Origen del teatro

La definición de teatro es que es uno de los componentes de las Artes

escénicas y vinculado con la actuación. En su desarrollo intervienen
actores que reproducen una historia ante el público mediante la palabra,
el canto, gestualidad, música, escenografía y sonidos.

Del mismo modo, también se utiliza la denominación o concepto de

teatro para referirse al género literario que abarca a las obras y textos
escritos para ser representados ante unos espectadores en vivo o
mediante una grabación o retransmisión televisiva.

Casi todos los estudios coinciden en que los primeros indicios del origen
del teatro, o algo parecido, se encuentran en las primitivas ceremonias
y rituales relacionados con la caza. Del mismo modo, tras la recolecta de
la cosecha, se realizaban ritos de agradecimiento con música, cantos y
danza.

Gran parte de estos rituales, se convirtieron en verdaderos espectáculos

en los que se expresaban espiritualidad y se rendía devoción y culto a
los dioses. Este tipo de manifestaciones litúrgicas o sagradas son un
elemento fundamental para el nacimiento del teatro en todas la
civilizaciones.

Hace miles de años, en Mesopotamia y en África, existían poblados y

tribus que tenían un gran sentido de la mímica, los sonidos y el ritmo.
Contaban con gran facilidad para imitar a los animales y contar grandes
historias sobre sus cacerías.
En las noches, alrededor de un fuego, se explicaban increíbles historias
que poco a poco fueron acompañadas de cierta música con tambores,
canciones y disfraces.

También sucedía algo similar con celebraciones y ritos religiosos, que se

convirtieron en verdaderos espectáculos.

Pero los historiadores se preguntan si realmente se puede considerar a

estas prácticas como teatro, ya que por lo general tenían una gran carga
religiosa. Otros, en cambio, consideran que como mínimo, son lo más
parecido a los orígenes del teatro de los que se tiene constancia.
Por tanto, si bien no se puede considerar estas prácticas como teatro, si
se puede considerar que son los primeros indicios del origen del
teatro.

Una vez dicho esto, a las preguntas ¿dónde nació el teatro? y ¿quién

inventó el teatro?. La respuesta es que el teatro nació en la
antigua Grecia entre los siglos V y VI a.C., en concreto en su capital,
Atenas.

Los ciudadanos atenienses realizaban ceremonias en honor al dios de la

vegetación y del vino Dionisio. Estos ritos evolucionaron poco a
poco hasta convertirse en teatro.

Siendo así en uno de los mayores avances culturales de la civilización

griega. Tanto que en cada nueva ciudad o colonia, era imperativo la
construcción de un edificio para el teatro.

Historia del teatro y su evolución

A lo largo de la historia del teatro hasta la actualidad, siempre ha
estado en constante evolución. Por lo tanto, es evidente que han
existido diversos tipos de teatro. Todos ellos con características y
variedades distintivas que los diferencian entre ellos.
Vamos a realizar un recorrido por el tiempo para ver cómo ha sido la
historia del teatro ver a continuación los principales:

Teatro Antiguo Egipto

En tiempos del antiguo Egipto, hacia el año 2000 a.C., se tiene
constancia de la realización de una especie de representaciones
dramáticas sobre la muerte y posterior resurrección del dios Osiris.

En este tipo de “espectáculos” religiosos se empleaban actores provistos

con máscaras para que la dramatización fuera más creíble. Pero como
hemos comentado anteriormente, los expertos coinciden que esto no se
puede considerar aún teatro.

Teatro Griego
Se considera que en la Antigua Grecia nació el teatro. En lo que se
puede considerar los inicios del teatro, se realizaban ritos en las
fiestas dedicadas al dios Dionisio. Se puede afirmar pues que el
nacimiento del teatro fue Atenas. En dichas actuaciones, se escenificaba
diferentes capítulos de la vida de los dioses griegos con cánticos
(Ditirambos) y danzas.

Más adelante surgieron las primeras representaciones dramáticas, que

se realizaban en las plazas públicas de los pueblos. Dichas obras tenían
un único actor acompañado por un coro.

Acabando el siglo VI a.C, el intérprete y poeta Tespis, consiguió tener

una popularidad enorme en toda Grecia. Tanto fue así, que hoy en día
en su honor, se emplea el término “carro de Tespis” para denominar a
todo el ámbito del teatro.

Máscaras de teatro griego. Alegre para la comedia y triste para la tragedia

El teatro griego es el resultado del perfeccionamiento de las ceremonias
y artes griegas. Como por ejemplo, la festividad de la vendimia, en la
que los muchachos cantaban y bailaban mientras peregrinaban al
templo del Dios Dionisios para dejar en ofrenda ejemplares de las
mejores vides.
Con el tiempo, se decidió que el chico más adecuado fuese nombrado
como maestro del coro o Corifeo. Del mismo modo, surgieron el
rapsoda y el bardo, que se dedicaban a recitar.

Durante el transcurso del siglo V a. C., en plena Grecia clásica,

aparecieron dos modelos de teatro: la comedia y la tragedia. Sófocles
y Esquilo, dos dramaturgos de la época, incluyeron como novedad un
segundo y tercer actor. Esto supuso un aumento en la complejidad de la
ejecución de las obras teatrales, por lo que fue necesario disponer de
mayores escenarios.

Por este motivo, se comenzaron a construir teatros cada vez más

grandes. Actualmente todavía se conserva en bastante buen estado el
teatro de Epidauro, del siglo V a. C. Este recinto tenía una capacidad
de 12.000 personas, todo un logro en aquella época. A continuación
puedes ver una foto del mismo.

También se conserva las ruinas del teatro de Dioniso, en la capital

griega (Atenas), del siglo IV A.C.

De esta edificación, llama la atención que para su construcción se

aprovechó la inclinación de la ladera de una montaña.

Las gradas para los espectadores tenía una forma semicircular rodeando
a los músicos y el escenario. Este teatro dispone de una acústica que
muy pocos teatro modernos pueden igualar.
Justo detrás de los músicos existía un edificio llamo skené, que era el
espacio donde los actores se cambiaban de vestuario. Delante se erigía
un muro con columnas (el proscenio), dónde se colocaban pinturas que
evocaban la acción representadas a modo de decorados.

El teatro griego contaba con 4 formatos principales:

1. El drama satírico.
2. La tragedia.
3. El mimo.
4. La comedia.

Los dos primeros formatos se consideraban adecuadas para un público

adulto. Mientras que las dos últimas eran consideradas algo más
“primitivas” y adecuadas para el público infantil.

Los actores del teatro, que eran todos hombres, vestían con un
vestuario al uso pero utilizaban unas máscaras para  poder
caracterizarse del personaje en cuestión que tuviera que interpretar.
¿Qué es el teatro?
El teatro es una de las actividades culturales y artísticas más antiguas que conoce
la humanidad. Es una de las artes escénicas, es decir, aquellas que tienen lugar
sobre un escenario, y consiste en la recreación de una o varias historias de distinta
índole mediante actores, discursos, música y escenografía.

El teatro ha sido cultivado a lo largo de la historia con muy distintos fines, pero

siempre comprendido como una herramienta para comunicar ideas masivamente.
De hecho, los antiguos griegos lo empleaban como un instrumento
de educación religiosa y ciudadana, poniendo en escena sus mitos y sus
célebres tragedias.

Por otro lado, también las vanguardias del siglo XX vieron en el teatro un campo

de experimentos, en el cual podían someter al público a experiencias y reflexiones
de distinta índole.

Se trata, pues, de una forma de arte muy versátil, que combina el ejercicio

intelectual con la representación de situaciones graciosas, conmovedoras,
impactantes, etc. Existen formas muy variadas de representación teatral, algunas
de las cuales ni siquiera tienen lugar dentro de un teatro, sino en la calle, y
algunas incluso exigen la participación del público.

Aunque ambos términos suelen usarse como sinónimos, en sentido estricto

conviene no confundir al teatro (la representación escénica) con la dramaturgia (la
escritura del texto teatral). El primero es un género escénico, mientras que la
segunda es un género literario. Tampoco debemos confundir al teatro en tanto
género artístico, con el teatro como edificación en la que tienen lugar este tipo de
representaciones.
Aunque distintas formas de representación teatral o escénica,
como danzas chamánicas, bailes religiosos o ceremonias de todo tipo tuvieron
lugar en la sociedad humana desde sus épocas más primitivas, el teatro como
forma de arte proviene de la antigüedad clásica, específicamente de
la Grecia antigua.

Eso no significa que no hubiera antecedentes importantes en culturas anteriores,

como la egipcia. Por ejemplo, era común en el Imperio Medio la presencia de
actores que, disfrazados con máscaras, relataban los mitos fundacionales de la
muerte y resurrección de Osiris.

Sin embargo, fueron los griegos los primeros en cultivarlo profundamente: incluso
la palabra «teatro» deriva del vocablo griego théatron, que traduce “sitio para
contemplar” (del verbo theáomai, “mirar”, del que proviene también “teoría”). Las
representaciones de la época se daban en un espacio central para la actividad
cívica, y solían asistir los ciudadanos de todas las edades, como parte de su
educación cívica, política y religiosa.

Según explica Aristóteles en su Poética, los griegos antiguos consideraban el

teatro un lugar en el que podían purgarse las pasiones bajas del ser
humano, a través de la puesta en escena de situaciones conmovedoras. Este
proceso era llamado catarsis, y garantizaba que salieran del teatro mejores
ciudadanos de los que entraban.

Inicialmente, estas representaciones eran rituales religiosos de culto a

dioses específicos, como Dionisos. Posteriormente fue desarrollándose como un
género artístico (“poético”, diría Aristóteles).

Así, los grandes dramaturgos clásicos de Grecia (Sófocles, Eurípides y Esquilo)

emplearon la tragedia (y en menor medida, la comedia) como forma de interpelar
su cultura y exponer los dramas culturales de la época, centrales en la
construcción del imaginario de Occidente. No en balde se estudian y representan
todavía en el presente, y su influencia se puede hallar en los grandes
dramaturgos de las épocas posteriores.

Características del teatro

El teatro en tanto forma artística presenta las siguientes características:

 Consiste en la puesta en escena, o sea, la representación en vivo, de

alguna historia o situaciones, en las que interactúan
distintos personajes. Dicha representación tiene lugar generalmente en el
 escenario de una instalación propicia (un teatro, anfiteatro, auditorio, etc.),
aunque también puede darse en otros ambientes, públicos o privados.
 Generalmente se representa ante un público o audiencia, que
dependiendo del tipo de puesta en escena puede verse más o menos
involucrado en la pieza, siendo espectadores pasivos o teniendo algún grado
de participación (real o simulada) en ella.
 Requiere de la actuación de profesionales entrenados en la
representación (actores), que encarnan a los diferentes personajes del
relato y que les dan vida. Antiguamente, estos actores eran sólo hombres y
empleaban máscaras que ilustraban el carácter del personaje, cosa que aún
sobrevive en variantes teatrales orientales, como el teatro del No japonés.
 Los relatos representados siempre ocurren en presencia del público, o sea,
en un presente recreado. Rara vez interviene un narrador que cuente
parte de la historia, aunque también es posible.
 El espacio teatral puede contener material escenográfico (decoración y
ambientación), así como utilería, o puede apelar a la imaginación para
suscitarlo todo.

Elementos teatrales
Toda pieza teatral consta de los siguientes elementos:

 Un escenario. Que es el fondo sobre el cual transcurre la acción y que

puede o no identificarse con el mundo real. En él suelen hallarse los
elementos de la escenografía, que forman parte del decorado, y que le
aportan atmósfera a la representación. Muchas piezas, sin embargo,
prescinden de escenografía y simplemente usan la actuación para suscitar el
fondo, el decorado e incluso la utilería.
 Objetos de utilería. Que son objetos con los cuales los actores
interactuarán: espadas, flores, árboles, vasos, mesas, y un largo etcétera.
Pueden hallarse en escena, siendo reales o simulados, o pueden suscitarse
mediante la actuación y la imaginación.
 Los actores. Lo más importante de toda pieza teatral, quienes encaran
toda clase de personajes y llevan adelante la obra al representar las
acciones de la trama.
 El guion. O sea, el texto dramático que contiene las indicaciones para
representar la obra y que puede ser más o menos obedecido por el director
de la obra
Konstantin Sergueievich Alexeiev (17 de enero de 1863 -7 de agosto de 1938)
Nació en Moscú, Rusia. Actor, director y pedagogo teatral, considerado una de
las figuras más relevantes del arte ruso del siglo XX. Alexeiev fue conocido por su
seudónimo Konstantín Stanislavski, nombre que uso desde mediados de la
década de 1880; se dio a conocer en la escena actoral rusa desde temprana edad,
con el paso de los años logró consolidarse como actor participando varios
movimientos de vanguardia, posteriormente se interesó por la producción y
presentación de obras teatrales, lo cual lo motivó a fundar el Teatro de Artes de
Moscú junto al escritor de teatro, Vladimir Nemirovich-Danchenko en 1898. En los
últimos años de su carrera realizó diversas investigaciones en torno a la
interpretación de personajes en la actuación, desarrollando uno de los métodos de
actuación más destacados y usados en el ámbito artístico conocido como Método
interpretativo Stanislavski o Sistema Stanislavski.  
Nació en el seno de una familia de comerciantes adinerada rusa, la cual estaba
interesada por el arte y el teatro, pasión que se convirtió en uno de los pilares de
la vida del artista ruso. Su padre aficionado al teatro gesto numerosos
espectáculos en su propia casa en las cuales participaron los miembros de la
familia, estos fueron conocidos como el Círculo de Alexéyev. Durante este periodo
como amateur adquirió las habilidades y técnicas que le permitieron sobresalir
años despues. Cursó estudios en baile, arte y lenguas, graduándose
posteriormente del Instituto de Lenguas Orientales Lázarev.

Trayectoria profesional de Konstantín

Stanislavski
Al terminar el proyecto de su padre a finales de la década de 1880, continuó
moviéndose en la escena actoral rusa con el seudónimo Konstantín Stanislavski,
la última parte de este nombre hace referencia al actor aficionado llamado Márkov,
con quien actuó en diversas obras. Posteriormente organizó y fue miembro de
diferentes compañías de aficionados, entre estas se destaca la Sociedad del Arte
y Literatura, asociación fundada en 1888, en la que participaron diversas personas
interesadas en el arte, en algunas ocasiones realizaron presentaciones que fueron
exaltadas por su calidad interpretativa y el desarrollo de la trama que exponían.
Estas presentaciones sobresalieron en su época, puesto que su calidad y
desbordante talento superaba lo que se había hecho por otras compañías
teatrales en Rusia.

Mientras trabajaba en esta asociación empezó a ahondar sobre su método

de actuación y como quería representar su papel, de manera que este fuera
más apegado a la realidad, para esto se cuestionaba sobre el personaje, la psique
de este y cuál era la mejor manera de interpretar a tal personaje ligando en cierto
grado este papel a sus propias experiencias, de manera que pudiera acceder
fácilmente a su memoria emotiva, trasmitiendo de forma honesta las ideas y
emociones que su personaje debía expresar. Stanislavski sobresalió en los
papeles de Anani Yákovlev en El destino amargo y Parátov en la Novia sin
dote; a comienzos de la década de 1890, empezó a dirigir artísticamente las
producciones de la sociedad, encargándose de Otelo (1896), La duodécima noche
(1897) y La campana sumergida (1898). Por este mismo periodo contrajo
matrimonio con una actriz conocida artísticamente como Lilina, juntos tuvieron a
Ksenia y Kira.
Si bien la agrupación ganó reputación durante los años en los que presentó, no
contaba con instalaciones propias en las cuales representar las obras, por lo cual
tras diez años de fundada la sociedad decidió emprender un nuevo proyecto, el
cual se consolidó con la ayuda del escritor teatral, Vladimir Nemirovich-
Danchenko, juntos fundaron el Teatro de Artes de Moscú en 1898. En los
primeros años el teatro se dio a conocer por sus excelentes representaciones y la
profundidad de sus obras; entre las obras más sobresalientes presentadas en el
teatro están: La gaviota y El huerto de cerezos de Anton Chéjov, asimismo,
sobresalieron los trabajos de Máximo Gorki. El teatro de Stanislavski renovó la
manera en que se interpretaban y producían las obras teatrales, apelando a
actuaciones más realistas, las cuales eran realizadas en base al método que
empezó a desarrollar en 1912, por medio del Primer Estudio, un campo de
entrenamiento para jóvenes actores.
A estos les enseñó como conectarse con el personaje, encontrando la manera de
unir las emociones del actor con el papel, para que sintieran y trasmitieran las
emociones y vivencias del personaje de forma más honesta y realista. Este
programa enseñado por Stanislavski profundizaba en el actor, haciendo preguntas
como ¿Quién soy?, ¿Dónde estoy?, ¿Qué quiero? Y ¿Qué debo superar para
obtener lo que quiero?, entre otras, las cuales colocaban en contexto al actor,
quien se esforzaba por interpretar su rol más naturalmente. Durante el desarrollo
de la Revolución Rusa (1917) el teatro afrontó momentos difíciles, puesto que
Stanislavski se negó a producir y presentar obras comunistas, más tarde llevan a
cabo una pequeña gira por Europa y Estados Unidos, lo cual ayudo a que
superaran el periodo de crisis ocasionado por la revolución.

En los últimos años de su vida se dedicó de lleno a la investigación y la

publicación de su obra sobre la interpretación actoral y la creación de los
personajes. La primera obra de este fue My Life in Art(1924), seguida de Un actor
se prepara (1936); años después redactó Trabajos del actor sobre sí mismo, libro
que fue publicado después de la muerte del famoso director, el 7 de agosto de
1938, debido a un infarto.
Método de Constantin Stanislavsky

 Concentración: Responder a la imaginación aprendiendo a pensar como el “personaje” que

estamos interpretando.
 Sentido de verdad: Diferenciar entre lo orgánico y lo artificial. Stanislavski creía que existen
leyes naturales de la actuación que se deben seguir.
 Circunstancias dadas: Desarrollando la habilidad de usar las habilidades anteriores para crear el
mundo del libreto (circunstancias dadas en el texto) por medio de verdad y medios orgánicos.
 Relajación: Eliminación de la tensión física y relajación de los músculos mientras se realizan las
presentaciones.
 Trabajar con los sentidos: Descubrir la base sensorial del trabajo; aprender a memorizar y
recordar sensaciones, comúnmente llamada “memoria sensorial” y/o “memoria afectiva”;
aprendiendo a trabajar desde pequeñas sensaciones, expandiéndola, técnica llamada por
Stanislavski “esferas de atención”.
 Comunicación y contacto: Desarrollar la habilidad de interactuar con otros personajes
espontáneamente, Sin violar el contenido del libreto.
 Unidades y objetivos: Aprender a dividir el papel o rol en unidades sensibles que puedan ser
trabajadas individualmente. Desarrollar la habilidad de definir cada unidad del rol, por un deseo
activo de objetivos, en lugar de una mera idea literaria.
 Estado mental creativo: Es una culminación automática de todos los pasos previos.
 Trabajar con el texto del libreto: Desarrollando la habilidad de descubrir el sentido social,
político y artístico del texto, y viendo que esas ideas están contenidas en la actuación.
 Lógica y credibilidad: Descubrir cómo es verdadero que la suma de objetivos combinados son
consistentes y coherentes, y que ellos se encuentran en línea con el libreto como un todo.
 Concentración: Responder a la imaginación aprendiendo a pensar como el “personaje” que
estamos interpretando.
 Sentido de verdad: Diferenciar entre lo orgánico y lo artificial. Stanislavski creía que existen
leyes naturales de la actuación que se deben seguir.
 Circunstancias dadas: Desarrollando la habilidad de usar las habilidades anteriores para crear el
mundo del libreto (circunstancias dadas en el texto) por medio de verdad y medios orgánicos.
 Relajación: Eliminación de la tensión física y relajación de los músculos mientras se realizan las
presentaciones.
 Trabajar con los sentidos: Descubrir la base sensorial del trabajo; aprender a memorizar y
recordar sensaciones, comúnmente llamada “memoria sensorial” y/o “memoria afectiva”;
aprendiendo a trabajar desde pequeñas sensaciones, expandiéndola, técnica llamada por
Stanislavski “esferas de atención”.
 Comunicación y contacto: Desarrollar la habilidad de interactuar con otros personajes
espontáneamente, Sin violar el contenido del libreto.
 Unidades y objetivos: Aprender a dividir el papel o rol en unidades sensibles que puedan ser
trabajadas individualmente. Desarrollar la habilidad de definir cada unidad del rol, por un deseo
activo de objetivos, en lugar de una mera idea literaria.
 Estado mental creativo: Es una culminación automática de todos los pasos previos.
 Trabajar con el texto del libreto: Desarrollando la habilidad de descubrir el sentido social,
político y artístico del texto, y viendo que esas ideas están contenidas en la actuación.
 Lógica y credibilidad: Descubrir cómo es verdadero que la suma de objetivos combinados son
consistentes y coherentes, y que ellos se encuentran en línea con el libreto como un todo.
Género épico
Género Dramático