, pensamos que todo lo que se dice aquí está sujeto a
revisión crítica; tiene que ser testado para aprender de la práctica y
reformular, corregir y crear nuevas estrategias más detalladas y
eficaces. Nada nos hará más felices que los contenidos propuestos en
este trabajo sean rebasados rápidamente por nuevos libros y escritos
más actualizados.

Descripción del libro

El primer capítulo, El dilema de la investigación artística,

ofrece una síntesis de las controversias y polémicas que rodean el
discurso de éste tipo de investigación. Haremos un pequeño
diagnóstico de los elementos que hacen confuso este discurso para
luego olvidarnos completamente de él y comenzar un trabajo que
consideramos más productivo. Investigación, investigación musical e
investigación artística en música, el capítulo segundo, ya es más
operativo y apunta a la propuesta de este libro. En él se reflexiona
sobre las características principales de la investigación en general y la
que atañe al trabajo artístico en particular. Evitando las definiciones
contundentes que pueden llamar a engaño, realizaremos una
 22

pequeña cartografía de prácticas de investigación que orbitan en el

ámbito de la creación artística y las distinguiremos de aquellas que
son más cercanas a las tradiciones académico-universitarias. Partimos
de tipos de proyectos comunes en los centros de enseñanza musical
superior de nuestro entorno. El objetivo es reconocer cuándo el
elemento artístico práctico cobra importancia y jerarquía en una
empresa de investigación.
La segunda parte del libro, Problemas e instrumentos, es la
que más se prodiga en ofrecer instrumentos prácticos y estrategias
para adentrarse en la praxis de la investigación artística en música. El
capítulo tres enfatiza de nuevo las diferencias entre investigación
artística y no artística. En él se señalan los elementos fundamentales
del protocolo o plan de la investigación. En el capítulo cuatro
comenzamos la revisión de los elementos del plan, para luego
abordar cómo se pueden desarrollar y formalizar en una
investigación centrada en lo artístico. El capitulo cinco aborda el
tema de títulos y subtítulos donde se aportan herramientas para
comprender la estructura formal de un trabajo de investigación. El
capítulo seis aporta estrategias para la formulación y depuración de
preguntas de investigación. El séptimo ofrece información sobre las
principales tareas de investigación o estrategias metodológicas
generales observadas en varios de los proyectos analizados. Éstas, en
lo fundamental, no se distinguen mucho de las metodologías
habituales de la investigación académica y se fundamentan en tres
áreas: investigación documental, métodos cuantitativos y métodos
cualitativos. El capítulo ocho es más propositivo pues analiza algunas
estrategias básicas para convertir la práctica musical en recurso
metodológico para la investigación. En él se explica cómo la actividad
artística puede ser informativa, reflexiva, experimental y vehicular en
relación de la investigación y se aborda el papel del artista-
investigador como objeto y sujeto de la investigación. Se pone
especialmente énfasis en el recurso de la autoetnografía, que si bien
es mencionado en gran cantidad de trabajos sobre investigación
artística, nunca es definido ni explicado a profundidad. Después de
 23

señalar las diferencias entre la autoetnografía en la investigación

antropológica y la desarrollada en ámbito artístico, se explican
algunos recursos y estrategias. De particular interés en esta sección
es el trabajo de experimentación en la investigación artística. En el
capítulo nueve reflexionamos sobre algunos de los productos
característicos de la investigación artística: las obras, el escrito y la
defensa oral.

La tercera parte del libro, Tendencias y modelos para la

investigación artística en música, comprende del capítulo once al
quince, y describe algunos modelos, tipos de trabajos y diferentes
tendencias que hemos encontrado principalmente en proyectos de
máster y, en menor medida, de primer y tercer ciclo y algunos
postdoctorales. Entre las tendencias que hemos detectado se
encuentran: nuevos modelos de concierto y difusión de la música;
investigación en torno a la práctica interpretativa; análisis para la
interpretación; algunas líneas de investigación en composición y en
gestión y promoción de la música.

Esperamos que todo lo expresado en éstas páginas sea

oportuno, de interés y utilidad a todos los lectores interesados en
este complejo ámbito.
 24

Agradecimientos

Este libro se llevó a cabo gracias a la ayuda otorgada por el

Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del
Fondo Nacional Para la Cultura y las Artes de México, emisión 2013,
SC/PFPCC/E29/078/13. Agradecemos también a todos los
estudiantes, músicos, artistas, colegas e instituciones que nos
aportaron materiales, consejos y críticas en la elaboración de este
trabajo.
 25

Primera parte
Principios, confusiones, definiciones
 26

1. El dilema de la investigación artística

Hace algún tiempo que escuchamos hablar de la investigación

artística como un nuevo paradigma de investigación-creación
llamado a transformar profundamente los modos de enseñanza
superior en arte. Los organismos europeos nos la presentan con un
discurso celebratorio donde por fin, la práctica artística encuentra su
tono y voz dentro de los sistemas institucionales de educación y
gestión del conocimiento, así como también dentro de los planes y
programas de estudio a nivel superior. Mientras que en Canadá hace
años que la recherche-création cuenta con programas universitarios,
financiamiento, títulos de posgrado y bastante producción, en
Europa, este discurso ha proliferado desde finales de los años
noventa, a partir de la puesta en marcha del plan Bolonia o proceso
de reordenamiento del Espacio Europeo de Educación Superior. Con
él, la educación superior queda establecida en tres ciclos, el primero
general, conocido como grado, bachelor o título superior, el segundo
como máster y el tercero como PhD o doctorado. Como cualquier
actividad universitaria, cada nivel de estudios ha de culminar con una
tesis, proyecto o trabajo final de estudios, equivalente a las tesis
universitarias. Sin embargo, se pretende que por su contenido,
formato y metodología, estos trabajos se adapten a las características
de las disciplinas artísticas. “Se trata de conocimientos tan válidos
como los científicos”, es una frase recurrente en los cientos de
páginas pletóricas de reflexiones epistémicas, ontológicas o
filosóficas que abundan en la literatura sobre esta área. La
investigación artística no se limita a los trabajos escolares y se
pretende que se extienda como una actividad habitual en todos los
conservatorios y centros de enseñanza musical superior. Sin
embargo, por la coyuntura, parte importante de la reflexión y
organización se ha concentrado en los proyectos de fin de ciclo
(grado, máster, doctorado, etc).
 27

Mientras tanto, los escasos programas de maestría y

doctorado universitarios en música práctica en Latinoamérica suelen
establecer formatos académicos más tradicionales y exigir a sus
alumnos la elaboración de tesis musicológicas o socio-
antropológicas, similares a las que se escriben en facultades de
ciencias sociales o humanidades. En Colombia por ejemplo,
recientemente comienza a discutirse sobre investigación-creación o
investigación artística, en el contexto de un proceso en el cual los
centros universitarios que imparten enseñanzas artísticas a nivel
superior intentan integrarse al sistema de gestión y financiación para
la investigación científica del país. En Estados Unidos el panorama es
más complejo, pues en sus universidades hay diversos tipos de
grados y orientaciones. Muchos de sus doctorados en música práctica
no tienen el rango de PhD o doctorado de investigación. Éste se
reserva a áreas como la teoría musical, etnomusicología y
musicología. Para la música práctica se tienen los grados de D.M.A o
Doctor of Musical Arts que tiene un carácter más profesionalizador y
no es equiparable al PhD.3 Por su parte, el personal académico de las
facultades de arte y departamentos de música, en muchos casos,
cuenta con una amplia tradición administrativa de homologación, es
decir, que sus creaciones artísticas y composiciones son consideradas
como sustitutos de la investigación y computan en ese rubro en los
indicadores cuantitativos de producción.

¿Qué es la
Pero, ¿qué es exactamente la investigación artística? Más allá
investigación
artística? del discurso celebratorio, afirmador y reivindicador de los derechos
que tiene el arte a ser considerado un área de conocimiento legítima
dentro de la universidad ¿cómo se entiende este modelo peculiar de
investigar? En realidad, a la fecha, no hay respuestas claras a esta
interrogante. Para unos, constituye un nuevo y excitante universo de
trabajo donde confluyen inquietudes, prácticas y modos de pensar
tanto de lo artístico, como de lo científico-académico. Para otros, no

3
La difusión de este tipo de grados en EE.UU ha alcanzado tal relevancia que incluso en
Wikipedia existe la entrada “Doctor of Musical Arts”, la cual explica al usuario común la
diferencia entre este tipo de estudios y el PhD.
 28

es más que un reclamo publicitario sin contenidos medulares, con el

que se promocionan másters y doctorados en diversos centros
educativos cuyos fondos financieros y objetivos académicos han sido
erosionados por las despiadadas reformas educativas de la década de
1990 en Latinoamérica y de los 2000 en Europa. Se le puede
considerar también como una instrucción inexcusable dentro de la
reorganización educativa nacional o regional como el plan Bolonia.
Hay quienes ven la investigación artística como un frente más en la
contumaz inserción de las artes dentro de los mecanismos
discursivos y de mercado de las industrias culturales, que pretende
rentabilizar aún más la práctica artística y conciliarla con la industria
del entretenimiento: otro movimiento que ha convertido la
pretendida “sociedad de conocimiento” en una economía del
conocimiento o capitalismo cognitivo que, insaciable, quiere obtener
ganancias de todo lo que se le ponga en el camino, incluyendo ya no
sólo los productos artísticos, sino también sus saberes, discursos y
programas educativos.4

En el polo opuesto, algunos consideran precisamente a la

investigación artística como un modo de revertir estas tendencias,
como una estrategia de resistencia cultural donde el crear
investigando está llamado a producir nuevas experiencias cargadas
de sentido y un conocimiento crítico, emancipador, rebelde y
desobediente, con el cual podemos hacer frente al poder establecido.
Otros, más modestos, la viven como una vía de reciclaje profesional,
un medio para dotar de una nueva pátina de prestigio al
descompuesto rol del profesor de artes con discreto desarrollo
artístico, pero con mucho discurso y títulos académicos. O bien como
una puerta de acceso a la estabilidad laboral que puede ofrecer la
docencia universitaria a un artista cuya actividad económica es
siempre incierta. Los más suspicaces la ven como una llamarada de
humo para colar las artes en los sistemas de evaluación y gestión del
trabajo académico universitario, con miras a obtener también una
4
Sobre el concepto de capitalismo cognitivo, véase Vercellone (2007); Fumagalli y
Lucarelli (2007).
 29

tajada de sus fondos públicos concursables. Pero otros la admiran y

defienden honestamente como el umbral a través del cual han de
formarse los artistas del siglo XXI. Para ellos, la investigación artística
es una oportunidad para transformarse profesional y estéticamente,
penetrar en nuevas orbitas de diálogo e intercambio intelectual y
renovar el papel e importancia del arte en nuestras sociedades, muy
particularmente, la fatigada y desde hace tiempo declarada agónica,
tradición de la música de arte occidental. También es vista en
ocasiones como un estupendo argumento enarbolado para abogar
insistentemente, ante ministerios y responsables de educación, que el
arte produce conocimiento equiparable en importancia al científico y
que por lo tanto, merece la misma consideración. Sin embargo,
algunos denuncian que precisamente este argumento se esgrime
como movimiento defensivo ante el alarmante retroceso de las
humanidades, que se está saldando con el cierre de departamentos
universitarios, descrédito social e inanición institucional. Tal vez por
ello, algunos artistas prefieren que se les asocie con la ciencia y no
con la tradición humanística. Eso también es la investigación artística.
En definitiva… ¿qué es la investigación artística?

En 1984 se inaugura uno de los primeros programas de

doctorado en investigación artística en Australia. 5 En Europa en
cambio, las primeras iniciativas surgen en la década de 1990, de la
mano de publicaciones como Research in Art and Design (1993) de
Christopher Frayling y de la fundación en 1997 de un programa
académico en investigación artística en la Kuvataideakatemia de
Helsinki, Finlandia. En 1999 se echa a andar el Plan Bolonia, y desde
entonces se han sucedido un sinfín de publicaciones, congresos,
debates, programas educativos, proyectos de discusión y grupos de
trabajo. Pero hasta la fecha “nadie parece saber la respuesta a esta
pregunta” (Steyerl 2010). Pese a “prodigiosos esfuerzos puestos al
servicio de su clarificación, el término ‘investigación artística’ sigue
5
Se trata del doctorado en escritura creativa de la University of Wollongong y la
University of Technology (Candy 2006, 4). En Canadá, la investigación artística ha sido
ampliamente desarrollada bajo la etiqueta recherche-création. Véase Le Coguiec y
Gosselin (2006).
 30

siendo vago” (Baers 2011). Si bien algunos autores presentan esta

actividad como un “nuevo paradigma” (Haseman 2006, 6), aún no se
pueden encontrar obras modélicas que sirvan de referencia, ni
investigadores cuyo trabajo haya que seguir minuciosamente, ni
tampoco metodologías normalizadas. De hecho, algunos críticos
sostienen que no se puede hablar aún de paradigma, pues no existe
un Einstein o unas Demoiselles d'Avignon en la investigación
artística, y que lo único que ha cambiado es el incremento de
publicaciones, presentaciones y performances en formato académico
en simposios y congresos dedicados a la práctica artística (Solleveld
2012, 79). Con frecuencia se tiene la impresión de que se ha entrado
en una especie de “socavón ideológico” cuya definición se transforma
una y otra vez dependiendo de intereses puntuales (Baers 2011). La
investigación artística parece estar condenada a ser “una de esas
múltiples prácticas que se definen por su indefinición” que yacen en
un “estado de fluctuación permanente, carentes de coherencia e
identidad” (Steyerl 2010).

¿Por qué pese a la prolífica inversión de organismos y al

trabajo de especialistas no se puede establecer claramente una
definición para la investigación artística? ¿Por qué resulta tan difícil y
tortuoso pretender un consenso sobre sus características generales,
sus métodos, protocolos, objetivos o especificidades frente a otros
tipos de investigación en disciplinas académicas? ¿Por qué, no
obstante todos los progresos en su institucionalización, aún existe un
vacío en el desarrollo de un pensamiento teórico propio? Y pese a
todo, vivimos una eclosión de discurso celebratorio, optimista y feliz
sobre la investigación artística. Para entender mejor como podemos
afrontar una propuesta de investigación artística en música, útil y
operativa, quizá sea necesario dotar de cierta mirada crítica a los
discursos de este peculiar espacio de debate.
Tres áreas de debate
sobre investigación Para algunos observadores, el debate actual sobre la
artística:
 Epistemológico- investigación artística a menudo se concentra en tres áreas temáticas.
abstracta
 Ontológica Un primer tipo de publicaciones presentan una tendencia
 Político-crítica
 31

epistemológica-abstracta y se ocupan de responder a preguntas

como ¿Qué significa el conocimiento en el arte? Un segundo tipo se
ocupa de cuestiones ontológicas y se pregunta ¿Qué es el
conocimiento? ¿Qué es el Arte? Un tercer tipo es denominado
político-crítica y atiende interrogantes como ¿Qué es valorado en la
investigación artística? o ¿Qué tipo de trabajo se está proponiendo?
(Wilson y Ruiten 2013, 8).

En términos generales, la bibliografía disponible que aborda

temas epistemológicos u ontológicos se caracteriza por un discurso
sumamente abstracto y complejo, anclado en consideraciones
generales de naturaleza filosófica bastante inaccesibles al músico o
artista común. 6 El deseo de apropiarse del discurso académico
heredero de los paradigmas postmodernos es una constante en estos
textos, que continuamente hacen referencia a conceptos y autores de
la filosofía de la ciencia de avanzada, como la antimetodología de
Feyerabend, a los modelos postcartesianos del conocimiento, como
la filosofía rizomática de Deleuze, o a la epistemología postmetafísica
de autores como Derrida. Los contenidos, argumentaciones y
conclusiones de estos trabajos dan la impresión de estar alejados de
las preocupaciones de los interesados en hacer investigación artística,
habitualmente menesterosos de consejos y herramientas de
aplicación práctica. Más aún, parece que estos escritos estuvieran
destinados a los evaluadores, funcionarios o gestores universitarios y
que su objetivo fuera legitimar el arte y la actividad artística habitual
como una verdadera instancia productora de conocimiento en sí
misma.

Sin embargo, no es fácil encontrar en estos escritos

discusiones sobre la naturaleza del conocimiento producido por las
artes, ni sus semejanzas y diferencias con el conocimiento generado
por las ciencias, la tecnología o las humanidades y ciencias sociales.
Si bien se mencionan y citan una y otra vez a filósofos y pensadores
fundamentales de las humanidades, es notable la recurrencia de
6
Véanse por ejemplo los trabajos de Hannula, Suoranta, y Vadén (2005); Le Coguiec y
Gosselin (2006); Nelson (2009); Smith y Dean (2009); Borgdorff (2012).
 32

argumentos cientificistas: “la investigación científica es el paradigma

del cual derivan, tácita o explícitamente, problemáticas relacionadas
con la investigación en las artes” (Asprilla 2013, 9). 7 No se suele
reparar en la diferencia que distinguen los métodos y discursos de las
ciencias por un lado, y de las humanidades por el otro. Da la
impresión que el discurso de la investigación artística intenta
distanciarse de los longevos vínculos que la práctica y estudio de las
artes mantienen con las humanidades; que pretende legitimar su
presencia en sistemas universitarios y su consideración como
actividad de conocimiento, reduciendo al mínimo su vínculo con un
campo de conocimiento que actualmente vive un inocultable
retroceso, padece la desaparición de carreras y departamentos, se
fusiona con áreas económicamente más rentables o socialmente más
prestigiosas por ser “productivas”.

Algunos trabajos se proponen explícitamente reflexionar sobre

problemas metodológicos (Laurier y Lavoie 2013; Hannula, Suoranta,
y Vadén 2005; Teikmanis 2013; Wilson y Ruiten 2013). No obstante,
se ha criticado su tendencia a reflexionar desde la abstracción de
discursos epistémicos y de la filosofía de la ciencia en lugar de
fundamentarse en casos “concretos de resultados de investigación”
artística (Solleveld 2014, 78). Es decir, no construyen teoría sobre una
realidad, sino que tienen un carácter metateórico, por lo que tienden
a ser prescriptivos, normativos o utópicos. No deja de ser curioso que
mientras la investigación artística se presenta como un trabajo cuya
característica principal es el papel de la práctica artística en la
formulación y solución de problemas de investigación, este tipo de
reflexiones metodológicas se fundamentan muy poco en ésta
actividad y rara vez mencionan trabajos reales de investigación
artística. En este sentido, es difícil encontrar dentro de esta
bibliografía trabajos concretos que se conviertan en libros de
referencia para cursos y seminarios y que contribuyan eficazmente a
la formación de investigadores-practicantes de las artes por medio

7
Véase también Hannula, Suoranta y Vadén (2005).
 33

de estrategias metodológicas específicas y aplicables a tareas de

investigación puntuales.

Por su parte, lo que Wilson y Ruiten (2013, 8) denominan

discursos político-críticos, que se ocupan de establecer qué es
valorado en la investigación artística y qué tipo de trabajo está
siendo propuesto, por lo general consisten en la enumeración de
ejemplos de investigaciones por medio de resúmenes realizados bien
por los propios autores, o bien por las instituciones dentro de las
cuales se han desarrollado. Suelen ser proyectos específicos, tesis o
trabajos finales de programas de primer, segundo o tercer ciclo. Se
caracterizan por ser sumamente descriptivos,8 por celebrar la enorme
diversidad de aproximaciones que dominan el panorama actual de la
investigación artística o por poner de relieve la sustentabilidad
económica y solvencia institucional de muchas de las propuestas.9 En
estos trabajos no se percibe, sin embargo, la necesidad de analizar
los casos descritos; de señalar coincidencias o tendencias en
problemas, métodos o resultados entre las investigaciones
mencionadas; ni el planteamiento de nuevos problemas de
investigación derivados de cada experiencia, ni la reflexión en torno a
las metodologías empleadas en cada proyecto o su posible
extrapolación a otras investigaciones.

Observadores como Robin Nelson han apuntado que este

discurso "no siempre pone de manifiesto claramente lo que
constituye la investigación (tan sutilmente distinta de la práctica
profesional)” ni muestra “una metodología genérica para distinguir
los enfoques” diferentes de las investigaciones “ni ofrece una
pedagogía ejemplar para apoyar el desarrollo de nuevos
practicantes-investigadores” (Nelson 2013, 4–5). En efecto, cuando se
revisan las descripciones de los casos de investigaciones musicales
pretendidamente artísticas, por ejemplo en el Polifonia Research
Working Group (2010, 54-78), no es posible distinguir qué diferencias

8
Véase por ejemplo Polifonia Research Working Group (2010); Wilson y Ruiten (2013).
9
Véase ArtesnetEurope (2010).
 34

existen para los autores entre investigación artística, investigación

(etno)musicológica e investigación pedagógica.

En el discurso político-crítico aparecen continuamente

reflexiones sobre la asimilación de la investigación artística en
políticas académicas específicas, así como también las posibilidades
de su futura implantación y gestión institucional. Estos artículos
suelen abordar las disposiciones legales que impulsan el
establecimiento de la investigación artística en contextos
10
determinados.

Volvemos entonces a la pregunta inicial: ¿Por qué ha resultado

tan difícil establecer definiciones claras, metodologías y una agenda
de trabajo diáfana para la investigación artística en las dos últimas
décadas? Creemos que uno de los problemas radica en que su
Se ha pretendido
resolver discurso ha pretendido resolver de manera simultánea, problemas
simultáneamente
muy distintos de una agenda académica, política, administrativa,
problemas muy
distintos. epistémica muy compleja y a menudo contradictoria que incluye
temas tan dispares como los siguientes:

 Abogar por el derecho de las artes de pertenecer al sistema

educativo reorganizado según las últimas reformas que priorizan
criterios científicos.

 Asumir modelos de trabajo académico preestablecidos que

posibiliten esa inserción.

 Intentar que esos modelos no perturben demasiado las pesadas y

longevas inercias, idiosincrasias y tradiciones de la academia
artística, en especial la del conservatorio de música.

 Asimilar autores y teorías complejos que permitirían a los

practicantes de las artes expresarse en términos académicos

10
Para el caso de España, véase Zaldívar (2005; 2006; 2008).
 35

actuales obteniendo con ello legitimidad y credibilidad en el

mundo académico.

 Intentar que los estudiantes de arte asuman esa pesada

terminología académica que les resulta ajena y poco estimulante.

 Usar la investigación artística como reclamo para programas de

máster y doctorado en los que se admiten a todo tipo de
estudiantes de arte, sin evaluar sus habilidades o interés real por la
investigación.

 Pretender que la investigación artística sea la única opción para la

obtención de un grado en el sistema de educación superior.

Consideramos que estas contradicciones pueden crear una

brecha insalvable entre los que defienden la investigación artística
frente al establishment académico y los artistas-estudiantes que
podrían estar interesados en practicarla, quienes necesitan
herramientas claras y simples para ponerse a trabajar. Existen
también algunas determinaciones contextuales que han hecho más
compleja la organización y desarrollo sistemático de esta práctica. En
el ámbito de la música, por ejemplo, la Asociación Europea de
Conservatorios (AEC) ha evitado ofrecer definiciones precisas para la
investigación artística porque las tradiciones en la educación musical
superior en la región son tantas y tan diferentes, que cualquier
definición concreta tiene el riesgo de dejar fuera a alguno o varios de
sus socios. En su lugar, ha decidido colaborar a construir una
comunidad de investigadores-practicantes de las artes a partir de
reuniones como la Eparm (European Platform for Artistic Research in
Music) o la construcción de bases de datos para la interrelación entre
sujetos que realizan o supervisan proyectos de investigación artística
en Europa. El objetivo a largo plazo, es que estas comunidades, por
medio de sus discusiones, sean las que vayan paulatinamente
generando definiciones, conceptos, contenidos, criterios etc. En
 36

síntesis, es la comunidad la que estaría construyendo sus propios

paradigmas (López-Cano 2013a). Decisiones como esta han
provocado que los interesados en la investigación artística, con un
perfil sumamente heterogéneo, se organicen en torno a
comunidades de investigadores y no a disciplinas con definiciones,
objetivos y metodologías claras. Este fenómeno ocurre también en
campos académicos como los performance studies, los sound
studies, los big data studies o las humanidades digitales, que se
caracterizan por la generación de ámbitos de estudio post
disciplinares muy productivos y con una presencia importante en los
entornos académicos, a través de publicaciones, congresos,
reuniones académicas de diverso tipo, etc. Pese a que son portadores
de un discurso actual y potente, resulta casi impenetrable conocer
sus premisas básicas o definir de manera simple sus objetos de
estudio, métodos o modos de presentar sus resultados.

Por último, se genera un problema muy profundo cuando se

argumenta a favor de que toda la práctica artística, en sí misma, sea
considerada una actividad de “investigación” (Smith y Dean 2009).
La investigación
artística es distinta Para nosotros, la investigación artística tiene que ser una actividad
a la creación y diferenciada de la creación y docencia y debe ser practicada sólo por
docencia.
los interesados. Aquellos que quieran perpetrar el modelo de músico
hegemónico, deberán tener alternativas para su desarrollo y egreso
en los centros de educación musical superior.

Pero quien pretenda incorporarse en el ámbito investigador,

deberá estar dispuesto a trabajar en pro de un nuevo perfil de
músico caracterizado por:

 La reflexión continua sobre su propia práctica artística.

 La problematización de aspectos de su actividad artística personal

y de su entorno para ofrecer diagnósticos, análisis, reflexiones y
soluciones.
 37

 La construcción de un discurso propio sobre su propuesta artística

que ponga en primer plano una argumentación eficaz sobre su
aporte personal a la música de nuestros días.

 El abandono de su zona de confort para ingresar en un ámbito

lleno de interrogantes e incertidumbres dónde el músico
investigador se pone del revés constantemente.

 Su integración a una espiral de producción y discusión de

conocimiento que, como toda empresa de investigación, terminará
por transformar el status quo, es decir, las prácticas artísticas
hegemónicas.

Los contenidos de las páginas siguientes no tienen otra

pretensión que la de colaborar en las tareas de este músico
investigador.
 38

2. Investigación, investigación musical e

investigación artística

¿Seremos capaces de resolver de una vez por todas, el dilema

de la indefinición del concepto de investigación artística?
Seguramente no y ni siquiera intentaremos ofrecer una definición
global y contundente de ella. Lo que sí nos propondremos es
explorar algunas de sus aristas, aquellas que nos parecen un buen
inicio para comenzar a trabajar y abrir rutas productivas.

2.1. ¿Qué es investigar?

En un conservatorio se “investiga” todo el tiempo: los

profesores investigan cuando preparan clase, los estudiantes
investigan cuando eligen y estudian determinados repertorios o
realizan trabajos escolares, los directivos investigan antecedentes
internos o externos al centro para tomar decisiones, los
administrativos investigan, etc. Pero de lo que hablamos aquí no es
La investigación es
una actividad de la noción general de “investigación”, sino de un concepto técnico
académica
específica, de investigación entendida como una actividad académica
formalizada y con específica, formalizada, con objetivos propios y distintos a los de la
objetivos propios.
docencia, la creación o la gestión. Muchos textos sobre investigación
artística no hacen esta distinción y se basan en nociones de
investigación como una actividad general, presente tanto en el
quehacer del artista como en la vida cotidiana. (Smith y Dean 2009,
3), por ejemplo, entienden la investigación como un proceso que
produce conocimiento generalizable (aplicable a otros procesos) y
transferible (que puede ser comprendido y usado por otros en
manera congruente con su aplicación original). Para ellos, las obras
de arte en sí mismas constituyen conocimiento generalizable y
transferible, pero dado que éste no se transmite por vía verbal o
numérica, el ámbito universitario tiene reticencias para aceptarlas
como productos de investigación legítimos. Creemos que una idea
 39

extremadamente general de investigación puede provocar

confusiones: si las obras de arte son productos de investigación y la
habilidad de investigar la poseemos todos, entonces no habría
necesidad de proponer la investigación artística. Por esta razón, es
La investigación
artística no se agota
necesario insistir que este tipo de investigación es una actividad
en el conocimiento específica, cuyo objetivo no se agota en el conocimiento generado
generado por la obra,
sino que implica por la obra en sí misma, sino que implica la reflexión crítica sobre
reflexión crítica sobre diferentes elementos de la práctica artística, como el proceso
la práctica artística.
creativo, los hábitos y rutinas de estudio, las influencias teóricas y
prácticas, etc.
Una definición más técnica y solvente es asumida por la
Asociación Europea de Conservatorios (AEC) que entiende por
investigación una “amplia variedad de actividades” de cualquier
ámbito de conocimiento, que se dirigen a un estudio o indagación
meticulosa, sistemática y con conciencia crítica, que pretenden
aportar un trabajo original e innovador y que no se limitan al
tradicional método científico (Joint Quality Initiative 2004, 3). Esta
amplia definición es sumamente operativa para incluir las actividades
AEC: la
investigación es un artísticas. Destacamos algunos elementos de este concepto de
estudio
sistemático, en investigación: se trata de un estudio en profundidad, sistemático en
profundidad y su preparación, desarrollo, metodología, obtención y comunicación
crítico.
de resultados, elaborado conscientemente y desde una perspectiva
crítica.

Según el Arts and Humanities Research Board (ahora Arts and

Humanities Research Council), la investigación académica debe
definirse en función de sus procesos más que de sus resultados, de
acuerdo a tres principios claves para cualquier tesis doctoral (véase
Candy 2006, 2):

1. Se deben definir una serie de preguntas o problemas que serán

propuestos en el curso de la investigación. Los objetivos deben ser
definidos teniendo en cuenta la ampliación del conocimiento
relacionado con las preguntas de investigación planteadas.
 40

2. Se debe especificar un contexto de investigación para las

preguntas o problemas planteados. Se debe especificar porqué es
importante abordar aquellas preguntas o problemas, qué otras
investigaciones las han abordado o las están abordando, y cuál será
la contribución del proyecto en ese contexto.

3. Se deben especificar los métodos empleados para plantear y

responder las preguntas o problemas de investigación. En el curso
del proyecto debe demostrarse cómo se responde a las preguntas y
de donde surge el conocimiento nuevo que se está aportando. Se
debe explicar también la lógica aplicada en la elección de los
métodos e indicar por qué es la más apropiada para responder a las
preguntas propuestas.

Estos principios nos pueden servir de marco operativo para

insertar la investigación de cualquier tipo, incluyendo la artística.

2.2. Definiendo lo imposible

La necesidad de establecer tipos de investigación en artes se

manifiesta inicialmente en el ámbito de las artes visuales y el diseño.
Christopher Frayling desarrolló una de las primeras propuestas en
1993, al distinguir tres tipos de investigación: investigación en el arte,
investigación a través del arte e investigación para el arte (Frayling
1993). Esta tipología básica ha sido recuperada por diferentes
autores, entre ellos Henk Borgdorff, quien la ha difundido
ampliamente a través de sus publicaciones (Borgdorff 2012; véase
también Teikmanis 2013). A continuación se sintetizan brevemente
las características de cada tipo de investigación en música:11
La investigación sobre la práctica artística es el ámbito más
académico y se refiere al trabajo habitual de ambitos como la
(etno)musicología, la pedagogía, la psicología y la cognición musical.
Es un trabajo que se realiza también en la universidad, pero en el
conservatorio se concentra en áreas especificas, acogiendo el
11
Una primera versión de esta síntesis fue publicada en López-Cano (2013a).
 41

potencial y las necesidades que ofrecen los centros. La investigación

para la práctica artística produce conocimiento o herramientas para
el desarrollo de la actividad musical en el más amplio sentido, como
recursos teóricos y tecnológicos para la creación, interpretación,
escucha y estudio de la música. También produce herramientas
conceptuales, técnicas e instrumentales. Las conceptuales serían
nociones teórico-prácticas para la creación, interpretación, análisis,
escucha, terapia, enseñanza, etc. Por ejemplo: sistemas de
composición o de análisis musical; práctica interpretativa histórica;
desarrollos de musicoterapia, edición de partituras, conceptos
pedagógicos para la didáctica, estrategias de estudio, enseñanza a
todos niveles y destinatarios, etc. Los técnicos incluirían
perfeccionamiento de técnicas instrumentales tradicionales y
expandidas, estrategias de estudio del instrumento e higiene corporal
entre otras. Los instrumentales comprenderían la creación o
perfeccionamiento de instrumentos musicales, software para la
creación, interpretación, escucha y gestión musical de archivos y
colecciones, material de enseñanza como artículos divulgativos, libros
didácticos (no de investigación básica, que quedarían incluidos en la
investigación sobre la práctica artística) o recursos multimedia.

La investigación a través de la práctica artística o investigación

artística propiamente tal, constituye un campo emergente de difícil
definición. En general, aborda preguntas y problemas que no pueden
ser atendidas en contextos carentes de un nivel de práctica artística
alto o sin la participación de profesionales artísticos. Son
indagaciones sobre problemas que atañen a la creación artística, que
preocupan a la comunidad de creadores y que requieren de su
particular experiencia y conocimiento para ser planteados y resueltos.
Si bien son estudios abordados por los propios artistas, en muchos
casos se trata de proyectos interdisciplinarios con personal artístico e
investigador, donde intervienen músicos, científicos, musicólogos,
filósofos, ingenieros, psicólogos, sociólogos, etc. (Polifonia Research
Working Group 2010).
 42

Como hemos mencionado, la Asociación Europea de

Conservatorios (AEC) rehúsa definir de manera estricta y unívoca el
concepto de investigación artística, y existen varias razones para ello.
Por un lado, la gran variedad de modelos de este tipo de trabajos
hace en extremo complejo detectar rasgos comunes que los agrupen
al tiempo que los distingan de las investigaciones sobre el arte o para
el arte. Por otro lado, se trata de un área en pleno estado de
gestación con propuestas y criterios sumamente cambiantes.
Finalmente, es complejo pretender una definición cerrada porque las
políticas educativas en cada país son muy distintas. Por esta razón,
independientemente de los deseos o prioridades de cada centro o
instancia superior de administración educativa como ministerios, son
más o menos permeables a aceptar o rechazar la posibilidad de una
investigación diferente de los protocolos académicos tradicionales.12

Desde el mundo hispanoparlante se han realizado diferentes

intentos de definir la investigación artística “entendida no en tanto
que investigación sobre el arte (lo que ya se da desde disciplinas
como la historia o la filosofía, etc.), sino como una tan necesaria
como valiosa investigación desde el arte” (Zaldívar 2006). Para
Zaldívar se trata de una investigación que:

[…] no se centra en el objeto artístico, ni en el documento que

lo explica de una u otra manera, ni en la biografía del creador,
ni en la respuesta del público o el eco en sus diversos medios
de difusión y múltiples interpretaciones. La investigación
‘desde el arte’ se centra en el propio proceso de creación […]
(Zaldívar 2008).

La profesora colombiana Ligia Asprilla va más allá y sostiene que se

trata de:

[…] una indagación que realiza un artista desde su formación

disciplinar, su ejercicio profesional y/o su experiencia

12
Comunicación personal de Joan Albert Serra, Coordinador de Relaciones
Institucionales e Internacionales de la Esmuc hasta 2013.
 43

pedagógica; propicia que una práctica artística sea permeada

y refundada por el conocimiento reflexivo, a la vez que se
compromete a generar referentes conceptuales, teóricos,
analíticos y creativos que impacten el campo cognitivo,
artístico, académico, educativo, productivo, social y/o cultural
[...] La investigación artística [...] excede la relación del artista
con la obra, así como el estudio de las obras y sus contextos;
puede desarrollarse alrededor de elementos creativos,
lenguajes artísticos, áreas disciplinares, procesos creativos,
prácticas culturales, contextos de la creación, campos conexos
al arte o en ámbitos multi, inter o transdisciplinarios […]
(Asprilla 2013, 5).

Ambas aproximaciones nos parecen válidas en ciertos

aspectos. Sin embargo, consideramos que aquello que se puede
llamar investigación artística en música, es mucho más diverso e
inaprensible. Dada la evidente disparidad de aplicaciones,
definiciones y prácticas que actualmente reciben este nombre, las
comisiones europeas tienen que admitir que la investigación artística
se ha convertido en “un concepto sombrilla” que se refiere a
“actividades de investigación con base en un conocimiento y
apariencia artísticos” capaces de ser incorporadas en el conservatorio
(Polifonia Third Cycle Working Group 2007, 16). Si bien no podemos
plantear una definición taxativa, podemos comenzar a explorar
algunas de sus características que suelen ser señaladas
recurrentemente en la bibliografía disponible y que en nuestra
opinión, no solo merecen mayor atención sino también un desarrollo
conceptual e instrumental que posibilite su aplicación.
El punto inicial es una
pregunta de
Toda pesquisa parte de una pregunta de investigación
investigación específica.
Su solución requiere de específica y clara. Para responderla hay que desarrollar una serie de
tareas de investigación
insertas en diferentes tareas de investigación que se insertan en diferentes metodologías.
metodologías.
Entre las metodologías más usadas en la investigación musical
general, están la investigación documental (detección, lectura y
estudio de libros, revistas, diarios, CDs, DVDs, material multimedia,
 44

etc.), los métodos cuantitativos como la observación, la entrevista, las

historias de vida, los grupos focales o la autoetnografía, y los
métodos cuantitativos como la estadística o la experimentación. Si
tuviéramos que señalar algunos de los aspectos que distinguen la
investigación artística de la investigación musical en el seno de las
ciencias y humanidades, podríamos decir que ésta se caracteriza,
entre otras cosas, por el tipo de preguntas de investigación que se
formula, el papel de la práctica artística dentro del proceso, las
competencias y habilidades específicas requeridas para desarrollarla
y las fuentes de información que emplea.

Las preguntas de investigación van dirigidas a problemas de la

práctica artística de compositores e intérpretes. Intentan responder a
inquietudes vinculadas estrechamente a la creación y que pueden ir
desde consideraciones sobre la técnica instrumental, hasta las
intenciones creativas del compositor o instrumentista, abarcando
también aspectos como los modos de performance musical, las
relaciones con el público o consideraciones estéticas. Una parte
sustancial de las preguntas sólo pueden ser respondidas por medio
de la práctica artística en sí misma, por lo que también se le suele
llamar investigación basada en el arte (art based research, véase,
Knowles y Cole 2008; McNiff 2008; Leavy 2009; Rolling 2013).13 Otras
denominaciones que intentan contextualizar la relevancia de la
práctica son: investigación dirigida a la práctica (practice-led
research),14 práctica dirigida a la investigación (research-led practic,

13
La definición de la investigación basada en el arte (art based research) también carece
de consenso. Por ejemplo, para McNiff (2008, 29) se trata del “uso sistemático del
proceso artístico, la realización efectiva de las expresiones artísticas en todas las
diferentes formas de las artes, como una forma primaria de examinar y comprender la
experiencia tanto de los investigadores como de las personas involucradas en sus
estudios". Mientras en otro capítulo del mismo libro, Finley la considera como una
metodología “radical, ética de investigación revolucionaria que es futurista,
socialmente responsable y útil para dirigirse a las inequidades sociales”, también es
una forma de pedagogía de la performance y puede “explorar múltiples, nuevos, y
diversos caminos de entender y vivir en el mundo” (Finley 2008, 71).
14
Linda Candy define la Practice led research como aquella investigación que conduce a
nuevas comprensiones sobre la práctica. Este tipo de trabajo se ocuparía de la
naturaleza de la práctica y generaría un conocimiento que tiene un carácter operativo
para tal práctica. Los resultados pueden ser completamente descritos en el texto de la
tesis, sin que sea necesaria la inclusión de una obra de arte. La investigación tiene por
objetivo generar conocimiento sobre la práctica o dentro de la práctica. En este caso, la
práctica constituye una parte integral del método (Candy 2006, 2). Por otra parte,
 45

véase Candy 2006; Nelson 2009; Smith y Dean 2009)15 y práctica

como investigación (practice as research véase Kershaw et al. 2011).16
El papel de la práctica artística dentro del desarrollo de la
investigación es múltiple. Por un lado, los hábitos y prácticas
habituales de estudio y creación en la interpretación o la
composición, son una fuente de información tan válida como la
bibliografía, las entrevistas o las encuestas. Por ello es necesario
desarrollar métodos de registro del trabajo artístico propio y
fomentar la reflexión continua sobre ellos.17 Por otro lado, la práctica
artística es también el espacio donde se prueban ideas y conceptos
producidos en el proceso de reflexión. Dentro de este espacio es
crucial la noción de experimentación.18 Por último, para el músico
práctico, una manera fundamental de pensar el mundo es desde su
instrumento o su ejercicio compositivo. De este modo, "no sólo las
preguntas de investigación emergen de la práctica artística, sino que
también se resuelven a través de ésta, el bucle de retroalimentación
práctica/reflexión juega un importante rol en las diversas
aproximaciones metodológicas" (Polifonia Research Working Group
2010, 55).

Por otro lado, la investigación artística en música sólo puede

ser desarrollada por un artista práctico, ejerciendo sus competencias
específicas en un entorno de docencia y práctica artística como es un
conservatorio. Si el proyecto o preguntas pueden ser atendidos por
un musicólogo o historiador del arte que no ejerzan como

Smith y Dean señalan que el término practice-led es empleado para indicar al menos
dos cosas: que la obra creativa es en sí misma una forma de investigación que genera
resultados de investigación detectables y que la práctica creativa puede conducir a una
visión específica de investigación, susceptible de ser generalizada y redactada como
una investigación (Smith y Dean 2009, 5).
15
Con el concepto research-led practice, Smith y Dean se refieren a que la investigación
académica también puede conducir a la creación artística (Smith y Dean 2009, 7)
16
La práctica como investigación indica los usos de procesos creativos prácticos como
métodos de investigación (y metodologías) por derecho propio, por lo general, aunque
no exclusivamente, en asociación con universidades y otras instituciones de educación
superior (Kershaw et al. 2011, 64).
17
En la bibliografía habitual, se vincula este tipo de trabajo con la autoetnografía (Fortin
2006). Sin embargo, existen profundas diferencias entre la autoetnografía practicada en
la investigación artística y la que se aplica en ciencias sociales y humanísticas. Véase la
sección 8.3 para una discusión más profunda sobre este tema.
18
Véase la sección 8.6.
 46

compositores o intérpretes prácticos, es muy probable que no se

trate de investigación artística. Ahora bien, es importante tener en
mente que en los conservatorios europeos no se realiza
exclusivamente investigación artística y que no estamos obligados a
limitarnos a ella. De hecho en estas instituciones se realiza una
significativa investigación en pedagogía, teoría musical y
(etno)musicología, y no consideramos conveniente que renuncien a
estas tradiciones. Creemos, sin embargo, que es necesario distinguir
entre diferentes áreas de investigación para detectar sus
requerimientos e impulsar su desarrollo.

Las fuentes de información que sustentan la investigación

artística son las mismas de otro tipo de investigaciones: la obtenida
desde documentos o a partir de metodologías cuantitativas y
cualitativas. No obstante, en esta modalidad artística tienen la misma
validez y autoridad aspectos como: opiniones de músicos destacados
expresados en conferencias o entrevistas, ya sean éstas preexistentes
o realizadas ex profeso para la investigación; las soluciones que
músicos reconocidos dan a problemas artísticos y su registro a través
de anotaciones en partituras, grabaciones en discos o vídeos; la
información que el investigador puede obtener de la observación y
reflexión de la propia práctica artística; etc.

2.3. Localizando la investigación artística en música

Hagamos un breve mapeo conceptual por las zonas de la

investigación musical para localizar aquellas en las que orbitaría la
investigación artística. Imaginemos una estudiante de violín de un
conservatorio de nuestro entorno.19 Como requisito para terminar sus
estudios de titulación o máster, se le exige que realice un concierto,
que elabore un trabajo escrito relacionado con el mismo concierto y
que haga una defensa oral del trabajo escrito. Estos son
requerimientos habituales. Entre las piezas que tocará se encuentra la
Sonata 4 en do menor BWV 1017 de Bach, original para violín y clave,

19
Esta sección es una versión modificada de López-Cano y San Cristóbal (2014).
 47

que interpretará con un violín moderno y con acompañamiento de

piano.

Una primera opción de trabajo de investigación sería elaborar

una especie de notas al programa. En ellas hablaría un poco de la
biografía de Bach, del contexto histórico de la composición y quizá
algunos apuntes críticos recogidos en otros comentarios a CDs, en la
web y en la bibliografía de referencia. En esta modalidad las
preguntas de investigación se limitarían a una información básica
suficiente para satisfacer la curiosidad de cualquier melómano y es
poco probable que se produzca conocimiento nuevo. Para muchos
centros este tipo de trabajo es válido y suficiente pues lo importante
es que el estudiante “toque bien” y no que “hable” sobre la música.
En muchos casos, se argumenta enfáticamente que la actividad
artística es en sí misma generadora de conocimiento por lo que debe
Homologación: las
ser reconocida como un modo de investigación. A esta
prácticas artísticas
constituyen una argumentación la llamamos homologación: se quiere convencer que
investigación en sí
mismas. las prácticas artísticas habituales son investigación, por lo que deben
homologarse ambas actividades para todos los efectos. Hemos de
reconocer que una parte importante del discurso de la investigación
artística (Smith y Dean 2009; Haseman 2006) defiende la
homologación argumentando un discurso epistemológico sofisticado
en el que se mencionan una gran cantidad de complejas teorías y
autores contemporáneos, aunque en ocasiones desde
interpretaciones bastante singulares. La homologación no prevé
ninguna transformación o cambio de las prácticas habituales del
músico práctico. Esta operación se refuerza con posturas como las de
Borgdorff y Schuijer que si bien puntualizan que existe una diferencia
entre creación e investigación artística, no ofrecen recursos
metodológicos para transitar, en términos formales, del trabajo de
creación a uno de investigación (Borgdorff y Schuijer 2010, 19).

Puede darse también el caso opuesto, que a la misma

estudiante se le exija un trabajo de investigación de formato
académico. En este caso tendría que realizar una investigación
 48

bibliográfica exhaustiva para detectar, obtener y estudiar textos

musicológicos sobre la sonata. Su trabajo escrito incluiría, por
ejemplo, detalles biográficos y contextuales sobre las circunstancias
de composición de la obra, pero no como lo haría para las notas al
programa, sino a un nivel mucho más especializado donde gran parte
de sus afirmaciones tendrán que respaldarse en fuentes
musicológicas autorizadas. También se ocuparía de meticulosos
análisis formales de la pieza, discusiones filosófico-estéticas o
valoraciones críticas de la obra. Es posible que en su investigación
bibliográfica se encuentre con artículos que señalan las similitudes
del primer movimiento de la sonata, siciliano, con el aria “Erbarme
dich” de la Pasión según San Mateo, BWV 244, en la que Pedro se
arrepiente de haber negado tres veces a Jesús e implora su perdón:
“Ten piedad de mí, Dios mío, advierte mi llanto | Mira mi corazón y
ojos que lloran amargamente ante Ti | ¡Ten piedad de mí!”. De este
modo, su escrito podría contener secciones que aborden las técnicas
de parodia detectadas en la composición de la pasión, en base a
artículos como los de Brainard (1969). Podría también establecer
relaciones intertextuales entre estas obras y pinturas de la época que
representan este episodio bíblico.

Figura 1. J.S. Bach, Aria “Erbarme dich, mein Gott”, Pasión según San Mateo, BWV
244, violín solista. Compases 2-3

Figura 2.El Greco, Las Lágrimas de San Pedro (1580-1586). Detalle.

 49

Del mismo modo, se podría adentrar en algunos de los

problemas culturales que aborda la musicología contemporánea y
hacer eco de los complejos temas de subjetividad en música, citando
y estudiando trabajos como los de Cumming (1997; 2000) que
inspecciona los aspectos de subjetividad involucrados en el tema del
llanto en la parte de violín de “Erbarme dich”, e intentar aplicar estas
reflexiones al primer movimiento de la sonata. Siguiendo en esta
línea, quizá realice algunas interpretaciones hermenéuticas basadas
en las relaciones intertextuales entre las dos obras. Aquí las
preguntas de investigación se harían más complejas y podrían ir
desde ¿Cuáles son las características formales de la sonata BWV 1017
de Bach? hasta ¿Cómo son los vínculos entre el primer movimiento
de la sonata BWV 1017 y el aria “Erbarme dich”? o además de las
relaciones formales entre ambas, ¿Es posible establecer alguna
relación de significado entre ellas? Como es evidente, este tipo de
trabajo responde a una investigación musicológica que puede
realizar un teórico o historiador del arte sin necesidad de recurrir a
los conocimientos o habilidades del músico práctico. Estamos ante
un caso de asimilación.

Asimilación: La asimilación es la exigencia institucional que se le hace al

Exigencia institucional
de que el músico realice músico práctico de realizar un trabajo con los principios, formatos y
un trabajo propio de la
criterios propios de la investigación académica universitaria, pasando
investigación académica
universitaria. por alto sus peculiaridades formativas, profesionales e intereses. En
muchos casos y por diversas razones, esta asimilación se presenta a
manera de musicología encubierta: el discurso institucional afirma
que se trata de investigación artística pero en realidad sus exigencias,
por alguna razón, tienen que someterse a los modelos universitarios
habituales. A la homologación se le puede acusar de perezosa y poco
ambiciosa, de claudicar en el intento de hacer del músico un
profesional cultivado y crítico que vaya un poco más allá del mero
ejercicio de interpretar o componer. Podríamos decir que la
homologación es arte sin investigación, mientras que la asimilación
es investigación sin arte. Ninguna de las dos alternativas es negativa
 50

en sí misma. La posibilidad de aplicarlas depende de cada centro,

pero ¿Es que no hay otras vías de investigación para los especialistas
en la creación e interpretación musical?

Pensemos ahora en otro escenario. En éste, la estudiante, más

allá de aspectos biográficos, históricos o analíticos, decide dedicar su
trabajo al estudio de versiones de la sonata BWV 1017 de Bach a
través de diferentes grabaciones, tanto en instrumentos modernos,
como en interpretaciones históricamente informadas con
instrumentos de época. Usando un software para la visualización de
sonido y comparación de archivos sonoros como Sonic Visualiser,20
compara fraseos, articulaciones, elección y gestión del tempo, los
diferentes estilos de gestionar el vibrato, las cesuras entre frases e
incluso podrá describir los estilos interpretativos de cada violinista. Si
analiza un corpus de grabaciones considerablemente grande, podría
realizar un estudio comparativo de estilo cuantitativo, como los
realizados por José Bowen o Daniel Leech-Wilkinson (Bowen 1996;
Leech-Wilkinson 2009; 2010), o las colaboraciones habituales del
International Symposium on Performance Science (Williamon y Da
Costa Coimbra 2007; Williamon, Edwards y Bartel 2011; Williamon,
Pretty y Buck 2009; Williamon y Goebl 2013). Aquí las preguntas de
investigación se concentrarían en aspectos propios de la
interpretación: ¿Cómo ha cambiado la elección de tempo en la
interpretación de la sonata a lo largo del siglo XX? Además de las
diferencias de estilo en la gestión del vibrato o de la articulación,
¿Existen algunas coincidencias entre el fraseo de las versiones con
instrumentos modernos y las que usan instrumentos de época con
criterios históricos?

Evidentemente, un proyecto de esta naturaleza se aproxima

mucho a las competencias exclusivas de un intérprete musical. Sin
embargo, el hecho que se haga de la performance musical el objeto
de estudio principal, no implica que el proyecto en sí mismo

20
El programa gratuito y de código abierto se pude descargar en
http://www.sonicvisualiser.org/.
 51

contenga metas artísticas. Este trabajo bien podría realizarlo un

musicólogo con un buen historial en la práctica instrumental no
profesional y con la suficiente sensibilidad: el estudio de los procesos
artísticos puede realizarse también desde los modelos de
investigación académica.

Algo que el musicólogo no podría hacer, sin embargo, es

emplear un estudio comparativo de las diversas versiones como el
anterior, para informar su propia interpretación de la sonata. En este
tipo de proyecto, la estudiante podría analizar diferentes
interpretaciones de un determinado pasaje del primer movimiento de
la sonata en grabaciones de varios violinistas y discutir sobre su
impacto en la expresividad general del siciliano. Si por ejemplo, su
intención artística es establecer un nexo de significación entre el
siciliano y el aria “Erbarme dich”, si desea expresar algunos afectos
complejos como el arrepentimiento, la culpa o el dolor, quizá podría
evaluar qué soluciones interpretativas son las más convincentes, no
ya desde el punto de vista de un musicólogo o académico
reconocido, sino desde su propio gusto musical, su intuición y
criterios artísticos que aplicará a su propia interpretación. En este
caso, las preguntas de investigación se transforman sensiblemente:
¿Cómo expresar el arrepentimiento y la culpa en el primer
movimiento de la sonata BWV 1017 de Bach? ¿Qué aspectos del
fraseo, articulación o tempo colaboran con esa expresividad? Aquí ya
entramos en el espacio de la investigación artística.

Pero podemos ir más allá. A nuestra estudiante le puede

interesar experimentar por ella misma diferentes posibilidades de
expresión de la culpa o de cualquier otro afecto en esta sonata.
Entonces ha de probar en su propio instrumento, distintos modos de
fraseo, articulación o agógica en el violín y elegir entre éstos el que
considere más apto para la expresividad que quiere lograr.
Metodológicamente tendría que elaborar un marco de
experimentación en el que debería definir qué es exactamente lo que
quiere probar; diseñar y definir cómo va a realizar las diferentes
 52

pruebas y cómo las va a registrar en audio y/o vídeo. Luego tendrá

que analizar cada prueba por ella misma, con la ayuda de otros
observadores o bien buscar la opinión de un grupo más amplio de
individuos (especialistas o no) a través de encuestas y cuestionarios
donde, para cada una de sus propias interpretaciones de cierto
pasaje, pregunte al encuestado cosas como “elija qué tipo de afecto
le sugiere cada una de estas interpretaciones: a) melancolía; b) culpa;
c) serenidad; d) perturbación; e) tristeza, etc.”

Otra vía para un proyecto similar, se daría si la estudiante

estuviera interesada en algunos aspectos de la interpretación
históricamente informada y deseara saber qué dicen los tratados de
la época y manuales recientes sobre la interpretación de un siciliano
como el de esta sonata. Supongamos que no le interesa tocar un
instrumento histórico, sino adaptar algunos elementos de la
interpretación históricamente informada a su instrumento y gusto
musical. La estudiante debería entonces leer tratados históricos y
manuales recientes de interpretación y resumir su contenido. En su
escrito nos informará cómo los aplicó en su interpretación y en el
concierto escucharíamos la eficacia de su elección interpretativa y su
correspondencia con lo prescrito en los manuales. Es muy probable
que el trabajo escrito adquiera el formato de una memoria: la
estudiante informa retroactivamente sus elecciones artísticas durante
el proceso de montaje de la obra.21

Pero existe también la posibilidad que la violinista no sólo lea

tratados y manuales, sino que recurra a algunas grabaciones con
intérpretes reconocidos de la música antigua y compare cómo han
resuelto algunos pasajes, fraseos u ornamentaciones y coteje estas
soluciones prácticas con lo que dicen los tratados. Intentaría
responder a las preguntas: ¿La práctica de la interpretación
históricamente informada sigue consistentemente las prescripciones
de los tratados y manuales de interpretación histórica? ¿Existen
21
Sobre la memoria y otros tipos de escritura, así como los modos de relación entre
obra o performance artística y trabajo escrito en investigación artística, véase la sección
9.2.
 53

diferentes maneras de interpretar una misma instrucción? ¿Hay

soluciones interpretativas de ejecutantes reconocidos de la música
antigua que no se apeguen a ninguna prescripción histórica, sino a su
gusto o a alguna tradición moderna? En este caso empleará de nueva
cuenta las grabaciones como fuente de información similar a la
bibliografía.

Pero nuestra estudiante puede ir aun más lejos. Puede intentar

un análisis interpretativo de las soluciones escuchadas y proponer
algunas alternativas para apropiarse de cada una de las
prescripciones de interpretación encontradas en los manuales y
tratados, y experimentar con ellas hasta encontrar la ruta que más se
adecue a su gusto o intenciones expresivas. De este modo
establecería un diálogo y un proceso de negociación estética que
comprendería tratados y manuales (fuentes musicológicas), la
realidad de las prácticas de interpretación (fuentes prácticas de
interpretación musical) y su propia experiencia, gusto, subjetividad y
proyecto artístico de interpretación (fuente autoetnográfica). Este
último caso es un excelente ejemplo de cómo en la investigación
artística, la práctica se convierte en fuente de información, espacio de
reflexión y vehículo de comunicación de los resultados de la
investigación.22 Estamos ante un proyecto que sólo puede realizar un
músico práctico. Una buena señal que estamos en el camino de una
investigación artística.

También puede darse el caso de que nuestra estudiante sea

mucho más inquieta de lo que nos imaginamos. Quizá esté
preocupada por aquellas estadísticas que dicen que el publico de la
música clásica se reduce al tiempo que se avejenta y decida
aprovechar su trabajo final para brindar alternativas de performance,
crear estrategias para llegar a nuevos públicos, construir nuevas
audiencias y experimentar con soportes que, si bien son de uso
común en otras tradiciones musicales, son poco explorados en la
música clásica. Entonces su proyecto no se concentrará solamente en
22
Para este tema véase la sección 8.1.
 54

los aspectos interpretativos de su instrumento, sino que además

propondrá, quizá, una performance con interacción de otros medios.
Tal vez quiera leer antes de la interpretación de la sonata, algún
poema o texto vinculado con lo que ella quiera expresar en su
interpretación. Quizá durante su interpretación desea proyectar
imágenes estáticas o en movimiento vinculadas a los contenidos de
la música, como por ejemplo detalles de algunos cuadros que
representan el pasaje bíblico de las lágrimas de San Pedro, o
imágenes actuales que representen su idea de la pérdida de la fe, la
traición, la desconfianza o de otros contenidos. Podría también
transmitir en directo imágenes tomadas en el momento mismo de su
performance con algún tipo de transformación en tiempo real
realizadas por algún vj colaborador. O quizá quiera seguir el ejemplo
de algunos intérpretes de música clásica o antigua que están
incursionando en el vídeo clip y realizar una producción de este tipo
(San Cristóbal y López-Cano 2013).

En este caso su trabajo escrito podría profundizar en aquello

que pretende lograr estética o socialmente con este modelo de
performance. Puede hacer un discurso donde aparezcan los criterios
con los que se asocian las proyecciones con su performance, o una
reflexión sobre la necesidad de atraer nuevos públicos a los
repertorios de la música clásica, de renovar los formatos de concierto,
de colonizar imaginarios colectivos de los que la música clásica
parece marginarse, etc. Con este tipo de trabajo tiene la oportunidad
de no limitar su escrito a una memoria retroactiva de lo que hizo,
sino expandir, por medios verbales, las inquietudes y reflexiones que
son el motor de su proyecto artístico. Aquí sus preguntas de
investigación podrían ser: ¿Cómo atraer al público joven a los
conciertos de música clásica? ¿Cómo la música de arte europea
puede apropiarse de formatos de interpretación musical de otras
tradiciones como el pop? ¿De qué manera se pueden vincular
imágenes en movimiento con una performance de Bach? Este tipo de
emplazamiento puede tener un lado académico en sus
 55

argumentaciones, o bien tener un aspecto experimental-evaluativo, si

por medio de entrevistas o cuestionarios como los descritos
anteriormente, le interesa obtener reacciones y valoraciones de
profesores, colegas o público general. Pero a diferencia de la
investigación académica tradicional, toda su argumentación y
reflexión tendrán como eje la propuesta efectiva de una obra o
instancia artística en la que la autora del proyecto va a poner en
juego sus competencias y saberes artísticos.

Hay otra opción a considerar por nuestra estudiante. Si bien

ésta no es común en la investigación artística en música, se puede
encontrar frecuentemente en proyectos similares de otras artes.
Imaginemos que la sonata BWV 1017 de Bach posee una importancia
personal muy importante para la violinista. Cuando era niña su padre
la escuchaba constantemente. Ella la recuerda sonando en los
altavoces del auto durante los viajes familiares desde la capital a su
pequeño pueblo natal perdido en las provincias de Albacete,
Antioquia, Gerona o Veracruz. La obra está en el centro de una parte
importante de su historia familiar, cuando abandonaron el pueblo
para trasladarse a la ciudad para que ella y su hermano pudieran
seguir sus estudios musicales. La sonata es a un tiempo el recuerdo
de ese espacio natal y del interés de su familia de insertarse en un
tejido social moderno. Entonces su proyecto de interpretación quizá
esté marcado no sólo por sus preferencias y gusto estético ni por las
diferentes tradiciones interpretativas recogidas en varias grabaciones,
ni por los estudios musicológicos. Quizá se defina por toda una
memoria personal fundamental que sustenta su identidad como
músico y que ella se ha decidido a explorar creativamente.
Supongamos que la versión que escuchaba de pequeña sea aquella
nada convencional de Jaime Laredo (violín) y Glenn Gould (piano)
(1974, Sony Music), y que uno de sus intereses interpretativos sea
recuperar algunos de los gestos estilísticos de esa versión, no para
imitarlos, sino para incorporarlos a su interpretación desde una
 56

poética personal, explorando cómo éstos detonan un profundo

significado personal y familiar.

Su trabajo escrito no sólo se concentraría en pormenores

históricos, analíticos, interpretativos o estéticos de la música, sino en
el significado particular de esa versión en su memoria familiar. Puede
incluir entrevistas a profundidad con diferentes miembros de su
familia realizadas antes o durante la audición de la obra; contrastar
los efectos que causa en ellos la versión de Laredo y Gould y la suya
propia, y explorar coincidencias y divergencias en la construcción del
relato de la historia familiar a través de la música. Si su performance
incluye imagen o si desea hacer un vídeoclip a partir de su
interpretación, puede incorporar viejas fotos familiares, de su pueblo,
de acontecimientos sociales e históricos de esa época. Puede
acompañar el trabajo con una grabación en la que a la música se le
añada paisaje sonoro de los entornos asociados con esa memoria
musical, lectura de un trozo de su diario de esa época y
experimentaciones con el sonido de la sonata ecualizado como si
saliera de los altavoces de un auto. Su propuesta artística no sólo
sería una manera más de interpretar la hermosa obra de Bach, sino
que tendría un alto interés antropológico. Este trabajo
autoetnográfico (dentro del cual su interpretación musical forma
parte), informaría cómo el viejo Bach colabora en la generación de
tejido afectivo y memoria entre los miembros de una familia que,
alejada de los centros hegemónicos del arte musical europeo y sus
dinámicas particulares, construyó significados profundos para sus
vidas a través de la obra.

En este caso, las preguntas de investigación podrían ser: ¿Cuál

es el papel de la sonata BWV 1017 de Bach dentro de las relaciones
afectivas de mi familia? ¿De qué modo detona o subvierte una
memoria familiar particular? ¿Cómo unifica o disgrega esa memoria
colectiva? ¿Qué relación existe entre esta música y mi historia como
músico y persona? ¿Esos significados personales afectan a mi
interpretación, los uso como motor de mi interpretación o son
 57

negados o disminuidos a favor de otros elementos con mayor

importancia dentro de las idiosincrasias tradicionales de la música
clásica?23

De esta cartografía se puede concluir que la investigación

artística no tiene por qué ser necesariamente un discurso sobre la
obra realizada ni sobre el proceso de creación. Es en sí misma un
modo de crear que no es mejor ni peor que otros, ni pretende
sustituir a otras formas de creación. Simplemente es distinto. Es un
modo de acción creativa e indagadora que construye discurso y
reflexión consciente y crítica mientras crea, abordando tanto los
problemas artísticos, estéticos y técnicos, como los sociales, políticos
o filosóficos, a los cuales la obra también hace referencia, se
fundamenta en ellos o los afecta. Por otro lado, es notorio que cada
idea artística formulada, requiere de estrategias metodológicas
específicas para ser atendida. Estas estrategias se pueden encontrar
en prácticas de investigación de las ciencias y humanidades o se
pueden elaborar ex profeso. De cualquier manera, es notoria la
necesidad tanto de herramientas heurísticas para la producción de
preguntas de investigación fructíferas, como de instrumentos
metodológicos para atenderlas. Creemos que estos aspectos no han
sido suficientemente atendidos en el discurso actual de la
investigación artística.

Esta cartografía localiza una amplia zona donde, nos parece,

se pueden ubicar algunas modalidades de investigación artística en
música. Ante las publicaciones habituales que se extravían en
complejos devaneos epistemológicos o estériles enumeraciones de
casos, nuestro reto es proponer estrategias prácticas, simples pero
eficaces, para que nuestros alumnos generen preguntas e ideas de
investigación adecuadas a la práctica artística, e inserten sus hábitos
de estudio dentro de lógicas de investigación no invasivas, es decir,
que no atenten bruscamente contra su idiosincrasia. Estas propuestas
han de convertirse en impulsos, ayudas, provocaciones y no en
23
Para un trabajo similar véase Suárez Quintero (2013).
 58

nuevos moldes, fronteras o limitaciones. El objetivo es que nuestros

estudiantes comiencen a generar sus propias preguntas, a proponer
nuevos retos metodológicos y nuevos problemas, acerca de los
cuales nos tocará a nosotros reflexionar nuevamente. Tendremos
entonces que volver sobre nuestros pasos y, si es necesario, decretar
la obsolescencia de algo de lo que hemos comentado en este libro y
pensar nuevas propuestas.

La ruta de la investigación artística es esta espiral de

retroalimentación. Pero no hay que perder de vista las consecuencias
de este proceso. Es innegable que "la investigación está generando
diversidad por medio de la desestabilización de las jerarquías
tradicionales en los conservatorios” (Polifonia Research Working
Group 2010, 54). Como toda implementación de proyectos I+D, la
investigación artística es un instrumento de transformación de
prácticas, valores y tradiciones, “es un vehículo para el cambio"
(Polifonia Research Working Group 2010, 57). ¿Estarán los centros de
educación musical superior de Iberoamérica dispuestos a abrirse a
este proceso?
 59

Segunda parte
Problemas e instrumentos
 60

3. Investigación académica e
investigación artística

Cómo hemos dicho anteriormente, la investigación artística de

la que hablamos en este trabajo, es la que se desarrolla en el seno de
centros de educación musical superior y que por lo tanto posee los
objetivos, procedimientos y criterios propios de estas instituciones.
Uno de nuestros propósitos, que no necesariamente el único ni el
más importante, es colaborar en la inserción de algunos
procedimientos de gestión y evaluación académica propios de las
universidades en las enseñanzas artísticas superiores. Esta inserción
supone el seguimiento literal de algunos criterios académicos
universitarios, pero también contempla la adaptación de otros con
transformaciones de diverso grado que respondan mejor al tipo de
actividad que se desarrolla en artes. Por otra parte, también implica la
implementación de criterios que no pertenecen a la tradición
universitaria, pero que son indispensables en la práctica artística. Este
proceso no está libre de problemas y polémicas. De hecho, la
hegemonía de los modelos científicos aplicados a la gestión y
evaluación del trabajo académico lleva mucho tiempo levantando
molestias en otros ámbitos universitarios no precisamente artísticos.

En el ámbito de la investigación artística nos estamos

preparando para asimilar algunas prácticas típicamente universitarias
o científicas. Por ejemplo, se están creando revistas arbitradas que
nos pueden integrar y homologar con otras áreas de la investigación
social y humanística.24 Este proceso contempla también la evaluación
por pares de obras artísticas, procedimiento similar a la que se aplica
a los textos científicos. Así mismo, comienzan a proliferar congresos,
reuniones y encuentros académicos donde se presentan y discuten

24
Algunas de estas revistas son The Journal for Artistic Research (JAR), Music
Performance Research y Music + Practice.
 61

proyectos específicos. Pero hemos de reconocer que hay muchos

otros aspectos en los que la investigación artística tiene que
desarrollar sus propios modelos e intentar negociar con la tradición
científica y humanística para que sean aceptados y respetados dentro
del ámbito institucional.

En términos generales, los protocolos y criterios de la

presentación y desarrollo de un proyecto de investigación, requerirán
de bastante diálogo y negociación. Los problemas o puntos donde se
percibe mayor complicación suelen focalizarse en lo que llamaremos
la formalización de la investigación,25 que incluye la elaboración del
plan de trabajo y la especificación de algunos de sus contenidos. Por
ejemplo, en la investigación artística suele dificultarse la enunciación
de hipótesis y en ocasiones los objetivos pueden no ser similares a
los de la investigación académica. Por otro lado, están los métodos
de investigación reconocidos y avalados. Se discute si éstos se
pueden estandarizar y homologar para todo tipo de investigación
artística o si pueden ser emergentes, realizados ex profeso para cada
investigación. Hay muchas preguntas sobre las características que
deben tener estos métodos y cómo pueden generalizarse para ser
enseñados a través de alguna didáctica especifica. Otra discusión
muy común es sobre los productos de investigación. Se dirime si es
necesario que la investigación artística genere un trabajo escrito
como las tesis o informes habituales en las áreas académicas o si
basta con elaborar una obra o performance artística, o si es necesario
que además de la obra se genere un discurso que se comunique de
otra forma, aunque no sea por medio de la palabra escrita como
habitualmente se hace.26 Por último, otro tema de difícil solución es
el de la evaluación. Qué aspectos se deben evaluar y con qué
criterios, suele no ser una pregunta fácil. Tenemos una tradición
longeva que ve en el arte la manifestación de una sensibilidad
subjetiva e inconmensurable que se rehúsa a ser cuantificada con
indicadores precisos.
25
Véase capítulo 4.
26
Véase el capítulo 9 dedicado a los productos de la investigación artística.
 62

En los siguientes apartados haremos un recuento de estos

problemas, de cómo han sido abordados y cómo han intentado
resolverse desde diferentes instancias. Haremos también algunas
propuestas prácticas.
 63

4. Formalización del proyecto

Un proyecto de investigación, en tanto tarea reconocida por

alguna institución, debe cumplir con ciertos requisitos. Entre ellos se
encuentra su plasmación desde su inicio en un documento formal
que se suele llamar plan de trabajo. Este documento recoge las
principales características del proyecto, lo que se propone obtener, el
conocimiento que quiere alcanzar, su utilidad y destinatarios, los
métodos que se piensa emplear, sus objetivos, etc. El plan de trabajo
tiene varias funciones principales. Por un lado, es un documento que
comunica la forma en que está planteado el proyecto y debe
convencer a su destinatario de su viabilidad. Por lo general está
destinado a un órgano evaluador. Por ejemplo, si se trata de una tesis
o trabajo de fin de un ciclo de estudios, el plan de trabajo permitirá a
los organismos académicos encargados, valorar su interés,
adecuación e idoneidad para la obtención del grado al que se
postula. A un organismo financiador le permitirá decidir si el
proyecto merece ser apoyado. Los planes pueden ser aprobados,
Plan de trabajo:
rechazados o bien el evaluador puede pedir algún cambio en su
 Genera ideas.
 Coordina acciones formulación. Otra función principal del plan de trabajo es coordinar y
de toda la
investigación.
vertebrar todas las tareas de investigación a lo largo de todo el
 Presenta a otros el
proceso. En este caso se convierte en un instrumento de trabajo
proyecto y los
convence de su fundamental para el investigador quien a través de él, puede
utilidad.
organizar sus ideas, jerarquizar los objetivos y preguntas de
investigación principales y detectar tareas de investigación a realizar,
entre otras cosas. En síntesis, el plan de trabajo tiene al menos tres
tipos de funciones:

 Función heurística: porque permite obtener ideas.

 Función organizadora: porque permite articular los diferentes

pasos y procedimientos de la investigación.
 64

 Función comunicativo-persuasiva: porque posibilita que otros

conozcan el proyecto y que sus evaluadores se convenzan de su
utilidad.

En la investigación académica tradicional habitualmente se

exige que el plan de trabajo incluya elementos como los siguientes:
título y subtítulo, objetivos, hipótesis, metodología, justificación,
producto de la investigación, introducción, índice hipotético,
referencias y fuentes, un cronograma, etc. Si bien es imprescindible
que la investigación artística no renuncie a una formalización
adecuada, también es cierto que sus particularidades demandan una
adaptación y apropiación de estos ítems. En el caso de proyectos que
tienen por objeto la obtención de un grado académico, las
instituciones deciden qué elementos les interesa conocer de este
plan de trabajo. Por ejemplo, en la Esmuc los trabajos finales de
máster deben llenar un formulario con los datos que se detallan a
continuación. Para los programas donde el trabajo de investigación
escrito y la parte artística se evalúan por separado, los ítems del
trabajo escrito son: 1) título y subtítulo; 2) palabras clave; principales
preguntas de investigación; 3) principales tareas de investigación que
se deberán realizar para responder a cada pregunta; 4) breve
descripción del tema del proyecto y la relación de la parte escrita con
el concierto; 5) índice o puntos principales iniciales del trabajo (no es
definitivo) y 6) tres o cuatro referencias bibliográficas fundamentales.
Para los programas donde la parte del concierto está evaluada junto
al trabajo escrito, se añaden los ítems: avances del programa y
requerimientos necesarios para el concierto.

Cada institución pondera los puntos que considera más

importantes. En nuestra opinión hay al menos cuatro elementos
básicos infaltables en el plan de un proyecto de investigación
artística:
 65

1) Título y subtítulo;

2) Problema o pregunta de investigación;

3) Tareas de investigación que se han de realizar para responder a las

preguntas;

4) Productos que la investigación va a generar.

El título y subtítulo son indispensables para identificar el

proyecto. El problema o pregunta de investigación define lo que se
pretende explorar, la inquietud o curiosidad precisa que motiva el
estudio consciente, sistemático y crítico. Las tareas de investigación
son las acciones concretas que se han de realizar para responder a la
pregunta. Estas acciones se insertan en las metodologías. Los
productos son todo aquello que el proceso investigador va a generar.
En el caso de trabajos finales, se suelen pedir tres elementos: un
resultado artístico, un trabajo escrito y su defensa oral. El resultado
artístico puede tener muchos formatos y posibilidades alternativas a
la composición o interpretación musical convencional, pudiendo
incluir grabaciones en audio o vídeo, instalaciones, improvisaciones,
obras conceptuales, trabajos en línea, etc. El trabajo escrito puede
tener alternativas como documentales, textos confesionales,
vídeoblogs, vídeoconferencias, etc. Del mismo modo, la defensa
puede realizarse por diferentes medios.27

En los capítulos siguientes analizaremos cada uno de estos

A lo largo de la ítems. Para concluir esta sección es importante subrayar lo siguiente:
investigación, el plan
de trabajo cambiará el plan de trabajo siempre va a cambiar en el curso de la
continuamente.
investigación, independientemente de la información requerida por
la institución a la que presentamos nuestro proyecto. A lo largo del
proceso se aprenderán cosas, se enfrentarán circunstancias no
previstas o se descubrirán detalles de gran riqueza que en un
principio no se conocían o no parecían ser tan relevantes. En la
medida que toda investigación supone un aprendizaje del propio

27
Véase el capítulo 9.
 66

investigador, este aprendizaje cambiará sus perspectivas y cálculos

iniciales. Si una investigación no altera continuamente su plan
original, si este llega intacto al final del proceso, es que algo extraño
ha ocurrido. O bien no era necesaria la investigación o bien hemos
falseado el proceso en algún momento. A alguien estaremos
engañando.
 67

5. Título y subtítulo

Es indispensable que el proyecto cuente con un nombre. Éste

servirá para identificarlo, para que nosotros u otros puedan referirse
a él, para registrarlo o para aclarar qué es lo que nos proponemos
hacer. Por lo general, los proyectos, comunicaciones, ponencias,
libros o artículos, suelen contener dos frases para su denominación:
el titulo y el subtítulo. El titulo suele ser breve, contundente,
sugerente, poético, cautivador o provocador. En unas ocasiones es
enigmático, en otras es irónico. La idea es que tenga un poder de
atracción en sí mismo, que no deje indiferente a nadie o que sepa
interpelar al lector apropiado. Un buen título sabe seleccionar a su
lector ideal y llamar su atención. Por el contrario, el subtítulo suele
tener mayor extensión, es mas explicito y descriptivo. Tiene menos
poder de interpelación que el título pero ofrece mayor información
sobre el objeto de estudio, la metodología, los conceptos teóricos
usados, los resultados, etc. Veamos algunos ejemplos concretos
donde el título busca llamar la atención y el subtítulo amplía la
explicación sobre el proyecto.

En primer lugar, tenemos un grupo de ejemplos donde el

título posee un gran poder de interpelación, pero no entrega
información precisa sobre el tema estudiado. En estos casos, es el
subtítulo el que informa a los lectores sobre el tema de la
investigación:

 “The Listening Gallery: Integrating Music With Exhibitions and

Gallery Displays, Medieval to Baroque” (Polifonia Research
Working Group 2010, 68).

 “Music and Religious Experience: Developing a Theological

Approach to Composition” (Royal Conservatoire The Hague 2014,
12).
 68

 “Orpheus in Hades… a Beethovenian approach: An analysis of

possible connections between the 'Andante con Moto' of the
Fourth Piano Concerto Op.58 by L. Van Beethoven and the Greek
myth ‘Orpheus in Hades” (Royal Conservatoire The Hague 2014,
15).

 “Taking it From the Modernists. The Application of Formal

Techniques From the Music of Janáček and Stravinsky in Jazz
Composition” (Conservatory of Amsterdam 2011, 25).

 “21st Century Clogs: English Clog Dance as a Tool for Creating

Contemporary Music-Theatre” (Conservatory of Amsterdam 2013,
16).

En los siguientes ejemplos, el título es menos cautivante, pero hace

referencia directa al tema de estudio. El subtítulo por su parte,
delimita con precisión los aspectos abordados en el proyecto:

 “French Cantata and Gesture: A Research Upon the Delivery of

Secular Cantata in France, around 1700-1730” (Royal Conservatoire
The Hague 2013, 47).

 “Chordal Continuo Realization on the Violoncello: A Look at the

Practice of Chordal Accompaniment by Cellists Over the Course of
Two Centuries, With a Focus on Recitative Accompaniment
Practices Between 1774 and 1832” (Royal Conservatoire The Hague
2014, 41).
 69

6. Problema o pregunta de investigación

El “punto de inicio” de toda investigación es un problema de

investigación. Éste se expresa a través de preguntas que reflejan
nuestra curiosidad sobre un tema determinado. Todas las lecturas,
entrevistas, análisis, observaciones y demás actividades de
investigación tendrán como cometido responder a estas preguntas. Si
han sido bien formuladas, entonces por sí mismas generarán nuevas
preguntas relacionadas y sugerirán las tareas de investigación
necesarias para responderlas. Si una pregunta es defectuosa, todo el
proceso de investigación se puede venir abajo. Por ello, es necesario
poner mucha atención en el procedimiento de formulación de
preguntas de investigación.

Dentro de la investigación artística, sin embargo, no todos los

autores consideran la pregunta o problema de investigación como un
punto de partida válido o posible. Para algunos, el trabajo artístico
emerge de la intuición y resulta muy problemático aplicarle
preguntas y objetivos de investigación de antemano (Baers 2011).
Otros autores como Haseman señalan que un proyecto artístico no
surge de un problema de investigación, sino del “entusiasmo de la
práctica”. Para este autor, los investigadores-artistas, parten de algo
que consideran excitante, carente de reglas y de lo cual no tienen
certezas. De este modo, evitan comenzar un proyecto con “las
limitaciones propias de un problema planteado en forma sesgada” y
de los “requerimientos metodológicos rígidos” (Haseman 2006, 5 ).
Por su parte, Kershaw et al. (2011, 65) señalan que en la práctica
como investigación (practice as research) existen dos métodos
fundamentales para comenzar el proceso. El primero consiste en
partir de problemas de investigación y el segundo, en partir de
corazonadas o intuiciones. El autor considera ambas rutas como
válidas pero contradictorias. McNiff (2008, 40) afirma que a diferencia
 70

de los métodos científicos, en la investigación artística no es posible

definir el resultado final cuando se está planificando el trabajo.

En nuestra opinión, esta aparente contradicción entre práctica

artística y metodologías se fundamenta por una parte, en
concepciones erróneas de la investigación académica convencional
(ya sea cualitativa o cuantitativa), y por otra, en la falta de perfil de la
investigación artística como una actividad distinta a la creación. Por
un lado, la intuición y la curiosidad también poseen un rol
fundamental en la investigación académica y, de hecho, las preguntas
o problemas de investigación pueden ser guiadas, originadas o
determinadas por la intuición.28 Por otro lado, cabe señalar que el
término “problema de investigación” no tiene que ver con las
connotaciones que en la vida cotidiana se adscriben al término
“problema” (disgustos o adversidades), sino que se refiere al
planteamiento de una cuestión concreta que se pretende aclarar a
29
través de una investigación. Así mismo, el método en la
investigación académica no constituye una inexorable hoja de ruta
mecánica y lineal que se ha de seguir de principio a fin de manera
irreflexiva. El camino tiene pliegues, momentos de inflexión en donde
aparecen cosas no previstas que nos obligan a cambiar de rumbo y
reorganizar todo el proceso. En toda investigación, las preguntas
pasan por un proceso de “refinamiento” antes de alcanzar una forma
Las preguntas se operativa (Andrews 2003, 4). Las preguntas de investigación no
transforman a lo largo
de la investigación.
constituyen un criterio coercitivo que determine todo el trabajo de
principio a fin. Pueden y deben cambiar a lo largo de la investigación
y muchas veces las preguntas de inicio desaparecen en favor de otras
mejor formuladas y más acordes con lo que estamos descubriendo.
No es infrecuente que las preguntas definitivas solo puedan
expresarse correctamente al final de la investigación. De este modo,
las preguntas de inicio pueden tener un valor heurístico, es decir, ser

28
Véase el clásico libro de Moles (1986) sobre todo su análisis de las elecciones estéticas
en la ciencia y las similitudes entre investigación científica y creación artística.
29
La ya mencionada idea de Haseman de que la investigación artística no parte de
problemas sino del entusiasmo de la práctica, parece reflejar esta concepción errónea
del término problema de investigación. Véase Haseman (2006, 5).
 71

operativas para la generación de ideas aunque no necesariamente

persistan hasta el fin de la investigación.

Por último, cuando hablamos de “punto de inicio” nos

estamos refiriendo también a un proceso formal que requiere de
investigación previa, estudio, corazonadas e intuición. Si al inicio no
existen preguntas o no están suficientemente bien establecidas,
entonces se puede comenzar por intuiciones, lecturas o simplemente
entregarse a la práctica, las preguntas ya irán apareciendo poco a
poco. Lo mismo sucede en la investigación científica y académica. Es
muy común encontrarse con que lo que consideramos una pregunta
fundamental de la investigación, a la luz de lo que hemos
descubierto, de la información que hemos obtenido, o de las
interpretaciones que hemos realizado, poco a poco se desplaza a un
sitio subordinado al final de toda la pesquisa. Debido a que el
proceso de investigación debe ser crítico, es fundamental que el
autor perciba cuando los resultados de su estudio le reclamen
rearticular la organización jerárquica de sus preguntas, transformar
algunas, sustituirlas o incluso excluirlas o cambiarlas por otras más
productivas y coherentes con la investigación. Lo importante es
activar en todo momento el bucle creación/acción-reflexión, para
permitir que la emergencia y corrección de preguntas acompañen el
proceso.

En este apartado vamos a analizar las características de una

buena pregunta de investigación, qué elementos debe tener, como
reconocerlas y de qué manera se obtienen preguntas secundarias a
partir de una pregunta principal, estableciendo un orden jerárquico
entre ellas que es fundamental para la investigación. Luego
presentaremos algunas estrategias prácticas para la generación de
preguntas de investigación.
 72

6.1. Definiendo la pregunta de investigación

La pregunta o preguntas de investigación son la expresión

Las preguntas de
investigación son la formalizada de los problemas o inquietudes que la investigación
expresión formalizada
de lo que se quiere quiere resolver o abordar. Articulan el conjunto de cuestiones,
conocer.
intrigas, dudas y curiosidades que tenemos sobre el tema que
investigamos. Las preguntas deben de ser prácticamente
solucionables y expresarse de manera clara y específica, sin
ambigüedades o contradicciones. Por supuesto, deben responder a
los intereses del investigador, pero también deben abordar
inquietudes que otros miembros de su comunidad artística
consideren de interés, o asuntos cuya solución, reflexión y
tratamiento, signifiquen un aporte: toda investigación se inserta en
un espacio social (comunidad científica o artística acotada o sociedad
en general). Se espera que la investigación revise críticamente lo que
se ha dicho o hecho sobre ese asunto y diga o haga cosas diferentes
sobre el mismo, o por lo menos que expanda esa mirada crítica.

Hay muchos aspectos que han de tomarse en cuenta para

definir una buena pregunta. Ésta debe resolverse dentro de tiempos
razonables o establecidos, y las fuentes de información necesarias
para responderla deben estar físicamente asequibles y ser manejables
por el investigador. Por ejemplo, deben estar escritas en idiomas que
conoce y cuyo lenguaje o construcciones teóricas estén a su alcance.
Una buena pregunta de investigación siempre necesita compañía. Lo
mejor es trabajar con varias preguntas relacionadas. Cada una de
ellas debe atender un problema de investigación a la vez y debe
ocupar un lugar preciso en una estructura jerárquica, donde la
principal es la más importante y de la cual deriva el resto. También es
posible la aparición de preguntas encadenadas: la respuesta tentativa
a una pregunta puede dar lugar a otras preguntas y así
sucesivamente. En ocasiones, este sistema permite ir acotando y
perfeccionando paulatinamente la calidad de las preguntas de
investigación.
 73

6.2. Buenas y malas preguntas de investigación

A continuación se sintetizan las características de una buena

pregunta de investigación:

 Refleja los intereses e inquietudes del investigador, está vinculada

a sus competencias y es relevante para su entorno artístico.30

 Su resolución es viable en el contexto en que se realiza la

investigación. Debe ser posible responder a la pregunta
recurriendo a los recursos disponibles y en los plazos establecidos.

 Está estrechamente vinculada con la práctica, de tal suerte que leer

la pregunta invita a la acción artística.

 Permite trabajar inmediatamente.

 Genera más preguntas subordinadas o coordinadas.

 Sugiere las tareas de investigación especificas necesarias para

resolverla.

 Permite establecer criterios para evaluar si se ha respondido

adecuadamente o no.

Problemas frecuentes: las preguntas de investigación suelen

presentar algunos de los siguientes problemas

 Preguntas demasiado vagas o amplias.

30
La relevancia para el entorno artístico puede variar según el nivel académico en el que
se está desarrollando el proyecto. Si se trata de primer ciclo (bachelor, licenciatura,
titulación o grado) lo importante es que la pregunta sea relevante para el autor pues
en este nivel no es necesario que produzca conocimiento nuevo, sino que muestre un
conocimiento suficiente del entorno profesional. En el segundo ciclo (máster o
maestría) se espera que el estudiante detecte ya los problemas más importantes del
campo profesional. Para el tercer ciclo (PhD o doctorado) es indispensable que
proponga soluciones innovadoras y originales a esos problemas.
 74

 Preguntas demasiado específicas que se agotan pronto y puede

ser que no soporten toda una investigación.

 Preguntas capciosas o falaces que intentan inducir un tipo

determinado de respuesta.

 Preguntas que no se refieren a problemas concretos.

 Listado de preguntas no vertebradas. Por ejemplo: ¿Qué es la

práctica? ¿Qué significa y qué implica? ¿Para qué es? ¿Cómo
practico? ¿Practico bien? ¿Puedo practicar mejor? ¿Cómo puedo
mejorar mi práctica y, como resultado, mi interpretación? Este tipo
de preguntas funcionan bien como parte de un ejercicio de
brainstorming, pero por sí mismas no son útiles para el trabajo de
investigación.

A continuación revisamos y comentamos algunos ejemplos concretos

de preguntas de investigación inspirados en casos reales.

¿Cómo tocar mejor una sonata de Schubert? Es una pésima

pregunta, pues no apunta a un problema concreto. Después de todo,
¿Qué significa tocar bien? A esta pregunta le hace falta problematizar
la inquietud: ¿Qué aspectos de la interpretación son los que se
quieren trabajar? ¿Qué partes de la sonata ofrecen problemas
interpretativos?

¿Cómo digitar los compases del preludio de la suite nº5 de

Bach para violoncelo solo? Puede ser una pregunta más operativa.
Pero habría que dirigirla un poco mejor. Por ejemplo: ¿Cómo digitar
los compases x e y de la sonata para que suene la polifonía implícita?
Y podría ser aún mejor si se invirtiera la pregunta: ¿cómo resaltar la
polifonía implícita en la suite para violoncelo solo de Bach? De este
modo, las preguntas subordinadas atenderían aspectos
interpretativos puntuales en movimientos específicos de la suite.
 75

¿Cómo lograr mayor expresividad en la interpretación de la

ópera contemporánea? Esta pregunta refleja las inquietudes del
investigador. Para hacerla más útil bastaría definir qué se entiende
por expresividad, o qué aspectos de la expresividad se quieren
trabajar y sobre qué elementos de la ópera contemporánea se
pretenden abordar (la vocalidad, la corporalidad, la caracterización de
personajes, etc.) y cuál va a ser el caso concreto de aplicación (alguna
obra específica).

¿Qué técnicas teatrales se pueden usar para mejorar nuestras

interpretaciones musicales? Esta pregunta invita adecuadamente a la
acción, ya que el investigador podrá hacer un listado de diferentes
técnicas teatrales y comenzar a recuperar información sobre ellas. Sin
embargo, la pregunta no especifica los propósitos de estas acciones
ya que “mejorar nuestras interpretaciones” es una idea muy vaga.
Para hacer la pregunta más operativa, será necesario precisar qué
aspectos de la interpretación musical se quieren perfeccionar a través
de las técnicas teatrales y a qué repertorio se pretenden aplicar. La
pregunta podría formularse de la siguiente manera: ¿Qué técnicas
teatrales se pueden utilizar para mejorar nuestra performance
corporal en la interpretación de música de cámara romántica? O
mejor aún: ¿Qué técnicas teatrales se pueden utilizar para mejorar
nuestra performance corporal en la expresión del sujeto marginal e
inadaptado representado en ciertos lieder de Schubert?

¿Cómo integrar las armonías de la música coral de Georgia en

una composición para cuarteto de cuerda? Esta pregunta identifica
adecuadamente los elementos que se desea estudiar (las armonías de
la música coral de Georgia) y su aplicación artística (la composición).
No obstante, es necesario especificar qué elementos se pretenden
utilizar para hacer la pregunta más operativa. Por ejemplo: ¿De qué
manera puedo emplear las funciones armónicas x y z de la música
coral de Georgia en una composición para cuarteto de cuerdas? Ésta
pregunta permitirá al investigador explorar un aspecto específico en
un tiempo razonable.
 76

¿Cómo integrar un arpa clásica a un ensemble de

improvisación de jazz? Otro caso en que la pregunta refleja las
inquietudes del investigador en forma eficaz, pero que necesita
acotarse un poco. Una alternativa sería plantear aspectos específicos
del arpa que pueden ser interesantes en el contexto de la
improvisación jazz. ¿Cómo integrar la técnica del arpa clásica en una
improvisación de ensemble en estilo bebop? Esta pregunta permitiría
al investigador centrarse en elementos concretos de su técnica
instrumental aplicados a la improvisación de un estilo específico. De
este modo surgen otras preguntas relacionadas: ¿Qué elementos del
bebop pueden adaptarse a la técnica del arpa? ¿Qué función puede
cumplir el arpa en un ensemble estilo bebop?

¿Cómo trabaja la densidad de texturas Ligeti y cómo, a partir

de los comportamientos analizados, componer una pieza inspirada
en ellos pero que suene original? Es una pregunta bastante articulada
que puede conducir a la elaboración de preguntas encadenadas. Por
ejemplo, para saber cómo Ligeti trabaja la densidad de texturas,
puede ser útil preguntarse ¿Cuáles son los rasgos característicos de la
música de Ligeti en relación a la textura? ¿Qué elementos de la
música de Ligeti se perciben como densos o menos densos?
Evidentemente habría que especificar qué obras se analizarán o que
rango de periodo creativo se va a considerar. Hay que definir el
corpus de obras a examinar, los parámetros analíticos y después
emplear o inventar categorías teóricas que permitan distinguir
comportamientos texturales que después se aplicarían a
composiciones originales.

¿Cómo controlar la afinación mesotónica? Es un ejemplo

modélico de pregunta mal planteada. La formulación cómo controlar
un argumento x no refleja qué es exactamente lo que se desea saber.
Una investigación sobre el temperamento mesotónico podría tener
miles de propósitos: pedagogía, aplicación a repertorios específicos,
composiciones originales para este temperamento, etc. Algunas
alternativas podrían ser: ¿Cómo desarrollar un método para el
 77

estudio del temperamento mesotónico en instrumentos de teclado

empleando fuentes históricas? ¿Qué estrategias desarrollar para
aplicar en forma eficaz el temperamento mesotónico de 1/6 de coma
en la interpretación de música instrumental de compositores de la
escuela veneciana (1500-1650) como Andrea Gabrieli? ¿Cómo
estudiar el temperamento mesotónico de ¼ de coma para interpretar
Le sacre simphonie de Giovanni Gabrieli?

¿Cómo se relaciona la sociedad y los aspectos históricos de la

vida de Beethoven con sus obras? Para que la investigación pueda
realizarse en tiempos establecidos, esta pregunta tendría que
acotarse a un período concreto. Por ejemplo: ¿Cómo se vinculan los
sucesos sociales tras la invasión de Viena por Napoleón en 1809 con
la composición de la sonata para piano nº 26 op. 81a Les adieux?
Ahora la pregunta apunta a un terreno más preciso, pero parece
adaptarse mejor a las competencias de un musicólogo que a las de
un músico práctico. Hace falta plantear objetivos artísticos. Algunas
alternativas podrían ser: ¿De qué manera puedo presentar el contexto
histórico de la composición de la sonata Les adieux en mi
performance? ¿Cómo influye el conocimiento de las circunstancias
histórico-sociales de una composición en mis elecciones
interpretativas?

6.3. Generación de preguntas de investigación en proyectos artísticos

Generar preguntas es un trabajo que requiere creatividad,

dedicación y mucha reflexión. Aquí necesitamos instaurar desde el
principio el bucle acción/creación-reflexión. Hacer y reflexionar
constantemente es la clave para asegurar el éxito en esta empresa.
Las preguntas de investigación no se generan espontáneamente en el
vacío de ideas y de experiencias. Difícilmente un investigador se
despertará algún día con la mente llena de preguntas si no ha
adquirido previamente un bagaje de conocimiento sobre el
argumento de su interés. Es preciso que el artista-investigador
alimente su curiosidad sobre un tema para que pueda hacerse
preguntas. Algunas recomendaciones para este proceso son:
 78

 Recopilar y estudiar la información disponible sobre el argumento

seleccionado. Las fuentes pueden ser de diferente naturaleza,
libros, artículos, grabaciones, vídeos, workshops, películas, obras
de arte, performance, charlas, sitios de internet, etc.

 Desarrollar algún sistema que permita documentar las ideas más

importantes que se recaban en este proceso (apuntes, esquemas,
etc.), con el objetivo de recuperar los datos de las fuentes de
información que puedan ser útiles. Cada investigador puede
inventarse su propio sistema, siempre que se aplique en forma
metódica y coherente. También puede recurrirse a sistemas
estandarizados en otras disciplinas como las fichas bibliográficas
(véase Blaxter, Hughes y Tight 2005; Rojas Soriano 2006).

 Las fuentes consultadas han de ser relevantes para la práctica

artística, por lo que es necesario evaluar constantemente sus
repercusiones en la práctica cotidiana y llevar un registro de ello. 31
Para que una investigación artística pueda proceder como tal, es
fundamental documentar cada una de las reflexiones que surgen
en la práctica.

La reflexión continua sobre las fuentes consultadas en directa

relación con la práctica artística, es fundamental para la generación y
desarrollo de preguntas de investigación. A medida que se aprende,
se reflexiona y se practica, las inquietudes comienzan a aparecer, y
poco a poco se van individualizando las preguntas. Como ya se ha
dicho, las preguntas iniciales irán transformándose hasta convertirse
en preguntas operativas para el proyecto. Cuando comienzan a surgir
las preguntas, es necesario establecer una jerarquía entre preguntas
principales y preguntas secundarias. Las primeras se relacionan con el
propósito de nuestro proyecto y sus elementos más relevantes. Las
segundas pueden estar relacionadas con los medios necesarios para
31
Más adelante profundizaremos en los métodos de autoetnografía. Ver sección 8.3.
 79

realizar la investigación, los materiales, las técnicas relevantes y su

función dentro del proyecto.

 Preguntas principales: ¿Cuál es el tema principal de mi proyecto?

¿Qué pretendo lograr con él? (Explorar algún elemento nuevo,
poner en práctica alguna teoría, desarrollar un método de trabajo,
publicitar mi práctica artística, realizar divulgación).

 Preguntas secundarias: ¿Qué estrategias y qué materiales debo

desarrollar para llevar a cabo mi proyecto? ¿Cuáles son las
referencias teóricas y artísticas relevantes en mi proyecto?

6.4. Identificando preguntas y tareas

A continuación proponemos un ejercicio para la generación y

organización de ideas basado en la técnica creativa del
brainstorming.32 Este ejercicio ayuda a delinear las inquietudes de un
proyecto artístico mediante el uso de conceptos específicos que
permiten acotar las áreas de interés del investigador, establecer
algunas preguntas ordenadas jerárquicamente e identificar tareas de
investigación. Se aconseja realizar este ejercicio en diferentes
momentos del proceso de investigación, con el objetivo de refinar las
preguntas según lo que se va descubriendo en la práctica.
Ejemplificaremos este ejercicio a través de un caso hipotético:
una estudiante de canto que para su proyecto de máster desea
interpretar la secuencia nº III para voz sola de Luciano Berio (1965)
incorporando elementos escénicos que le permitan llegar al público
general. Ya ha recopilado información sobre la pieza, la ha analizado
y practicado. Sin embargo, aún no logra individualizar sus preguntas
de investigación. He aquí los pasos a seguir que le proponemos:

32
Un referente importante de este ejercicio es la propuesta de la performer
estadounidense Lois Weaver realizada para el curso online Practice Based Research de
la University of Standford en 2013. La versión que aquí proponemos corresponde a una
modificación, ampliación y sistematización de la idea original de Weaver.
 80

1. Escribe en forma espontánea una lista de palabras con las

principales preocupaciones de tu vida artística: cosas que te
interesan, que te agradan, que te disgustan, que te obsesionan,
etc. Debes escribir lo primero que te viene a la mente, sin
preocuparte por el orden o por el lenguaje.
Ejemplo: sonido; fonética; cuerpo; movimiento, espacio,
performance art, audiencias.

2. Mira la lista rápidamente y escoge la primera palabra que te llame

la atención.
Ejemplo: cuerpo

3. La palabra elegida será tu tema de investigación de hoy. Comienza

a apuntar ideas sobre tu tema de investigación sin preocuparte
por el orden o el lenguaje.
Ejemplo: la pronunciación fonética y el cuerpo del cantante;
interpretar la música a través del cuerpo; expresión corporal del
cantante para el público; relacionar el cuerpo del cantante con el
espacio de la performance;

4. A partir de las ideas apuntadas, intenta definir tu principal

pregunta de investigación.
Ejemplo: ¿Cómo puedo interpretar corporalmente la riqueza de
sonidos fonéticos de la secuencia III en una performance escénica
para público general?

5. Establece otras tres preguntas secundarias de investigación.

Ejemplo: ¿Qué técnicas corporales empelar para representar los
sonidos de la secuencia III?; ¿Cómo puedo organizar la
gesticulación corporal de acuerdo a la obra? ¿Cómo puedo crear
con esos elementos una performance atractiva para el público
general?
 81

6. Indica qué acciones o tareas puedes realizar para responder a

estas preguntas. Debes intentar responderlas en función de tu
pregunta principal.
Ejemplo: Practicar alguna disciplina corporal (expresión corporal,
mímica, antigimnasia, movimiento auténtico, taichí, danza butoh,
etc.) y vincularla a mi práctica vocal y al estudio diario de la
secuencia. Seleccionar acciones físicas que se relacionen con los
diferentes eventos sonoros que he analizado en la pieza.
Entrevistar a personas sin conocimientos musicales y preguntarles
qué se imaginan cuando escuchan la pieza. Puedo recolectar sus
experiencias y proponer varios guiones hipotéticos para
acompañar la secuencia.

7. Realiza estas acciones y evalúa cómo influyen en tu proyecto.

Registra tus ideas en algún medio (apuntes, audio, vídeo,
diagramas, etc.)

8. Reflexiona sobre las ideas apuntadas y las acciones que has

realizado e intenta establecer los propósitos del proyecto.
Ejemplo: a) Explorar diferentes técnicas corporales para proponer
una performance de la secuencia III de Luciano Berio destinada al
público general; b) Establecer el guión de la performance a partir
de las impresiones de auditores sin conocimientos musicales.

Finalmente, se aconseja realizar un resumen identificando las

preguntas principales y secundarias, así como también las acciones a
seguir.
 82

6.5. Sumario
Resumamos lo dicho con respecto a las preguntas de investigación:

 Para desarrollar preguntas de investigación es fundamental

recolectar información sobre el tema de elegido y desarrollar
sistemas para registrar las ideas principales.

 Es aconsejable desarrollar algunos ejercicios de brainstorm que

permitan identificar y acotar el foco de interés. Estos ejercicios se
pueden realizar en distintas fases del proceso de investigación.

 Las preguntas deben reflejar las inquietudes del investigador y

precisar el tema a estudiar. Se han de evitar las preguntas vagas,
excesivamente generales o demasiado específicas.

 Las preguntas de investigación han de ser respondidas través de

acciones concretas vinculadas a la práctica artística.

 Las preguntas van cambiando durante el proceso de investigación.

 83

7. Tareas de investigación:
Estrategias metodológicas

Una vez que se han definido con éxito las preguntas de

investigación o que conocemos o intuimos un modo de comenzar a
trabajar, lo siguiente es detectar qué tareas de investigación será
necesario realizar para responder las preguntas. Las tareas de
investigación son las acciones destinadas a obtener información y
datos pero también producen reflexiones y pensamiento. Cada tarea
de investigación se inserta en una o varias metodologías reconocidas,
homologadas o desarrolladas ex profeso para un proyecto. No existe
una metodología propia o exclusiva para la investigación artística en
música. Cada proyecto tiene que elegir las estrategias, técnicas o
rutas metodológicas más convenientes para responder a sus
preguntas de investigación. Por lo general cada parte o sección del
proceso requerirá alguna estrategia particular. En general, una parte
importante de las estrategias y técnicas metodológicas usadas en la
investigación artística son similares a las empleadas en la
investigación académica. Es muy conveniente usar métodos de
investigación reconocidos en el mundo académico y gestionarlos
como se recomienda en libros y manuales universitarios básicos. En
muchas ocasiones, es necesario adaptar las metodologías académicas
reconocidas a los requerimientos y particularidades de la
investigación artística y en casos específicos se tienen que diseñar
métodos ad hoc para alguna fase de un proyecto en particular. En
general, todas las estrategias y técnicas metodológicas para la
investigación se pueden incluir en tres grandes rubros
metodológicos: Investigación documental, métodos cuantitativos y
métodos cualitativos.

La investigación documental se refiere a la detección, acopio,

análisis e interpretación de materiales como libros y revistas,
registros de audio como vinilos y CDs, o multimedia como DVDs,
 84

páginas web, etc. Los métodos cuantitativos son aquellos que

obtienen medidas, estadísticas y otros datos cuantificables por medio
de encuestas o experimentos. Es muy común que en la investigación
artística se recurra a la obtención de opiniones de cantidades
discretas de personas en relación, por ejemplo, a sus preferencias en
una u otra manera de interpretar una pieza, al reconocimiento de
patrones musicales que se van a emplear en una composición, etc.
Los modelos experimentales realizan simulaciones de hechos reales
en situaciones controladas por el investigador, que permiten la
observación y cuantificación de los resultados. El tema de la
experimentación en la investigación artística es bastante más amplio
y le dedicaremos mayor análisis más adelante.33

Los métodos cualitativos, por su parte, pretenden comprender

significados, cualidades de experiencia, mundos de sentido subjetivo
e intersubjetivo. Algunas de sus técnicas son la observación, la
entrevista, la historia de vida o los grupos de discusión. La
observación a menudo se traduce en la contemplación analítica sobre
cómo tocan o componen otros músicos. En ocasiones nosotros
mismos nos incorporamos a estudiar o hacer música con ellos lo que
convierte la observación en observación participante. También
realizamos entrevistas a músicos, compositores o artistas cuya
experiencia es fundamental para nuestro trabajo. Realizamos historias
de vida para reconstruir las ideas de un compositor, un músico o un
sujeto representativo del público para el cual trabajamos, o
realizamos grupos focales o de discusión con el propósito de
observar cómo un conjunto homogéneo de personas debate sobre
algún aspecto de la música.

En las secciones siguientes estudiaremos con más detalle

cómo se aplican estas metodologías en la investigación artística en
música.

33
Véase la sección 8.6.
 85

7.1. Investigación documental

Todo proyecto de investigación, cualquiera sea su ámbito,

parte de o emplea una bibliografía especializada que incluye al
menos libros o artículos de revistas. En música, además de estos
documentos, con frecuencia empleamos partituras, CDs, DVDs y
archivos multimedia. Existe un amplio corpus de manuales
destinados a la investigación documental en humanidades y ciencias
sociales (Cordón García, López Lucas, y Vaquero Pulido 2001); Jurado
Rojas 2002; Eco 2006 y Martínez 2013). La gran mayoría de manuales
de investigación general también ofrecen consejos para la
investigación documental (véase Blaxter, Hughes, y Tight 2005;
Booth, Colomb, y Williams 2001; Creme, Lea, y Ventureira 2000; Orna
y Stevens 2001; Walker 2000). Ellos aportan información sobre cómo
localizar el material, cómo registrarlo y gestionarlo, así como técnicas
para procesarlo a través de estrategias de estudio, análisis e
interpretación.34 Es muy importante tener en mente las bibliotecas
especializadas en música, centros musicales y otros recursos como:

 La biblioteca digital de la Esmuc, donde se pueden encontrar

numerosos enlaces y recursos de acceso abierto o de pago.

 La bases de datos para la localización de fuentes musicales como

el Répertoire International des Sources Musicales (RISM).

 Bases de datos de música impresa como Music-In-Print.

 Bases de datos con información discográfica como Naxos o All

music.
 Bases de datos de referencias de publicaciones sobre temas
musicales como el Répertoire International de Littérature Musicale
(RILM).

34
Para el registro y gestión de los recursos documentales es muy conveniente emplear
programas informáticos especializados como Zotero o Mendeley. Ambos son gratuitos.
 86

 Bases de datos de artículos sobre música como Jstor o SciELO.

 Bibliotecas digitales con manuscritos musicales de diferentes

períodos, como Gallica.

A continuación mencionaremos algunos casos de proyectos que

combinan la investigación documental con diversas estrategias.

7.1.1. Investigaciones artísticas que parten de estudios (etno)musicológicos.

El trabajo documental dentro de la investigación artística a

menudo presenta características propias. En muchos proyectos se
emplean artículos y libros de (etno)musicología, historia o teoría de
la música. Con ellos se fundamentan a nivel académico algunos
aspectos de la investigación. Una parte importante de proyectos
parten de hallazgos realizados por la musicología y teoría musical
con repercusiones en la práctica. Por ejemplo, después de leer los
trabajos de Watkin (1996) y Walden (1998) sobre la existencia de
fuentes que ponían en evidencia que instrumentos de cuerda como
la viola o el violoncello podrían colaborar en la realización del bajo
continuo ejecutando acordes, Robert Smith en su proyecto Basso
Continuo Realization on the Cello and Viol (2009), explora esta
alternativa en la práctica, realizando varios continuos e incursionando
en las posibilidades armónicas de estos instrumentos. El resultado es
la sistematización de las experiencias adquiridas en el proceso, lo que
se tradujo en una pequeña “guía de uso” incluida en su trabajo
escrito (Smith 2009).35

Un caso similar es el proyecto de Máster de Jacek Kurzydlo. La

lectura del artículo de Köpp (2000), según el cual el concierto para
clave de Johan Sebastian Bach BWV 1055 habría sido originalmente
escrito para viola d'amore, inspiró su proyecto titulado Did Bach write
a viola d'amore concerto (and if he did, what instrument did he have

35
El trabajo está dispobile en la página web del autor http://www.baroquebass.com.
Véase también su canal de youtube:
https://www.youtube.com/channel/UCPGc6DpEOLWd04cevu8vQFQ
 87

in mind)? (Royal Conservatoire The Hague 2013, 33). El trabajo

aborda el repertorio escrito para viola d'amore en los siglos XVII-
XVIII. Incluye el estudio del instrumento, su encordado y afinación y
dedica una parte importante a la música que Bach habría escrito para
este instrumento. Con todos estos datos experimenta interpretando
el concierto BWV 1055 en la viola d'amore.

Speech and Song in Violin Playing of the Early Seventeenth

Century in Protestant Germany, proyecto de Máster de Annegret
Hoffmann, parte de la mención reiterada en la literatura musicológica
de que en el repertorio para violín de esta época existen numerosas
referencias a corales y a la música religiosa de la tradición luterana en
general. A través de ejercicios aplicados al violín que implican el uso
de la voz, la autora exploró artísticamente las posibilidades
prosódicas del violín y la capacidad de reproducir con él giros
declamatorios y expresivos del habla. De este modo, su
interpretación violinística de cierto repertorio se aproximó al ideal
vocal de la música protestante alemana del siglo XVII, bajo la premisa
de que en esa época la música vocal estaba mucho más presente en
la práctica de los violinistas (Royal Conservatoire The Hague 2013, 26)

Un último caso es el de Adina Sibianu, quien en su

Coordination and Subordination in Harmonic relations se basa en las
teorías armónicas del musicólogo Carl Dhalhaus para desarrollar un
estilo compositivo accesible a un público amplio inspirado en escalas
diatónicas y cromáticas (Polifonia Research Working Group 2010, 61)

7.1.2. Investigación en archivos históricos

Una parte importante de la investigación artística documental

en música aborda el estudio e interpretación de tratados históricos.
Esto ocurre con mayor frecuencia, por supuesto en los ámbitos de la
interpretación históricamente informada. Veamos algunos casos.

Eva Lymenstull en su proyecto de Máster titulado Chordal

Continuo Realization on the Violoncello: A look at the practice of
chordal accompaniment by cellists over the course of two centuries,
 88

with a focus on recitative accompaniment practices between 1774

and 1832, investiga la práctica del continuo realizado en acordes por
los violonchelistas en el siglo XVIII, tal y como lo describen diversas
fuentes de la época. En este caso, la lectura e interpretación de las
fuentes históricas sirve de base a la autora para su práctica
instrumental (Royal Conservatoire The Hague 2014, 41).

En el proyecto de Máster The pronunciation of music, Edoardo

Valorz explora la relación entre las digitaciones para instrumentos de
teclado y las indicaciones de articulación de otros instrumentos entre
los siglos XVI y XVII. El autor revisó tratados de diferentes
instrumentos para identificar correspondencias entre ellos en los
principios de articulación. Después de individualizar elementos de la
articulación que aproximan la música a la pronunciación de un
discurso, llegó a la conclusión de que algunos principios de
articulación responden a reglas musicales generales, como la
articulación de las notas en los saltos interválicos, que son seguidas
en todos los instrumentos. Finalmente, el autor establece una
analogía entre la articulación musical y las sílabas del discurso,
indicando que la articulación sería uno de los elementos claves de la
estética de la música instrumental. De este modo, su interpretación
de los tratados históricos no se limitó al marco de la historia, sino
que se trasladó al de la práctica (Royal Conservatoire The Hague
2013, 46).

7.1.3. Inferencia entre prácticas interpretativas y compositivas

En ocasiones, la información documental histórica no

especializada, es decir, la que aparece no en tratados musicales, sino
en diarios personales, o críticas periodísticas de conciertos, pueden
dar lugar a hallazgos interesantes. Revisemos algunos proyectos que
emplean este tipo de fuentes.

Massimo Zicari en su proyecto titulado The reception of 19th

century opera and implications for today’s performers (Conservatorio
della Svizzera italiana) revisa críticas y reseñas del siglo XIX, que
 89

documentan la recepción de las primeras operas de Verdi

representadas en Londres. A través de su estudio, el autor logra
describir no sólo el rechazo que causaba la música de Verdi, sino los
cambios en la técnica y estilos vocales que se produjeron durante la
década de 1850 en esa ciudad, las habilidades dramáticas de los
cantantes y las preferencias estéticas de las audiencias en un
contexto de recepción diferente al de producción. Con todo ello,
Zicari ensaya diferentes soluciones de interpretación históricamente
informada, no desde la perspectiva del contexto de creación, sino
desde uno de los muchos contextos históricos de recepción de ese
repertorio (Polifonia Research Working Group 2010, 69).36

Otros investigadores usan la información documental para

reconstruir prácticas compositivas. En el proyecto de Máster The
reconstruction of missing parts in the cello concertos by Josef
Antonín Gurecký, Petr Hamouz intenta reconstruir las partes faltantes
de un concierto para cello, a partir del estudio de otros conciertos del
mismo autor que se encuentran completos. Como se puede apreciar,
sus fuentes documentales más importantes no son tratados, críticas o
reseñas, sino otras partituras del mismo compositor (Royal
Conservatoire The Hague 2014, 25).

7.1.4. Intertextualidad heurística para la creación

La información documental a la que suele recurrir la

investigación artística en música no se limita a partituras (impresas o
manuscritas), trabajos musicológicos o teóricos, críticas, reseñas u
otro tipo de testimonios. Con mucha frecuencia se emplean
materiales literarios o de otras artes, ya sea para construir marcos de
interpretación de alguna obra, o para incentivar la resolución de un
determinado problema creativo. Con ello se articulan redes
intertextuales sumamente productivas para generar sentido y
encender la creación. Revisemos algunos ejemplos.

36
Para un proyecto similar sobre la reconstrucción de prácticas de interpretación en el
estreno de la sinfonía cuatro de Beethoven en París véase López Cano (2013).
 90

‘Nocturnal’ by Benjamin Britten, a hermeneutic analysis es un

proyecto de máster (Real Conservatorio de la Haya, 2009) donde
Santiago Lascurain explora los entresijos de la poesía isabelina
asociada a esta obra de Britten con el propósito de generar ideas
para su interpretación (Polifonia Research Working Group 2010, 67).
Maria Camahort, en su proyecto de grado Poesía en guitarra (Esmuc
2006) abordó los Preludios Epigramáticos de Leo Brouwer basados en
fragmentos de Miguel Hernández, analizando las correspondencias
métricas entre los versos y los motivos musicales, con el objetivo de
generar ideas interpretativas eficaces. Por otra parte, Judit Bartolet en
su proyecto de grado titulado Eduard Toldrà, Sis Sonets per a violí i
piano (Esmuc 2006), analiza formalmente cada pieza en relación a la
poesía en la que se inspira, estableciendo parentescos intertextuales
entre ambas. El resultado es una exégesis llena de metáforas que
sirve de guía para la interpretación musical. De hecho, la escritura
misma propone una hermenéutica de la obra y sugiere elecciones
interpretativas en el instrumento. Es un trabajo de mucha carga
subjetiva pero basándose siempre en la realidad formal de la
música.37

Las redes intertextuales que generan ideas para la

interpretación de una obra pueden incluir otras músicas. En Retòrica
mozartiana. Interpretació i llenguatge de les sonates per a violí i
piano de W. A. Mozart, proyecto de grado de Josep Martínez Reynoso
(Esmuc 2008), el autor descubre las relaciones intertextuales de las
Sonatas para violín y teclado de W. A. Mozart K 377, K 454 y K 526
con algunos pasajes de la ópera vienesa e identifica las figuras
retóricas que le permiten construir su interpretación.

En ocasiones la red intertextual se apoya en fuentes que

orbitan en torno a una práctica artística determinada. Es el caso del
proyecto de Máster Orpheus in Hades… a Beethovenian approach: An
analysis of possible connections between the 'Andante con Moto' of
the Fourth Piano Concerto Op.58 by L. Van Beethoven and the Greek

37
Más información sobre los trabajos de Camahort y Bartolet en la sección 9.2.1.3.3.
 91

myth ‘Orpheus in Hades’ de Cecilia Cirión Arana. Teniendo en

consideración la popularidad del mito griego de Orfeo entre los
intelectuales de la época, la autora busca conexiones entre éste y la
música de Beethoven. Su objetivo es establecer estrategias
interpretativas para poner en evidencia esta relación, de tal suerte
que su performance de este movimiento pueda ilustrar posibles
puntos de conexión con el mito a través de la armonía, la textura o la
narrativa. Para ello analiza la partitura, las crónicas del estreno,
opiniones de intérpretes y críticos y la historia mitológica misma. A
partir de esta búsqueda de fuentes, la autora pudo informar su
interpretación en elecciones como: intensidad y características del
toque en el teclado, carácter, momentos que deben ser enfatizados,
colores tímbricos y recursos expresivos (Royal Conservatoire The
Hague 2014, 15).

Una idea similar fue desarrollada por Stamatios Pavlous en su

Interpretation of Greek mythological alto castrato roles in G. F.
Handel’s Works. En su trabajo abordó el estudio de tres papeles de
castrato en óperas y cantatas dramáticas de Handel basadas en mitos
griegos para elaborar una caracterización del personaje estudiando
su rol en el mito original. De este modo, el autor señala que es
posible crear un personaje creíble, cuya caracterización se justifique
tanto a nivel histórico como a nivel dramático complementando la
información de los libretos (Royal Conservatoire The Hague 2014, 51).

Los vínculos intertextuales para obtener ideas pueden incluir

obras artísticas no musicales. En el proyecto de grado Guitarra
mexicana intertextual (Esmuc, 2013) Ricardo González Zurita
reconstruye un intertexto plástico de piezas como La guitarra de
cristal o el Punto de partida del compositor Julio César Oliva. Éstas
forman parte de los 25 cuadros mágicos basados en pinturas de
Fernando Pereznieto (1938-2001). El autor realizó un análisis musical
convencional que luego articuló con el análisis de cada pintura a
varios niveles: el contenido narrativo y simbólico en que se insertan,
ciertas cualidades plásticas como la composición, el discurso
 92

cromático, las ambientaciones surrealistas, etc. Con todo ello, el

guitarrista generó ideas productivas para interpretar las piezas
musicales.

7.1.5. Interpretación dramatizada de documentos

En la investigación académica habitual, la lectura y

comprensión de documentos descansa sobre una hermenéutica que
tiene que seguir ciertos criterios convencionalizados de
interpretación para ser considerada válida. En cambio, en la
investigación artística, en ocasiones, la interpretación puede tomar
causes ingeniosos y creativos. Por ejemplo, el trabajo escrito del
proyecto de grado Viajeros románticos en el flamenco (Esmuc 2007)
de Isabelle Laudenbach, resume algunas de las peripecias relatadas
en las crónicas de los viajeros decimonónicos franceses quienes, en
busca de aventuras exóticas en el sur de España, fueron los primeros
consumidores de esas músicas gitanas que sentaron las bases de lo
que ahora llamamos flamenco. En el concierto la autora dramatizaba
algunas memorias de estos viajeros y proponía arreglos de flamenco
con sonoridades francesas, que funcionaban como alegorías tanto de
la experiencia histórica relatada en sus fuentes, como de la identidad
de la propia autora: ciudadana francesa tañedora de guitarra
flamenca. En este caso, las fuentes históricas sirvieron de base al
espectáculo.

7.1.6. Investigación en documentos multimedia

Mientras que en la investigación musical académica los libros

y artículos en revistas arbitradas son considerados la base de
En la investigación
artística los registros de autoridad para la difusión de conocimiento y el fundamento para
audio y vídeo poseen la
misma autoridad y nuevas investigaciones, en la investigación artística el uso de
validez que los libros y
registros de audio y vídeo es muy común y posee el mismo rango de
artículos.
autoridad y validez. El colectivo que realiza el uso más sistemático en
el estudio de grabaciones es el de los jazzistas.
 93

Bram Knol desea tener un estilo sumamente personal y

reconocible en su interpretación de la batería. Para obtener
inspiración sobre qué camino tomar, mira dentro de su entorno y
encuentra un buen ejemplo: Steve Gadd. No importa con quién
toque o cual sea el género en el que incursione, la impronta personal
de este baterista siempre es reconocible para el oído experto. En su
trabajo Steve Gadd – Discovering his personal all-round style of
playing Knol analizó una gran cantidad de de grabaciones de Gadd
bajo tres aspectos fundamentales: en qué medida se ajusta al estilo o
género que interpreta; si este modus operandi ha cambiado a lo
largo del tiempo y en qué manera se apropia y combina diferentes
estilos de interpretación. Estas serán las claves para perfilar con
claridad los elementos que constituyen un estilo personal, las cuales
le permitirán a Knol diseñar el suyo propio (Royal Conservatoire The
Hague 2014, 34).

En el proyecto de Máster Different Techniques and

Articulations effect for the flute improviser, Yoojin Ko se dedicó a
transcribir grabaciones de improvisaciones de grandes flautistas. En
ellas identificó diferentes tipos de articulaciones que se ocupó de
señalar con símbolos específicos. La segunda fase consistió en
descubrir diferentes técnicas instrumentales que le permitirían
interpretar y desarrollar dichas articulaciones en sus propias
interpretaciones jazzísticas (Royal Conservatoire The Hague 2014, 35).

Vera Marijt busca mejorar su estilo pianístico en el bebop por

lo que en su proyecto de Máster titulado Barry Harris: Exploring the
Diminished transcribe una ingente cantidad de grabaciones y clases
magistrales del pianista de Barry Harris. Una vez más, después de
detectados estos elementos (como acordes disminuidos o algunos
tipos de escalas), la autora los incorpora a una composición propia
(Royal Conservatoire The Hague 2014, 42).

Una estrategia similar realiza el contrabajista brasileño Noa

Stroeter en su proyecto de máster Sambe Jazz Revisited by Caixa
Cubo. El autor analiza grabaciones que recogen una amplia revisión
 94

histórica de la música brasilera desde 1860 a 1960 y detecta los

principales repertorios y los grupos más influyentes. Lo aprendido es
aplicado a la elaboración de un CD junto a su grupo Caixa Cubo, que
hace una re-lectura de la música del período. La intención es
apropiarse de estrategias compositivas e interpretativas de este
repertorio para usarlas en un ensemble contemporáneo (Royal
Conservatoire The Hague 2014, 59).

How to apply pre-swing jazz style into contemporary

composition proyecto de máster de Genzo Okabe, analiza
grabaciones de jazz de entre 1920 y 1940. Su objetivo es dotar su
estilo de un toque personal basado en una gestión del ritmo anterior
a la gran era del jazz. Una vez más, a partir del análisis de
grabaciones históricas, el autor identificó diversos elementos de los
cuales se apropió y luego usó en una composición contemporánea
original (Royal Conservatoire The Hague 2014, 49).

La tradición de la música de arte occidental ha vivido la

tecnología siempre con ambivalencia y contradicción. Por un lado, se
ha adaptado exitosamente al mercado del disco y del vídeo. Pero por
el otro, su discurso hegemónico continúa observando con sospecha
toda grabación, como si se tratase de una falsificación o una
adulteración del arte, toda vez que el resultado sonoro no es fruto
exclusivo del trabajo del músico profesional sino también de técnicos
de sonido.38 Parece que no soporta la idea de una obra colectiva
como ha ocurrido con el cine. Sin embargo, en la investigación
artística se está recuperando el análisis de grabaciones como una
fuente de información digna y con el mismo rango de autoridad que
las consagradas fuentes bibliográficas. Es muy común encontrarnos
con estudios que recurren al análisis de viejas grabaciones realizadas
por los propios compositores para intentar identificar sus intenciones
musicales detrás de la partitura. Así ha ocurrido con Rachmaninoff,
Heitor Villa-Lobos, Debussy y otros (Bowen 2008).

38
Sobre este argumento véase también San Cristóbal (2013, 9-12).
 95

Esta es la línea de trabajo de Yuka Sato en su proyecto de

Máster R.Strauss –Ein Heldenleben: Principles of Performance
Practice. Sato quiere aproximarse a las “intenciones originales del
autor” y para lograrlo no se limita al estudio biográfico. A partir de un
análisis de la grabación realizada por el propio Strauss de su poema
sinfónico La vida del héroe y de su comparación con otras
grabaciones de la misma pieza, argumenta que la interpretación de
esta obra debería ser más "ligera" y “clásica” que las pesadas
versiones consagradas por medio de la tradición. Para Sato, no se
trata de una obra híper romántica, sino de una obra más positiva y
clásica (Royal Conservatoire The Hague 2014, 56).

El proyecto de máster Transcribing 20th century’s piano music

for the harp: Prokofiev’s 7th piano sonata op. 83: 2nd movement,
Andante Caloroso de Doriene Marselje, reflexiona sobre la
transcripción para arpa de música original para piano. La autora
analiza y compara grabaciones de interpretaciones en el piano del
segundo movimiento de la séptima sonata op. 83 de Prokofiev. En
este proyecto, el análisis de la grabación posee la misma importancia
que el resto de las tareas de investigación, como el estudio de
transcripciones realizadas por arpistas, o la solución de los problemas
técnicos que implica transcribir pasajes idiomáticos de un
instrumento a otro. Estas tareas permiten a la autora informar su
investigación, permitiéndole decidir cuál estrategia de transcripción
es la más adecuada (Royal Conservatoire The Hague 2014, 43).

7.2. Métodos cuantitativos

A diferencia de la investigación documental, los métodos

Métodos cuantitativos:
cuantitativos son menos universales y su aplicación está
miden aspectos de la condicionada al tipo de proyectos y a la clase de preguntas de
realidad social o
cultural. investigación que se realizan. Estos métodos pretenden medir
algunos aspectos de la realidad social o cultural, para ofrecer
explicaciones de fenómenos sociales basadas en la cuantificación
objetiva de hechos, opiniones, actitudes sociales, grupales o
 96

individuales, a partir de demostraciones causales lógicas y la

generalización de sus resultados. Se fundamentan epistémicamente
en el positivismo y el funcionalismo. 39 Dentro de este ámbito de
investigación, la captación de información se realiza de manera
sumamente estructurada y sistemática, y sus resultados se basan la
mayoría de las veces en el análisis estadístico para cuantificar algunos
aspectos del fenómeno estudiado. Sus principales técnicas son las
encuestas, las estadísticas y el trabajo experimental. Entre los
manuales generales sobre investigación cuantitativa se encuentran
los de Cea D’Ancona (1996; 2012) Corbetta, Fraile y Fraile (2007);
Hernandez, Fernandez y Baptista (1991). En los últimos años, los
métodos cuantitativos en investigación musical han sido
desarrollados con mucha eficacia por una orientación llamada
Empirical musicology de la cual existen varias publicaciones (Clarke y
Cook 2004; Schneider y Ruschkowski 2011) además de la revista
académica Empirical Musicology Review.

Tanto en las encuestas como en las estadísticas, los principales

problemas metodológicos son definir la población de la cual
queremos conocer algo y la elección de una muestra representativa
de esa población. La población o universo de estudio es el conjunto
de unidades de las que se desea obtener información, es decir,
personas, familias, grupos, organizaciones, colectivos, objetos,
documentos, corpus de obras musicales, grabaciones, performances,
etc. Por ejemplo, para las encuestas sobre la intención de voto, la
población estaría compuesta por el conjunto de ciudadanos
empadronados que pueden votar. Como sería imposible encuestar a
toda esta población en su conjunto, se aplica la encuesta solo a una
muestra representativa de ésta, una especie de representación a
39
El positivismo es una teoría del conocimiento según la cual el conocimiento sólo
puede ser validado a través de métodos de observación derivados de las ciencias
físicas, dejando de lado la influencia del entorno social y cultural en el elemento
investigado. Según esta tendencia, el investigador debe ser objetivo (Edgar y Sedgwick
2007; Blaxter, Hughes y Tight 2005, 74). El funcionalismo por su parte, es una corriente
teórica que predominó en la antropología cultural y en la sociología durante la primera
mitad del siglo XX, que intenta explicar las instituciones sociales y culturales según las
consecuencias que producen en una sociedad determinada. En el funcionalismo, toda
institución social o cultural (ritos, normas, valores, etc.), contribuye a mantener la
estabilidad dentro de una sociedad (Edgar y Sedgwick 2007).
 97

escala. Existen muchas estrategias para seleccionar las muestras

adecuadas en las que se realizarán las diferentes tareas de
investigación.

En la investigación artística en música se suele requerir esta

metodología cuando, por ejemplo, nos interesa conocer aspectos
como cuál es el efecto emocional que causan en el público las
diferentes interpretaciones de una misma obra (Gabrielsson y Juslin
1996; Juslin 1997; Juslin 2001; Sloboda 2005; Chapin et al. 2010; Juslin
y Sloboda 2010); las motivaciones de un grupo determinado para
abonarse o no a una temporada de conciertos, para asistir o no a
conciertos específicos de música contemporánea o músicas del
mundo, o cuando queremos saber cosas como: qué es lo que al
público común le disgusta de las reglas y protocolos del formato
regular de concierto de música de arte;40 cuál es la opinión de la
comunidad de compositores sobre cierta técnica o poética
compositiva que proponemos; cuáles son las características
estilísticas más recurrentes de un género, estilo, obras de un
compositor o banda de música popular urbana (Sanger 1984); cuáles
son las características más relevantes o recurrentes en el estilo
interpretativo de algún músico, ensemble, banda u orquesta (Repp
1997; Clarke 2004; Leech-Wilkinson 2010); cómo ha variado
históricamente la interpretación de una obra o un repertorio
específico (Bowen 1996; Spiro, Gold y Rink 2010), etc.

En todos los casos tenemos que definir primero cuál es la

población y cómo construir una muestra adecuada. En el caso de que
necesitemos conocer la opinión de los colegas compositores sobre
una técnica o estilo que estamos proponiendo, la población sería
toda la comunidad de compositores de una corriente o estilo o de
una región o lugar. Si queremos conocer la opinión de un colectivo
de intérpretes sobre una técnica de ejecución o un modo particular
de interpretar una pieza, la población será el conjunto de intérpretes

40
Este tipo de tareas cuantitativas se suelen emplear, por ejemplo, para obtener
información que apoye una nueva propuesta de formato de concierto. Véase Corrales
(2008) y Herrera-Usagre (2011).
 98

de ese instrumento particular, etc. En el caso de que el objeto de

nuestra investigación sea un género musical, la obra de un
compositor, la interpretación de una pieza musical específica o el
estilo interpretativo de alguien, la población estaría determinada,
respectivamente, por todas las piezas que pertenecen a ese género,
todas las composiciones de ese autor, todas las interpretaciones de
una pieza en particular, todas las ejecuciones de ese intérprete, etc.
Para cada caso se ha de construir una muestra representativa de la
población con criterios muy claros.41

Un caso particularmente difícil son los trabajos que se

interesan por la opinión de las audiencias y el público. En general los
públicos son demasiado heterogéneos y sus motivaciones, intereses y
ejercicio de recepción son muy diferentes entre sí. En estos casos es
muy recomendable reducir la población a colectivos más
homogéneos. Se pueden segmentar por edad, por el poder
adquisitivo, si tienen o no estudios musicales, etc.

Entre las estrategias cuantitativas más importantes se destacan

la encuesta, la estadística y los experimentos.

7.2.1. Encuesta
La encuesta es un procedimiento estandarizado de captura de
información oral o escrita de una muestra. Se trata de un medio de
observación indirecta cuyas preguntas se sistematizan en un
cuestionario precodificado que media entre lo observado y nosotros.
Suele incluir aspectos objetivos (hechos) o subjetivos (opiniones). Las
respuestas se captan de forma estructurada de tal suerte que se
puedan comparar, agrupar, cuantificar y examinar por medio de
técnicas analíticas estadísticas. Las encuestas pueden ser personales o
diferidas. Las personales se aplican a sujetos individuales o a un
grupo en una situación de encuesta específica (ejemplo: los reunimos
en un aula a una hora determinada, etc.). Las diferidas ocurren
cuando enviamos por correo electrónico el formulario o el enlace

41
Para un ejemplo de metodología de construcción de muestras véase Delalande (1989).
 99

para la plataforma digital que contiene las preguntas, las que el

encuestado llenará voluntariamente cuando quiera y como quiera.
Existen muchos tipos de cuestionario y formas de hacer preguntas y
en el proceso hay que tener claro qué es lo que necesitamos saber y
cómo preguntarlo. En general las encuestas que se hacen en
investigación artística emplean muestras reducidas, debido a que son
manejables dentro de un proyecto cuyo objetivo principal es la
creación artística.42
Las recomendaciones para obtener buenos resultados en los
procesos de encuesta suelen incluir las siguientes:43

 Definir con antelación y por escrito qué es exactamente lo que

queremos conocer con la encuesta.

 Formular las preguntas relevantes para conocerlo.

 Definir la población y la muestra representativa con criterios

claros.

 Definir cómo será administrado el cuestionario.

 Elaborar preguntas breves y de fácil comprensión.

 Evitar palabras ambiguas.

 Evitar preguntas que induzcan a respuestas tópicas o

estereotipadas.

 Formular las preguntas de manera objetiva y no inducir la

respuesta.

 No redactar preguntas en forma negativa.

42
Para un manual sobre encuestas véase Cea D’Ancona (2004).
43
Sobre la elaboración y procesamiento de cuestionarios véase Olmo (2002).
 100

 Redactar una pregunta para cada cuestión que queramos conocer.

 Evitar preguntas que hagan recurrir a cálculo o a la memoria.

 Redactar preguntas en forma personal y directa.

 En caso de cuestionaros de opción múltiple, rotar el orden de las

alternativas de respuesta.

 Proporcionar respuestas flexibles o atenuar la pregunta cuando se

aborden cuestiones que puedan inhibir la respuesta.

 Elaborar un listado especificando las variables a medir.

 Diseñar un plan de análisis de datos.

 Probar el cuestionario con un grupo pequeño de colaboradores

para que nos den su opinión crítica.

Las encuestas han sido usadas eficazmente en varios trabajos

de investigación artística. Por ejemplo, el proyecto de grado Hoy.
cómo acercar la música contemporánea al público (Esmuc 2008) de
Ophélie Derieux propone formatos de concierto que permiten
aproximar la música contemporánea a nuevas audiencias. El trabajo
escrito desarrolla una historia crítica del formato actual de concierto.
A partir del análisis de sus funciones y contexto original, la autora
concluye que no es adecuado para la difusión de la música
contemporánea. La percepción generalizada sobre el escaso público
que tiene este repertorio, fue fundamentada por medio de encuestas
realizadas por ella misma y otro tipo de trabajo de campo en el
contexto de festivales y conciertos especializados. A partir de las
preguntas ¿Quién va a los conciertos de música contemporánea? y
¿Cuáles son sus motivaciones?, la autora obtuvo datos significativos:
 101

más de un 80% de los asistentes está estrechamente relacionados

con las personas que participan artística u organizativamente en el
concierto. A partir de estos datos, argumentó a favor de una
renovación radical del formato de concierto para la música
académica de nuestros días. Su propuesta de concierto incluía
divertidas dramatizaciones de obras emblemáticas del siglo XX como
la Sequenza para flauta de Luciano Berio. El público estaba formado
por jóvenes ajenos a la música contemporánea que refrendaron un
éxito rotundo.
Muy parecido es el proyecto de Máster de Candace Cheung
Singing for Nobody: The dilemma of the classically-trained singer
without a classically-trained audience donde la autora busca
estrategias para hacer que el canto clásico llegue a más audiencias.
Propone elaborar programas con repertorios alternativos y hacer
encuestas al público para conocer su opinión después de cada
presentación (Conservatory of Amsterdam 2013, 8).

7.2.2. Estadística
La estadística se aplica para detectar y medir rasgos
recurrentes dentro de un determinado fenómeno.44 En investigación
artística suele aplicarse al estudio de las características de diferentes
corpus de registros musicales, ya sean partituras, grabaciones de
audio o vídeo, entre otras. (Cook 2010). Es común buscar la
recurrencia de rasgos en el estilo de un compositor o en un género
musical específico. También se suelen comparar algunos parámetros
en diferentes interpretaciones de una misma pieza, en las versiones
de un mismo intérprete a lo largo de un periodo amplio de su carrera
(Spiro, Gold y Rink 2010; Leech-Wilkinson 2010) o en un corpus de
grabaciones (Morgan 2010; Patmore 2010). Para detectar
características como dinámica o tempo, se emplea con mucha

44
Para un manual sobre estadística véase Peña (2008). Para las técnicas y usos de la
estadística en música y musicología, véase Beran (2004). Para obtener software libre
para estadísticas véase http://freestatistics.altervista.org/en/index.php