UNIDAD 1: MÚSICA Y CONTEXTO - UNIDAD 1: MÚSICA Y CONTEXTO - FASE 3

– EXPLORACIÓN INSTRUMENTAL

ESTUDIANTE:
VICENTE ECHEVERRY MOSQUERA

TUTOR
CARLOS ALBERTO JURADO

GRUPO: 80005_163

UNIVERSIDAD ABIERTA Y A DISTANCIA UNAD

ESCUELA DE CIENCIAS BASICAS, TECNOLOGIA E INGENIERIA
COLOMBIA-2020
RUTA A:

5 BIOGRAFÍAS DE AUTORES EXPONENTES DE LA GUITARRA

Napoleón Coste (1806-1883)

Napoleón (Claude Antoine Jean George) Coste nació el 28 de junio de 1806 en Amondans,

un pequeño pueblo del Departamento de Doubs al este de Francia. Su padre fue un oficial

del ejército imperial y esperaba que su hijo siguiera la carrera militar. Sin embargo, Coste

contrajo una grave enfermedad a los once años que hizo que la familia descartara por

completo una carrera militar para el joven. Coste empezó a tocar la guitarra a la edad de seis

años bajo la tutoría de su madre, quien era una excelente intérprete de este instrumento. Fue

ella quien le animó a tomar seriamente la opción de dedicarse a la guitarra. La familia mudó

a la ciudad de Valenciennes y fue allí donde Coste dio su primer recital en público a los

dieciocho años de edad. Tiempo después comenzó a dar clases de guitarra en esa misma

ciudad. En 1828 el virtuoso de la guitarra Luigi Sagrini visitó Valenciennes a dar un ciclo de

conciertos y quedó gratamente impresionado con la calidad en la ejecución del joven Coste,

así que lo invitó a 12 participar en sus conciertos, acompañándolo en la ejecución de las

hermosas Variaciones Concertantes, Op. 130 para dos guitarras, de Mauro Giuliani.

Dos años más tarde Coste se radicó en París y en poco tiempo se hizo famoso como solista y

profesor de guitarra. Fue allí donde entró en contacto personal con los grandes maestros

Carulli, Aguado, Carcassi y Sor —con quien tuvo la oportunidad de tocar a dueto—. La

interacción con dichos maestros hizo que Coste notara algunas de sus deficiencias tanto

técnicas como compositivas, por lo que perdió el interés en la guitarra a mediados de la

década del 1830 y obtuvo un puesto como funcionario. Sin embargo, continuó enseñando
guitarra y a partir de ese momento dedicó la mayor parte de su tiempo a complementar sus

conocimientos de armonía y composición. Coste obtuvo el segundo premio en el concurso

internacional de composiciones para guitarra organizado por el noble ruso M. Makaroff en

1856 en Bruselas por su Grande Sérénade, Op. 30, quedando detrás del gran virtuoso de la

guitarra del momento, el austriaco J. K. Mertz.

En la música de Coste se encuentra una clara influencia de Fernando Sor; sus composiciones

revelan un dominio de invención y un profundo conocimiento del contrapunto. No obstante,

su estilo es único, muestra características mucho más románticas, tanto armónicamente como

en la estructura formal de sus piezas. El uso de títulos descriptivos y funciones programáticas

son clara muestra de ello.

Publicó unas sesenta composiciones a lo largo de su vida, las más conocidas son Grande

Sérénade, Op. 30; Concierto de Rondo, Op.12; 12 valses, Op. 41; Andante y minueto, Op.

39; 13 Valse favorito, Op. 46; y Concierto 25 Etudes, Op. 38. Reeditó varias de las

composiciones de Sor incluyendo una célebre edición revisada (c1851) de su método de

guitarra. Se dice que Coste fue el primero en hacer transcripciones para guitarra 'moderna' de

música para guitarra barroca escrita en tablatura. De este trabajo se destacan varias

composiciones de Robert de Visée (1686) que se incluyen en su Méthode (c1851) y en su

posterior Le livre d 'or du guitariste (El libro de oro del guitarrista) Op.52. Cabe destacar que

Coste escribió principalmente para una guitarra con una séptima cuerda agregada, como era

usual en la época.

Coste falleció en su tierra natal el 17 de febrero de 1883 y ha sido reconocido como el más

destacado compositor y ejecutante de la guitarra de Francia en todos los tiempos. (sossa,

2015)
Johann Caspar Mertz (1806-1856)

Johann Kaspar Mertz, el renombrado virtuoso de la guitarra y compositor, nació el 17 de

agosto de 1806 en Pressburg, Hungría, y murió en Viena el 14 de octubre de 1856. Durante

su infancia recibió una instrucción elemental en la guitarra y la flauta y, dado que provenía

de una familia muy humilde, comenzó a dar clases de estos instrumentos desde que cumplió

12 años para ayudar económicamente en su hogar.

Enseñar y perfeccionar su técnica en la guitarra —que se había convertido en su instrumento

favorito—, fue la tarea que ocupó todas sus horas de vigilia durante su vida joven. Recién a

los treinta y cuatro años de edad, con la ambición de ampliar su ámbito artístico, se trasladó

a Viena en donde rápidamente encontró puesto como profesor de guitarra. No mucho después

de su 14 llegada a esa ciudad, brilló como solista de guitarra en un concierto brindado en el

teatro de la corte bajo el patrocinio de la Emperatriz Augusta Carolina.

Su éxito fue instantáneo, los aplausos fueron estremecedores y los múltiples elogios no se

hicieron esperar. Sus actuaciones y brillantes logros hicieron que Mertz fuera nombrado

guitarrista de la corte de la Emperatriz. Durante los siguientes dos años hizo giras de

conciertos a través de Moravia (actual República Checa), Polonia y Rusia. En uno de estos

conciertos conoció a la joven pianista profesional que sería su esposa, la señorita Josephine

Plantin, quien aparecía compartiendo recital con Mertz. Este encuentro coincidencial en la

tarima llevó a ambos artistas a establecer una gran amistad, tanto que decidieron hacer una

gira de recitales compartiendo escena que les proveyó un gran éxito artístico y financiero.

Un tiempo después de esto se casaron en Praga el 14 de diciembre de 1842. Los recién

casados regresaron a Viena unos meses después; allí la fortuna les sonrió, sus agendas estaban

bastante ocupadas impartiendo lecciones de sus respectivos instrumentos a los miembros de

la familia real y a la élite austrohúngara. Además de ser el guitarrista más famoso de ese

periodo, Mertz se destacó por ser también un gran ejecutante de la flauta, el violoncello y la

mandolina y por componer música para estos instrumentos.

Una seria enfermedad interrumpió la exitosa carrera de Mertz en Viena, impidiéndole

aparecer en público por casi dos años. Cuando regresó a las tablas en la primavera de 1848,

el entusiasmo por parte del público se manifestó llenando por completo los diferentes teatros

en los que se presentó; mucha gente se quedaba por fuera de los escenarios. En el último

periodo de su carrera Mertz ratificó el éxito que había obtenido en los años anteriores; sin

embargo, el extenuante estilo de vida que estaba empezando a vivir le cobró un precio

bastante alto cuando el 15 14 de octubre de 1856 falleció en Viena, tan solo un mes después

de regresar de su última gira de conciertos.

En la primera mitad de 1856, M. Makaroff, un noble ruso residente en Bruselas, ofreció dos

premios para las mejores composiciones originales para guitarra. Esta oferta tenía como

objetivo estimular a compositores y ejecutantes de este instrumento. Treinta y un

competidores enviaron un compendio de sesenta y cuatro obras ante los jurados, músicos de

gran reputación en toda Europa, profesores del conservatorio de Bruselas. El jurado, bajo la

presidencia del señor Makaroff, le otorgó el primer premio de $200.00 a J. K. Mertz de Viena,

por su Op. 65 — Fantasía Húngara, Fantasía Original y La Gondolier—. Mertz nunca se

enteró de esta gran noticia, ya que falleció poco antes de que el resultado se hiciera público.

El segundo puesto lo obtuvo Napoleón Coste, guitarrista francés, por su Gran Serenata.

En sus conciertos Mertz usaba con frecuencia una guitarra de diez cuerdas, con las cuatro

más graves al aire, añadidas a las seis principales para complementar los registros graves del
instrumento. Con frecuencia su esposa aparecía en sus recitales acompañándolo con el piano.

(sossa, 2015)

Marco Aurelio Zani de Ferranti (1800-1878)

Marco Aurelio Zani de Ferranti es considerado uno de los personajes más notables de la

historia de la guitarra, virtuoso de este instrumento, compositor y hombre de letras. Nació en

Bolonia, Italia, 06 de julio de 1800, y murió en Pisa, 28 de noviembre de 1878. Descendiente

de 16 una antigua familia veneciana, a la edad de siete años llegó a Lucca, provincia de

Toscana, de la mano de su preceptor el Abad Ronti para recibir su educación.

Ferranti fue dotado de una inteligencia muy precoz y una memoria prodigiosa; su talento

poético se manifestó desde la primera infancia, tanto que a los doce años de edad escribió

poesía latina que llegó a ser leída en toda Italia. En su infancia vivió un hecho que cambió su

vida: tuvo la oportunidad de asistir a un concierto dado por el violinista Nicolo Paganini.

Ferranti quedó tan profundamente impresionado con el desempeño de este artista que la

música se convirtió en su pasión y de inmediato comenzó el estudio del violín con Gerli, el

célebre maestro. Su progreso en este instrumento fue fenomenal, a la edad de dieciséis años

su extraordinario talento hacía pensar en que se convertiría en un violinista de primer orden.

Sin embargo, al pasar los años y sin explicación aparente, abandonó este instrumento para

dedicarse de lleno a la guitarra.

En 1820 visitó París, donde dio clases de guitarra, pasó la mayor parte de su tiempo

experimentando con nuevas técnicas para tocar este instrumento y dio su primer concierto

como solista; además publicó algunas de sus primeras composiciones, pero estas no atrajeron

mayor atención. Hacia el final de ese mismo año se desplazó a San Petersburgo, Rusia, en
donde fue contratado como bibliotecario del senador Meitleff y posteriormente como

secretario privado del príncipe Varishkin, primo del emperador. Los frecuentes periodos de

ocio que le conferían estas posiciones le dieron la oportunidad de continuar sus experimentos

con las innovaciones y mejoras que tenía en mente con respecto a la técnica de la guitarra.

Esto le permitió dar conciertos y publicar más obras de su autoría allí en Rusia; sin embargo,

en 1824 fue expulsado de su cargo debido a su participación en política y por esa razón tuvo

que abandonar ese país.

17 después de una breve estadía en Dinamarca, en ese mismo año debutó en Hamburgo como

solista de guitarra con mucho éxito. Durante los siguientes tres años dio recitales en Bruselas,

París y Londres. En 1827, después de su segundo concierto en Bruselas, fue nombrado

profesor de guitarra e idioma italiano en el Real Conservatorio de la ciudad. Estos años de

estudio continuo en Bruselas le dieron su recompensa, ya que se dice que en estos años

desarrolló el método para producir sonidos sostenidos en el instrumento, lo que le permitía

ejecutar las líneas melódicas más “cantadas”, con mayor claridad.

Los resultados de sus experimentos se hicieron públicos en dos recitales en Bruselas en 1832,

por lo que fue honrado con el título de “guitarrista personal del rey” en Bélgica. Se dice que,

debido a la dificultad de las técnicas que Ferranti logró dominar con su instrumento, su

repertorio fue casi intocable para otros guitarristas, ya que nadie más logró descubrir cómo

prolongar y unir las notas con la fluidez que él lo hacía. Su capacidad de ligar pasajes

melódicos completos con el acompañamiento totalmente independiente fue uno de los

recursos más maravillosos y fascinantes para el público de su época.

Después de otra gira por Holanda, visitó Londres y, junto con el violinista Sivori, fue a los

Estados Unidos donde ambos artistas recibieron buenos comentarios. De regreso en Bruselas,
en 1846, asumió sus funciones como profesor en el Conservatorio Real hasta el final de 1854.

Su espíritu inquieto se manifestó nuevamente y dispuso un recorrido artístico desde Francia

hasta su tierra natal.

En enero de 1855, Ferranti llegó a París, donde fue recibido en el salón de los más eminentes

poetas y músicos. Después de su primer recital, Fetis escribió: “Si la guitarra tiene un

Paganini debe esta gloria a Ferranti” (Citado por Krick, 1942a). Paganini, quien también fue

un guitarrista de rara habilidad, después de asistir a uno de los recitales de Ferranti escribió:

“…le he oído, señor, con tanta emoción que tengo razón apenas suficiente para decirle que

usted es el guitarrista más milagroso que jamás he conocido en mi vida” (Citado por Krick,

1942a).

Desde París, Ferranti viajó a través de Francia hasta llegar a Italia dando recitales en todas

las 19 ciudades importantes incluyendo los centros de moda como Niza y Cannes. Finalmente

se instaló en Pisa, donde dio frecuentes recitales. En sus últimos años se ocupó

mayoritariamente en su obra literaria. Como compositor, Ferranti merece un lugar entre los

escritores más importantes de la música para guitarra. La interpretación de sus obras

originales requiere técnica de primer orden, ya que todas estas piezas fueron compuestas para

sus propios recitales. Muchas de sus obras se quedaron en manuscrito mientras que las más

reconocidas fueron publicadas, entre estas se destacan: Fantasia varie, Op. 1; Rondo de fees,

Op, 2; Six nocturnes, Op. 8; Ma derniere fantasie, Op. 4; Fantasia varie sur le Carnival de

Venice, Op. 5; Loin de toi Caprice, Op. 6; Fantasia sur la romance de Otello, Op. 7;

Divertimento on three favorite English romances, Op. 8; Nocturne sur la derniere pensee de

Weber, Op. 9; Fantasia varie, O Cara Memoria, Op. 10. (sossa, 2015)

Fernando Sor (1778-1839)

Fernando Sor nació en una muy respetada familia en 1778, fue bautizado el 14 de febrero de

ese año en Barcelona como José Fernando Macarurio Sor y siguió una carrera militar tal y

como su familia lo esperaba. Sin embargo, debido a que su padre quien le mostró la guitarra

y además lo introdujo a la ópera italiana —esto último iba a ser una gran influencia en sus

composiciones—, Sor se enamoró de la música a muy temprana edad, tanto que cuando Sor

tenía ocho años ya era un consumado guitarrista. Debido a su talento, a tan corta edad se ganó

fácilmente la aceptación en el prestigioso monasterio de Montserrat, cuando el nuevo abad

lo escuchó tocar. De este modo, Sor fue enviado a estudiar música y cursos que le sirvieron

para promover su carrera militar en dicho monasterio. Sus padres no esperaban que el joven

se 20 inclinara hacia la música como carrera, siempre creyeron en que él iba a preferir

enrolarse en el ejército.

El padre de Sor falleció cuando el joven tenía dieciocho años de edad. Tras la muerte de este,

a su madre le fue imposible continuar pagando sus estudios en Montserrat y se vio obligada

a retirarlo. Sor se vio obligado, a su vez, a regresar a Barcelona, y recibió un cargo como

militar en el cuerpo de Villa Franca del General Vives. Se cree que Sor recibió su ascenso a

teniente como resultado de su desempeño tanto en el piano como en la guitarra. Después de

cuatro años allí, Sor se retiró de las fuerzas y se trasladó a Madrid donde conoció a su primer

mecenas, se trata de la famosa Duquesa de Alba, de quien se dice también apadrinó al famoso

pintor español Goya. La duquesa era bastante diferente a otros aristócratas que apoyaban a

las artes ya que, en lugar de presionarlo a que escribiera exclusivamente para ella, le dio a

Sor un estudio en su casa en el que le dejaba trabajar en sus propias piezas y a su propia

velocidad.
En 1808, durante el punto más alto del reinado de Napoleón, el ejército francés invadió

España. Fue en este período en el que Sor comenzó a escribir música para guitarra de manera

más prolífica. Las piezas más conocidas de este período son en su mayoría de carácter

nacionalista, escritas para voz con acompañamiento de guitarra, también hizo bastantes

piezas para guitarra sola. Estas canciones fueron escritas para apoyar al ejército español y sus

compatriotas —a pesar de la creencia popular Sor fue un devoto patriota español—. Tras la

derrota española, Sor aceptó un puesto administrativo con el nuevo gobierno francés. En este

período de su vida su producción musical es muy escasa, lo que puede deberse al disgusto de

servir bajo un régimen extranjero. Algunos años después el ejército español logró derrotar y

21 expulsar a los franceses. Sor sintió el rechazo de sus compatriotas por haber aceptado un

puesto para los franceses y se vio obligado a marcharse para ese país al igual que muchos

otros artistas y aristócratas españoles quienes de algún modo le tendieron su mano al ejército

invasor. Sor se mudó a París, la ciudad que sería su morada por el resto de su vida y la que

además le vio componer la mayor cantidad de música para guitarra, se habla de más de cien

obras. Sor nunca regresó a España.

Además de compositor, Sor fue reconocido como un ejecutante del más alto nivel y capacidad

técnica. Su talento lo llevó a dar giras por toda Europa y Asia, tocando para la más alta

nobleza de su tiempo. Viajó a Rusia y a algunas de sus naciones vecinas dando recitales en

San Petersburgo, Moscú, Berlín y Varsovia. Precisamente en la capital rusa, su ballet

Cendrillion (Cenicienta) resultó ser la obra escogida para la apertura del famoso teatro

Bolshoi. Luego viajó a Londres donde vivió y trabajó de 1815 a 1823. Durante su estadía en

Inglaterra tanto sus óperas como sus obras para piano fueron muy bien recibidas, también

presentó cuatro de sus ballets en Londres.

Su momento de mayor fluidez compositiva se dio alrededor de 1827, cuando decidió dejar

de viajar por el mundo y quedarse en París. Fue en este periodo en el que escribió sus piezas

más memorables como lo son sus noventa y siete estudios y su Tema y variaciones sobre La

flauta mágica de Mozart, Op 9, la cual es probablemente su obra más reconocida. También

en este periodo Sor escribió el que aun hoy en día es considerado por muchos como el método

más completo y práctico jamás escrito para el guitarra publicado en 1830. Durante este

periodo en Paris, Sor no solo tocó muchos conciertos, sino que además tuvo gran acogida

como profesor de 22 guitarra, tuvo un incontable número de estudiantes siendo tal vez el más

famoso de ellos el general San Martín, libertador de Argentina.

Sus últimos dos años de vida debieron ser muy tristes para Sor debido a la pérdida de su hija

en el verano de 1837. Sor sufrió una gran depresión a causa de este suceso, como se evidenció

en su último trabajo sinfónico que fue una misa en honor a ella. Eusebio Font y Moresco

(aparentemente periodista local) cuenta que Sor mismo ejecutó fragmentos de dicha

composición al piano sobre la tumba de su hija mientras una tormenta le abrió paso a una

inclemente lluvia que cayó sobre él. Dos años más tarde, a la edad de sesenta años, Sor

falleció, dejando tras de sí un legado que ha continuado por casi doscientos años. El mundo

de la guitarra clásica le debe muchísimo al gran Fernando Sor por su gran aporte a los

alcances de este maravilloso instrumento. (sossa, 2015)

Giulio Regondi (1822-1872)

Giulio Regondi fue un niño prodigio de la guitarra que se transformó en un reconocido artista,

compositor de obras de gran elaboración y exigencia. Nacido en Génova o Lyon en 1822, no

se tiene el dato del nombre de su madre, pero se sabe que fue alemana y que pudo haber

fallecido durante el nacimiento de Regondi. Giulio fue criado por su padre que era italiano
(algunos dicen que pudo ser su padrastro) quien era, a su vez, un talentoso guitarrista,

compositor y barítono. Regondi hizo su debut en Paris a la edad de siete años, después de eso

se le conoció como “el infante Paganini”.

Aunque usualmente tocaba a dúo con su padre, era el joven prodigio quien embelesaba a las

críticas y se llevaba todos los elogios. Tal llegó a ser la fama de esta joven figura que el gran

virtuoso español Fernando Sor dedicó su Fantasía Souvenir admitió (Recuerdos de la

amistad), Op. 46 (1831) al joven Regondi de tan solo nueve años; se dice que también

compuso un Grand Duet (Gran dueto) ahora perdido. Esto evidencia la relación de mutuo

aprecio y admiración entre estas dos figuras y sugiere que el maestro Sor pudo haber

cumplido algún papel en el desarrollo musical del joven. Los Regondi, padre e hijo, llegaron

a Londres en 1831 y allí alcanzaron buena acogida por parte de la crítica, además de éxito

financiero, girando a través de las islas británicas. De repente, un buen día de 1835, el padre

le dejó una nota con cinco libras esterlinas, se llevó el resto del dinero que los dos habían

obtenido y lo dejó a su suerte bajo el cuidado de extraños. No obstante, el joven Giulio logró

sobrepasar este trauma con la ayuda de amigos y padres adoptivos, se volvió residente

permanente de Londres y continuó ganándose la vida como concertista por toda Europa.

Allí en Londres vivió una vida cómoda al hacerse parte de la comunidad musical victoriana.

Tuvo la oportunidad de conocer, entre otros, a Leonard Schulz —quien se encargaba de

publicar la música para guitarra de Giuliani en esa ciudad— y al polaco, virtuoso de la

guitarra, Marek Sokolowski, cuya guitarra de siete cuerdas pudo haber llevado a Regondi a

explorar las guitarras de siete y ocho cuerdas, como la que usó en la gira de conciertos que

realizó por Viena, Praga y Leipzig entre 1840 y 1841 en compañía del chelista Joseph Lidel.

En dicha gira, además de la mencionada guitarra de ocho cuerdas, Regondi ejecutó la

concertina, un instrumento inventado por Sir Charles Wheatstone a finales de la década de

1820 que el mismo Regondi popularizó, y en el que se destacó por el altísimo nivel de

ejecución que alcanzó en su edad adulta. El 24 compositor Bernhard Molique compuso un

concierto para concertina y orquesta para ser estrenado por él en 1853 y el mismo Regondi

compuso dos conciertos más del mismo tipo, además de 12 obras de cámara con

acompañamiento de piano como la Introducción y variaciones sobre un aire austriaco, Op.1

en 1855 y varias piezas para concertina sola. Regondi también escribió numerosas piezas

para guitarra solista, las más destacadas son Reverie nocturne, Op.19; Primer aire variado,

Op.21 e Introducción y capricho, Op.23, además de su serie de diez estudios para guitarra.

Regondi murió de cáncer en Londres el 6 de mayo de 1872. Su música estuvo perdida por

décadas después de su muerte. Con el paso de los años, sus composiciones fueron

redescubiertas y posteriormente editadas. Las obras se publicaron por Chanterelle en 1981 y

los estudios por Ediciones Orphée en 1995. (sossa, 2015)

DESCRIPCIÓN SOBRE LA EVOLUCIÓN DEL INSTRUMENTO EN CUANTO A

LAS DIFERENTES VERSIONES (CONSTRUCCIÓN, MATERIALES,

SONORIDADES, ENTRE OTRAS VARIABLES) QUE SE HAN DESARROLLADO

LO LARGO DE LA HISTORIA.

histórica de la guitarra española

Uno de los primeros instrumentos de cuerda en llegar a España siglos atrás fue la cithara

romana, un instrumento que carecía de lados curvos pero que compartía todas las demás

características de una guitarra.

Es muy posible que, durante la invasión morisca, el laúd árabe y la cithara romana se

mezclaran e influenciaran mutuamente. Hacia el año 1200 d.C. la guitarra de cuatro cuerdas

evolucionó en dos variantes: la guitarra morisca, que tenía un fondo redondeado, y la guitarra

latina, mucho más parecida a la guitarra actual.

A finales del siglo XV apareció la vihuela, nacida al añadir dos cuerdas y aumentar el tamaño

a la anterior guitarra. Aunque la guitarra en aquel entonces ya existía, la vihuela y el laúd

siempre ensombrecieron a esta. Solo a partir del siglo XVIII y a principios del XIX, las

guitarras comenzaron a usar seis cuerdas y se añadieron las costillas a la tapa armónica,

reforzando la estructura y permitiendo adelgazar la tapa, obteniendo así mejores sonidos. Se

comenzó a utilizar un mástil reforzado y elevado (diapasón) usando ébano o palisandro y se

sustituyó el antiguo clavijero de madera por el clavijero de tornillo. Estas guitarras son

reconocidas indudablemente como las primeras guitarras clásicas. Hacia el año 1850, la

guitarra se preparó para el mayor desarrollo de su historia. Antonio Torres Jurado refinó los

soportes

de la tapa armónica creando el actual abanico. Aumentó la caja de resonancia y el ancho del

mástil. Gracias a estas mejoras, el volumen del sonido y la respuesta de los bajos fueron

sorprendentemente mejorados. Ahora la guitarra estaba preparada, no solo para la

interpretación solista, sino también para la interpretación en un grupo instrumental. Las

guitarras actuales conservan aun lo que fue descubierto hace 150 años. Pero la guitarra, al

contrario que la familia del violín, no ha llegado al fin de su evolución.

Construcción
Para la construcción de una guitarra española es necesaria una serie de herramientas o útiles.

Este capítulo se dedicará completamente a la construcción de estos. Todo luthier tiene sus

propios útiles (ya sean hechos o comprados) de una cierta calidad. Puesto que la silueta de la

guitarra será dibujada múltiples veces durante el proceso, es necesaria la realización de una

plantilla.

Conformación de la plantilla

Sobre una plantilla de contrachapado de 5 a 10 mm de espesor (durante el proceso

experimental he observado que el espesor debe ser grande para evitar roturas en la plantilla)

se traza un eje vertical a lo largo de todo el tablón. A continuación, se realiza una marca sobre

el eje cada 1cm. En cada marca se dibuja una línea perpendicular de modo que queden 49

líneas perpendiculares al eje. A cada línea se le otorga un número del 1 al 49 (de abajo a

arriba) En la parte inferior del eje (por debajo de la línea 1) se traza una gran línea

perpendicular, a la que llamo eje de las cotas. En este eje se introducirán las cotas dadas en

la tabla siguiente:

Útil para conformar el fondo

Para su elaboración el libro sugiere el uso de dos tablones de aglomerado de 15 - 20 mm de

espesor superpuestos y pegados con cola blanca fría. He observado que el uso de un solo

tablón permite una mejor manipulación y no afecta en ningún modo su utilidad. Las

dimensiones mínimas de los tablones deben ser de 500 x 400 mm.

En el centro del tablón trazaremos de nuevo un eje vertical. Haciendo coincidir los ejes, se

colocará la plantilla. Con un lápiz muy afilado se traza la silueta en el tablón. El tablón se

serrará como la plantilla, con sierra mecánica dejando un margen. Se deben hacer unos

bajorrelieves, dónde se situarán las barretas que proporcionarán una curvatura al fondo, la

cual proporcionará resistencia física a la guitarra En la parte superior del tablón se trazan las

franjas en las que posteriormente se trazarán los bajorrelieves Trazado del útil para el fondo.

El bajorrelieve debe hacerse con un formón muy afilado. Cada bajorrelieve debe tener una

curvatura específica.

Útil para conformar la tapa armónica

El útil consta de dos partes: una parte que nos permitirá colocar las barras transversales de la

tapa y otra que nos permitirá colocar el abanico de la tapa.

Útil para las barras transversales: Este útil se elabora exactamente igual que el útil

anterior. En lugar de 4 franjas para barras como sugiere el libro, he decido realizar 2 franjas.

Esto es debido a que en la construcción de la tapa añadiré unos sistemas de refuerzo

adicionales. He pensado que, al ejecutar la boca, necesitaría mayores refuerzos a su alrededor,

por eso que he decidido prescindir de 2 franjas para añadir otros refuerzos. El vaciado de las

franjas se realiza como en el útil del fondo, con un formón muy afilado.
Útil para el abanico: Para su elaboración solo es necesaria la mitad inferior de la plantilla.

Es decir, que se usará un tablón de 400 x 300 mm. Dependiendo del grosor del aglomerado

se usan dos tablones o uno sólo.

Útil para conformar los flancos y para el ensamblaje

El libro sugiere la construcción de dos útiles diferentes cada uno para cada cosa. Sin

embargo, la estructura y el funcionamiento de ambos son tan parecidos que los he combinado

en un mismo útil sin mermar la utilidad (observé que con sólo ejecutar algunos cortes más se

podría utilizar el mismo útil para los dos. Además, he pensado que, al necesitarse 5 tablones

de aglomerado para cada útil, para hacer 2 útiles precisaría 10 tablones).

Seguidamente se pegan 5 tablones de aglomerado de 500x400x19 mm obteniendo así un

grosor de 95mm (justo la altura de los flancos). Me encontré con el problema de que la sierra

mecánica no atravesaba 5 tablones de aglomerado debido a su densidad. Por lo tanto, decidí

realizar los mismos cortes en cada tablón y luego superponerlos. Pero al superponerlos me

encontré con que las figuras no encajaban bien. (fabrega, 2012)

materiales

La guitarra es un instrumento hermoso y versátil utilizado en casi todas las formas de música.

Es divertida de tocar y de escuchar. Tal vez te preguntes qué materiales se utilizan para hacer

los diferentes componentes de lo que podría decirse que es el instrumento musical más

popular. Analicemos las diferentes partes de la guitarra y sus materiales de construcción.

(maggiolo, 2014)
El cuerpo: La gran mayoría de los cuerpos de guitarra están hechos de madera. La madera

tiene una resonancia inigualable por otros materiales. Es la vibración de la madera cuando se

tocan las cuerdas lo que marca el tono de la guitarra.

La mayoría de los cuerpos acústicos tienen un fondo de madera más pesada, como la caoba,

y una madera más ligera, como el abeto, en la parte superior. La mayoría de los cuerpos de

guitarra eléctrica están hechos de un solo tipo de madera, también un tipo más pesado para

una fuerte resonancia.

Para saber de qué materiales está hecha la guitarra es importante saber que muchas están

hechas de piezas sólidas de madera. Estas tienen un sonido mucho más consistente, pero

también son generalmente caros. Una alternativa más barata es una guitarra hecha de

laminados, que son láminas más delgadas de madera pegadas. Aunque hay muchas guitarras

laminadas muy buenas disponibles, generalmente no pueden igualar el sonido de las guitarras

de cuerpo sólido.

La barra de armadura: La barra de armadura es una barra de metal que atraviesa el cuello.

Se puede usar para corregir cambios en la curvatura del cuello debido a deformaciones y

otras cosas.

Pickups: Los pickups se utilizan en guitarras eléctricas y acústicas / eléctricas. Llevan el

sonido generado por las cuerdas electrónicamente a través de un conector y un cable a un

amplificador. Estos están formados por imanes y bobinas electrónicas de alambre de cobre.

Hay muchos tipos diferentes de pickups. El tipo (o combinación de) utilizada afectará en gran

medida el sonido producido.

El puente: El puente mantiene las cuerdas en su lugar en el cuerpo y transfiere la vibración

de las cuerdas a la caja de resonancia en una guitarra acústica. Los puentes son generalmente

de madera con una silla hecha de hueso o marfil que soporta físicamente las cuerdas.

La cejilla: La cejilla es una pieza ranurada de hueso, acero u otro material de dureza

media colocada donde el cabezal se encuentra con el diapasón. Tiene ranuras que mantienen

las cuerdas en su lugar.

El cabezal: La mayoría, aunque no todas, las guitarras tienen un cabezal en la parte superior.

Es donde están las clavijas de las cuerdas. También es generalmente donde el fabricante

coloca su marca.

Las clavijas pueden estar hechas de metal (la mayoría de las eléctricas), marfil (muchas

acústicas) u otros materiales. El cabezal generalmente está hecho de madera. Algunos

modelos eléctricos no tienen cabezal. Estos modelos tienen las clavijas en la parte inferior de

la guitarra.

Como puedes ver, la guitarra es una verdadera mezcla heterogénea de ingredientes de calidad

(y a veces no tan de calidad). El gusto personal será, en última instancia, el factor decisivo

en la que sea adecuado para ti.

Maderas más utilizadas

Al saber de qué materiales está hecha la guitarra vemos que la madera abunda. La industria

de la guitarra está de acuerdo virtual sobre las maderas utilizadas para las diversas partes del

instrumento.
La parte posterior y los lados del cuerpo de la guitarra generalmente están construidos

con palo de rosa de las Indias Orientales o de Brasil. Históricamente, el palo de rosa brasileño

ha sido la elección de los conocedores. Las marcas menos costosas usan caoba o arce, pero

la calidad del sonido sufre en las guitarras construidas con ese tipo de madera.

La parte superior (o caja de resonancia) de la guitarra está construida tradicionalmente

de abeto alpino, aunque el abeto americano Sika se ha vuelto popular entre los fabricantes

estadounidenses. El cedro y la secoya a menudo se sustituyen por el abeto, aunque estas

maderas son suaves y se dañan fácilmente durante la construcción.

El cuello, que debe resistir la distorsión por el tirón de las cuerdas y los cambios de

temperatura y humedad, está construido de caoba y se une al cuerpo entre los catorce y

duodécimos trastes. Idealmente, el diapasón está hecho de ébano, pero el palo de rosa a

menudo se usa como una alternativa menos costosa.

Ahora que ya sabes de qué materiales está hecha la guitarra puedes disfrutar de tu instrumento

y aprender a tocar como un profesional.

Sonoridades

Dependía de la cantidad de cuerdas usadas, en el Siglo XIV, se presenta la primera versión

de la guitarra española por cuatro cuerdas dobles, en el Siglo XVI, se introduce una quinta

cuerda y en el Siglo XVIII, llegamos a la guitarra clásica incorporarse una sexta cuerda. Por

otro lado, se adopta la afinación moderna y también cambia el proceso de tocar la guitarra.

(triana, 2019)
 Bibliografía

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