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SUMARIO ROCKAXIS 170 JUNIO 2017

22 26 30 36
Radiohead ter”
Roger Weichafe tes del autoex
ilio
Rush rewell to Kings”

Waters
20 años de “OK Compu Reflexiones an 40 años de “A Fa

rsa
Utopía a la inve
E
Dirección general: Alfredo Lewin
Cote Hurtado ste texto, a modo de prólogo,
nos encuentra llegando algo
Editora: María de los Ángeles Cerda tarde pero al mismo tiempo
más resignados. Es una edi-
Comité editorial: Cote Hurtado torial que funciona como una
invitación a estar en paz con nosotros y con
Francisco Reinoso
la figura de Chris Cornell, una elegía para un
María de los Ángeles Cerda
gigante caído hace menos de un mes. Lo de
Alejandro Bonilla (Colombia) su muerte nos sorprendió en la misma pre-
via de la publicación del #169 de Rockaxis
Staff: Héctor Aravena que desplegó toda la imaginería recargada del
Marcelo Contreras Sgt Pepper a propósito de los 50 años cumpli-
Nuno Veloso dos de la obra de The Beatles. Y al enterarnos
Andrés Panes del deceso del legendario cantante no pudimos
Jean Parraguez echar pie atrás -a último momento- de nuestra
Rodrigo Bravo decisión editorial de tener finalmente a los cuatro
Cristián Pavez fabulosos de Liverpool engalanando una portada
de la revista, cosa que pasaba por primera vez en
Colaboradores: Pablo Padilla nuestra historia.
César Tudela Chris Cornell ya había sido materia viva suficiente-
Orlando Matamoros mente cubierta por nosotros, portada de varios nú-
Mauricio Salazar meros en años anteriores. Ya fuera como solista, como
Luciano González parte de Audioslave y recién ahora último como miembro de Soundgarden nos entregó el con-
Samuel Acevedo tenido interesante necesario para poner su fina y estupenda estampa en el lugar más protagó-
nico de nuestra revista -la que en 17 años lo vio evolucionar desde aquel cantante solista que
Alejandro Cisternas
grababa y giraba con Alain Johannes hasta el que arribó al mismo punto de partida, el que había
Maximiliano Sánchez
retornado a sus raíces con la naturaleza acústica, íntima y melódica del llamado “Higher Truth”,
Ilse Farías disco que afortunadamente lo vio volver Chile hace un poco más de medio año. No podíamos
Carlos Navarro restarnos, no podíamos ser menos y tanto como Eddie Vedder lo hizo, nos demoramos también
Pedro Ogrodnik en dar cuenta editorialmente (después de un luto y negación) con un número que tenga mucho
de su vida y obra, la de un grande para nuestra generación. Descansa en paz Chris.
Diseño: Claudio Torres En el lado más auspicioso de las cosas nos encontramos con que Weichafe se despidió oficial-
mente de Chile hace un par de semanas y este auto exilio de su país natal promete ser largo. La
Fotografía: Peter Haupt residencia en México de los tres guerreros presagia un nuevo estadio en sus carreras, con miras
Gary Go a dar a conocer su música en toda la región y la estrategia de radicarse en Norteamérica es la
Juan Pablo Maralla correcta, pero a nosotros nos deja con una sensación de ausencia importante. No nos queda
más que desearles mucho éxito a la banda y a sus familias y que sigan el camino que en algún
Webmasters: Oscar Sanhueza momento por esas tierras Los Bunkers supieron recorrer.
Diego Loyola Un tema recurrente este mes de junio ha sido el de las celebraciones de años cumplidos de gran-
des discos, abrimos con el medio siglo del Sgt. Pepper y ahora nos hacemos cargo de los cuarenta
Ventas: Danitza Briceño años del “Farewell To Kings” del trío canadiense Rush, un álbum del que solo considerando la
inclusión de ‘Closer to The Heart’ en su repertorio ya se convierte en un pieza muy emotiva y
Casa estudio: Nacho Herrera memorable. Un disco que puso a Rush en una situación expectante en el mapa del rock radial
y que probablemente es el último de una era progresiva conceptual. Y ya que estamos en eso,
(56-2-29332370)
en transiciones importantes que satisfacen a ambos paladares, los más rockeros y los más so-
fisticados este junio de 2017 se cumplen 20 años de publicado el “OK Computer” de Radiohead,
Producción: Danitza Briceño probablemente el disco bisagra más grandilocuente de todos los tiempos en el rock británico.
danitza@rockaxis.net Un sin fin de recursos exhibidos por el quinteto de Oxford que los pusieron en la ruta de uno de
los discos definitivos para entender la tensión pre-milenial con todo el implacable avance de la
Staff Colombia: Hugo Alejandro Bernal tecnología al servicio de una nueva y paranoica humanidad
Khristian Forero Todo esto más un especial de la música en la serie animada South Park, una mirada al nuevo
Ricardo Suescún y esperado segundo disco de Royal Blood, mas entrevistas con Fernando Milagros, Alt-J, Ride,
Solstafir y con la autora del excelente libro “Dorso-30 años de un experimento mentor”, Fernan-
Diseño portada: Jean-Pierre Cabañas da Mánquez, uno que a la luz del reciente premio Pulsar que recibiera Maximiliano Sánchez
Medu1a por su libro de “Massacre, 30 años de Thrash Metal” en la categoría mejor publicación literaria
musical, merece toda la atención del mundo. Y el reconocimiento para el planeta Dorsalia y toda
Todas las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva su épica. En eso estamos, rindiendo homenajes en 170 ediciones y contando…
responsabilidad de quienes las emiten y no representan,
necesariamente, el pensamiento de Rockaxis.
Todos los derechos reservados.
-EDICIÓN MENSUAL-
Alfredo Lewin Cote Hurtado
“OK Computer” (1997) de Radiohead. “Pyromania” (1983) de Def Leppard.
Entre cerdos, jaulas, autos, karmas y Clase maestra de rock con actitud y me-
antibióticos asistimos al parto en que a lodías para las masas. El hard rock sería
Thom Yorke le crecen alas y se convierte totalmente mainstream durante los
en un super héroe mientras que su ban- ochenta. ¡Al fin en Chile en septiembre!
da alcanza otro estatus de grandeza.

María de los Ángeles Cerda Jean Parraguez


“What’s So Funny About Peace, Love and…” “Cuidado Madame” (2017) de Arto Lindsay.
(2017) de Los Straitjackets. Simplemente, el regreso más disfruta-
Los enmascarados del surf rock acaban de ble en lo que va del 2017.
publicar un brillante álbum donde recrean
temas del compositor británico Nick Lowe,
incluyendo el homónimo que grabó Elvis
Costello, todo en versión instrumental.

Francisco Reinoso Marcelo Contreras


“Leche Con Carne” (1995) de No Use For A Name. “Badmotorfinger” (Super deluxe edition,
Tony Sly fue el compositor más desta- 2016) de Soundgarden.
cado de su generación y este álbum lo No solo se trata de uno de sus mejores
dejó claro. Medios tiempos y la dosis discos, sino que esta reedición incluye
precisa de pop en un hardcore melódi- un show en Seattle de 1992 de impeca-
co emotivo a destajo. 22 años después ble registro, cuando Chris Cornell estaba
es difícil encontrar algo similar. en el peak de sus capacidades vocales.

Héctor Aravena Claudio Torres


“Is This The Life We Really Want?” (2017) de Roger Waters. “Berdreyminn” (2017) de Sólstafir.
El espíritu, la altura ética y la profun- Se cumplen altas expectativas con este
didad del ex Pink Floyd se mantienen álbum luego de su espectacular “Ótta”
intactos. Nigel Godrich hace maravillas de 2014. La música del conjunto islandés
con el sonido y los arreglos. Un regre- desciende como lava volcánica, queman-
so fundamental y necesario para estos do varios estereotipos y se impregna en
tiempos convulsionados. la tierra para quedarse infinitamente.

Andrés Panes Nuno Veloso


“The French Press” (2017) de Rolling Blackouts “Is This The Life We Really Want?” (2017) de Roger Waters.
Coastal Fever. Este el disco de Waters que realmente
El inspirado debut para Sub Pop de un queremos. El trabajo que, ladrillo a ladri-
quinteto australiano que, en apenas llo, ha venido armando, incluso, desde
seis canciones, justifica plenamente el el imprescindible “Animals”. Refinación
interés del legendario sello en el fulgor de sus eternas obsesiones, depuración
de sus guitarras poperas. de un sonido.

Cristian Pavez César Tudela


“Operation: Mindcrime” (1988) de Queensrÿche. “Is This The Life We Really Want?” (2017) de Roger Waters.
Casi treinta años después de ser edi- Su regreso con “Is This The Life We Rea-
tado, el que posiblemente sea el me- lly Want?” -toda una pregunta de época
jor disco conceptual en la historia del - es asombroso. Tan urgente como “Ani-
heavy metal, no ha perdido un ápice de mals” en pleno siglo XXI y tan original
su vigencia lírica y sonora, en una obra como para ya ser elegido lo mejor del
atemporal, sublime y magnética. año.

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Manuel Garcia: Puentes en vez de muros
Un nuevo caupolicanazo para el ariqueño

I
. Grabar “Harmony Lane” implicó que Manuel García viajara a Pensilvania. Lan-
zarlo en vivo requirió traer músicos desde Estados Unidos. Los ensayos fueron
públicos y cualquiera que se anotara gratuitamente podía apreciar la dedicación
puesta en llevar a cabo el concierto. Aun así, a la hora de la verdad, todo se vio fá-
cil. Anoche, Craig Thatcher tocaba ‘La voz del trueno’ como si fuese pan comido
dibujar mil figuras con la guitarra sin siquiera mirarla. Llegaba a ser absurda semejante
maestría. El propio García se vio más suelto de cuerpo que en cualquiera de sus ante-
riores shows de alta convocatoria, cuyo único pecado, si es por buscarle la quinta pata
al gato, era ser un tanto clínicos y ampulosos en su búsqueda de la excelencia. Esta vez
la puesta en escena fue más humilde, incluso nos atreveríamos a decir que también la
calidad del sonido, pero la contundencia musical jamás decayó en maratónicas tres horas
y fracción, mientras la atmósfera se iba haciendo cada vez más distendida, al punto de
dar pie a la improvisación. Al cierre, ya en confianza, la banda tocó un cover que surgía
en sus ensayos, pero que nunca estuvo contemplado en el setlist: ‘Superstition’ de Stevie
Wonder, en la voz de Cliff Starkey, suprema autoridad en teclados que también se lució
en ‘Un rey y un 10’.
II. “Más comprometido que nunca con su rol de investigador musical, el ariqueño persi-
gue una tesis en su sexta entrega. Cree que, al haber nacido ambos en el campo y tener
raíces obreras, el folklore chileno y el estadounidense pueden ir de la mano”. Así resumi-
mos “Harmony Lane” en nuestra reseña y, desde luego, la definición también corre para
lo ocurrido en su lanzamiento, que llevó más allá el afán de combinar elementos. Hubo
espacio para tocar un bolero (‘Diamantes’), cubrir a los Beatles (‘Here Comes the Sun’ can-
tada por Thatcher), homenajear de forma póstuma a Chris Cornell (‘Extraño animal’, de-
dicada originalmente a Kurt Cobain), guitarrear una de Silvio Rodríguez (‘Al final de este
viaje’), entregarse a la cadencia santanera (‘Maniquí’), rescatar una canción olvidada hace
tiempo (‘Azúcar al café’), ser cowboys por un rato (‘Sobre los campos’), inyectarle rock a
un tema electropopero (‘Acuario’), quedar con regusto a México (‘El rancho’), acordarse
de Violeta Parra (‘De nombre Violeta’), dejar el recinto en silencio (‘El viejo comunista’),
hacerlos cantar a todos (‘Medusa’). Podríamos seguir, pero la idea ya está clara: en cuanto
a estilos, Manuel García es un polifacético, un omnívoro, un promiscuo.
III. “Harmony Lane” posee una dimensión política. Como explicó su autor entre cancio-
nes, aludiendo a Donald Trump, el disco quiere construir puentes donde otros pretenden
levantar muros. Además, dijo, busca ponerle fin a la insularidad de la música chilena,
conectarla al mundo. En ese aspecto, el show funcionó como una exhibición con lo mejor
de lo nuestro. Cuando llegó el momento del aplauso final, sobre la tarima del Caupolicán
estaba parado un elenco multigeneracional de personajes con lazos a nombres insignes
del repertorio patrio, como Tita Parra, nieta de Violeta; Mauricio Basualto, ex batero de
Los Bunkers; Héctor Muñoz, ex guitarrista de Fother Muckers. Y entre medio, Manuel
García. Dime con quién andas.
Andrés Panes
Fotos: Gary Go

Buscando ponerle fin a la


insularidad de la música chilena,
Manuel García lleva la identidad
local hacia el mundo 19
E
l sonido de la aguja sobre el vinilo
empieza a sonar, y la música inicia.
Todos los días, en radio Futuro, Lobo
Araneda produce el programa Rock
Shop, donde tocan un vinilo en forma íntegra.
“Al principio la gente no creía que tocábamos
un vinilo, pero a través del streaming en vivo
se dieron cuenta que era verdad”, señala.
Rock Shop surgió a partir de la inquietud del
mismo Lobo Araneda de cubrir un espacio
para melómanos y coleccionistas, como él mis-
mo, y también curiosos que se han ido suman-
do a la fiebre del formato. “Hemos visto que se
hacen muchas ferias del vinilo y hemos estado
presentes con la radio, a la gente le gusta mu-
cho. Hay que ser honestos y decir que esto co-
menzó a partir de los hipsters, pero ha crecido
porque el vinilo suena muy bien, y porque trae
un ritual consigo. No es como poner un CD. Tu
colección de vinilos habla un poco de ti mis-
mo, así como cuando invitas a gente a tu casa,
pones un vinilo especial para el momento. Te
genera algo mucho más especial”.
Para cada programa, escogen un vinilo que
vaya de acuerdo a la contingencia, marcan-
do eventos importantes como aniversarios de
lanzamientos o también simplemente por gus-
to, “muchos de los discos que presentamos acá
son de mi colección personal”, añade Lobo.
El espacio cuenta con dos tornamesas Audio-
Technica AT-LP120-USB, “son fabulosas,
funcionan increíble y tienen muy buen sonido.
Para alguien que es principiante en esto de los
vinilos, está bien empezar con una tornamesa
plástica, pero si ya desarrollas más gusto por la
fidelidad, las tornamesas Audio-Technica son
súper recomendables”.

Fotos: Peter Haupt

20
Por Andrés Panes

22

OK Computer” fue el hito que puso a Ra- perspectiva, redirigir la mirada hacia el exterior.
diohead entre los contendores al título de Por eso la línea “no te pongas sentimental” en
banda más importante del planeta. Pese ‘Let Down’. En palabras de Yorke: “El sentimen-
a que “The Bends” representó un despe- talismo es ser emocional sólo por serlo. Estamos
gue artístico respecto al tentativo “Pablo bombardeados de sentimientos, de gente exte-
Honey”, aún quedaba espacio para pensar que riorizándolos”.
se trataba de un golpe de suerte. El sello siem-
pre dudó del magnetismo del grupo, y cuando -Thom Yorke se abstrajo de su propia cultura.
los ejecutivos empezaron a tener una noción de Antes de grabar el disco, leyó “El libro tibetano
cómo sonaría su tercer disco, las proyecciones de la vida y la muerte”, un texto budista que ins-
comerciales se redujeron considerablemente. taló en su cabeza la idea de que la gente en la
Donde sí había dólares: en Alanis Morissette y civilización occidental sólo lidia con su finitud
su ultravendedor “Jagged Little Pill”. Radiohead cuando ya es demasiado tarde. Pensaba en ese
era una de las bandas favoritas de la solista ca- tiempo que todas las acciones humanas tenían
nadiense, que les pidió ser sus teloneros en una como propósito contrarrestar el miedo a extin-
gira por Estados Unidos. Ante la presión del se- guirse. “Especialmente si haces lo que hago. Si
llo, la banda interrumpió el proceso de hacer “OK eres una estrella del pop, todo lo que intentas ha-
Computer”, cuando ya llevaba cerca de un tercio cer es buscar la inmortalidad. Sin embargo, cons-
listo, y cruzó el charco para abrir los shows de su tantemente estás al filo de morir en un accidente
célebre fan. automovilístico”. Consciente de la fragilidad de la
existencia, escribió ‘Airbag’, la canción que abre
-Hubo próceres que ayudaron a pensar “OK “OK Computer” y sienta su tono paranoico.
Computer”. Thom Yorke leyó las anotaciones de
trabajo de Brian Eno y encontró en ellas la que -La visión de la sociedad inglesa que Radiohead
se convertiría en el lema de Radiohead: “Lo que ofrece en “OK Computer”, llena de críticas al
sea que haya funcionado la última vez, nunca lo sistema que la rige y sus efectos en
hagas de nuevo”. Otro modelo a seguir fue Miles la gente, fue moldeada en su natal
Davis, cuya influencia, más que sonora, terminó Oxford, donde la brecha entre aco-
siendo espiritual. De Radiohead, y sobre todo a modados y trabajadores es fácil de
partir de “OK Computer”, siempre se dice que sus apreciar porque una gran porción
discos resisten mucho análisis, que soportan va- de su territorio es propiedad de la
rias revisiones, sin revelar de inmediato su con- universidad local. La ciudad, según
tenido y premiando a los insistentes. O sea, que lo que cuenta Thom Yorke, está lle-
es la clase de grupo cuya música seduce cada vez na de gente joven de origen adine-
más con el paso del tiempo. Eso era justamente rado que abusa de sus privilegios.
lo que Yorke buscaba: quería repetir el efecto que “Estos imbéciles andan caminan-
le produjo “Bitches Brew”. La primera vez que lo do por ahí, vomitando en las ca-
escuchó, sintió que su caos le provocaba náuseas, lles, siendo desagradables con
pero luego le pareció brutal y hermoso al mismo el resto de la población. Los
tiempo, un terreno sembrado de incertidumbre a hombres de uniforme lim-
su alrededor. Una catedral. “Era construir algo y pian su suciedad y les hacen
verlo desmoronarse, ésa es su belleza. Era justo las camas cada noche. No
lo que intentábamos hacer con el disco”. saben dónde están parados
y son los que van a dirigir el
-Contagiados por Thom Yorke, los integrantes de país. Es espeluznante”.
Radiohead procuraron hacer las cosas de forma
distinta en “OK Computer”. Una decisión como ir -Contrario al mito que nació
a grabar lejos de la ciudad, por ejemplo, responde con ‘Creep’ y se perpetuó con
a ese deseo de cambiar la metodología. Otro giro, “OK Computer”, Thom Yorke
aun más radical, sería el del tono del disco. Des- no es un depresivo profesio-
de que eran On a Friday, su música ahondó en nal. En esa época, se autode-
búsquedas introspectivas, con canciones de en- finía como un “worrier”, algo
foque sumamente personal. Querían modificar la así como un “preocupador”, la

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clase de persona que vive en la tensión constante de tener un tiene doble lectura como todas las otras. No faltó el perio-
cerebro que nunca se apaga. Aunque la inclemencia de sus dista que le preguntó a Thom Yorke si, por el hecho de tener
pensamientos tampoco es necesariamente un problema. De un tema llamado así y haber colaborado con Rock the Vote
niño, pese a sus reiteradas hospitalizaciones, reconoce nunca (una ONG estadounidense que busca incentivar el voto entre
haberse aburrido. Armaba legos, cuidaba su bicicleta, dibuja- los jóvenes), no consideraría seguir una carrera política. Su
ba diseños de autos y puentes. Apenas descubrió su interés respuesta era, por lo bajo, irónica: “Claro que sí, quiero ser un
por la música, se acercó a ella de la misma forma obsesiva: político. Bueno, en realidad, quiero vender armas primero y
pasó de inventar autos en su cuaderno a crear guitarras. “OK hacer mi fortuna ahí. Estrella de pop, traficante de armas,
Computer” refleja la creatividad que dice haber heredado de quiero tenerlo todo”. No obstante, ‘Electioneering’, explicada
su madre y la hiperactividad que sacó de su papá. por Ed O’Brien, sería una canción acerca del parecido entre
ser un músico que promocio-
- Según Colin Greenwood, na un disco y ser un político
Radiohead siempre se pierde en campaña.
mientras busca seguir el ejem-
plo de otros y termina llegando -Hay un dato que hace más
a un destino nuevo. Ed O’Brien valiente el giro estilístico
cuenta que en ‘Creep’ querían que dieron: el éxito comer-
sonar como Scott Walker, pero cial sí les importaba, pero se
al final nunca hubo caso con arriesgaron porque fue lo que
lograrlo. Cuando alguien trae dictó su instinto creativo. Pa-
una referencia y la comparte rafraseado por Thom Yorke,
con el resto, la banda inten- el genial Jonny Greenwood
ta hacer su propia versión en lo planteaba así: “Cualquiera
vez de contactarse con enten- que diga que escribe para sí
didos en el tema. Un ejemplo mismo es un mentiroso. Todo
de “OK Computer”: el trabajo el mundo tiene una audiencia
de Phil Selway en ‘Airbag’, que en mente. La única razón por
responde a su inclinación por la que un artista sigue traba-
manifestaciones electrónicas jando es la fe de que un día
como el drum and bass, muy alguien va a escuchar o ver
en boga el 97 con Roni Size en su trabajo”. Si bien nunca han
la palestra y fiestas a las que sido zalameros con su públi-
el batero asistía, y a su aprecio co, lo aprecian profundamen-
por el trabajo de DJ Shadow y su forma de cortar los beats. te. “Hay muchas razones para no salir de tour: te estropea
“No se parece a lo que apuntábamos al comienzo, pero pro- personalmente, demora mucho tiempo, cuesta un montón
bablemente eso es algo bueno”. de plata. Pero se trata de mirar a la gente a los ojos mientras
tocas tus canciones”.
-Las canciones de “OK Computer”, con Radiohead en esta-
do de gracia, podían salir incluso a partir de los detalles más -De parte de sus amigos R.E.M. recibieron un buen consejo:
pequeños. El sonido de la guitarra de Ed O’Brien al comien- aprender a vivir con la incomodidad de ser famosos y pre-
zo de ‘Lucky’ fue todo lo que el grupo necesitó para sacar ocuparse sólo cuando se vuelva habitual pasar días enteros
la canción adelante cuando estaba en pañales. A partir de dando entrevistas, sonriéndole a medio mundo. La chapa
esos pocos segundos, el tema cobró forma. Sorpresivamente, de depresivos que les trajo ‘Creep’ la resintió especialmente
Johnny Cash también está entre las influencias admitidas a Thom Yorke, al que los periodistas trataron de convertir en el
viva voz por Yorke: ‘Exit Music (For a Film)’ toma ideas rítmi- rostro del pesimismo. “Si entendieran lo que hago, no dirían
cas de su disco en vivo en la prisión, “At San Quentin”, uno que es depresivo”, se defendía. Según Jonny Greenwood, ser
de los pocos registros en directo que le gustan. Cuando escri- liviano de sangre parecía ser un requisito en el medio artís-
bieron ‘Paranoid Android’, uno de sus puntos de referencia tico. Mientras preparaba “OK Computer”, para Yorke ya era
fue ‘Bohemian Rhapsody’ de Queen, el otro fue Pixies. A la un tema la forma en que los periodistas se enfocaban en su
hora de amarrar “OK Computer”, Elvis Costello estuvo en la volátil personalidad: “Creo que pasa porque la mayoría de la
mente del grupo. Más que por su música, por la forma en que gente en mi posición ha aprendido a comportarse y yo no soy
siempre ha logrado darle unidad a sus álbumes. muy bueno comportándome”, dijo en Addicted to Noise. Era
cierto que tenía una que otra salida de madre. Consultado
-’Electioneering’, que en español significa campaña electoral, sobre su distancia con la escena britpop, su respuesta fue “es
pese a ser la canción más directa musicalmente del disco, que no nos gusta tanto la cocaína”.

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E
l éxito de la serie “The Handmaid’s Tale”, tuvo que buscar cierto nivel de consenso y del pie
una adaptación televisiva de “El cuento forzado salieron las canciones probablemente más
de la criada”, la clásica novela de ciencia depuradas de su repertorio solista. Sus palabras para
ficción de la mordaz Margaret Atwood, Entertainment Weekly: “Estaba acostumbrado a te-
alienta entre los críticos anglosajones la teoría de ner el control de todo y hacerlo todo yo. Viendo cómo
que, en un mundo donde el hombre más poderoso trabajaba Nigel, me di cuenta de que nada resultaría
es Donald Trump, los relatos distópicos volverán a si me comportaba como siempre. Tendría que apren-
estar en boga dada su vocación anti establishment. der a ser “Quiet Roger”, lo que fue difícil, pero estoy
El pronóstico no se remite sólo a la pantalla chica, complacido de haberlo hecho”. En esa misma entre-
sino que también tiene alcances musicales. Forma vista, se mostró sorpresivamente humilde, cediendo
parte de un fenómeno cultural a gran escala en el el mérito por las virtudes de su nuevo lanzamiento a
que, como cada vez más gente alza la voz, la gama Godrich: “Creo que hizo un gran disco y digo que él
de recursos para hacerlo se amplía. Y quién mejor lo hizo. Yo lo escribí y lo canté, pero él hizo el disco”.
que Roger Waters, un hijo de la tradición de George Esta rejuvenecedora etapa comenzó justo después
Orwell, para ponerle canciones distópicas a lo que de la gira de “The Wall”, en la que presentó una de
está pasando. El timing de su regreso con “Is This las obras maestras de Pink Floyd dando 219 concier-
the Life We Really Want?” resulta perfecto. En esen- tos ante cuatro millones de personas y publicando
cia, el disco es el evangelio de Pink Floyd según San después un excelente documental. Motivado por ese
Roger, pero actualizado para reaccionar frente a los tour, Waters empezó a hacer música de nuevo, una
últimos hechos, como el ascenso de la fascista neo- actividad que tenía abandonada. Sin contar el expe-
derecha, los terribles bombardeos en Siria o el infa- rimento “Ça Ira”, la ópera que editó el 2005, su últi-
me Brexit. En canciones como ‘Déjà Vu’ o ‘Broken mo disco, “Amused to Death”, data del año 1992.
Bones’, Waters habla sobre drones y el sueño ameri- Un mes antes de las elecciones presidenciales en Es-
cano, respectivamente, alentado por un cómplice y tados Unidos, Roger Waters se presentó en el festi-
asesor de ultra lujo, Nigel Godrich. val Desert Trip, donde apuntó dardos contra Donald
La participación de Godrich fue clave. El productor Trump ante una audiencia de ochenta mil personas.
histórico de Radiohead, casi el sexto miembro de Durante el show, reveló una nueva versión del cerdo
una banda considerada por muchos como un equi- volador, adornada con el mensaje “Que se joda Do-
valente contemporáneo de Pink Floyd, siempre fue nald Trump y su muro”, y cuando tocó ‘Pigs (Three
un fanático de Roger Waters, pero eso no le impi- Different Ones)’, mostró imágenes del entonces can-
dió abordar el trabajo con su ídolo a partir de una didato, un “big man, pig man” de la vida real, com-
aguda crítica. Para Godrich, la discografía solista del parándolo con Hitler. Entrevistado por Mojo en la
septuagenario músico tendía a ser impenetrable y inauguración de la muestra de Pink Floyd del Museo
no dejaba ver el centro cremoso de sus canciones. Nacional de Arte y Diseño, en Londres, Waters afir-
Decírselo personalmente fue lo mejor que pudo ha- mó que estamos en una situación similar a la de los
ber hecho. Waters valoró el gesto y le permitió ejer- setenta. “La idea de los perros y los cerdos sigue con
cer una fuerte influencia sobre el álbum, un enorme nosotros”, dijo, en referencia a los personajes de “Re-
gesto de confianza viniendo de un artista famoso belión en la granja” de George Orwell en los que se
por su obsesión con el control creativo de su obra. inspiró para el imprescindible “Animals”. Ahora que
Desde ese momento, el productor se puso en cam- Trump es presidente, le dedica uno de sus nuevos
paña para recordarle al mundo que su cliente, por temas, ‘Picture That’ y aprovecha cada oportunidad
sobre todas las cosas, es un cantautor de alto vue- para repasarlo. “Is This the Life We Really Want?” su-
lo poético. Trabajaron codo a codo: en los créditos, pone un ataque al sistema, pretende contrarrestarlo,
Godrich figura como el más involucrado en la ins- remar en contra de las noticias falsas y la posver-
trumentación después de Waters. Pasaron dos años dad. Waters lo usa como un vehículo para referirse
moldeando el diseño de “Is This the Life We Really al presente, aunque en el fondo no ha sacado la vista
Want?”, simplificando cada detalle para hacerlo di- del retrovisor. Por algo ‘Smell the Roses’, el primer
recto y no acorazado. single, suena a ‘Have a Cigar’ y tiene una letra am-
Roger Waters consideró enriquecedora la experien- bientada en el mismo lugar que retrata la carátula de
cia. Como en sus mejores discos junto a Pink Floyd, “Animals”.

27
G
onzalo Camus Parra, -Difícil respuesta. Escucho la música -Uf! lo que hizo el Djembé en mi mente.
más conocido como completa, me siento al piano o con una Éste tipo de instrumentos te busca a ti y
Chalonko Music! es un Quena y ya está. Es como si alguien se nunca más te abandona. De gran sacri-
intelectual que desco- acercase a tus oídos y te soplase una ficio, porque es ajeno a nuestra cultu-
loca. Esto por su forma melodía, un acorde o una canción com- ra, aunque hoy ya es internacional. Te
de develar el secreto musical y las bellas pleta. Con los poemas es más complejo. rompe las manos mucho, hasta que te
artes. Camus es docente de la Escuela Pero funciona igual. Siempre he creído sale sangre. Tocarlo es un acto ritual in-
Moderna, lleva el curso de “Música y que el arte viene desde el espacio, fue sólito y único. Un día llegó junto a todo
Cultura”, más los cursos de “Estética de enseñado por unos seres que vienen de ese conocimiento ancestral de la ritmo-
las Artes” y “Ritmología y Training afro”, las Estrellas. logía que trae consigo desde el África
además, es considerado entre los mejo- occidental. Yo era guitarrista fanático.
res músicos percusionistas de Chile y es -También eres luthier y pintor. Me dejó atrasadísimo. Luego sólo hice
creador del método de lectura y trans- -¿Pintor? Ya no. Pero sé bastante de canciones con ritmologías y métricas
cripción veloz para bailarines y músi- pintura al lienzo y tengo mi pequeña afro. Ya llevo 15 años en esta investiga-
cos, financiado por el Fondart el 2016. obra plástica. Paso de museo en mu- ción sonora.
seo. La lutheria es básica para cualquier
-Sabemos que eres poeta desde la ado- intérprete. Creo que si estudias los se- -¿Eres acompañante de músicos para
lescencia- cretos de un instrumento, debes si o si danza?
-He escrito toda la vida. ¡La poesía es aprender cómo funciona internamente, -¡Dios, la Danza! Es lo que más amo en
un acto insólito! Que te dictan desde saber armarlo, construirlo y arreglar, es la vida. La danza y el tambor son aman-
el más allá, igual que la música. Pero ahí donde conoces el corazón del que tes. Viene desde siempre entre los seres
devela demasiado lo que sientes en tu será tu aliado en la vida. Cuando me humanos y la conexión que se logra en
corazón, en tu espíritu, te expone de- llegó el Djembé (Tambor Africano), tuve una bailarina y un intérprete de Djem-
masiado y a veces, decir todos nuestros que aprender a construirlo, cambiar sus bé, es de las cosas más hermosas que
secretos en poemas, te puede jugar en cueros. Recién ahí se mostró por com- puedes aprender y vivir.
contra. pleto.
-¿Qué opinas de las escuelas de dan-
-¿Cómo es eso que te dictan las can- -¿Cómo influyó el Djembé en tu mú- za/música, de la docencia?
ciones? sica? -Enseñar sólo te nace. Es devolver la
mano a todos los maestros que he te-
nido. En aspectos formales, echo de
menos en las escuelas de danza un de-
sarrollo integral como artista, cursos de
lenguaje artístico, desarrollo cognitivo
del arte como acto creativo. No deja de
estar bien, pero sólo eso, no crea per-
sonas que bailen desde la conexión di-
recta con Dios y están ciegas y sordas a
la vida como artista. Picasso decía: “te
puedo enseñar técnicas miles y conver-
tirte en un gran pintor de estructuras
superficiales, pero desde ese conoci-
miento jamás serás artista”.

28
30
W
eichafe es una banda que es sinónimo a los 17 años me vine a Santiago a trabajar para comprarme
de pasión. La pasión, a buenas y prime- mi primera batería”.
ras, tiene un componente positivo, pues En esa época conoce a Ángelo en un supermercado, ya que
indica un sentimiento entregado, aun- trabajaba como empaque. Luego se lo toparía en un con-
que la palabra derive del verbo padecer, curso y en una sala de ensayo, que compartían cuando aún
y en ese sentido, la pasión conlleve siempre sufrimiento. La era parte de la banda Electrofobia. Ahí inician su amistad.
pasión, que comparte origen etimológico con la palabra pa- Quizás, a Pierattini le hacía eco la historia de entrega y es-
ciencia, entonces es algo que no se ha consumado. Es un fuerzo de Ugarte, reflejándose en ella. “Yo trabajaba de chico
camino eterno de aprendizaje. Es un deseo no cumplido, y tocando en bares, desde el año 92. Tocaba covers de blues,
los deseos no cumplidos conllevan siempre a la ansiedad. Y y hasta fui músico estable en uno. También fui garzón, y es-
también a la esperanza. Tal como lo dice un antiguo texto tuve dos años cocinando para un jardín infantil. Hacía de
milenario: “Un guerrero no quiere que le traigan un todo con tal que me alcanzara para ensayar, y que
vaso con agua para calmar su sed de conoci- me calzara con los tiempos de ensayo, porque
miento, quiere descubrir el manantial de pasábamos ocho horas diarias metidos
donde brota la existencia para aho- en la sala”.
garse en él” Pierattini –y Weichafe- ha cam-
Angelo Pierattini y Marcelo Da biado desde entonces. Son 20
Venezia, protagonistas y narra- años, seis discos, dos quiebres,
dores del rock chileno de los una reunión, premios varios,
últimos años, han construi- decenas de festivales y dos
do su historia en base a su despedidas. Pero hay algo
pasión por la música desde que se ha mantenido intac-
que se conocieron en el co- to, y es lo que más nos recal-
legio. “Con Marcelo apla- ca: “Desde los inicios hemos
namos calles con la idea de estado en la misma sintonía.
hacer una banda de rock, no Todo lo que hacemos está
sabíamos muy bien el estilo, pensado en la música. Es lo
algo ligado a nuestras influen- mismo. Marcelo tiene señora
cias –Iron Maiden y The Beat- e hijos, yo estoy más viejo, pero
les- pero encontrándonos con seguimos pensando en lo mismo.
algo, con nuestra propia identidad”, Las conversaciones, las alucinadas
nos cuenta Ángelo, con un completo escuchando músicas son iguales a las
italiano en mano, en el backstage del pri- de esa época. Y en México será lo mismo”.
mer día de sus conciertos de despedida. Aquel De alguna forma, esa pasión por la música es la
manjar culinario se debía a que a estos shows le dieron la tó- que los ha impulsado siempre, y la que los ha convertido en
nica de kermesse, en parte, como lo dijeron desde un primer una banda atemporal. Su obra ha logrado trascender de di-
momento, para revivir los años de las tocatas en el Galpón versas formas, y han sobrevivido en la memoria de nuestro
Víctor Jara a mediados de los 2000, cuando todo era pura rock siguiendo el pulso interno del hacer, del decir, del co-
garra. Y pasión. municar. Y de un cariño irrestricto por parte de un público
Roberto “Flaco” Ugarte completa actualmente el trío. El ba- fiel que ha ido creciendo en el tiempo, cuya relación es más
terista toca con el entusiasmo de un cachorro: descarga cada horizontal, como la de una gran familia, llena de mística y
golpe como si fuera el último –hasta cuando el momento complicidades.
pide paz–, como quien realiza el sueño del pibe tras sumarse
a la banda de la que siempre fue fanático. A su vez, comparte Son muchos los ritos que Weichafe tiene al otro lado del
una bonita singularidad con el tándem de cuerdas, al haber escenario. Cuando anunciaron su reunión en 2014, usaron
decidido su vocación desde muy joven, y como una señal una frase de ‘El Rock del Poncho’, canción dedicada al mí-
del destino, ligado a la banda: “Siempre fui fan de Weichafe, tico bajista de Tumulto, otro mito del rock chileno: #LaHis-
desde que estaba en 8° Básico. Viví toda mi vida en el sur, en toriaSeEscribeEnLaCalle. Así, como hashtag, coqueteando
Victoria, al lado de Temuco. Tenía varias bandas de colegio con la modernidad. Hubo banderas, poleras, tatuajes y hasta
donde tocábamos sus canciones. Era la única banda en el grafitis con esta frase. Pocas bandas en la actualidad des-
rock chileno a la que le creía y que me hacía sentir identifi- piertan ese tipo de sentimientos, quizás sólo comparable al
cado, tanto en sus letras a como tocaban. Después decidí ser de uno de sus amigos en la escena, Chancho en Piedra en
músico, como a los 15 años. Me empezaron a caer mal mis los 90, aunque sin tanto ánimo festivo y mucho menos gen-
compañeros de curso y me comencé a aislar, y me ponía los te sintiendo el llamado de un rock callejero y sin contem-
fonos para escuchar música, y Weichafe fue mi refugio. Así, placiones.

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En las dos noches de despedida, el trío reafirmó que su ética Esa convicción ha hecho que esta sea una banda que además de
aparece invadida por un espíritu que se basa en la pasión de despertar pasiones incontrolables, como cantó el público fervo-
vivir el momento, del pulso vivo, el virtuosismo, la relación rosamente las dos noches “Olé olé olé, cada día te quiero más. Yo
simbiótica con el instrumento y la convicción de que el rock soy Weichafe, es un sentimiento, no puedo parar”, haya devuel-
todavía puede ser algo trascendente. El bajista Marcelo Da to a muchos fanáticos el cariño por el rock. Y para los mucha-
Venezia, luego de algunos ejercicios de elongación, a minutos chos eso tiene casi una única explicación: el trabajo incesante,
del último en Chile, dice algo muy bonito respecto a todo esto: con mucho amor, y la convicción de hacerlo con su sello.
“Con el Ángelo siempre hemos forjado una idea de evolucio- Detrás del escenario se dan las últimas indicaciones. Se le
nar, siento que eso es lo más valorable, sin tener duda alguna avisa al sonidista que prepare la canción que ha sido el rito
que el paso que estamos dando es para crecer artísticamen- inaugural desde hace un lustro –‘Al patíbulo’, de Machuca-.
te”. A lo que Pierattini agrega: “Hay una convicción más allá Los muchachos se abrazan. Su familia y staff los alienta. El
de ponerse de acuerdo con algo, y en esto quiero ser claro, público los pide. Un rato antes, este cronista les pide unas re-
tenemos una visión que se complementa, no es una visión flexiones finales, para que queden como otro relato más antes
manipulable” de pisar suelo incaico por tiempo indefinido.

“Nos llena de orgullo que nos digan “Hay un sinfín de situaciones y con- “Hay una sensación de nostalgia, de de-
que Weichafe tenga un sonido único, secuencias que nos han ido uniendo jar a tu familia, pero también una sensa-
porque era un propósito para nosotros, cada vez más. Siento que todo nuestro ción de felicidad. Las personas en la vida
que la banda tuviera identidad. Porque trabajo es parte de la historia y todo es toman decisiones para poder ser felices,
las bandas que a nosotros nos gusta- importante. Allá vamos a llegar a una y para nosotros irnos a México es una
ban no se podían replicar, y nosotros situación nueva, con todo un mundo de ellas. Con el Ángelo hemos estado
íbamos en busca de eso. Se notan las por explorar, en términos musicales, de acuerdo con una sola frase, cuando
influencias, pero hay una identidad, y en términos de trabajo, entonces es- nos preguntan sobre si vamos a tener
quizás todo eso provenga porque nace peramos, independientemente cómo éxito allá, y nosotros siempre decimos,
de una amistad, de dos pendejos que nos vaya, que el viaje sea súper pro- si llegamos allá, el éxito ya está. Vamos
alucinaban con tener una banda de vechoso, tanto a nivel personal como a empezar de cero, queremos conocer lo
rock cuando chico y que finalmente lo musical, así que estamos súper con- colectivo, igual como lo hacíamos acá. Y
lograron, y que ahora el camino se está tentos y tranquilos. Además la gente eso es súper importante, tener el contac-
abriendo para el mundo con este paso ha apoyado heavy la moción y estos to con la calle, estar ahí. Y de lograr sentir
de irnos a México. Y las sensaciones ritos de las despedidas no han sido un que el DF va a ser nuestra ciudad. Yo lo
son las mismas que hace 20 años. Hay rollo tampoco. En un tiempo vamos a viví ya cuando me vine a vivir a Santia-
nostalgia, pero es un paso necesario estar acá de vuelta. Ojalá nos reciban go, tenía 17 años, y el cambio es drástico.
para nuestro crecimiento profesional”. con el mismo entusiasmo con el que ¿Pero sabís que me gustaría? Ahora es-

-Angelo Pierattini nos despiden”. tamos en la kermesse, y así me gustaría

-Marcelo Da Venezia estar todos los días de mi vida. Esto lo he


soñado desde pendejo. Nunca pensé que
se iba a hacer realidad, pero siempre he
tenido ganas de hacerlo, y ahora estoy a
punto de concretarlo”

-Roberto Ugarte
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LA MALASANGRE LOS CASTIGOS


La Malasangre se reinventa para volver a fluir. Compuesta “Los Castigos” es el también el nombre del álbum debut de
por músicos con un sonido honesto, es una de las bandas esta banda peruana de rock instrumental. El grupo se for-
más versátiles de Colombia, mezclando rasgos del sonido mó en el año 2011 con Bruno Sánchez, Francisco Melgar,
progresivo con ritmos latinos, alcanzando nuevos límites Teté Leguía y Marco Quintana; cuatro músicos locales que
en el espectro rockero. Durante el 2016 la Malasangre lan- habían ya habían formado parte de conocidas bandas de la
zó un primer video de su Live Session titulado “La Cárcel escena como Manganzoides, Turbopótamos, Los Fucking
Del Ayer” y su primer sencillo “Contracorriente”, grabado en Sombreros y Los Protones. El álbum cuenta con 11 temas en
Árbol Naranja bajo la batuta de Pedro Rovetto y Pipe Bravo los que distintas influencias (Ennio Morricone, música de
(Superlitio, Bomba Estéreo, etc) y contando con la colabora- vanguardia del siglo XX, westerns y películas de carretera de
ción de Lula Bertoldi, cantante de la banda argentina Eruca bajo presupuesto) son combinadas de manera original para
Sativa, logrando así una excelente muestra del presente del crear un estilo propio y distintivo dentro del género. Paisa-
rock latino. El videoclip de dicho sencillo, es una colabora- jes desolados, atmósferas misteriosas y ritmos que sugieren
ción entre Nicolás Caballero (Ganador del 48 Hour Film Pro- aventuras son las principales sensaciones que este novedo-
ject por “Avril”) y SHARPBALL (“Soul” de la banda británica so disco sugiere. El álbum fue grabado en los estudios de
Charming Liars). “Contracorriente” les hizo acreedores a ser APDAYC y Aldaba Records entre diciembre del 2012 y fe-
No 1 en varios listados en Colombia, así como a estar en ro- brero del 2013. La producción musical estuvo a cargo de los
tación en importantes emisoras de difusión nacional como propios integrantes del grupo. El álbum fue masterizado por
Radiónica y a ser nominados como Mejor Videoclip tanto en Eduardo Neira en Primal Music, un estudio donde se viene
los Premios SHOCK 2016 como en Bogotá Short Film Fes- masterizando parte de los últimos lanzamientos de la mú-
tival / Festival de Cortos de Bogotá BOGOSHORTS, com- sica peruana contemporánea (Laguna Pai, Francois Peglau,
pitiendo junto a artistas de talla internacional como Bomba Los Protones, Grita Lobos!, Brayan, Las Amigas de Nadie
Estéreo, Carlos Vives, Esteman, Ságan y Burning Caravan, etc.). Se ha incorporado Julio Luna en el bajo (ex integrante
entre otros. Finalmente, en mayo de este año presentaron de Turbopótamos) en reemplazo de Teté Leguía. Actualmen-
“Indeleble”, un disco con 10 temas, el cual comprende los te la banda está grabando su segundo disco, que será lanza-
últimos dos años de trabajo de la banda. do a inicios del 2018.

Bquate es una plataforma digital “todo en uno” creada para impulsar


los proyectos musicales de los emprendedores musicales, encargada
de desarrollar herramientas digitales (dentro de las cuales está la dis-
tribución digital, la monetización de YouTube, entre otras) orientadas
a la promoción y fortalecimiento de carreras artísticas, buscando que
estas puedan tener un mayor acceso a oportunidades en la nueva in-
dustria musical global.

34
Por Marcelo Contreras
En junio de 1977 Rush desembarcó
en Inglaterra con un doble propósi-
to: debutar en vivo y grabar en el país
donde estaban sus raíces musicales.
Con el punk en plena expansión el trío
canadiense parecía fuera de lugar. Te-
nían que librar una nueva batalla y se
armaron hasta los dientes para regis-
trar A Farewell to kings.


GOD SAVE THE QUEEN’ ESTABA EN EL PUESTO
NÚMERO 2 de las listas británicas y The Sex Pistols
era la sensación hacia fines de la primavera boreal de
1977. Rush grababa en los estudios Rockfield de Gales
su quinto álbum en cuatro años, y sus integrantes vie-
ron al emblema del punk por televisión. Geddy Lee, Alex Li-
feson y Neil Peart observaron que solo tocaban tres acordes
“una y otra vez”, según el bajista. “De inmediato nos vimos
como músicos consumados por el hecho de que conocíamos
unos diez acordes. Nos legitimaron”. Rush podía estar muy
lejos de la filosofía musical del punk pero compartían cier-
to resentimiento anti sistema. El éxito de “2112” timbrado el
año anterior, había sido en contra de los parámetros de la
industria, construido por el boca a boca en Norteamérica tal
como sucedería con Metallica en los 80. Las radios se rehu-
saban a programarlos y la crítica oficial ya había estampado
un juicio que duraría décadas: unos virtuosos pretenciosos
con un cantante de voz insufrible. Pero “2112” había vendido
muchísimo con un tema que duraba 18 minutos. El trío pro-
mediaba 23 años y estaba en una posición envidiable, hacer

36
lo que les diera la gana. Lee lo resumía así: “jódanse, déjen- una suite de 11 minutos que introducía nuevos elementos en
nos tranquilos. Sabemos lo que queremos hacer y lo vamos a su sonido. En una pasada por Nashville, Alex Lifeson se ha-
hacer”. En esos días aquello significaba una búsqueda entre bía comprado el modelo Gibson de doble mástil populariza-
el hard rock que les atraía desde siempre y las bandas pro- do por Jimmy Page. Desde fines de 1976 Lee había incluido a
gresivas británicas de su adolescencia. “La gente invariable- su arsenal un sistema de pedales Taurus que solían enrique-
mente nos pregunta por qué Rush ocurre en medio de toda cer las texturas de Genesis y Led Zeppelin (Lifeson pronto
esta conversa sobre el punk rock”, reflexionaba Lee, “y les tendría el suyo), más un sintetizador Minimoog, y Neil Peart
digo que es porque traemos a la audiencia del rock algo que había convertido su kit de batería en una especie de for-
desesperadamente quieren oír, buen y ruidoso rock ‘n’ roll. taleza con una serie de elementos orquestales incluyendo
No jugamos con nuestro público. Nuestro éxito se basa en campanas tubulares, crótalos y glockenspiel. Rush discutió
ellos. Son amigos que nos ayudan cuando lo necesitamos”. la posibilidad de agregar un cuarto miembro, pero rápida-
mente desecharon la idea. Todo debían ejecutarlo ellos mis-
ORIGINALMENTE LOS CANADIENSES TANTEARON mos y reproducirlo lo más fielmente posible en vivo, una de
REGISTRAR EL SUCESOR DE 2112 en los estudios Electric
Lady en Nueva York, donde grababan sus camaradas de Kiss.
Tenían dos canciones listas,’ Closer to the Heart’, cuya intro
en guitarra acústica fue creación de Geddy Lee, y ‘Xanadu’,

37
las obsesiones históricas de los canadienses. Como explica
Alex Lifeson en la biografía de la banda “Chemist(r)y” por
Jon Collins, “cuando era joven ir a conciertos y no escuchar
ese solo que oí en el disco, realmente me molestaba”.

LA DECISIÓN DE VIAJAR A INGLATERRA SE DEBIÓ


EN PARTE al apoyo de algunos periodistas británicos como
Geoff Barton, fundador de la revista Kerrang!, impresiona-
do sobre la creciente popularidad de Rush en Norteamérica.
“La gente parecía genuinamente interesada en esta banda”,
escribió en la revista Sounds. De todas formas, Geddy Lee ya
había advertido en entrevista a Circus la intención de cam-
biar de dirección en una nueva placa. “El próximo álbum
será grabado en Inglaterra (...) siempre hemos mirado a las
bandas progresivas inglesas y va a ser una buena oportuni-
dad ir ahí y tratar de capturar el mismo tipo de atmósfera”.
Por ese tiempo comenzaron a arreciar las acusaciones de
fascismo en Gran Bretaña según la prensa más tradicional
como NME, debido a los reconocimientos de Neil Peart en
los créditos de “2112” “al genio de Ayn Rand”, la escritora de derella Man’ con letra de Geddy Lee, basada en el film “Mr.
derecha que había influenciado parte de las letras de aquel Deeds Goes to Town” protagonizada por Gary Cooper, ver-
álbum. sos que hacían eco de la filosofía de Peart sobre el hombre
Bajo ese ambiente Rush organizó su primera gira a la isla contra el sistema. La canción es una de las primeras de-
con ocho fechas para las primeras dos semanas de junio mostraciones de la extraordinaria habilidad de Lee al bajo
de 1977, incluyendo un concierto en Estocolmo, Suecia. La sosteniendo un ritmo funky mientras Lifeson ataca con un
banda esperaba tocar para poco público pero se sorpren- rugiente solo.
dió cuando las audiencias copaban las salas. Sin embargo
el apoyo de su sello era prácticamente nulo. Cuando Geoff EL DISCO FUE TERMINADO EN LONDRES EN LOS ES-
Barton llamó para pedir pase para la cobertura del debut en TUDIOS ADVISION donde solía grabar Yes. A fines de junio
Sheffield, nadie sabía que Rush estaba en la ciudad y tuvo el trío volvió a Canadá para filmar sus primeros videos con
que pagar su entrada. las canciones ‘Xanadu’, ‘Closer to the Heart’ y la que bautiza
la obra. Lee se quedó supervisando la masterización y Peart
LA PRIMERA ELECCIÓN DEL TRÍO FUE GRABAR EN se puso a trabajar con el diseñador Hugh Syme para la icóni-
LOS ESTUDIOS AIR DE GEORGE MARTIN EN LON- ca carátula de un rey con el aspecto de marioneta, tirado en
DRES. Como no estaba disponible, el productor Terry un trono en medio de un paisaje urbano baldío. La imagen
Brown propuso Rockfield en Gales, donde hacía un par de fue capturada en Buffalo, Nueva York, con vista hacia el tra-
años Queen había registrado ‘Rapsodia bohemia’. La prime- zado urbano de Toronto.
ra semana de grabación estuvo dedicada casi por completo “A Farewell to Kings” ha envejecido con dignidad aunque es
a la batería de Peart. El cronograma de trabajo funcionó con representativo de los excesos propios del rock progresivo.
lógica de vampiro. Dormían de día acampando en la campi- Con los años Geddy Lee ha manifestado cierta incomodidad
ña, a las 3 de la tarde almuerzo y desde las 5 hasta las 7 de con algunos pasajes de la letra de Xanadu, líneas peligrosa-
la mañana del día siguiente metidos en el estudio. También mente cursis como “romper mi ayuno con rocío de miel y
había distracciones de marihuana y alcohol. “Fumamos y beber la leche del paraíso”. El uso de los sintetizadores aún
bebimos demasiado”, recuerda Lee. es embrionario e ingenuo, pero resulta notoria la intención
Como las canciones eran más complejas, el productor Terry de la banda por moldear una música más compleja y ambi-
Brown y Rush trazaban una especie de mapa en un papel. ciosa, sin perder la garra del rock más pesado.
Algunos pasajes se grabaron en exteriores como la introduc- El álbum fue publicado el 26 de agosto de 1977, la banda
ción en guitarra clásica de la canción que bautiza al álbum inició la gira promocional el 6 de septiembre en Ontario, y
y ciertas percusiones de ‘Xanadu’. De hecho, si se escucha ya en octubre la placa estaba en el top 40 estadounidense y
atentamente la composición pastoral de Lifeson que abre “A británico, mientras el single ‘Closer to the Heart’ alcanzó el
Farewell to Kings”, registrada mientras un asistente giraba a puesto 76 de Billboard, nada mal para un grupo que seguía
su alrededor con una grabadora, se percibe una ligera pisada siendo rechazado por el medio radial. A fines de 1977 Rush
entre ramas secas. La misteriosa voz en el arranque de ‘Cyg- ganó como Mejor Grupo en los premios Juno, el Grammy
nus X-1’ es del propio Terry Brown. canadiense y recibieron un disco de oro por las ventas del
Otras singularidades del álbum figuran en cortes como ‘Cin- nuevo título en EE.UU. a dos meses de su publicación.

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No es un elemento
incidental en la serie
animada más hardcore
s
y divertida de todos lo
to
tiempos sino un elemen
protagónico, y así se
relaciona en el show.
Por Marcelo Contreras


TENGO UN PENE DE 10 PULGADAS”, canta Kenny tico pertenece a Primus y el personaje de Chef contó con la
entre murmullos, “usa tu boca si lo quieres limpiar”. Esa voz del astro del soul Isaac Hayes entre 1998 y 2006, revi-
línea en los créditos de la cuarta temporada es suave talizando una carrera que estaba en decadencia. Se marchó
comparada con “algún día voy a ser lo suficientemen- molesto tras el episodio donde la Cienciología, su credo, fue
te mayor para meter mi verga en el culo de Britney”. South ridiculizada, junto con retratar a Tom Cruise como un gay
Park es la serie animada más atrevida de todos los tiempos y que aún no sale del clóset. Por cierto, Hayes no tuvo proble-
de seguro la más divertida. Hace un cuarto de siglo se podía ma alguno cuando otras religiones fueron citadas y conver-
decir lo mismo de Los Simpson pero desde que la creación tidas en hazmerreír en South Park.
de Trey Parker y Matt Stone debutó el 13 de agosto de 1997,
convirtiéndose en uno de los shows de la televisión pagada NIÑO PRODIGIO: Parker y Stone no solo son melómanos
estadounidense más exitoso hasta hoy, la familia amarilla de sino también compositores e intérpretes. Integran una ban-
Springfield perdió ese título para siempre. da llamada DVDA (sigla de “doble vaginal doble anal”) don-
de el primero canta y toca teclados, y el segundo también
LA MÚSICA ES MI VIDA: Desde el comienzo la música ha canta y se hace cargo del bajo. La primera opción profesio-
sido un elemento crucial en South Park. El tema caracterís- nal de Parker, el creativo principal (a cargo de la dirección y

40
los guiones), fue dedicarse a la música. En el colegio perte- envió una carta a Trey Parker por haber compuesto, según
necía al coro y al grupo teatral, y a los 14 escribió y grabó un su opinión, el mejor musical en años.
álbum de canciones rock satíricas. Estuvo un semestre en
la reputada Berklee college of music y luego se cambió a la DECONSTRUYENDO EL ESTRELLATO: La cita es de
universidad de Colorado, su estado natal, donde conoció a Trey Parker en una entrevista para Playboy, consultado
Matt Stone, un prodigio de las matemáticas. Juntos comen- ante la reacción de los artistas cuando aparecen en el show,
zaron a producir una serie de cortos prácticamente una vez y cómo reaccionan ellos como creadores ante el mundo de
por semana hasta llegar a Alferd Packer: The Musical, ba- las estrellas. Casi siempre al día siguiente los publicistas
sado en un explorador que cometió canibalismo, personaje de las figuras aludidas llaman y felicitan al programa. Al-
que obsesionaba a Parker. La producción fue tan exitosa que gunos han llegado más lejos. Kanye West escribió un largo
se le considera un clásico de culto y hasta hoy se representa posteo tras aparecer por primera vez en la serie en 2009,
en colegios por todo EE.UU.. reconociendo que se había sentido por la forma en que fue
retratado -básicamente un imbécil arrogante-, pero que
PORNO MORMÓN: Fue ese film el que entusiasmó al eje- había sido divertido y que estaba “trabajando” en dominar
cutivo de la 20th Century Fox Brian Graden quien pagó su ego.
1200 dólares a Parker y Stone para que produjeran un corto
animado que deseaba enviar a su amistades como saludo LINE UP FESTIVALERO: La lista de artistas que han apare-
de navidad. Entre los personajes, además de Santa Claus cido en South Park representándose a si mismos podría ser
y Jesucristo, aparecieron por primera vez los niños que se el cartel de un festival. Incluye a Robert Smith, Joe Strum-
convertirían en protagonistas de South Park. Graden se dio mer, Rancid, Ozzy Osbourne, Ween, Elton John, Meat Loaf,
cuenta de dos cosas a) no podía enviar ese video a sus amis- Rick James, DMX, Devo, Korn, Radiohead y Sia. También
tades porque era muy rudo b) debía remitir la cinta a colegas han figurado Justin Bieber (reventado como espinilla por
y actores porque intuía que se trataba de algo grande. En Cthulhu), un Rod Stewart incontinente en silla de ruedas,
poco tiempo la cinta se convirtió en un éxito subterráneo Michael Jackson sin nariz, P. Diddy como un gángster, Nick
en la comunidad hollywoodense y abrió las puertas de los Jonas de los Jonas Brothers golpeado salvajemente por un
realizadores para iniciar la serie además de su primer film furioso ratón Mickey, y Metallica molesto con las descargas
“Orgazmo” (1997), sobre un mormón que se convierte en es- ilegales con Lars Ulrich particularmente encabronado por
trella porno. no poder comprar un tanque acuático con tiburones.

APROBADO POR LOS CRÍTICOS: Cuando South Park de- PIANO POR FAVOR. En South Park, tal como sucede en
butó en Comedy central registró los mejores ratings históri- un musical -definitivamente uno de los géneros centrales
cos de la señal. En poco tiempo los creadores se convirtieron que inspiran el show-, cuando los personajes intentan alec-
en una sensación. Conocieron a algunos de sus ídolos musi- cionar al resto lo hacen generalmente con una canción. Eric
cales incluyendo Elton John y Robert Smith, a los integran- Cartman, por ejemplo, interpreta la balada “Minorías en mi
tes de Monty Python, una de las influencias más notorias en parque acuático”, su protesta ante la presencia de inmigran-
el trabajo de ambos, y fueron invitados a la mansión Playboy tes, o canta una versión de ‘In the Heat of the Moment’ de
donde Metallica ofreció un show. Pero tras una temporada Asia, intentando convencer al Congreso de legislar a favor
el entusiasmo mediático decayó notoriamente hasta que la de las células madres. Por años cada vez que Stan o Kylie
dupla lanzó el largometraje “South Park: Bigger, longer and sacaban una lección moral de sus aventuras y se lanzaban
uncut”. La película arrasó y la Asociación de críticos de Los con un discurso, inmediatamente notas de piano acompa-
Angeles premió a Trey Parker por el soundtrack del filme. ñan sus palabras. Hasta ahora cerca de 400 canciones han
El legendario compositor de musicales Stephen Sondheim sido utilizadas en el programa.

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E
l escritor uruguayo Eduardo Galeano, escribió va a seguir cantándolas. Dejan de ser tuyas y eso es la raja,
en su obra “Las venas abiertas de América La- que sean de la gente, del pueblo. Eso es un poco el objetivo”.
tina” algo muy decidor sobre la identidad de los Un compositor cuya sensibilidad está en lo cotidiano, y que
pueblos latinoamericanos: “La expropiación de es capaz de emocionarse hasta el punto que se le quiebre la
los indígenas ha resultado simétrica al despre- voz cuando nos cuenta las experiencias que lo han marcado.
cio racial (…) la humillación posterior rompió en “Nunca te imaginas que estando en la micro vas a escuchar a
pedazos la identidad cultural y social que habían alcanzado”. alguien tocando tu canción. Es la zorra, porque la canción po-
Consciente o no, el cantautor de vocación pop Fernando Mi- pular es un espacio súper genuino, te lo ganas o no. La otra vez
lagros sigue muy de cerca ese pensamiento cuando se refiere me tagearon en Instagram una foto de un mural con una letra
al poco arraigo que tenemos como sociedad ante nuestra as- mía… ese es el pago”. Como dice la letra de ‘Reina Japonesa’,
cendencia amerindia. “Tenemos miedo al que es diferente, so- y ahora también algunos muros de la ciudad: “Si no buscas
bre todo si es indígena, de color; por prejuicios, por arribismo, nada, nada va a pasar”
porque tenemos metido el virus del capitalismo hasta lo más
profundo y no nos damos cuenta”. Detrás de “Milagros” hay un concepto súper bonito: el
Días antes del lanzamiento de su último disco, “Milagros”, Cordón Andino, ¿puedes hablarnos de esa ideología de
conversamos con Fernando en el Estudio Kinshasa –su nuevo trabajo?
cubil- sobre los avatares por los cuales ha pasado para llegar -Somos bien malos los chilenos para mirarnos a nosotros mis-
a la sonoridad y discurso de un disco único, mirando la es- mos, para mirar el barrio. Pensamos que vivimos en un lugar
cena musical autóctona latinoamericana para absorber todos más pituco, o aspiramos a eso, pero en verdad no es así y no
sus colores y ritmos, y luego filtrarlos bajo su perspectiva. De tiene nada de malo que no lo sea. De hecho es súper bueno.
alguna forma, y luego de visitar apetecidos escenarios como el Y es bacán darse cuenta que las cosas que tenemos cerca son
Primavera Sound en 2011 o SXSW en 2014, el compositor cho- súper valiosas. Entonces, me dieron muchas ganas de tratar de
rero saca elocuentes aprendizajes de aquellas experiencias: poner en vitrina eso y de hacerlo pop, que lo folclórico no se
“Lo que más sirve de estar en esos lugares es que te das cuenta quede en la pieza de museo, sino que ponerlo sobre la mesa.
que si no eres tú mismo, vale callampa, o sea, ponte en la fila. Sí somos de ahí, somos hijos de mucha injusticia, precariedad.
Porque si vas a tocar guitarra eléctrica y haces rocanrol, buena Y también de harta innovación y de harto ingenio para po-
onda pero los gringos lo hacen hace 50 años mucho mejor que der solucionar lo que no tenemos. Es súper interesante y casi
nosotros y lo van a seguir haciendo mejor. Entonces, no nos un deber para uno como artista ocupar lo que tienes a mano.
pertenece ese lugar. Puedes hacerlo, pero desde tu lugar de Ocupar lo que tienes al lado, no estar pretendiendo ser algo
origen, y eso al menos es lo interesante para mí”. que no eres.
La canción como extensión de tu identidad. Así entiende
Milagros que es la esencia de su arte y de lo popular, como -¿Hay una intención política de mirar a la cultura latinoa-
algo arraigado a sus raíces y a las de su pueblo, más allá de mericana como rescate identitario?
las fronteras políticas que nos dividen. “Mientras uno tenga -Totalmente. El arte tiene que ser siempre político, sino no vale
sus canciones, tu patrimonio, que pase lo que pase porque eso nada. Hacer música tiene que ver con el arte. Es inevitable que
no te lo puede quitar nadie. Imagínate, te mueres y la gente uno vaya poniendo banderas para acotar lo que crees que tie-

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ne sentido. Es más que un deber, en mi caso me nace hacerlo -Kanaku es una de mis bandas favoritas. Son limeños y están
de esa manera. Es como un modo de operar para que las co- haciendo una fusión súper entretenida. Hacemos algo bien
sas tengan un poco de “carne”, porque podría estar haciendo parecido. La propuesta de The Chamanas es súper chora.
algo que esté de moda, que demás puede resultar mejor ahora, Ellos son de Juárez, y hacen algo muy pop pero con ritmos de
¿pero mañana? Y encuentro genial la gente que está haciendo la zamba argentina, y la Paulina canta como Jeannette, en-
cosas más pop y tienen para pagar lo que quieran, ¿pero eso tonces es súper raro pero muy latino. De acá, me gusta ca-
cuánto va a durar? leta lo que hace Chini & The Technicians, también el Diego
Lorenzini, que es un loco súper fresco, clever, un artista. Y
-En el disco también hay una retrospección hacia tu propio eso está bien, hay que valorar esas propuestas. Sé que en las
trabajo y tus primeras influencias. ¿Hay ahí una idea de res- radios suenan otras músicas, pero al final las cosas caen por
cate sonoro? su propio peso. Puedes tirar toda la promo del mundo y te va
-No lo había pensado, pero puede ser. Hay harto de Violeta a funcionar, pero si no tiene identidad, cuando se acabe la
Parra más que otra cosa, en ese sentido. Esa imagen siempre moda todos se van a olvidar.
estuvo ahí, era lo que cantaba mi mamá con cancioneros, pero
era lejano. Ya más grande empecé a comprender la profun-
didad de lo que hacía la Violeta, y lo oscuro que era. Que se
puede leer como súper de postal, pero si te metes adentro es
como ¡wow! Súper loco, porque es como metalera, como me-
dio punketa, que en los 60 es una cosa impensada. Y ahora que
está medio en boca de harta gente porque está cumpliendo 100
años, los músicos cometen el error de versionar y arreglar co-
sas que en esencia son súper rústicas, y que pierden todo el
valor cuando empiezas a ponerle arreglos barrocos, y como
que empiezan a camuflar un espíritu que es súper puro. Siento
que es un error.

-“Milagros” tiene esa esencia de ir hacia algo más rústico


en su relato.
-Totalmente. Son canciones que son súper de la guata, como
muy poco pensadas. Uno va acumulando ideas, experiencias,
qué sé yo, y en un momento empiezan a caer, y tienes que
estar preparado para poder agarrarlas y escribir. El valor de la
artesanía de la canción es esa. Una canción que es buena pue-
de sobrevivir un desastre nuclear, y la puedes tararear y va a
funcionar. Es algo que aprendí haciendo, me di cuenta que me
gusta ese tipo de oficio. Si todo está en su lugar, puedes cantar
la canción a capela en el campo y va a funcionar.

-La idea del “Cordón Andino” también es un objetivo para


ir a tocar por varios países del cono sur. ¿Cuáles son las ex-
pectativas de eso?
-Me encantaría poder generar un corredor donde otros artis-
tas pudieran usarlo, y por otro lado también visibilizar la cer-
canía, como que estamos súper lejos del mundo, pero súper
cerca de Perú, Ecuador, Colombia, y como que no lo vemos.
Deberíamos mirar más a nuestros vecinos y dejar los prejui-
cios. Estaría bueno tomar un poco de conciencia, no somos
tan diferentes. Hay cosas bacanes en la música popular lati-
noamericana, pero de forma muy subterránea. Y en Santiago,
por ejemplo, estoy seguro que están pasando muchas cosas
que no vemos con los inmigrantes. No tengo idea lo que es,
pero seguro hay algo.

-Si te ponemos en modo playlist andino, ¿qué músicos nos


podrías recomendar?

46
48
Soundgarden practicó combinaciones
improbables y sobrellevó un sino trágico desde
que el éxito era una profecía prácticamente
unánime. Qué pensaban de sus influencias y del
grunge, cómo afectó a su líder el alcoholismo y la
depresión. Apuntes para un epílogo.

P
ARA UNA BANDA OSCU- go. Desde entonces quedó con la sensación
RA Y DENSA LAS EXPEC- de que cada vez que a Soundgarden le son-
TATIVAS ERAN LAS ME- reía la fortuna, pronto ocurría una desgra-
JORES. La fama respondía al cia. Como dijo a Rocknvivo antes del debut
boca a boca, la crítica aposta- en Lollapalooza Chile en 2014 “tenemos
ba por ellos, y arrastraban una nominación sospechas cuando algo bueno sucede”.
al Grammy como mejor perfomance de
metal en 1990 por el álbum debut “Ultra- COMO TODA BANDA QUE CLAMA AU-
mega Ok” (1988). Con el siguiente, “Louder TENTICIDAD, lejos de sentirse halaga-
than Love” (1989), los titulares y reseñas dos por las habituales comparaciones con
presagiaban éxito masivo e inevitable para Led Zep y Sabbath, querían alejarse de sus
Soundgarden. Según la revista Spin se tra- padres. Sabían perfectamente dónde fla-
taba de lo más potente de Seattle desde Jimi queaban. El guitarrista Kim Thayil lo de-
Hendrix. Rolling stone los ubicaba en línea finió con lucidez para Spin en medio de la
directa de descendencia de Black Sabbath gira de “Superunknown”. “Siempre odié a
y Led Zeppelin. Para Circus no había duda Led Zeppelin -muy pretenciosos- y Black
de que serían moda. Tenían el sonido, la Sabbath tenía unos riffs cool, pero los alar-
potencia y un cantante carismático. Como gaban de una manera realmente estúpida.
explica el ex ejecutivo Jeff Suhy del sello Al principio queríamos hacer canciones
A&M en un breve documental grabado en como Black Sabbath sin las partes que
1989, “el magnetismo de Chris Cornell es apestan”. Años antes, en 1989, Chris Cor-
innegable, los tipos quieren ser Chris y las nell había declarado a la misma revista que
chicas quieren hacer el amor con Chris”. las comparaciones eran como una espina
1991 iba a ser el año en que Soundgarden en Soundgarden. “Led Zeppelin nunca
la rompería pero no sucedió exactamente fue la banda favorita de ningún miembro
así. “Nevermind” de Nirvana apareció el en el grupo y, a decir verdad, no escucho
mismo día que “Badmotorfinger”, el 24 de mucho Led Zeppelin en nosotros, excepto
septiembre. Aunque resultó un éxito co- que a veces canto con un marcado false-
mercial y les valió una nueva nominación te. No escribimos canciones sobre magos,
al máximo premio de la industria musical espadas o cualquiera de esas mierdas de
estadounidense, la banda de Seattle tuvo calabozos y dragones”.
que esperar su turno y seguir siendo un ar-
tefacto algo extraño, un grupo que sonaba LO QUE SI RESULTABA EVIDENTE EN
parecido al metal pero no era exactamente SOUNDGARDEN era la conjunción de
heavy metal. “Superunknown” se publicó virtuosos interesados en dialogar antes
el 8 de marzo de 1994 debutando en el nú- que lucirse. “Cuando Soundgarden hizo
mero uno del ranking Billboard. Un mes ‘Superunknown’- contó Cornell en 2014 a
después Kurt Cobain se volaba la cabeza Rolling Stone -habíamos sido banda du-
y el grunge empezaba a hundirse inexora- rante mucho tiempo, unos ocho años. ‘Su-
blemente. Para Ben Shepherd, el bajista de perunknown’ fue uno de los cambios más
Soundgarden, fue duro. Cobain era su ami- dramáticos en lo que estábamos haciendo

49
musicalmente. Creo que no me di cuenta en ese momento”.
Si antes dominaba el músculo en cada línea de ejecución
desde la garganta superdotada del vocalista, aquel álbum
estaba marcado por una musicalidad que sin perder el ele-
mento pesado necesitaba expresar otras emociones además
de la agresividad incluyendo melancolía y desazón, y una
mayor diversidad rítmica y emotiva. “Superunknown” per-
feccionaba la búsqueda melódica que asomaba tibiamente
en “Badmotorfinger”, que a su vez pretendía superar el ró-
tulo de heavy metal sobre “Louder than Love” (1989), ambos
bajo la producción de Terry Date (Pantera, Deftones). Según
el líder, “nos focalizamos canción tras canción (...) el álbum
lentamente tomó forma. “Superunknown”, quizás más que
la mayoría de los discos, no se reveló como era sino hasta
el final”.
En el siguiente, “Down on the Upside” (1996), Soundgarden
se dejó llevar y sin perder contacto con la matriz de Zeppe-
lin y Sabbath, se acercó mucho más a la versatilidad de The
Beatles con mostachos y LSD en los bolsillos. Por un breve
periodo gozaron de una reputación envidiable. Era una ban-
da realmente masiva que mantenía el respeto del rock sub-
terráneo. Los miembros de Kyuss, por ejemplo, se sentían “Superunknown” en 2014. “Cuando se cuenta la historia, que
honrados de girar con ellos en 1995. se contará una y otra y otra y otra vez, vamos a estar allí. (...)
Las preguntas de Seattle, las preguntas del sonido de Seattle
CON LOS AÑOS CORNELL TENÍA UNA BUENA OPI- y las preguntas de la escena de Seattle, valen la pena”.
NIÓN SOBRE EL GRUNGE, el rótulo masificado para un
puñado de grupos de Seattle que habían construido a la LA DEPRESIÓN SIEMPRE FUE PARTE DE CHRIS COR-
antigua su camino, álbum tras álbum, haciendo giras apre- NELL. Entre los 14 y los 16 años no hizo amistades, prácti-
tujados en vans destartaladas, ganando oficio tocando rock camente no salía de su casa, experimentó malos viajes con
duro con la mirada descreída del punk. Cornell pensaba que drogas, sus padres tenían problemas con la bebida y él lidió
el grunge merecía ser considerado dentro de la historia del por largo tiempo con el alcohol, por lo demás toda la carrera
rock en la misma categoría de los grandes momentos que de Soundgarden. No fue hasta grabar el primer álbum de
torcieron el destino de la música como la Invasión Británica. Audioslave (2002) que asumió que debía hacer algo. Cargaba
“Claramente somos pioneros de ese género y somos reco- con un par de años de depresión y el proceso de divorcio de
nocidos como tales”, comentó en los días de la reedición de Susan Silver quien además era su manager, un periodo de
poca comida y exceso de licor y pastillas. Cornell reconoce-
ría años más tarde que sus compañeros en Audioslave, tipos
que apenas conocía, le ayudaron a comprender que necesi-
taba ayuda. “Su preocupación no venía de una posición tipo
‘estamos preocupados de nuestras carreras‘, sino ‘estamos
preocupados por ti’. Sentí una sensación de miedo y tristeza
en ellos que me hizo despertar”.

SOUNDGARDEN NO TUVO ORIGINALIDAD SINO ES-


TILO. La capacidad técnica superior les permitió tender
puentes donde no existían, triangular entre bandas capita-
les como The Beatles, Led Zeppelin y Black Sabbath siempre
con singularidad. Se anticiparon a Queens of the Stone Age
en el fino arte de amoldar los riffs más densos posibles con
melodía, groove y desprejuicio. Y Chris Cornell, lamentable-
mente su muerte lo confirma, fue increíblemente honesto
en sus letras, donde el pesimismo y la angustia existencial
eran piezas indispensables. “Nada acabará conmigo hasta
que lo haga yo mismo”, dice una línea de ‘Blow Up the Upsi-
de’, y esa voluntad quedó sellada con el suicidio.

50
M
artes 21 de septiembre de 1999. Chris Cor- los más involucrados en la instrumentación después de un
nell la tenía cuesta arriba. Su voz era una Cornell tan poco rabioso que llamaba la atención. “Cuando
de las más emblemáticas de una movida veo a Alice Cooper, doy las gracias por no haberme creado
que, después de estar en un personaje a los 22 que después tendría
la cresta de la ola, experi- que seguir emulando a los 50. Lo que sea
mentaba una veloz decadencia. Hasta los que haga que mi disco se sienta más adulto
íconos del grunge buscaban desmarcarse es algo totalmente natural”, decía en Spin
del género: Dave Grohl mostraba su humor durante las entrevistas promocionales. Re-
en Foo Fighters, Scott Weiland se lanzaba cordado por sus flirteos con la psicodelia,
a la experimentación como solista, Ben rastros de su querencia por Captain Bee-
Shepherd y Matt Cameron conectaban con fheart, “Euphoria Morning”, también le
su lado hippie en Wellwater Conspiracy. A abría la puerta al R&B de alta temperatu-
nadie le extrañó que Cornell, que ya estaba ra, aunque con el toque existencialista de
aburrido del grunge a la altura de “Down siempre, en ‘When I’m Down’. El espíritu
on the Upside” (1996), arrancara lejos de guía del álbum fue Jeff Buckley: Cornell no
Soundgarden en “Euphoria Morning”, un disco fuertemente sólo le dedica de forma póstuma ‘Wave Goodbye’, sino que
influenciado por Alain Johannes y Natasha Schneider. Los se inspira en el sonido de “Grace” en la estremecedora ‘Prea-
dos tercios de Eleven fueron, además de coproductores, ching the End of the World’.

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Lunes 28 de mayo de rítmicos expuestos en “Scream”. Cornell, en tanto, rescataba
2007. No pasó mucho la adquisición de nuevas herramientas para seguir hacien-
entre la salida de “Reve- do música: “Conocí un nuevo método de composición, de
lations”, el adiós de Au- grabación. Las reglas eran totalmente distintas respecto a
dioslave, y las sesiones de qué se podía y no se podía hacer”. Cuando Soundgarden tra-
grabación de “Carry On”. bajaba en “King Animal”, Cornell aplicó las enseñanzas de
Liberado de las amarras Timbaland: construyó ‘Rowing’ a partir de un loop del bajo
de tener que tomar de- de Ben Shepherd.
cisiones en grupo, Chris
Cornell se daría todo tipo Viernes 18 de septiem-
de gustos en su segundo bre de 2015. “Higher Tru-
disco solista, partiendo th” no existiría de no ser
por armar un equipo de trabajo con uno de los productores por “Songbook”, la gira
más cotizados del mundo, Steve Lilywhite (The Rolling Sto- unplugged que Chris Cor-
nes, U2, Peter Gabriel, Morrissey), y con uno de los colabo- nell hizo el 2011, de la que
radores insignes de Jeff Buckley, el guitarrista Gary Lucas, salió un excelente disco
también ligado a Captain Beefheart. Sin limitaciones, Cor- en vivo del mismo nom-
nell se paseó por una amplia gama de estilos, desde el enga- bre. Dando shows con su
ñoso eco de Soundgarden en ‘No Such Thing’, el único tema guitarra de palo en Seatt-
de rock duro, hasta la madura ‘Safe and Sound’, en la que le, se encontró a sí mismo
sonaba como un heredero del soul de los 70. De paso, cubrió como solista. Decía que recién ahí logró descifrar totalmente
‘Billie Jean’ de Michael Jackon en clave unplugged antes de su propia personalidad musical, desnudando por comple-
que se volviera un cliché grabar éxitos pop en serias ver- to las canciones que había escrito a lo largo de 30 años y
siones acústicas, y se acercó un tanto a uno de sus ídolos, agrupándolas todas bajo el mismo techo. “Quería hacer un
Paul McCartney, grabando una canción para la saga de Ja- disco de material original que encajara en el espíritu de ese
mes Bond (‘You Know My Name’). Con el tiempo, el barítono tour. Esa era la dirección. Me recuerda un poco a Temple of
admitiría cierto desenfoque en esta época, pero “Carry On”, the Dog, a “Euphoria Morning” y a las canciones que escri-
pese a sus devaneos, lo retrata en un momento muy positi- bía solo a comienzos de los noventa (...) Esta es la primera
vo de su vida. En sus palabras: “Lo pasé muy bien haciendo vez en que puedo salirme de mí mismo y decir ‘creo que sé
el disco, y cuando lo terminé, todavía me sentía completa- cómo debe sonar este tipo y acá hay una canción para él’. Ya
mente fresco. Estaba listo para hacer otro de inmediato”. no me considero alguien que puede hacer cualquier cosa”.
De aliento acústico, “Higher Truth” fue un tapaboca para los
Martes 10 de marzo de que pensaban que, después de “Scream” y de retornar con
2009. Vilipendiado has- Soundgarden, Chris Cornell había perdido el rumbo o se ha-
ta la saciedad, “Scream” bía quedado sin ideas en su carrera individual. Se trataba
cruzó el camino de Chris de su obra más consistente desde “Euphoria Morning”, así
Cornell con el de Timba- como también de otro agravante de su dolorosa muerte. To-
land, uno de los más ge- davía le quedaba mucho para dar.
niales artesanos del R&B,
asociado a nombres gi-
gantescos del pop como
Madonna o Rihanna. El
resultado fue un disco in-
comprendido, la manzana
de la discordia de su catálogo, alienante para muchos fans,
pese a que “Revelations” de Audioslave delataba inclinacio-
nes negroides, también presentes, aunque a cuentagotas, en
“Euphoria Morning” y “Carry On”. Lo cierto es que, con el
tiempo, “Scream” ha revelado sus bondades. Pese a vender
poco, tuvo un impacto duradero en ámbitos musicales di-
símiles. J-Roc, uno de los asesores de Timbaland en la fac-
tura del álbum, asegura que fue el paso necesario antes de
lanzarse a hacer “The 20/20 Experience” con Justin Timber-
lake, uno de los discos más aplaudidos del mainstream en la
última década, directamente hermanado con los conceptos

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C
uando en enero recién pasado, Audioslave se compañeros, comunicó de un día para otro -a través de un
reunió para un set de tan solo tres canciones comunicado- que dejaba el proyecto debido a diferencias
para protestar en el Anti-Inaugural Ball por la insalvables, tanto personales como musicales.
llegada del electo presidente Donald Trump, “Decidimos hacer Audioslave bajo la premisa de que sería
habían pasado 11 años desde la última vez algo entretenido y armonioso para todos, y apenas dejó de
que Chris Cornell, Tom Morello, Tim Commerford y Brad serlo, no quise seguir”, comentó en la ocasión a Entertainment
Wilk compartieron escenario juntos. Por supuesto, los tres Weekly.
miembros de la coraza rítmica de Rage Against The Machine
jamás hubiesen imaginado que aquella sería la última vez
que volverían a tocar junto al ex Soundgarden. SUPERCONOCIDOS
La primera vez que Audioslave se disolvió fue algo abrupta,
y ocurrió cuando la superbanda aún ni siquiera realizaba Cuando Zach de la Rocha dejó Rage Against The Machine a
su primera presentación, todo por desavenencias entre los fines de 2000, la banda comenzó a buscar un reemplazante,
managers de sus respectivos miembros. La segunda vez barajando incluso sumar al mismísimo B Real de Cypress
que los caminos de los músicos se bifurcaron, también fue Hill, con quien hoy están aliados en Prophets Of Rage. Sin
sorpresiva. El mismo Chris, tras meses sin hablar con sus embargo, fue el productor Rick Rubin el responsable de

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juntar los fragmentos de Soundgarden y RATM, al sugerir (Soundgarden, Pearl Jam, Wallflowers, Michael Penn),
a Cornell como vocalista. Desde el primer momento, Tom incorporó llamativas influencias de funk y R&B. A pesar de
Morello supo que la mezcla sería impactante, y renovaría el las buenas críticas, ésta, su placa más diversa y estrambótica,
sonido de la banda: “Cuando tomó el micrófono y cantó, no terminó siendo un fracaso comercial. Poco después, rumores
podía creerlo. No solo sonaba bien, sonaba grandioso”. de ruptura comenzaron a circular y Cornell en persona
El primer single, ‘Cochise’, vio la luz en septiembre de 2002, desmintió cada uno de ellos, sin dejar de hacer hincapié en
tres meses antes de la salida del debut homónimo, el cual sus intenciones de retomar su carrera solista.
llegaría al puesto número 7 de Billboard, y se convertiría Cuando la agrupación optó finalmente por no salir de
en disco de oro a tan solo un mes después de haber sido gira promocional, y poco después de que Rage Against
editado. Para la navidad de aquel mismo año, la superbanda The Machine confirmara su reunión para la versión 2007
dio su primer concierto pagado, en la primera noche de del Coachella Valley Music And Arts Festival, Cornell
KROQ Almost Acoustic Christmas, donde Cornell dijo de decidió dar un paso al costado, y alejarse definitivamente.
forma emotiva al público presente que su vida había sido Su hermano comentó posteriormente que, aparte de las
completamente salvada por sus nuevos compañeros de diferencias musicales y personales aludidas por el cantante
banda. Posteriormente, se supo que durante la construcción y letrista, el ex Soundgarden no estaba conforme con la
del disco, el vocalista atravesó una fase oscura, que lo llevó distribución de los ingresos en lo que a derechos de autor
al término de su matrimonio y a internarse en una clínica de correspondía.
rehabilitación durante dos meses. Conversando con Classic Rock por entonces, Chris amplió
Tras haber sido elegidos como el mejor acto de Lollapalooza aún más los detalles: “Hay tres tipos de una banda previa,
2003 por los lectores de Metal Edge, y luego de haber sido que han estado juntos por años y años y que tienen una
nominados a Mejor Álbum Rock por “Audioslave” y a Mejor forma particular de hacer las cosas y de trabajar, y estoy yo,
Interpretación Rock por ‘Like A Stone’ en la entrega número que soy un outsider. Soy bueno valiéndome por mí mismo, y
46 de los Grammy, la banda empezó a dar forma a “Out Of por lo que tengo en mente. Ellos tienen una forma de operar
Exile”, su segunda placa, la cual continuaría en la exitosa y de tomar decisiones, la cual no es igual a la mía, y yo tendía
senda de su predecesor. a no estar de acuerdo, quedando como el raro. Como digo,
De forma previa a la salida oficial del disco, editado no es culpa de nadie. Es una situación que ya estaba ahí”.
finalmente en mayo de 2005, la banda estuvo de gira Una década después de los incidentes, sería el turno de la
incesantemente, marcando un hito al convertirse la primera tercera separación de Audioslave, la más estremecedora de
banda estadounidense en tocar en Cuba, donde dieron un todas. Tras la breve reunión del 20 de enero pasado, Tom
show gratuito para más de 50.000 personas. Para entonces, Morello y Chris Cornell se mostraron abiertos a algo más
ya habían comenzado a incluir versiones del catálogo elaborado. “La pasamos bien después del show, nos reímos,
combinado de ambos proyectos, como ‘Black Hole Sun’ y nos sacamos algunas fotos. Lo último que él me dijo, fue ‘lo
‘Bulls On Parade’ dentro de su repertorio. En octubre del pasé muy bien, me encantaría hacer esto otra vez, dime no
mismo año, un registro audiovisual de la actuación sería más’”, contó el guitarrista a Rolling Stone.
lanzado en formato DVD bajo el nombre “Live In Cuba”. Respecto a la muerte de su ex compañero, a fines de mayo
pasado, Tom aún se negaba a aceptar los hechos. “Aún
espero que esto sea un error. Aún espero una llamada o un
NADA MÁS QUE DECIR EXCEPTO ADIÓS mensaje de texto de él, diciéndome ‘estoy bien, fue un susto.
Lo siento, todo va a estar bien’”.
El tercer disco, “Revelations”, traería consigo un desvío de la Esta vez, citando una de las canciones finales del último
particular mezcla de hard rock y sonido alternativo elaborada álbum que los dos hicieron juntos, no hay nada más que
hasta ahora por el cuarteto. Producido por Brendan O’Brien decir, excepto adiós.

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A
ntes de Nirvana, en Seattle hubo una banda lla- De aquel influjo nacieron unas baladas melancólicas que
mada Mother Love Bone liderada por Andrew son la marca registrada de Temple of the Dog: ‘Say Hello 2
Wood. Dueño de una excepcional voz y con una Heaven’, ‘Call me a Dog’, ‘Times of Trouble’, ‘Wooden Jesus’,
glamorosa presencia, su juventud amenazaba ‘All Night Thing’. Algunas de clara de naturaleza acústica y
con llevarse el rock por delante. Una promesa con el color de Mother Love Bone, gracias a sus arreglos en
de la primavera glam, pero que se transformó en el cataliza- piano a cargo del productor Rick Parashar. Y otras con vo-
dor del rock sombrío y rabioso que estaba germinando en cación más rockera, como ‘Reach Down’ que despliega
la ciudad, y del que poco tenía que ver: el grunge. una psicodelia a lo Hendrix, o ‘Your Saviour’ de
Sin embargo, sus vínculos son inequívocos. fiel linaje grunge. Acá empieza la leyenda de
En la banda había dos integrantes de otro uno de los grandes guitarristas de los 90:
embrión alternativo: Jeff Ament y Stone Mike McCready. Y también está ‘Hun-
Gossard, que venían de Green River ger Strike’, la canción más profunda
(y que luego fundarían Pearl Jam). Y de aquel disco, que fue el single
por otro lado, Wood vivió un tiem- promocional y tuvo un videoclip
po con Chris Cornell, entonces que rotó en MTV. En él, aparece
cantante de Soundgarden. Tras un joven Vedder, el surfista de
una fugaz notoriedad en 1989 San Diego devenido en front-
gracias al single ‘Chloe Dan- man desalentado con camisa
cer/Crown of Thorns’, el sue- leñadora, saliendo del ano-
ño de un futuro promisorio se nimato en medio de unos
desmoronó con la muerte del pastizales. Fue la primera vez
blondo cantante producto de que Vedder visitó un estudio
una sobredosis de heroína en de grabación, a petición de
marzo de 1990, unos meses an- Cornell, que había escuchado
tes del lanzamiento de su disco la cinta con la cual audicionó
debut “Apple”. Tenía 24 años. para formar parte del proyecto
Sus compañeros decidieron en- “Mookie Blaylock”. El inicio de
tonces rendirle tributo en clave otro mito del grunge.
musical, y al poco tiempo forman “Queremos contarles que por pri-
Temple of the Dog, un grupo cuyos mera vamos a hacer un tour con
miembros procedían de dos de las Temple of the Dog. Haremos lo que
bandas de rock más exitosas de la gene- nunca hicimos: salir a la ruta, dar shows
ración. Sin embargo, dicha sentencia es algo largos y ver cómo se siente ser de nuevo esa
errónea: para 1990, el grupo donde militaba Cor- banda que se formó en honor a la memoria de
nell –y el baterista Matt Cameron- seguía siendo del under- nuestro amigo”, avisó Cornell en el Bridge School Benefit
ground, por lo que eran virtualmente desconocidos; y por Concert en 2014. Dos años después, la reunión se concreta-
otro lado, Pearl Jam aún no existía. Pero esa poca visibilidad ba con todos los miembros originales, a la par de la edición
no importaba. Entre los cinco sacaron a flote un trabajo fun- aniversario 25 de este inmortal álbum. Viejas canciones re-
dacional, con Cornell como principal compositor y letrista, vivían en vivo, pero los planes del destino eran otros. De
encarando el luto de su amigo en este proyecto. otra forma –igual o más significante- la muerte se tomó por
Con la banda en el estudio se pulieron las melodías que to- asalto, una vez más, un disco que parece no querer renacer
maban el desenfreno del punk (heredado de Green River) desde el escenario.
y los de impronta hard rock. La nueva sonoridad debía ser Wood podría haberse quedado en el recuerdo de un puña-
más melódica, a tono con letras intimistas que recreaban el do de fans, pero con el testimonio de Temple of the Dog,
vínculo fraternal de Cornell con Wood. El resultado fue una su figura se ha revalorizado en el tiempo. La tristeza por su
expresión del grunge sorprendentemente innovadora para muerte –y la pérdida de inocencia, como relatara el propio
la época. En sus canciones se escuchan las influencias del Cornell- se convirtió en una incalculable fuente de inspi-
blues rock zeppeliano y las armonías pop de The Beatles. ración compositiva que devino es un único disco - lanzado
Esta sonoridad terminó explotando en diversas variantes, tan solo unos meses antes de la explosión grunge con la pu-
tanto en este trabajo como en los registros posteriores de blicación de “Nevermind”- que con el correr de los años, ha
Soundgarden y en la musicalidad que adaptaría Pearl Jam. Y alcanzado el status de culto. Y no solo por las figuras invo-
a pesar que fue uno de los grandes discos de 1991, no desper- lucradas, sino por la calidad artística de un puñado de can-
tó interés de la crítica a pesar de haber sido un buen ejem- ciones desgarradas, que además de rendir tributo al amigo
plo de cómo la escena de Seattle podía superar sus propios perdido, sentaron las bases de un movimiento musical que
límites. revitalizó al mundo del rock hace ya casi treinta años.

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FOTO: JUAN PABLO QUIROZ
L
unes 10 de diciembre de 2007, Espacio Riesco. tival Maquinaria. El contexto no le fue muy favorable; la
Era el debut de Chris Cornell en Chile, en el mar- presentación necesitaba de la intimidad que un festival
co de promoción de su segundo álbum solista, masivo no entrega. Aún así, en condiciones desfavorables,
“Carry On” (2007). Tras las presentaciones de el hombre de Seattle se la jugó con versiones de su catálogo
Phoenix y The Dandy Warhols, tibiamente reci- y también de algunos de sus artistas favoritos, como The
bidos por el público, Cornell realizó un show maratónico, Beatles y Led Zeppelin.
de inesperadas tres horas, en las que recorrió canciones de
toda su trayectoria, desde Soundgarden a Audioslave –que Domingo 30 de marzo de 2014, Parque O’Higgins. La pri-
se había disuelto nueve meses antes de este concierto- a mera y única vez de Soundgarden en Chile, en el festival
canciones en solitario y covers acústicos de Led Zeppelin Lollapalooza, fue un sueño cumplido para muchos. Un set-
y Michael Jackson. Además de la apasionada respuesta del list cargado a la celebración de los veinte años de “Supe-
público, el concierto pasaría al recuerdo por el ambiente ca- runknown” que incluyó los éxitos fundamentales (‘Black
luroso: el encierro de más de ocho mil personas encerradas Hole Sun’, ‘Spoonman’, ‘Jesus Christ Pose’, ‘Blow Up the
en un recinto que casi se convirtió en un sauna, provocó Outside World’) pero también fue generoso en elecciones
que el mismo Cornell se sacara la polera, tal como su banda menos obvias (‘Searching with my Good Eye Closed’, ‘Be-
de apoyo y varios cientos más. Cornell diría bajándose del yond the Wheel’, ‘Flower’), permitió apreciar los atributos
escenario a Emol: “Es fantástico poder tocar casi tres horas de cada uno de los intérpretes sobre el escenario. Cornell,
y tener a la audiencia cantando en cada tema, contigo en además de sus cualidades como frontman, supo demostrar
cada momento. Poder hacer canciones tan agresivas como cómo mantener mantiene un registro sorprendentemente
‘Jesus Christ pose’ y luego temas con una guitarra acústica, amplio. La noche fue una celebración para los fans y quedó
y que la audiencia lo escuche todo. Aunque hay 10 mil per- calificado como el mejor show del festival de Perry Farrell
sonas, todavía se siente íntimo. Es el mejor tipo de show”. de ese año.

Miércoles 25 de marzo de 2009, Arena Santiago. El segun- Lunes 28 de noviembre de 2016, Teatro Municipal. La últi-
do concierto del ex Soundgarden a Chile estuvo enmarcado ma visita de Chris Cornell fue la más íntima y cercana del
en el Pepsi Fest, un evento que aún es recordado como “la músico en Santiago. También, la más reveladora de su ca-
semana de ensueño”, en la que se presentaron Peter Gabriel, rácter artístico. Cómodo solo con su guitarra y su voz, man-
Sonic Youth, Blondie y Kiss, entre otros. La presentación de tuvo una velada en la que conversaba entre canciones y ex-
Chris Cornell estuvo precedida por la experimentación de plicaba la gestación de algunos de los temas que interpretó,
Mike Patton junto a Zu, y fue otra noche en que los fanáti- como ‘One’, la mezcla de los tracks homónimos de U2 y Me-
cos lo entregaron todo. Pese a que la recepción fue más bien tallica. Como siempre, su registro vocal fue extraordinario
tibia frente a los cortes de su último álbum, “Scream”, el pú- en toda la selección de canciones, desde su trabajo “Higher
blico respondió fervorosamente a la densidad de Sound- Truth”, hasta las versiones de ‘Nothing Compares 2 U’, de
garden, la electricidad de Audioslave y la intimidad de sus Prince, ‘Thank You’ de Led Zeppelin, ‘Billie Jean’ de Mi-
versiones acústicas. Tampoco se quería bajar del escenario: chael Jackson y ‘The Times They Are A-Changin’, un cover
esa noche cantó dos temas más que en su debut, 32 en total. del cover de Johnny Cash de ‘Rusty Cage’ de Soundgarden
Posteriormente, Chris Cornell, en entrevista para Rockaxis, y una maravillosa interpretación de ‘When I’m Down’, de su
lo recordaría como uno de los conciertos favoritos de su trabajo “Euphoria Morning”, que contó con la base del pia-
vida. no de Natasha Shneider. La emotividad se mantuvo a flor
de piel. Cornell tomó su variado catálogo hacia territorios
Sábado 12 de noviembre de 2011, Club Hípico. Junto a lúdicos e incluso despojó el carácter solemne del recinto.
Alain Johannes en ‘Wooden Jesus’ y ‘Hunger Strike’, Chris Todo eso sin artificios, solo con su extraordinaria voz y su
Cornell realizó un show acústico dentro del marco del fes- guitarra. Al desnudo.

59
62
R
eunidos hace tres años, los ingleses Ride
están de vuelta en el ruedo creativo. “Wea-
ther Diaries” es su primer disco desde 1996,
cuando se despidieron sin pena ni gloria con
“Tarantula”, prácticamente una bitácora de
sus fracturas internas y de sus dispares intereses. A partir
del reencuentro, las cosas han sido distintas, cuenta Mark
Gardener desde su estudio en Oxford. “Regresamos con
bombos y platillos, dimos grandes shows y todo salió per-
fecto, nos sentimos muy bien y fue como continuar lo que
estábamos haciendo antes de empezar a tener conflictos y
separarnos. También fue un gran alivio porque, después de
la larga pausa que tuvimos, no sabíamos cómo iba a fun-
cionar la banda, si es que funcionaba (se ríe)”. Sin tapujos,
el cantante confiesa que, en su fuero interno, temió que se
reavivaran viejas rencillas: “Antes de reunirnos, cada uno
estaba haciendo lo suyo por su propio lado, así que es inne-
gable que había algo de miedo en el grupo, un temor a que
las cosas entre nosotros fuesen difíciles o, peor aún, raras.
Por suerte, todos estábamos en sintonía y felices de volver
a estar juntos, así que sacar un disco nuevo nos pareció de
lo más natural”.
Con un tono que recuerda el paso de los integrantes de
Ride por escuelas de arte, Gardener enfatiza la importan-
cia de estrenar material: “Aunque para nosotros es agrada-
ble tocar las viejas canciones, y todavía se siente increíble
cuando lo hacemos, creo que cualquier cosa de valor artís-
tico debe tener cierto grado de frescura. La música no sólo
se mide por el significado que tiene para ciertas generacio-
nes, también se mide por la forma en que se para en el aquí
y el ahora. Como banda, pese a que agradecemos profun-
damente el cariño por nuestros clásicos, queremos sentir
que estamos avanzando, no quedarnos estancados era una
verdadera necesidad vital”. Desde el otro lado del teléfono
se nota el entusiasmo en el flamante álbum: “Entiendo que
la nostalgia es poderosa y que la gente ama el legado de
Ride. Eso es algo muy importante que nunca vamos a des-
conocer, siempre vamos a querer estar a la altura de lo que
hicimos en los noventa. Pero también necesitábamos moti-
varnos con algo que no fuese el pasado, y justo llegamos a
un punto del reencuentro en el que sentimos que podíamos
hacer música igual o mejor a la de antes. “Weather Diaries”
existe porque tenemos esa convicción”.
Sobre la nostalgia, el vocalista tiene un punto de vista mar-
cado por sus propias vivencias: “Realmente es poderosa,
es como una fuerza física, puedes sentir cómo impacta
tu cuerpo y te cambia. Mi relación con ella no siempre ha
sido fácil, he querido enfrentarla incluso, pero hay que en-
contrar un balance, abrazarla en cierta medida. El otro ex-
tremo, que es vivir en la nostalgia, tampoco es bueno, no
es sano. Lo que yo trato de hacer es aceptar todo lo que
me ha pasado, todo lo que he hecho, respetarlo. A partir
de ahí, busco expandirme hasta llegar a cosas nuevas, por-
que siempre hay que ir adelante. Yo he sentido ataques de
nostalgia muy fuertes, así que entiendo a los que piensan

63
que el pasado fue mejor que el futuro, pero no hay que en- ción de la interna del grupo: “Refleja que nos motiva músi-
candilarse con esas ideas, es necesario estar en el presente. ca que entre sí es muy diferente. Si me preguntas qué ando
Tuve que hacer las paces con mi pasado, aceptar lo bueno escuchando, te diría que principalmente Boards of Canada
y lo malo, de hecho, me fui a India para lograrlo y saqué un y Bonobo. Otros en la banda escuchan bandas de guitarras,
disco solista (“These Beautiful Ghosts”) que hablaba sobre que a mí también me gustan, y cosas más indie y electro.
esos fantasmas que todas las personas tenemos”. “Weather Diaries” es lo que pasa cuando cada miembro del
grupo escucha algo distinto. Así sale. Queríamos hacer lo
correcto para cada canción y que cada canción tuviese su
Haz lo correcto propio color. Que tuviese más de un solo sonido, para ha-
cerlo interesante”. Fundamental en la misión fue Erol Alkan,
Como insinúan las imágenes políticas usadas en el video icónico DJ y productor ligado al house: “Tenerlo fue grandio-
del single ‘Charm Assault’, dirigido por Anton Newcombe de so. Llegamos con las canciones y se preocupó de sacarles el
The Brian Jonestown Massacre, el regreso disco- mejor partido posible. En cuanto a los detalles,
gráfico de Ride dialoga con lo que está pa- llevó el disco a otro nivel”.
sando en el mundo. Según Gardener, La variedad dentro de “Weather Dia-
había que responder a la situación: ries” habla de lo aprendido mien-
“Todo está muy convulsionado tras Ride no existía: “Éramos
en este momento y es mara- una unidad bastante cerrada,
villoso tener en la banda un así que recién cuando se
espacio para escaparse, acabó el grupo empezamos
para abstraerse y pensar a compartir más con otra
sobre la locura en la que gente, nos abrimos a otra
vivimos”. En lo perso- música”. Aunque Bell,
nal, admite sentir una como bajista de Oasis,
desconexión entre lo tuvo la carrera más vi-
que ha experimentado sible tras la disolución
en su vida y lo que ve del grupo, Gardener
cuando lee las noticias: también se mantuvo ac-
“Mucho ha cambiado tivo. Formó The Animal-
a nivel personal. Tengo house, una banda con el
47 años, una hija peque- batero de Ride, “Loz” Col-
ña, mis papás ya no están, bert y el productor de Su-
he perdido amigos. Supongo pergrass, Sam Williams. Lue-
que puedo decir que estoy más go publicó un registro en vivo,
resuelto, probablemente menos así como un disco junto a Robin
desconcertado ante los altos y bajos Guthrie de los Cocteau Twins, y grabó
del camino. Pero, a nivel mundial, la ma- con variopintos colegas, desde miembros
yor locura es que las cosas en el fondo no han de Mercury Rev hasta el cantante español Mikel
cambiado tanto. Políticamente, todo sigue estando bastante Erentxun (“tengo un disco de oro en la pared por esa cola-
mal”. Eso sí, el cantante advierte que a la banda no le inte- boración”, dice). Sólo publicó un álbum solista de estudio,
resa pontificar: “Ninguno de nosotros tiene las respuestas. “These Beautiful Ghosts”, pero fue suficiente impulso como
La verdad es que tenemos más preguntas que nada porque para traerlo hace una década a Santiago, donde tocó en el
siempre son más las dudas que las certezas. Sí estoy seguro Galpón Víctor Jara y quedó cautivado con Perrosky en el
de que somos algo pequeño en el mundo, tan pocas cosas Club Mist. En el corto plazo, quiere volver: “Tuve cierta no-
están realmente bajo nuestro control. Muchos de nosotros ción de la importancia del shoegaze en Chile cuando estuve
vivimos en circunstancias que no elegimos, sea el Brexit o de visita. Lo seguían y significaba mucho para un grupo de
Donald Trump, circunstancias que nos molestan y que in- personas. A ellos les digo que Ride estará allá, estoy seguro”.
cluso afectan directamente nuestras vidas”. Al escuchar que la banda hizo escuela en nuestro país, ofre-
Al contrario de lo que pasó en “Tarantula”, ahora Ride usa ce una visión afectuosa: “Que nuestra música se esparza por
las discrepancias a su favor, sintetizando las diversas incli- el mundo es maravilloso, especialmente porque noto lo que
naciones de sus integrantes y haciendo de “Weather Dia- nos une como personas más que lo que nos separa. También
ries” un disco sumamente ecléctico. Desde luego, hay un es muy interesante porque así te das cuenta de que la mú-
fuerte componente shoegaze cortesía del guitarrista Andy sica no es como la religión o la política, no tiene límites ni
Bell, pero ‘All I Want’ es electrónica, ‘Lateral Alice’ es lo-fi fronteras, no va por el mundo causando problemas o divi-
y el tema titular es psicodélico. Se trata de una representa- diendo a la gente, al contrario. Eso hace que la ame”.

64
66
La primera vez que el pop le ganó la par-
tida al rock fue recurriendo a una fórmula
de chicos lindos ideada en Filadelfia por
un cazatalentos de origen italiano, que
reclutaba jóvenes descendientes de la tie-
rra de sus antepasados. Si sabían cantar o
no, daba lo mismo.

E
L PANORAMA ERA DE- presión “brutal, fea, degenerada y vi-
SOLADOR PARA EL ROCK ciosa”.
A COMIENZOS DE LOS
60. Una maldición parecía ALGUNAS ESTRELLAS DEL POP
asolar al género. Elvis Presley estaba DE AQUEL TIEMPO COMO PAT
fuera de combate cumpliendo el ser- BOONE (el mismo que versionó en
vicio militar. Chuck Berry pasaba una clave crooner ‘Crazy Train’ de Ozzy
temporada tras las rejas por cargos de Osbourne), vieron la posibilidad de
prostitución que involucraban a una adaptar los éxitos más sonados como
chica menor de edad. Buddy Holly, ‘Tutti Frutti’ de Little Richard a su es-
el más sofisticado de los pioneros del tilo almibarado. Su movida indicó un
género, había muerto a los 22 años en camino en el negocio musical. Ese po-
un accidente aéreo. Después de siete tro salvaje que parecía el rock & roll
éxitos en el top 40 Little Richard ha- en sus comienzos, se podía dominar y
bía renunciado a los escenarios tras empacar de una manera más inofen-
una gira por Australia, alegando una siva que agradara a los padres. Uno de
serie de visiones apocalípticas que los primeros en darse cuenta de esa
le convirtieron en predicador. Jerry posibilidad comercial fue Bob Mar-
Lee Lewis cayó en el descrédito por cucci, un cazatalentos, compositor y
casarse con su prima adolescente, y empresario artístico dueño de Chan-
Carl Perkins -autor del clásico ‘Blue cellor records en Filadelfia. Marcucci
Suede Shoes’- padecía las secuelas de se dedicó a fabricar ídolos adolescen-
un grave accidente carretero. El esta- tes pensados como una línea de pro-
blishment había iniciado una cruzada ductos. Cuando uno dejaba de rendir
acusando al rock de inducir a la delin- de inmediato lanzaba un reemplazo.
cuencia y el vandalismo juvenil, junto Sus protegidos y otros artistas simi-
con “rebajar” al hombre blanco al ni- lares fueron conocidos como “Pretty
vel del hombre negro dadas las refe- faces”. El primer hallazgo fue Frankie
rencias sexuales evidentes tanto en Avalon, cuyo apellido verdadero era
las letras como los movimientos pro- el italianísimo Avallone. Frankie era
vocados por aquel ritmo. Por primera un prodigio infantil de la trompeta y
vez un tipo de música popular enfren- había aparecido en televisión a los 13
taba a padres e hijos. Algunas cadenas años. Luego se unió a la banda Rocco
de emisoras comenzaron a destruir & The Saints. Fue ahí que conoció a
vinilos de rock & roll bajo acusaciones Marcucci. Frankie sugirió al cantante
de “música distorsionada, monótona de su conjunto, Andy Martin -rubio
y ruidosa”. El mismísimo Frank Sina- y de ojos azules-, pero cuando Mar-
tra, el primer astro del pop que había cucci fue a verlos en vivo no le impre-
provocado delirio juvenil en los años sionó en lo más mínimo el vocalista,
30 y 40, había declarado que el rock sino Avalon cuando cantó un par de
& roll escrito por “cretinos” promovía temas. Cerrado el contrato, Frankie se
reacciones “negativas y destructivas lanzó en 1957 como solista hasta que
en los jóvenes”, por culpa de una ex- dos años después alcanzó en núme-
67
popular programa de televisión de Dick Clark donde se li-
mitó a mover los labios, todo sostenido en una campaña
publicitaria montada por Marcucci con afiches donde pre-
guntaba ¿Quién es Fabian? Las adolescentes se volvieron
locas. Los compositores Mort Shuman y Doc Pomus, que
habían trabajado para Elvis, escribieron ‘I’m a Man’ para
Fabian y otros singles hasta llegar a Tiger, su mayor hit,
número 3 en las listas estadounidenses. Cuando el escán-
dalo de la payola, los pagos bajo cuerda en el negocio de la
música, se hizo público, Fabian reveló ante un jurado que
su voz era alterada en los estudios. Cumplida la mayoría
de edad compró su contrato a Marcucci en 65 mil dólares.
No soportaba al tipo ni tampoco le gustaba lo que hacía.
“Me sentía incómodo (...) Sólo tenía un objetivo, no era la
fama sino el dinero para mis padres. Pensé que todo era
una mierda”.

HUBO OTROS ÍDOLOS ADOLESCENTES DE ORIGEN


ITALIANO COMO Bobby Rydell (Robert Louis Ridarelli)
y Dion DiMucci. Este último fue el más consistente pri-
mero junto a The Belmonts, un grupo vocal neoyorquino
de la Little Italy, para luego expandirse hacia el folk y ser
citado como influencia por Bob Dylan, Bruce Springsteen
y Paul Simon. Dion tenía además otros detalles biográficos
que le fueron alejando del prototipo del ídolo juvenil. Era
adicto a la heroína desde temprana edad y se había librado
de la muerte al no abordar el avión en que Buddy Holly
ro uno con el clásico del pop adolescente Venus. Cuando perdió la vida.
Frankie cumplió 20, Marcucci decidió que debía orientar Bob Marcucci, fallecido en 2011, nunca más tuvo otras es-
su imagen y canciones a un público más adulto. Por lo de- trellas como Frankie Avalon y Fabian. En 1980 la película
más, ya tenía listo el relevo de su primer pupilo. “The Idolmaker” sobre un cazatalentos que moldea cantan-
tes de teen pop según sus intereses, se basó en su historia.
EL EMPRESARIO VENÍA LLEGANDO A SU VECINDA- Avalon se lo tomó con calma, no así Fabian que demandó
RIO CUANDO VIO UN ALBOROTO Y UNA AMBULAN- a los estudios. “Viendo la película me di cuenta de cosas
CIA. Un policía de origen italiano del barrio era víctima que no debería haber hecho”, contó el empresario artísti-
de un ataque al corazón. En medio del barullo reparó en co a The Washington Post. “Nunca pienso en mi usando a
el hijo de 14 años del uniformado, un chico de pelo claro Frankie y Fabian para salir adelante. Pero supongo que sí
cortado a cepillo que parecía rostro de un anuncio publici- nos usamos ¿verdad?”.
tario. Marcucci merodeó un rato y luego lo abordó dicien-
do que si le interesaba una carrera en el mundo del rock
& roll, lo llamara. Corría 1957 y Fabian Forte, preocupado
de su padre mientras leía la tarjeta de presentación de Bob
Marcucci, espetó que le dejara tranquilo. Hasta ese mo-
mento, Fabian solo pensaba en estudiar ingeniería. Cuan-
do su viejo volvió al hogar no podía trabajar, y su sueldo
se vio reducido. Marcucci, que seguía rondando, recogió
el anzuelo. Firmaron con la resistencia de la madre y la
aprobación del padre con la condición de no abandonar
los estudios. La primera orden fue que se dejara crecer el
pelo. De ahí, a la sala de grabación. “No sabía lo que esta-
ba haciendo, pero sabía mi objetivo, tratar de hacer dine-
ro extra (...) Ensayé y ensayé y realmente me sentía como
un pez fuera del agua. Hicimos un disco, y fue horrible”.
Efectivamente Fabian cantaba mal pero su apariencia le
llevó a debutar rápidamente en American Bandstand, el

68
El trío británico acaba de lanzar el disco “Relaxer”,
que los encuentra indagando en el vínculo con
el Internet y en la propia no aceptación de que
ellos son unos ñoños de la tecnología. Gus Unger
Hamilton, cuenta sobre el proceso de desarrollo
de este trabajo.

70
¿ Cuál fue la disposición que tuvieron para
este álbum? Porque comparado con los an-
teriores, éste tiene muchos sonidos diferen-
tes, tiene mucha variedad, ¿fue esa la meta
que tuvieron al trabajar en éste álbum?
Gus Unger Hamilton: Sabes, no tuvimos ningún objetivo
específico en realidad. Creo que disfrutamos el tener la
me había dado cuenta de que nuestro productor nos es-
taba grabando, yo pensé que solo estábamos improvisan-
do. Yo decía “¡repitámoslo, repitámoslo”, y terminamos
incluyendo eso en la canción porque sentimos que tenía
mucha energía. Joe escribió la letra muy rápido, de un
día para otro, con un tono chistoso, solo por diversión.
Él sabía que la canción sería divertida, un poco irrespe-
oportunidad de tocar, escribir y grabar juntos en el es- tuosa y un poco absurda. Simplemente nos estábamos
tudio. Trabajamos canción por canción. Comenzamos divirtiendo y creo que se transmite en la grabación.
en agosto hasta que tuvimos una cantidad suficiente de
canciones. Y, más allá de hacer un álbum que nos gus- -También hicieron una versión de “House Of The Ri-
tara y que encontráramos interesante, y más allá de que sing Sun” de The Animals. ¿Por qué quisieron hacer-
disfrutáramos el proceso de escribir y grabar, no había lo?
ningún objetivo en específico. -Era algo que Joe había querido hacer por mucho tiempo
y creo que sentimos que ahora en nuestro tercer álbum
-En este álbum cada canción es muy diferente de la teníamos la madurez para tocar una canción tan cono-
otra, ¿fue a propósito que intentarán que cada canción cida como “House Of The Rising Sun”. No podíamos
sonara de manera independiente? hacerlo en el primer o el segundo álbum, creo que aho-
-Sí, creo. Siempre queremos que nuestra música sea, no ra era el momento correcto para hacerlo, y también es
sé si más compleja, pero queremos que el álbum ofrezca casi como un momento para mirar hacia atrás y pensar
una variedad de sonidos, una variedad de experiencias dónde estamos como banda, si encajamos como música
a las personas, así que creo que es genial que el álbum rock o música folk.
tenga ocho canciones muy diferentes e independientes
entre sí. -Han estado haciendo una campaña publicitaria muy
interesante con éste álbum, están trabajando princi-
-La canción “3ww” suena muy íntima y el video la palmente con medios digitales. ¿Tienen una afinidad
acompaña muy bien. ¿Cómo fue el proceso de escribir en particular con éste tipo de medios, como la anima-
esa canción? ción o el código binario, que fue el formato que usaron
-Al principio Joe había escrito partes de la canción y ha- para mostrar un poco de su canción “3ww”, y por su-
bía dicho que quería enviársela a Willie Nelson para ver puesto las imágenes intermitentes de sus videos?
si la quería usar. No sé cuán en serio lo dijo, quizá estaba -Sí, sentimos que estamos atados a la era del internet,
bromeando. Después encontró que le gustaba mucho y así que en ese sentido sí. Es como una alusión a eso, es
nos mostró la canción a mí y a Thom. Yo le agregué el un reconocimiento a cómo nos ven en la escena musical.
primer verso y reescribí algunas partes, luego Thom y Nos ven como una banda de nerds, y en realidad no lo
Joe grabaron el comienzo con el shaker y la guitarra. Así somos. Yo en lo personal no sé mucho sobre computa-
que fueron distintas colaboraciones. Todos colaboraron dores, pero pareciera que siempre nos nombran con esas
de diferentes maneras en la canción. Yo diría que es la palabras: cerebritos, nerds y nosotros pensamos, “bien,
canción en dónde más hemos trabajado así, es genial. nos dicen nerds, seamos nerds” (risas).

-¿Y cómo se les ocurrió el concepto para el video y -En sus comienzos trabajaban con la aplicación Gara-
dónde lo grabaron? ge Band, ¿la usan todavía para escribir música?
El concepto fue de Young Replicant, el director del vi- -No usamos Garage Band, pero todavía hacemos graba-
deo, y fue grabado en México. ciones a la rápida. Ahora usamos mucho el grabador de
voz del iPhone, hacemos demos simples. Es importante
-La canción “Hit Me Like That Snare” rompe con lo para nosotros hacer esas pequeñas grabaciones.
que viene antes y después, justo a la mitad del disco.
-Exactamente. Es como un momento para reiniciar. -¿Qué recuerdas de la presentación que hicieron en
Santiago, en la gira por Sudamérica en el festival Lo-
-Es una canción más alegre y más divertida, ¿ cómo llapalooza?
fue para ti trabajar en ella? -Fue muy genial. Cuando estuvimos en Santiago cono-
-La canción se escribió bastante rápido. Salió de los tres cimos a Kings of Leon, y para mí fue emocionante. El
tocando juntos, rápidamente apareció la idea y comen- público estuvo increíble, nunca habíamos tenido una
zamos a grabarla. Terminamos usando mucho de esa recepción como la que tuvimos cuando fuimos a Suda-
improvisación en la canción. Si la escuchas en el álbum, mérica. Fue impresionante. Espero que podamos volver
puedes oír mi voz diciendo “1,2…” como dirigiendo, no el próximo año.

71
72
E
l ascenso de Royal Blood fue ver- tancias, Royal Blood atrae a sus colegas gra-
tiginoso. Mediaron pocos meses cias a su musicalidad. Dave Grohl les pidió
entre el anonimato y el estrellato: telonear una gira de Foo Fighters porque es-
el dúo se formó el 2013 y al año si- taba impactado con su gigantesca impronta.
guiente ya tenía su debut en la ca- No es para menos: pese a ser sólo dos per-
lle. El disco, homónimo, se transformó en un sonas, su repertorio es maximalista, de di-
fenómeno inesperado para el comercialmen- mensiones inmensas. Mike Kerr se formó
te alicaído rock inglés. En su primera sema- como pianista desde los seis años y todavía
na, no sólo alcanzó el número uno, sino que se acerca al bajo como un forastero, pese a
vendió más copias que cualquier otro álbum llevar un buen tiempo tocando en bandas, al
de rock inglés desde el 2011, cuando Noel Ga- igual que Ben Thatcher, un batero que sabe
llagher estrenó su carrera solista. Como dato, incorporar influencias externas al rock duro,
ni siquiera The Strokes, Kasabian, Muse y Ar- como un saludable gusto por la electrónica
cade Fire lograron tan buenos números con y el R&B. Desde luego, nada llama tanto la
sus respectivas óperas primas. Pero el bajis- atención como el festín de riffs que salen del
ta Mike Kerr y el batero Ben Thatcher nunca bajo de Kerr, intervenido con cuerdas de gui-
vieron venir la voluminosa avalancha de éxito tarra y conectado a dos amplificadores para
que les cayó encima. Durante su breve período multiplicarse como si fuese más de un ins-
embrionario, la recepción que obtuvieron fue trumento. En foros de internet para músicos,
más bien tibia: ninguno de sus amigos mostró varios se desviven tratando de averiguar el
mayor interés en ‘Figure It Out’, el primer tema secreto para sonar así, pero el mago no reve-
que subieron a SoundCloud y que terminaría la su truco. Como alguna vez quiso ser chef,
siendo uno de los singles de “Royal Blood”. La lo atribuye simplemente a su gusto por co-
falta de entusiasmo gatilló la inseguridad de cinar usando pocos ingredientes. De forma
los entonces emergentes músicos: incluso se simbólica, cuando terminó su extenuante
les pasó por la cabeza la paranoica idea de que gira, que tuvo un par de paradas en el hospi-
a nadie le iba a gustar lo que hacían. tal por fatiga, el bajo fue destruido.
Al contrario, impactaron con suma rapidez. Para “How Did We Get So Dark?”, su segundo
Debutaron en vivo a la semana de formarse disco, pensaron hacer algo distinto e incluir
y antes de que publicaran su primer EP, “Out otros instrumentos. Curiosamente, les pare-
of the Black”, Matt Helders ya andaba con ció que empequeñecía su música y abortaron
una polera de ellos. Al batero de los Arctic la misión. Ahora se expanden de otra forma:
Monkeys se sumarían otras celebridades del con su tour más grande en el Reino Unido
rock. Lars Ulrich fue el chofer personal de Ro- y sus primeras giras como headliners en Es-
yal Blood cuando tocaron en San Francisco: tados Unidos. El álbum, que sale este 16 de
los sacó a pasear en su auto para que conocie- junio, fue concebido en su natal Brighton, así
ran algunos de los lugares famosos de la ciu- como también en Los Angeles y Nashville, y
dad, un momento inmortalizado en la notable finalmente grabado en Bruselas a lo largo de
foto que se tomaron fuera de la casa donde se seis semanas con el productor Jolyon Tho-
grabó la película “Papá por siempre” de Robin mas, asesor de luminarias pop como M83 o
Williams. Meses después, en la siguiente visi- Daughter. La dupla asegura que tendrá can-
ta a San Francisco, Ulrich subió al escenario ciones con letras más personales que nunca,
en ‘Out of the Black’ para tocar la batería. Más sobre relaciones amorosas y todo lo que pasó
ilustre aun, Jimmy Page declaró su fanatis- durante su vuelta a la normalidad, el verda-
mo por el dúo en una entrevista, afirmando dero motivo por el que demoraron tres años
que “van a llevar al rock a una nueva esfera”. en volver. Aseguran que, en ningún caso, de-
Luego, el guitarrista le daría al tándem una de seaban escribir sobre ser famosos y andar de
las mayores sorpresas de su existencia, cuan- ciudad en ciudad presentándose en vivo. Las
do apareció en el cumpleaños de Thatcher. únicas excentricidades que se permiten los
Y ni siquiera es la más impensada de las co- aterrizados Royal Blood están en su música.
nexiones que trajo la fama: de tanto toparse Aunque prometen pinceladas de blues en
en festivales con Spandau Ballet, el cantante ‘I Only Lie When I Love You’, aseguran que
Tony Hadley se volvió amigo de gimnasio de ‘Lights Out’ es lo que haría Daft Punk si fue-
Thatcher. se una banda de rock y que ‘Sleep’ es como si
Salvo por esa excepción, ligada a las circuns- Black Sabbath fuese un grupo de hip hop.

73
PRESENTA

Sordera
El próximo paso

Reformulados tras el quiebre de Contradicción (Sony Music), los de San Pedro de la Paz afirman su
nueva fase con el lanzamiento de “Sordera”, EP homónimo forjado por Jack Endino (hombre cla-
ve tras el sonido “Bleach” de Nirvana) quien en vuelo directo desde Seattle a Concepción trasladó
sus conocimientos a Souvenir Estudio en honor al compromiso por la canción bien hecha. De este
modo, los penquistas marcan un nuevo hito en sus vidas. Los puedes encontrar en Spotify, YouTube
y Soundcloud.

Morver
De exportación

Ante el flujo imparable de lanzamientos en la escena metalera, el sexteto nacional de metal progresivo
no pasó desapercibido con el estreno de “Staying in the Abyss”, segunda entrega de larga factura endor-
sado por intensas atmosferas ideal para gustos pacientes. A la fecha ‘Encrypted’ y ‘Never forever’ siguen
la línea conceptual elaborado en sociedad con Medu1a, Albaroad Studios y la mano de Pepe Lastarria
(All Tomorrows, Kuervos del Sur). De esta forma, Morver cierra un semestre calificando entre los
destacados de este primer tramo. Búscalos en iTunes, Spotify, YouTube y plataformas streaming.

Kylo Rec
Labor independiente

Fructífero ha sido el trabajo silencioso de Kylo Rec. Desde temprano, Sebastián Pinilla Dinamarca,
mente creativa y controles tras su estudio, forjó –con apenas 20 años- a varios destacados de la escena
nacional: Delia Valdebenito, Funkmilia o el catálogo completo de Fake Prophet, son apenas un ápice
de las producciones que han pasado por sus manos. Conoce su cartera de artistas en redes sociales.

Charlas Stgo Fusión


Conexión directa

Con el fin de acercar fanáticos y músicos a los grandes nombres que visitan nuestro país, la productora
nacional Trucko, en conjunto con el Instituto Profesional Projazz y la Escuela de Música y Tecnología
de la Universidad del Pacífico, extienden la firma Stgo Fusión hacia áreas académicas que mezclan
dinamismo y motivación para los próximos representantes de la escena nacional. De este modo Jose
James y el tecladista de Snarky Puppy, Cory Henry (en la foto), han hecho gala de su humildad y
conocimiento en encuentros a tablero vuelto. Atentos a próximas fechas.

Red Exodia es una plataforma de asesoría musical | charlas | creación y


74 derivación de comunicados | plan de medios | manejo de redes | reel de artistas
76
E
ntre torres de VHS se fue dando la trastienda de ché todos sus discos. Así que partí más de afuera, no como
un libro que ni siquiera se gestó como tal. Fer- la fanática que quería escribir su historia.
nanda Mánquez –audiovisualista- luego de co-
nocer a Dorso tras compartir unas fechas en vivo -¿Qué pudiste conocer de Dorso que tal vez el público no
(era tecladista de Darkemist), inició una amistad percibe?
pactada bajo los acordes del metal. Comenzó grabando pre- -Primero, lo que más se evidenció es el cariño gigante que
sentaciones en la era del disco “Espacium” (2008). Gracias a existe por la banda, y el respeto que le tienen. Pero hay algo,
ese trabajo, nace la idea de documentar la historia de Dorso que tal vez no se refleja mucho en el libro, que es darse cuen-
desde lo audiovisual. Gamal le propone ir digitalizando todo ta de lo que es ser músico en Chile. Esta es una historia que
el material que la banda tenía archivado en cinta, momento podía ser como de rockstars (el Pera tuvo ciertos momen-
en que se abrió un mundo mutante perdido en el tiempo. tos en la época del “Maldita Sea”) pero tiene un poco como
“Empecé haciendo una lista de entrevistados y locaciones, de la historia de Anvil. En el fondo su cotidiano es darle a
pensando en cómo abordar la historia para que tuviera la la pega, darse tiempo con los hijos. Algo medio hippie del
esencia Dorso”. Pera, que le ha costado ene, que está todo el rato pedaleando
Tras la sugerencia del escritor argentino Emilio Cicco, su para sacar adelante a su familia, y que paralelo a eso está la
tutor narrativo, comenzó la nueva ruta música. Quizás desde afuera se piensa
de Feña Mánquez –periodista- para que ellos están dedicados 100% a esto,
rescatar la historia de una banda fun- pero no. Están más preocupados de las
damental del metal chileno, pero a tra- cuentas, juntando las lucas para llegar
vés de un libro, aunque no alejada de a fin de mes.
una crónica audiovisual. “Dorso – Un
experimento méntor”, tiene el color de -¿Qué te pasó con ese relato?
un guión de película de cine-b, como -Hubo un contraste cuando me enfren-
lo dice su misma autora: “Se trabajó un te a esa historia. Además porque él me
relato visual, de describir los espacios y dejó entrar a la intimidad de su fami-
personajes, recrear diálogos, reconsti- lia. Hasta hubo un momento en donde
tuir escenas”. Así van pasando las his- me fui haciendo amiga de la Maca, la
torias que van dando vida a los capítu- esposa del Pera, y al final la llamaba a
los del libro, desde el periodo cámbrico ella. Fue media cómplice de todo esto.
de Dorso con el Pera recordando hitos
de su niñez, hasta la prueba de sonido -Otra presencia femenina en esto.
antes del show en conmemoración de ¿Sientes que la forma en que cuentas
sus 30 años. Todas, historias que van la historia de la banda tiene un matiz
reviviendo como los zombies de ultra- distinto por esa perspectiva de géne-
tumba a los cuales la banda ha iconiza- ro?
do durante su carrera. -Puede ser. No sé si es porque soy mina
que me interesó contar la parte más
-El tipo de relato que trabajaste en el libro refleja la espe- humana, y está escrito como de una parte más sensible ante
cial identidad que tiene la banda, ¿esto fue algo intencio- las historias que iban apareciendo. No sé cómo lo harán los
nado, o salió porque Dorso es Dorso? hombres para abordarlo, me tinca que es más de contar la
-La esencia que había que rescatar sí o sí era eso, el humor. biografía más rigurosa con datos, de hacer análisis musical.
Como que al final nada era muy en serio y todo era hueveo, Pero creo que al final son estilos narrativos distintos nomás.
a pesar que a la hora de trabajar, son súper profesionales y
talentosos, por eso son respetados. -¿Sientes que hay un empoderamiento para empezar a
contar las historias de la música desde lo femenino, sobre
-¿Cómo partió tu historia personal con la banda? todo entendiendo que la escena metalera es heteronor-
-Primero, decir que soy chuquicamatina, y allá no llegó Dor- mativa?
so. En los ochenta igual era chica, así que no cachaba. Los -El machismo está súper instalado en el rock, y que es tí-
conocí recién en los noventa, ya adolescente, cuando llegó pico de la sociedad en general también. El metal es así sú-
el cable y MTV, y pasaban los videos de ‘Big Monster Aven- per testosterona, y en los ochenta más todavía. Las minas
tura’ y ‘Transformed in Cocodrile’. Me llamaron la atención, ligadas a la escena eran súper pocas, y como que estaban al
porque eran entretenidos y cantaban en español, pero no lado, ligadas a un ámbito sexual. Pero ahora ya no es tan así.
me hice fan. Luego en Santiago, en la universidad, fui a un Las temáticas de género están más instaladas y las mujeres
par de shows acompañando a unos amigos. Y ya después se han hecho un espacio y se han hecho respetar, que es la
con el Fran entré de lleno, los conocí personalmente y escu- gran lucha para partir hablar de género también.

77
A
lectrofobia es un conjunto de rock un álbum que logra meter a la juguera un sinfín
nacido en Temuco en 2010 por sus de emociones en clave rock y que la banda re-
fundadores, Gerardo Elgueta (voz y cuerda como un disco bastante complejo debi-
bajo) y Rudy San Martín (guitarra). do al tiempo en que demoró terminar su pos-
Ambos músicos no sólo compartían sala de producción (abril de 2015 y febrero de 2016). Fue
estudio en el Liceo Camilo Henríquez cuando casi un año de espera que tuvo como recom-
eran más chicos, sino que también las ganas pensa que los miembros del grupo aprendieran
de tener un grupo que compusiera sus propias a conocerse mejor, desde sus metodologías y
canciones, cosa no muy vista en la época musi- aptitudes hasta sus “mañas”.
cal escolar de la mayoría. La formación actual de Alectrofobia sigue te-
Con tal de lograr su sueño, los miembros de niendo a Elgueta y San Martín como estan-
Alectrofobia tomaron la decisión de radicar- dartes, pero ahora acompañados del baterista
se en Santiago para tener una mayor visibili- Alonso Cabello, un joven y talentoso músico de
dad, en compañía del baterista Roberto “Flaco” 18 años que ha logrado dar abasto con las exi-
Ugarte. “A todos nos gustaba música diferente: gencias de una banda que cada día se supera
Ugarte nos metió mucho rock antiguo y clásico, más.
a Rudy le gusta The Clash y Ramones y a mí
Carajo y Faith No More. Trajimos algo de cada Pulpa Discos es un sello discográfico,
estilo para no encasillarse en ningún género, lo distribuidora y representante de ar-
que nos ha traído frutos”, dijo Gerardo Elgueta. tistas. Casa de Bbs Paranoicos, Sin Per-
Su más reciente trabajo se titula “Imbécil” (2016), dón, 2X y más.

78
Con su primer show en Chile confirmado para el 14 de septiembre
en Teatro Nescafé de las Artes, tan solo dos meses antes de que sus
compatriotas Sigur Rós hagan también su debut en nuestros escenarios,
Addi, el único miembro fundador en la formación actual de Sólstafir, nos
cuenta sobre las inspiraciones tras su nueva placa, sobre cómo el hecho
de vivir en un país tan remoto y desértico como Islandia influye en su
música, y nos habla del verdadero éxito, ese que se encuentra más allá
de las etiquetas.

80
A
ddi, ustedes acaban de editar su nuevo ál- ne esto que ver con el país de donde provienen, un lugar
bum “Berdreyminn”. ¿Cómo te sientes con tan alejado y donde la naturaleza ocupa un lugar impor-
este trabajo? tante?
-Siempre es especial lanzar discos, es un largo -Creo que es algo más inconsciente, porque venimos de un
viaje. Comenzamos escribiendo el material el lugar muy conectado con la naturaleza, viviendo siempre
primero de septiembre del año pasado y en ese entonces no los inviernos duros, bajo la amenaza de terremotos y de
habíamos compuesto una canción en tres años. Empezamos erupciones volcánicas. ¡Yo solía vivir en un pequeño pueblo
a escribir sin tener idea de donde iba todo a parar, hasta que donde siempre había amenaza de avalanchas! Islandia es un
las canciones comenzaron a tomar forma y después, en el lugar vasto, un enorme desierto, así que es algo programado
estudio, cambiaron aún más. Luego de mezclar y de alejarnos en nuestras cabezas, por decir de algún modo, esta conexión
un poco de todo, llegó el arte, y el disco estuvo listo. Se siente con la naturaleza. La música, por supuesto, proviene de
como mucho tiempo desde que este proceso se inició. nuestras mentes, y le afecta la naturaleza, de dónde vienes
y cómo te crías, el aspecto social. Nosotros simplemente ha-
-¿El tiempo que se demoraron en comenzar a componer, cemos la música desde dentro, en nuestro espacio, cuando
tuvo que ver con los problemas con la salida de Guðmun- ensayamos, y llega al punto de convertirse en algo espiritual
dur, el baterista original? el hecho de hacer música con tus amigos, sin decirse nada,
-No, realmente estuvimos de gira durante tres años. No he- casi como un lenguaje animal.
mos tenido un mes de descanso en todo este tiempo, ningún
momento de sentarse y decir “vamos a escribir un álbum”. -¿Sienten que esta conexión con la naturaleza los une con
Las cosas cambian cuando uno anda de gira, uno llega a otras bandas de tu país? Estaba pensando en el caso par-
casa y se toma una semana libre, la pasas con la familia. No ticular de Sigur Rós, ya que éste es el segundo álbum de
es que nos hayamos demorado tres meses en hacerlo, en eso ustedes que está producido por Birgir Jón Birgirsson, que
nos demoramos dos meses y medio. Luego mezclamos, vi- ha trabajado con ellos.
mos el tema del arte del disco y después el resto de todo. -Tenemos algunas conexiones. Nosotros grabamos nues-
tro primer larga duración en su viejo estudio, antes de que
-Tengo entendido que el último álbum de la banda, “Otta”, ellos hicieran “Agaetis Byrjun”, en 1999. Fuimos al estudio, y
está inspirado en el concepto de la madrugada. En este ahí estaban ellos, que no eran una banda famosa entonces,
caso, “Berdreyminn”, significa “soñador de eventos futu- y estaban trabajando en ese, su segundo álbum. A veces no
ros”. ¿De qué forma tiene que ver el título con las nuevas podíamos ocupar el lugar, porque estaban ellos terminando
composiciones? ¿Están conectadas? el disco. Sigur Rós se formó en 1994 y nosotros en 1995, así
-En “Otta”, las letras no estaban conectadas, pero los títu- que hemos estado por harto tiempo, pero la diferencia es que
los de las canciones sí. Acá, las letras no tienen realmente ellos se hicieron muy famosos hace tiempo. Aunque nosotros
una ligazón con el título del álbum, pero sí hay un tema en compartimos algunos caminos musicales, siento que noso-
común, que son diferentes desórdenes mentales. Depresión tros somos una banda de metal. Sé que no lo somos, pero me
severa, alcoholismo, drogadicción, gente atrapada en episo- siento en una banda de metal. Estoy seguro de que ellos no se
dios de violencia doméstica, narcisismo, o ser un sociópata ven a sí mismos como una banda de metal, aunque, a veces,
total, tú sabes. Es la lucha de la mente humana, y sobre esa alguna de sus composiciones puedan catalogarse como mú-
oscuridad que a veces puede terminar por matarte. sica bien pesada. Pero, de ninguna forma están conectados
con el heavy metal, a pesar de que sé que son todos ellos me-
-Ustedes tienen pocas canciones en inglés. ¿Qué tan im- talheads, ya que solían gustarles bandas como Iron Maiden
portante es para ti escribir en tu propio idioma al momen- y Metallica, cosas así. Los conocemos desde entonces, todo
to de expresar tus sentimientos e ideas? este tiempo, solemos ir a los mismos bares, nuestro nuevo
-Hicimos dos discos en inglés, “Masterpiece Of Bitterness” baterista solía tener una banda con Jónsi, el vocalista, así que
y “Köld”, que está escrito casi completamente en inglés, por- tenemos un par conexiones con ellos.
que tiene solamente una canción en islandés. Pero, cuando
comencé a cantar más limpio, algunas letras en islandés me -A propósito de influencias, se ha dicho por ahí que, musi-
llegaron solas. Se sintió más cómodo escribir en mi propio calmente, aparte de bandas como Darkthrone y Fields Of
idioma, cantar más desde el corazón. Así que, hemos esta- Nephilim, también son claves para ti los Smashing Pum-
do haciendo eso ahora último, cantar del corazón y desde pkins. ¿Estaban estas influencias al comienzo? Porque el
las propias experiencias. Se siente más correcto cantar en el sonido de la banda ha ido cambiando mucho…
idioma en que piensas. -Me acuerdo que todas estaban ya al principio, en el CD “Til
Valhallar”, que siempre lo cuento como nuestro primer dis-
-La naturaleza también parece ser algo clave para la ban- co, que tiene seis canciones, y dura casi media hora. Lo de
da, uno puede verlo en el arte de los discos y en los videos. Smashing Pumpkins es por el lado de la técnica de guitarra
¿Es acaso una influencia al momento de componer? ¿Tie- y el tono, no tiene que ver con las letras o la imagen de la

81
banda, sino con la forma de enfrentarse a la guitarra eléc- mí realmente no me importa. Componemos la música que
trica, una influencia muy musical. Hay un amigo que solía amamos, y estamos agradecidos de que a la gente le guste
tocar con nosotros y que era totalmente un fan de ellos. El también, el resto, no importa.
hizo un par de guitarras adicionales en “Til Valhallar”, por el
año 1995, y me dijo “oye, esto es muy Smashing Pumpkins”, -Se confirmó que ustedes van a tocar por primera vez en
y ahí me puse a investigar las composiciones de Billy Cor- Chile. ¿Cómo te sientes con la noticia? ¿Has estado antes
gan. Yo sé que él es muy fan de Black Sabbath y Thin Lizzy, en Sudamérica, tal vez de visita?
así que todo es como un gran círculo. Así que los Smashing -Nunca he ido a Sudamérica, nunca he estado más al sur de
Pumpkins y la técnica de guitarra de Billy Corgan me San Diego. Por supuesto, hemos estado de gira con Mar
han influenciado como guitarrista y compo- De Grises, ellos son de Chile. Esta será la pri-
sitor, muchísimo. mera vez que vamos, sabíamos que íba-
mos a pasar por Brasil, y ahora justo
-¿Tienes algún disco favorito de se acaba de confirmar. ¡Estamos
Smashing Pumpkins? ocupados ahora ensayando las
-Claro, ¡por supuesto! “Me- canciones nuevas, y estoy
llon Collie & The Infini- eufórico! Hemos estado
te Sadness”, es la obra harto tiempo andando de
maestra. Y “Siamese gira por Europa, desde
Dream”, obviamente. 1995 a 2005, y nos tomó
Me encanta “Adore”, un tiempo poder ir a
que fue un álbum raro Norteamérica, y aho-
cuando salió, pero ra finalmente vamos
creo que hoy es una a lograr ir a Sudamé-
puta obra maestra, lo rica. No tengo idea de
mismo con el primer qué esperar. Sé que
álbum, “Gish”, que es hay mucha gente de
sorprendente. Clara- allá, de Chile, Argenti-
mente, el baterista… si na, Brasil, El Salvador,
yo tuviera que elegir un México, que muestra in-
baterista favorito, te diría terés por nosotros en Face-
que es Jimmy Chamberlin, de book. Hemos tocado mucho
los Smashing Pumpkins. en Europa, y sé qué esperar
de Alemania o Finlandia, pero no
-Acerca de las etiquetas, y de cómo tengo idea que va a pasar en Chile o
la gente dice que suena la música de us- Argentina. Estoy muy emocionado.
tedes, ¿estás de acuerdo con los conceptos de
post-metal, post-black metal, post-rock, post-cualquier -Tal vez no lo sepas, pero ustedes justo van a estar tocando
cosa? ¿Cómo describirías tu música? acá dos meses antes de que venga Sigur Rós por primera
-A mí realmente no me importa. O sea, si quieres decir que vez también a Chile, dos importantes bandas islandesas
somos post-black metal, está bien. Si quieres decir que so- en un año es un evento rarísimo y cool para nosotros.
mos post-rock, está bien. No creo que exista un nombre -No tenía idea de que ellos estaban haciendo shows en
exacto para este tipo de música o género en el que estamos Sudamérica. Hemos conocido mucha gente chilena en fes-
insertos. Creo que es un género, pero no sé cómo llamar- tivales europeos. Europa tiene, por supuesto, muchos de
le. Creo que cuando una banda se vuelve verdaderamente los festivales metaleros, y mucha gente va a las tocatas,
exitosa, Nine Inch Nails se convierte simplemente en Nine así que finalmente vamos a estar cruzando el mar para en-
Inch Nails, Sigur Rós es Sigur Rós y Pink Floyd es solo Pink contrarlos en vez de toparnos acá con los fans por escasos
Floyd. Cuando llegas a ese punto, creo que eso es ser exito- 10 minutos en un recinto en Alemania. Estoy muy ansio-
so. Si alguien me dice, “la música de ustedes va más allá de so, siempre he querido ir a Chile desde que supe que Tom
cualquier definición, Sólstafir suena a Sólstafir”, ese sería el Araya es de allá.
mejor elogio posible. Pero, cuando haces discos, tienes que
vender un producto. Para venderlo, tienes que describirlo, -También tenemos terremotos bien fuertes acá, así que te
tienes que decir “esto es una toalla azul”, no puedes decir “te sentirás bien cómodo en Chile.
vendo un pedazo de trapo”. Entonces, la gente nos dice que -¡Ahí está, tenemos una conexión, somos países de terremo-
si no le ponemos un nombre a lo que hacemos, alguien lo va tos! Estaré practicando mi español, para poder hablarlo allá
a hacer. Así, a veces nos ponen en ciertas categorías, pero a en Chile. No prometo nada, pero haré lo mejor que pueda.

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DISCO DEL MES

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Roger Waters
Is This The Life We Really Want?
- Columbia / Sony -

C
uando la idea de ‘Oceans Apart’ / ’Part of Me Died’.
“The Wall” cru- Si algo ha caracterizado la obra
zó la mente de de Roger, tanto con su ex-banda
Roger, a fines de como en solitario, es la intensidad
1977, fue debido a dramática, una cualidad que fá-
su disgusto creciente por tocar en cilmente puede irse de las manos
grandes estadios. En la última fe- (“The Pros And Cons Of Hitch
cha del tour del disco “Animals”, Hicking”, “Radio K.A.O.S.”), y que
llamado “In The Flesh”, el bajista hoy, gracias al aporte de Nigel
terminó escupiéndole en la cara, Godrich, conocido por su trabajo
enrabiado, a unos fans gritones e con Radiohead (para muchos, el
irritantes, y comenzó a urdir una equivalente a George Martin para
forma para construir un muro los de Oxfordshire), se ha canali-
que separara a la banda del pú- zado en una obra minimalista,
blico. Difícil creer que, cuarenta donde no existen solos de guita-
años después, los conciertos ma- rra buscando desesperadamente
sivos son ahora, precisamente, su especialidad. Su apoteó- emular los aportes irremplazables de Gilmour (el mal de
sica gira “The Wall”, que ha dado la vuelta al mundo en 219 “Amused To Death”), sino que lo atmosférico (‘Bird In A
shows entre 2010 y 2013, logró plasmar el espíritu teatral Gale’, ‘Is This the Life We Really Want?’), la esencia mis-
original en una forma que para Pink Floyd hubiese sido ma de Pink Floyd, es lo que prevalece, pues, la memoria
imposible en los días de antaño. Fue en el backstage de muchas veces falla y tiende a olvidarse que, a diferencia
aquellos shows que las canciones de “Is This The Life We de otras bandas progresivas, como Yes, ELP, Rush o King
Really Want?”, su primer álbum de rock en 25 años (desde Crimson, la pirotecnia interpretativa nunca fue exacerba-
el ambicioso “Amused To Death”, 1992) comenzaron a na- da ni clave para los londinenses.
cer, tímidas, en una guitarra acústica. Las baterías secas (las mismas que Godrich pulió en “Sea
Envuelto por el sonido de un latido y el tic-tac de un reloj, Change” de Beck o “Chaos And Creation In The Backyard”
al igual que esa leyenda llamada “Dark Side of the Moon” de Paul McCartney), los teclados hipnóticos herederos de
(1973), este es un trabajo que ha estado en permanente cons- clásicos como ‘Welcome to the Machine’, el bajo sublimi-
trucción, ladrillo a ladrillo, desde que Roger salió de Pink nal, una guitarra acústica, un manojo de samples (entre
Floyd, e incluso, desde el imprescindible “Animals” de 1977, ellos, el mismo “pig-man” Trump refunfuñando contra
una placa cuya actual relevancia conceptual es encandi- CNN) y algunas voces de acompañamiento, son los úni-
lante. Atisbos de su viejo catálogo están presentes, no como cos elementos que se necesitan para conferir existencia a
auto plagio, sino como parte de aquella búsqueda neurótica un disco redondo, pulcro y, finalmente, el álbum de Roger
de refinamiento expresivo, donde las obras como objetos Waters que realmente queremos: refinación de sus eternas
inacabados en eterna sucesión intentan plasmar las mismas obsesiones, depuración de un sonido y, definitivamente,
obsesiones, transmutadas una y otra vez, sólo que en esta uno de los discos del año.
ocasión, parafraseando a ‘Eclipse’, se encuentran sintoniza- “No existe lo de ‘nosotros’ y ‘ellos’, es una ilusión. Somos
das con el convulsionado estado del mundo. todos seres humanos, con la responsabilidad de apoyarnos
A lo largo de sus 54 minutos, Roger juega a ser Dios en ‘Déjà mutuamente, y de descubrir formas de arrebatarle el poder
Vu’ (vibras de ‘Pigs On The Wing’), evoca la también distópi- a los muy pocos que controlan todo el dinero y las propie-
ca ‘Five Years’ de Bowie en ‘The Last Refugee’, propina bo- dades”, dijo recientemente a Rolling Stone, explicando las
fetadas a Donald Trump en la excelente ‘Picture That’ (con ideas de su gira “Us+Them”. Los muros que separan a Ro-
un aire a ‘Sheep’), escarba las heridas de la guerra en ‘Broken ger de su público son ahora cosas del pasado, al igual que
Bones’ (“no podemos volver atrás en el tiempo, pero pode- ese ego maximizado, dictatorial y cerrado al cambio que
mos decir púdrete, no vamos a escuchar las mentiras ni la lo mantuvo cómodamente entumecido por décadas. Pon
mierda”), resucita las hermanas ‘Have a Cigar’ y ‘Pigs (Three atención, Donald, que si alguien sabe de muros acá, ese es el
Different Ones’) en el potente single ‘Smell the Roses’, y con- viejo Roger. Que se haga más luz.
jura la emoción íntima de clásicos como ‘Mother’ o ‘Nobody
Home’, en la maravillosa trilogía final de ‘Wait For Her’ / Nuno Veloso

85
DISCOS

AT THE DRIVE-IN :w@1>-w85w-


RISE

U
n poco de historia. Cuando At The suelo, y ya escuchando el disco en su totalidad,
Drive-In apareció en la escena un- no alcanza para noquear.
derground del hardcore, a media- Por lejos, la mejor canción es ‘Governed by
dos de los 90, fueron un disparo a Contagions’. En tres minutos y medio, el quin-
quemarropa. Sin pedir permiso a nadie, cam- teto rescata la actitud, sonido y gancho de su
biaron los códigos del estilo, haciéndolo más obra más sobresaliente, y reparte una seguidi-
caótico, más veloz y más brutal, transformán- lla de puñaladas certeras que parecen no dar
dose en nuevos pioneros del post-hardcore. tregua. Ahí está Rodríguez-López desplegando
Su trabajo llegó a un punto de distinción en el un sutil arreglo de guitarra en medio del caos
2000 con “Relationship of Command”, álbum y el sonido demoledor del resto de la banda, y
con el que se situaron en la primera línea del Cedric Bixler, que da rienda suelta a su estilo
rock mundial, encabezando festivales, generando influencias proto-rapero, con el que va construyendo una especie de elegía
y hasta apareciendo en MTV. El inicio del fin. En 2001 la ban- a la humanidad destruida por el poscapitalismo.
da anunciaba su separación, y nadie entendía nada. ¿Cuántas El resto, una colección de canciones muy potentes que tratan
bandas se han dado el lujo de separarse justo en lo más alto de de compensar casi dos décadas de ausencia y no sonar oxi-
su carrera? dados. ‘No Wolf Like the Present’, ‘Continuum’, ‘Incurably In-
Dieciséis años después, y con mucha historia entremedio –The nocent’, ‘Torrentially Cutshaw’, ‘Hostage Stamps’, son buenas
Mars Volta, Sparta, Bosnian Rainbows, Antemasque- la ban- canciones que pasan la prueba de una banda legendaria, que
da decide juntarse, esta vez no sólo para realizar giras sino que intenta su regreso desde lo musical, más que como una excusa
para entrar al estudio y comenzar a componer. La incógnita para seguir tocando sus clásicos en nuevas giras y luego pasar
ahora es, ¿cómo suena una banda luego de tantos años de inac- a facturar por caja. Para nada son covers de sí mismos, como lo
tividad? El propio Omar Rodríguez-López da las primeras pis- ha planteado cierta crítica, sino canciones que reflejan, a pesar
tas: “hay que honrar la personalidad de la banda, ante todo”. del funesto recuerdo de sus presentaciones en 2012, que la ban-
El resultado: “In•ter a•li•a”, a primeras luces, un regreso sin da se siente cómoda volviendo a tocar juntos.
contemplaciones. Como buena banda que ha sabido leer sus Ni ellos tienen ya veinte años, ni nosotros somos esos adoles-
tiempos –ayuda su incorporación al sello Rise-, luego del centes confusos y enrabiados que nos quedamos asombrados
anuncio, tres singles de adelanto ayudaron para hacerse una con aquel torrencial despliegue de furia cuando los escucha-
idea de cómo venía esta vuelta. ‘Governed by Contagions’, ‘In- mos a principios del 2000. Las altas expectativas les jugaron
curably Innocent’ y ‘Hostage Stamps’, fueron tres golpes certe- en contra, pero sacándose todas las ideas preconcebidas que se
ros, donde parecía que la banda se había reencontrado con su pudieran tener, “In•ter a•li•a” resulta siendo un disco más que
historia, gracias a una ejecución impredecible de fuerza y de interesante.
velocidades melódicas. Pero luego de estos golpes que tiran al César Tudela

86
RYUICHI SAKAMOTO -?E:/
MILAN RECORDS

L
os emotivos acordes de piano de peculiar poder del espacio. ‘Zure’ retrotrae a
‘Andata’ que abren el nuevo disco de los primeros trabajos de Sakamoto e, inclu-
Ryuichi Sakamoto, son engañosos, so, a algunos momentos de su emblemática
pues dan una pista errónea del desa- banda, fundacional de la música sintetizada,
rrollo que tendrá el álbum. Sin ir más lejos, a Yellow Magic Orchestra.
medida que avanza este track de apertura, el En ‘Walker’ se escuchan pasos que avanzan
músico japonés incluye un manto de teclado, por el pasto, unidos a una misteriosa capa
que más recuerda las bases de Rick Wright en de sintetizadores, mientras que ‘Stakra’, es
los primeros Pink Floyd, que a sus trabajos una clásica colaboración de Sakamoto en
enfocados 100% al piano. Así, el álbum, que teclados y Fennesz en exploraciones sono-
en un principio pareciese estar centrado en ras. ‘Ubi’ regresa a la desnudez cristalina del
la belleza desnuda de las teclas acústicas como en muchos piano, pero adornada de múltiples elementos sonoros que la
casos en la obra del nipón, no es tal, ya que su esencia so- van completando. En contraste, ‘async’ es una pieza de vio-
nora se desarrolla también a través de procesos electrónicos, lenta e intensa experimentación y en ‘Tri’, encontramos algo
guitarras computarizadas, pianos preparados, recitaciones y parecido, pero con sonidos de percusión dulces. La lluvia y
sonidos sacados de la realidad, no instrumentales. los sonidos orientales aparecen en ‘Honj’, como siempre con
“async” es un caleidoscopio de ricas sonoridades, que siem- un enigmático teclado que complementa sonido de natura-
pre están al servicio de las emociones y que, a diferencia de leza y creación humana. La belleza desnuda de ‘Ff’ expone
piezas minimalistas de sus trabajos anteriores, van evolu- al Sakamoto más recóndito e íntimo, con esos mantos cre-
cionado y transformándose, tal como en la primera compo- dos por teclado y el instrumento chino sho, para cerrar de
sición. Así, ‘Desintegration’ comienza con un piano experi- manera épica con ‘Garden’. Un disco hermoso para disfrutar
mental, que recuerda la música concreta de John Cage, pero de principio a fin que, como decíamos, exhibe a Sakamoto
después es matizado con un sintetizador cercano al ambient. en sus más variadas facetas como creador, reflejando la rea-
En la misma línea, la belleza texturial de ‘Solari’, retrotrae lidad visual a través del sonido y desplegando un universo
a esa extraña y radical película del mencionado Tarkovs- estético y sonoro, simplemente gigantesco.
ki, con aquellos humanos que, encerrados en una estación
espacial, no pueden aceptar la felicidad que les entrega el Héctor Aravena A.

87
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GEPE
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QUEMASUCABEZA

G
epe, un artista proteico y flexible, ductor que descifra a un músico y potencia
muy dado a transformarse de un su personalidad subiéndole el volumen al
lanzamiento a otro, propone en máximo, el hijo pródigo del indie santiagui-
“Ciencia exacta” un nuevo ángu- no no sólo transmite su júbilo en canciones
lo, aunque esta vez no se trata de un notorio románticas e idílicas, sino también tocando
giro estilístico, sino de una especie de sín- un apaciaguado ska (‘Hoy día me lanzo’) o
tesis de todo lo acontecido entre el arcaico citando al clan Parra por la vía de Los Tres
EP “5x5”, editado en un netlabel de vocación (‘Hasta cuándo con’), que dan la impresión
outsider (Jacobino Discos), y el pulido “Esti- de ser la clase de ideas que, usualmente, hu-
lo libre”, diseñado para atraer al gran públi- biesen quedado fuera de un disco suyo, pero
co. El sexto disco del sanmiguelino tiene un que caben cómodamente dentro de “Ciencia
poco de cada una de las facetas que le conocemos: va desde exacta” y su discurso que ensalza la espontaneidad y, de
el cantautor estudioso del folclor (‘Flor del canelo’) hasta el paso, desprecia un poco la sofisticación.
romántico inspirado por lo cotidiano (‘Abrir la puerta’). Hablamos de un álbum que congenia en ánimo con música
Lo que diferencia a “Ciencia exacta” de sus antecesores está que nunca ha sido descrita con los adjetivos que, alguna vez,
en la actitud. La versión 2017 de Gepe supera en arrojo a las le correspondieron a Gepe: vanguardista, alternativo, etc. La
anteriores: no tiene miedo de bajar las defensas y exponer su placidez reggae de ‘Hablar de ti’, con ese coro que dice “me
intimidad. La tónica del disco son una serie de canciones de encanta esa manera en ti”, es como el ‘Baby I Love Your Way’
amor escritas en un lenguaje casi desprovisto de metáforas, de su cancionero, mientras un tema como ‘Ojos que no ven’
pedestre y tangible, en la veta de ese hito en su carrera que queda a centímetros de algo que Juanes convertiría en un
fue ‘Fruta y té’, pero ahora tan acarameladas que, de segu- éxito latino, ratificando el atractivo de su costado más co-
ro, le resultarán empalagosas a cualquiera que no sintonice mercial. Aunque es un disco desordenado, de “Ciencia exac-
la frecuencia del amor más exultante, ése que hace que las ta” se sale con la sensación de que sólo pueden pasar cosas
personas quieran expresarle al orbe entero las emociones buenas cuando el pop y el amor están del lado de uno.
que entibian su corazón.
Nuevamente asesorado por Cristián Heyne, la clase de pro- Andrés Panes

88
SOLSTAFIR 1>0>1E95::
SEASON OF MIST

T
res años después del gélido “Ótta”, tenso, se encuentra ‘Dýrafjörður’, el costado
llega “Berdreyminn”, la sexta pla- opuesto de las electrizantes ‘Bláfjall’ (con un
ca de los de Reykjavik. Fue un lar- estremecedor órgano comandando el ata-
go período de tiempo, que los tuvo que), ‘Ísafold’ (con un leve aire a Thin Lizzy)
ocupados en giras y pleitos legales con el ba- y la introductoria ‘Silfur-Refur’ -esta última,
terista original Gummi, quien -según cuenta dejando en claro la importancia de Billy Cor-
el líder, Addi- fue despedido abruptamente gan para la aproximación a las seis cuerdas
en un intento por salvar la banda. Con Grim- de Addi, evocando por instantes a ‘Bodies’,
si en las filas, el nuevo hombre tras los golpes del glorioso “Mellon Collie & The Infinite Sa-
y antiguo colaborador de Jónsi, de sus com- dness” de los de Chicago.
patriotas Sigur Rós, Sólstafir presenta un ál- Tal vez el disco más accesible de Sólstafir
bum cuyo título puede traducirse como “soñador de eventos en sus más de veinte años de existencia, “Berdreyminn” no
futuros”, y cuyas composiciones giran en torno a la oscu- deja de ser la evolución natural de sus obras pasadas. Pro-
ridad de la psique y los desórdenes mentales que pueden venientes de un país donde la naturaleza y sus estrepitosos
arrastrarnos irremediablemente a la perdición. arranques de furia y de indiferencia dejan huella permanen-
Trabajando por segunda vez consecutiva junto a Birgir Jón te en sus habitantes (una influencia que permea las múlti-
Birgirsson (Alcest, Sigur Rós), y adicionalmente sumando ples capas de desolación que se encuentran presentes en su
a Jaime Gómez Arellano (Ghost, Paradise Lost), el sonido música), el renovado cuarteto se revela aquí como finalmen-
toma esta vez una consistencia volcánica, ad-hoc al devenir te listo para desatar su propia tormenta, y estar dispuestos a
eruptivo de tracks como ‘Nárós’, el bonus track ‘Samband i atravesar la turbulencia. Este es el sonido de una banda es-
Berlin’ o ‘Hvít Sæng’, que emergen de una calma árida para tallando en tiempo real, al tope de sus fuerzas y conscientes,
estallar en borbotones de guitarras ensordecedoras y fre- más que nunca, de su propio futuro.
néticas. En el espectro más ambiental, pero no menos in- Nuno Veloso

89
THURSTON MOORE $;/7 $;88;:?/5;A?:1??
CAROLINE

S
e extiende por casi tres cuartos de un álbum solista, pero podría llevar sin pro-
hora, pero sólo tiene cinco cancio- blemas la firma de un nuevo grupo. Y que
nes y dos de ellas superan los diez ese nuevo grupo se parezca a Sonic Youth
minutos de duración. “Rock N Roll no debería ser un problema: después de
Consciousness”, en el papel, parece otra más todo, los neoyorquinos siempre se constitu-
de las aventuras experimentales de Thurston yeron a sí mismos como una filosofía, una
Moore. El quinto disco en solitario, sin contar forma de hacer las cosas. El propio Mooore,
numerosos proyectos paralelos, del venerado en su brazo izquierdo, lleva un tatuaje que
guitarrista arranca con uno de sus temas XL, dice “Sonic Life”.
‘Exalted’, que no ayuda a dilucidar ninguna El título del disco mezcla los conceptos fun-
incógnita sobre la naturaleza del álbum has- didos en sus escasas, pero vastas, canciones.
ta pasado un buen rato. De combustión lenta, la canción se Primero, la idea de la conciencia, explorada de dos formas
toma su tiempo en ir adquiriendo forma: arranca repetitiva, distintas. Por un lado, las contemplaciones del poeta Radieux
invita al trance y se va ensuciando hasta revelar, cerca de la Radio, autor de letras como la de ‘Cusp’, una vehemente mar-
marca de los ocho minutos, un exquisito centro cremoso muy cha dedicada a la primavera. Por otro, los textos de Thurston
familiar para cualquier seguidor de Sonic Youth. Es un eco y Moore, muy influenciado por su trabajo enseñando poesía en
no una recreación, eso sí, y sugiere una idea que luego se ra- una universidad budista, con frases como “vengo creyendo en
tificará: “Rock N Roll Consciousness” es el trabajo de Moore tu luz” (de ‘Turn On’). En segundo lugar, el nombre tiene otro
más evocador de su ex grupo. costado: el rocanrol, al que el guitarrista, cada vez más cerca
Un dato atingente: la banda que grabó el disco es cincuenta de cumplir sesenta, aún considera una parte fundamental de
por ciento Sonic Youth, con Steve Shelley en batería como su identidad. De hecho, en ‘Smoke of Dreams’ suena como
en cada uno de los lanzamientos anteriores del guitarris- otro veterano, Neil Young, aunque por la vía de su buen ami-
ta, a excepción de “Demolished Thoughts” (2011). Leyendo go J Mascis de Dinosaur Jr. Espiritual, expansivo y transporta-
el resto de los créditos, la nómina es la misma del álbum dor, “Rock N Roll Consciousness” es, al mismo tiempo, lo más
anterior, “The Best Day” (2014), completada por Deb Googe accesible -dentro de sus parámetros- que ha firmado Thurs-
de My Bloody Valentine en bajo y apoyos vocales, además ton Moore en años. Coincidentemente, la producción estuvo
de James Sedwards, un músico fetiche de Moore, en la gui- a cargo de Paul Epworth, colaborador de Adele y Coldplay,
tarra secundaria. Mantener la alineación fue un acierto: el entre otras megaestrellas.
cuarteto reforzó su química y desarrolló una personalidad
colectiva. Nominalmente, “Rock N Roll Consciousness” es Andrés Panes

90
WE RIDE
9<;C1>5:3521
VICTORY

M
uchas cosas se han dicho de ética. Registrado meses antes de su acuerdo
sobre Tony Brummel, dueño con Victory Records, el álbum en poco más
de Victory Records. El sello ha de 35 minutos, recorre recursos vintage cer-
ido sumando detractores y ca- canos a Bane y Madball aparte de, estratégi-
sos controversiales, el más reciente de ellos, camente añadir varios guiños certeros para
un extenso y agotador lío judicial con A Day encandilar a los fans más jóvenes.
To Remember. El fallo, finalmente favoreció Este “toque moderno” luce con fuerza en la
a los creadores de ‘All I Want’ y la casa dis- metalera ‘Summer’, también hallamos esos
cográfica con sede en Chicago agregó otro giros sin misericordia en ‘Self Made’. Har-
doloroso impasse a su historia. Pese a toda dcore actual, de cierto pulso mélodico y vi-
esta mala publicidad, la plataforma se las ha brante, dirigido por la incansable Mimi Tel-
arreglado para seguir alimentando una cuidada línea edito- mo, caso ejemplar para varias chicas que quieran romper
rial, escrita, seriamente, desde ese crucial “Lookinglasself” con la misoginia y sectarismo de un circuito en constante
de Snapcase. cambio; la aparición de Cameron Webb en la mezcla y el re-
En esa variada fauna de metal, emo, hardcore y pop punk conocible sello vocal de JJ Peters (Deez Nuts) en ‘What You
encontramos a los españoles We Ride, una de sus recien- Are’ son amigables cartas para esta expansión de We Ride.
tes y más atractivas adiciones. El quinteto de Vigo, de paso “Empowering Life” compone una abierta invitación a todos
por Chile el 2013, arremete con su álbum más elaborado en los fans del hardcore. Hay matices, discurso y convicciones
cinco temporadas. Evidentemente, el salto a un sello de la claras. Victory Records suma un nuevo crédito a su (incues-
primera división del underground mundial puede cambiar tionable) catálogo.
muchas en un grupo de no tan extenso recorrido, pero “Em-
powering Life” es un consciente ejercicio de constancia y Francisco Reinoso

91
U2
&41;?4A-&>11XU@4-::5B1>?->E>15??A1
ISLAND RECORDS

P
rimera recomendación para fans de frescura y garra a los temas. Con la torpe
los irlandeses: chequear la reedición pretensión de borrar el paso del tiempo, la
de hace 10 años y comparar lo que música resuena impecable, brillante, y a la vez
trae este nuevo empaque del álbum lejos del espíritu del conjunto por esa época,
más trascendente en la carrera de U2. Otros le recelosos del exceso de producción y retoque
compitan en calidad y relevancia –“The Un- que imperaba en la música popular de los
forgettable Fire” (1984) y “Achtung Baby” (1991) ochenta.
implicaron dramáticos giros estilísticos y de En cuanto a las remezclas, interesante el
sonido-, pero “The Joshua Tree” (1987) es el ángulo de Steve Lillywhite para lo que fueron
título consagratorio. En estricto rigor son dos la sesiones de “The Joshua Tree”. Además
las novedades en este relanzamiento por los 30 de ‘I Still Haven’t...’, también figura su remix
años. Primero un concierto en el Madison square garden de para ‘Red Hill Mining Town’, donde resaltan otros arreglos y
Nueva York a fines de septiembre de 1987, cuando iniciaban una toma diferente para la voz de Bono, con algunos ligeros
una segunda gira por Norteamérica promocionando aquel tí- cambios en la entonación. También es llamativa y cautivante la
tulo, tras llegar a la portada de la revista Time en abril de ese deconstrucción de Daniel Lanois para ‘Running to Stand Still’,
año y ser ungidos como la banda más grande del mundo. Luego concentrada en el ambiente más que en melodías.
un disco con remezclas a cargo de productores históricos del Para quienes solo conocen el álbum como fue editado
grupo. El álbum original mantiene la calidad de la remasteriza- originalmente, esta colección es como entrar a una dulcería.
ción de 2007 mientras que los lados b y descartes que integran Varios de los lados b son joyas por derecho propio como
esta partida han estado disponibles en otras ediciones, excepto ‘Luminous Times (Hold on to Love)’, ‘Spanish Eyes’ y ‘Silver and
una mezcla alternativa de Steve Lillywhite para ‘I Still Haven’t Gold’. A 30 años de distancia “The Joshua Tree” aún conmueve.
Found What I’m Looking For’. U2, una banda profundamente europea hasta ese minuto, se
Empeñado en limpiar y resaltar los instrumentos, el registro lanzó hacia géneros del sur profundo estadounidense que no
en la Gran Manzana parece un show capturado en una gira dominaba. No solo salieron airosos, sino que hicieron un disco
reciente. En comparación, por ejemplo, a las tomas en vivo de de rock memorable.
“Rattle & Hum” (1988), que incluía material del tour de “The
Joshua Tree”, la sensación es que el exceso de retoque le resta Marcelo Contreras

92
CARTELERA

T
TEATRO
O
“LOS VECINOS DE ARRIBA” TEATRO MORI PARQUE ARAUCO

D
os parejas, un mismo edificio, estilos de vida llena de reproches e inmersa en una monotonía. El enfrenta-
totalmente distintos. “Los vecinos de arriba”, miento con los vecinos y entre ellos dos, les llevará al límite y
la exitosa comedia del cineasta y guionista ca- les hará tomar decisiones definitivas sobre su relación.
talán Cesc Gay, se acaba de estrenar en Teatro “Esta es una comedia embriagadora. Se van a reír. A carcaja-
Mori bajo la dirección de Alejandro Goic y las das. Después, el desasosiego”, asegura Alejandro Goic.
actuaciones de Luciano Cruz-Coke, Mónica Godoy, Cristián La obra se estrenó originalmente en 2015 en Barcelona bajo
Riquelme y Catalina Guerra. La versión chilena es una co- la dirección de Cesc Gay –director de largometrajes como
producción de Centro Mori y Acertijo. “Ficción”, “En la ciudad”, “Truman”, esta última recibió cinco
Una comedia que reflexiona sobre la vida en pareja y la sexua- Premios Goya–, agotando toda la temporada y convirtiéndose
lidad a través de dos matrimonios que viven en un mismo en récord histórico en el Teatro Romea. La versión en español
edificio. Un texto fresco y ágil que toca con ironía y humor se estrenó en 2016 en Madrid y el mes pasado en Buenos
temas como la convivencia, el sexo, el amor y la apariencia. Aires, repitiendo el suceso de público y de crítica.
Todo comienza una noche Ana y Julio invitan a cenar a sus
vecinos Gloria y Salva para enseñarles el departamento y Desde el 18 de mayo
agradecerles la ayuda que les dieron cuando se instalaron en
el edificio. A medida que pasa la velada, Ana y Julio van des-
Viernes y sábado 22:45 hrs
cubriendo las tendencias sexuales de sus vecinos, hecho que y domingo 20:00 hrs.
les lleva a replantearse su propia relación de pareja, que está Teatro Mori Parque Arauco

98
Lanzamiento en Chile de LG G6 - Parque Titanium
Eduardo Troncoso, Miguel Heo, Brian Lee y Jim Kim

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Alex Kework, Adolfo Lira, Daniela Delano y Cristóbal Del Río

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Ignacio Rojas, Josefina Montané y Tere Razmilic

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Marcela Vacarezza y Rafael Araneda

Lanzamiento en Chile de LG G6 - Parque Titanium


Bianca Muñoz y Francisco Uribe

Lanzamiento en Chile de LG G6 - Parque Titanium


Marcelo Marocchino

Lanzamiento en Chile de LG G6 - Parque Titanium


Christian Vargas, Fred Redondo y Tuto Ortuzar Lanzamiento en Chile de LG G6 - Parque Titanium
Genoveva Teillon y Yazmín Rebolledo

100
Estreno obra Los vecinos de arriba - Mori Parque Arauco
Alejandro Goic y Catalina Guerra

Estreno obra Los vecinos de arriba - Mori Parque Arauco


María José Prieto y Angela Prieto
Estreno obra Los vecinos de arriba - Mori Parque Arauco
Luciano Cruz-Coke, Mónica Godoy, Cristián Riquelme y Catalina Guerra

Estreno obra Los vecinos de arriba - Mori Parque Arauco


Nicolás Saavedra, Consuelo Holzapfel y Maricarmen Arrigorriaga

Estreno obra Los vecinos de arriba - Mori Parque Arauco


Fernando Godoy

Estreno obra Los vecinos de arriba - Mori Parque Arauco


Augusto Schuster

Estreno obra Los vecinos de arriba - Mori Parque Arauco Estreno obra Los vecinos de arriba - Mori Parque Arauco
Rodrigo Muñoz y Claudia Pérez Dayana Amigo

101

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