Música, músicos y cine en México

miradas hacia una historia posible

José María Serralde Ruiz

noviembre 2013

Resumen

Los estudios interdisciplinarios sobre el cine mexicano son todavía escasos entrado el

siglo XXI, y en consecuencia el conocimiento de su música, en particular sus partituras es

muy reducido. Los insumos de investigación sobre el tema provienen de testimonios orales

y ensayos historiográficos, lejanos todavía del análisis musical o de la historia posible de sus

procesos de producción y registro musical.

El presente texto coloca miradas sobre cinco momentos de la historia del cine en México

y de los músicos vinculados a estos, en busca de un marco multidisciplinario y una historia

posible de la música del cine en México. ¿Es posible hacer una historia de la música en el

cine sin la música? Quizás sí, a través de la historia de la música en el siglo XX en el país, la

historia del estado y su relación con las organizaciones gremiales e industriales, y la historia

de las tecnologías de registro, ejes fundamentales de cualquier aproximación a la música del

audiovisual.

1. Estudios de música mexicana para cine

La música del cine mexicano se ha abordado constantemente en los estudios cinemato-

gráficos pero pocas veces como tema central. Los acercamientos histórico y musicológicos

en países como Estados Unidos, Italia o Francia, han construido panoramas satisfactorios

1
 sobre la música de sus cines, y en algunos casos son estudios ejemplares.1 En la inteligencia

de que la historiografía sobre el cine en México plaga ya los índices de citas internacionales,

cabe especular alguna respuesta sobre este rezago específico en el caso de la música, con una

excepción que valdrá destacar.

Lo primero es el problema musicológico que precisa, para el análisis musical estricto, la

música misma. Bien sea en forma de grabaciones para transcribir o en el mejor de los casos

de partituras, los textos musicales del cine mexicano son escasos y provienen de colecciones

personales y familiares que representan sólo destellos de una posible preservación. Contadas

partituras están en manos de las sociedades de gestión de derechos autorales, en archivos

históricos estatales y en pocos acervos documentales sin la catalogación sistemática necesa-

ria. Obtener la música para su análisis implicaría ubicar las partituras o efectuar la escucha

y transcripción directamente de lo que se logra apreciar en las películas. Éste últimos por

cierto, trayecto agreste y espinoso sobre todo por el estado de conservación de muchos ma-

teriales; a penas se han logrado estabilizar las películas para evitar su deterioro pero resta

todavía su restauración. El rescate de las deterioradas bandas sonoras es laborioso tanto para

la única fonoteca especializada en los sonidos del cine en México2 como para otros estudiosos

del campo.

Hay excepciones. La más destacada es el caso de Silvestre Revueltas (1899-1940), cuya

música para cine ha sido estudiada por académicos de distintas nacionalidades a partir de

un universo de partituras accesibles gracias a la relación del compositor con las instituciones
1
Algunos trabajos, ejemplo de estudios musicológicos que explican procesos históricos, contexto pero también
análisis sobre partituras son Martin Miller Marks. Music and the silent film: contexts and case studies, 1895-1924. New
York: Oxford University Press, 1997 con referencia a Francia y EEUU, Sergio Miceli. Musica e cinema nella cultura del
Novecento. it. Sansoni, 2000 para un panorama general de la música del cine sonoro en Italia.
2
La fonoteca de los Estudios Churubusco, fundada por la diseñadora sonora Sybille Hayem en la década de los
noventa y continuado posteriormente por la propia institución, emprendió la digitalización de una buena cantidad
de materiales provenientes principalmente de cintas magnéticas. Consultar Luc Delannoy. «Sibylle Hayem, à la re-
cherche du son perdu». En: http://www.liberation.fr (ago. de 2001)). Las cintas han sido en muchos casos trasladadas
de sus soportes originales a formatos digitales diversos, proceso que enfrenta problemáticas múltiples comenzando
con la dificultad de reunir y mantener funcionales máquinas que puedan reproducir audio desde soportes de al
menos 4 tecnolgías en desuso, a saber: sonido grabado ópticamente en cinta de celuloide, cintas magnéticas de 1/4,
1 y 2 pulgadas, y algún hallazgo de sonido en película sobre nitrato, compuesto altamente explosivo en su envejeci-
miento, utilizado a través de las primeras cinco décadas del siglo XX. He testificado a través de visitas a estos y otros
estudios desde el tiempo de Hayem, que la mayoría de estos aparatos han sido desechados. Ponerlos en operación
habría sido como sea, sumamente costoso.

2
 de su tiempo. Esto significó punto de partida para las primeras aproximaciones interdiscipli-

narias al tema y probó caminos posibles hacía una musicología del cine mexicano.3

En diciembre de 2011, Jacqueline Avila defendió una tesis doctoral en la Universidad de

Riverside4 , que alivió en cierta medida la falta de reflexiones sistemáticas sobre el tema, abor-

dó reflexiones seminales sobre análisis musical pero sobre todo rastreó procesos simbólicos

de la música del cine sonoro temprano en México. Prepara la edición de un libro al momento

de este texto.

Y finalmente están los trabajos historiográficos no necesariamente musicológicos, que

han mantenido la memoria musical del cine mexicano con referencias musicales en la prensa,

sus carteleras, entrevistas y testimonios orales. Un texto en los años ochenta de Aurelio de

los Reyes constituyó por ejemplo el único texto monográfico sobre música y cine mudo en

México5 . El estudio de la música del cine sonoro pareciera en oposición, haber caído en el

campo gravitacional de sus grandes figuras mediáticas; se sustenta en los testimonios casi

siempre de aquellos que se asociaron a la canción popular expuesta también en la radio y más

tarde la industria fonográfica. La canción, pilar histórico de las músicas de muchos cines, ha

sido para el mexicano un reflector poderoso que baña a ciertos compositores y apoya el

financiamiento de una industria, pero también impide el brillo de otros músicos, opacados

como luciérnagas frente a las luminarias. Será importante ampliar el objeto de estudio lo más

posible; cualquier música compuesta para el cine, servirá para crear un panorama.

1.1. Algunos insumos posibles antes de las partituras

Un primer elemento a considerar en el estudio de la música de cine es su contexto de

producción; el momento histórico de sus sindicatos, productores y gremios determinará las

decisiones de la dupla productor-compositor; la música de cine jamás es obra de un composi-

3
Los trabajos de Eduardo Contreras Soto. Silvestre Revueltas en escena y en pantalla: la música de Silvestre Re-
vueltas para el cine y la escena. 1. ed. México, D.F: Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura : Instituto Nacional
de Antropología e Historia, 2012 sobre el tiempo y contexto de la creación de la música de cine por un lado y las
referencias más análiticas en Antonia Teibler-Vondrak. Silvestre Revueltas: Musik für Bühne und Film. German. Wien;
Köln; Weimar: Böhlau, 2011 y este último revisión de las versiones de las distintas partituras de Redes, ofrecen en
conjunto un panorama ejemplar que podría extrapolarse a otras investigaciones.
4
Jacqueline A. Avila. «Los Sonidos del cine. Cinematic Music in Mexican Film, 1930 1950». Tesis doct. University
of California, Riverside, 2011.
5
Aurelio De los Reyes. Cine y Sociedad en México, 1896-1930. Vivir de sueños. Cine y sociedad en México, 1896-
1930 1. Universidad Nacional Autónoma de México, 1983.

3
 tor. Es la reacción de éste a la solicitud creativa de un productor, tal como ocurre por ejemplo

con la música pop.6

En segundo lugar queda la música misma. Ahí se identifican los recursos compositivos

del autor y la generación de un planteamiento frente a los sonidos y las imágenes en movi-

miento. Para el tercero, habrá que relacionar estos elementos con el momento tecnológico de

la grabación sincrónica de cine y música; a saber, su tecnología de registro, formato, sopor-

te, regrabación, reproducción y sincronización. El “saber hacer” de los compositores de cine

tendrá mayor o menor relación con la tecnología y el estudio de esta relación es insoslayable.

He tomado el primer criterio para elegir cinco momentos en el cambio de las relaciones

laborales entre la industria, sus creativos y el estado, para ensayar un panorama posible, tan

sintético como esquemático, de la música y el cine en México:

1. Músicos, calle y cines 1895-1916: de la llegada del cine a México hasta la aparición del

acompañamiento orquestal para películas mudas.

2. Las orquestas 1917-1929: del restablecimiento de la exhibición en la Revolución hasta

la profesionalización del músico de cine y diversiones públicas.

3. El nacimiento de la fórmula 1930-1944: la llegada del cine sonoro y la consolidación de

las fórmulas de musicalización en la nueva industria.

4. Industria y sindicato 1945-1960: el alza y caída del Sindicato de Trabajadores de la

Producción Cinematográfica.

5. Disolución eléctrica 1961 al presente: el trayecto accidentado hacia una industria plural

en sus estéticas.

1.2. Las diversiones públicas, un asunto preliminar

La música y el cine confluyeron como otras formas artísticas del siglo XIX en el llamado

espectáculo de variedades, termino utilizado para referir manifestaciones artísticas y general-

mente multidisciplinarias asociadas a las diversiones públicas; desde fiestas privadas hasta
6
Simon Frith. «Towards an aesthetic of popular music». En: Music and Society: The Politics of Composition, Per-
formance and Reception. Ed. por R. Leppert y S. McClary. Cambridge University Press, 1989, págs. 133-150, págs. 132-
136.

4
 burdeles de al menos dos siglos anteriores al XX. La música y la danza, la poesía y la danza, la

música y el teatro podían verse más allá de los grandes teatros y salas de ópera7 , alternando.

Justo la alternancia entre ejecuciones musicales, danza, números de comedia etc., caracte-

rizaron a los salones como el Moulin Rouge en Paris o el Margherita en Italia y su formato

trascendió naturalmente al acontecer de los salones de las clases privilegiadas y francófilas

mexicanas. Lejos del ámbito rural predominante, las celebraciones del presidente Porfirio

Díaz lo mismo incluían al cuarteto de cuerdas Saloma tocando música de cámara, como una

orquesta que interpretaba habaneras, forma musical con rasgos afroamericanos, y piezas de

baile8 .

Sabemos con cierta precisión qué constituyó esta música de diversiones públicas en las

ciudades en México, que propongo esquematizar en una base trípode con base en espacios

sociales: las músicas tradicionales y la diversidad musical de los espacios del campo, en se-

gundo lugar la presencia de la “música de concierto” y “música de salón” en las ciudades

gracias a la existencia de conservatorios desde el siglo XIX, y finalmente las agrupaciones

institucionales, bandas de viento útiles en la milicia y las orquestas típicas por ejemplo, in-

terpretando la música de las ciudades, de la escucha popular y del baile.9 Estas agrupaciones

vincularon la música popular con una dotación orquestal particular, y recibieron gran acep-

tación. Las “típicas” llenaron los programas de eventos públicos y junto con la banda de

metales, se sumaron a los repertorios de concierto y bel canto en la construcción del universo

sonoro de la música en las ciudades.

Si esta era la música de las variedades mexicanas, esta fue la música del cinematógrafo,

que se convirtió en espectáculo multidisciplinario al lado de un grupo de puestas en esce-

7
Luciano Ramo ubicó en los sesenta, los orígenes de las variedades en el cafe-chantant del palacio francés del
siglo XVIII y su salida a las calles en el formato del cafe-concertLuciano Ramo. Historia de las variedades. es. Union
Tipográfica Editorial Hispano Americana, 1961, págs. 2-10
8
Clementina Díaz y de Ovando. Invitación al baile: arte, espectáculo y rito en la sociedad mexicana (1825-1910).
es. UNAM, ene. de 2006, págs. 480-484.
9
La orquesta típica mexicana nace en 1884, como una iniciativa principalmente de estado se fundó una agrupa-
ción para presentarse en Estados Unidos en representación musical mexicana. Constituida por músicos de formación
académica recibe la encomienda de transcribir músicas y danzas tradicionales para una dotación particular y bajo la
convicción de los llamados aires nacionales. La agrupación se identificó con tal nombre, estuvo compuesta original-
mente por mandolinas, salterios, bandolones, guitarras, marimba, vihuelas y violinesGabriel Pareyón y Universidad
Panamericana. Diccionario enciclopédico de música en México. Spanish. Zapopan, Jalisco, México: Universidad Pan-
americana, 2007, pág. 783 y su dirección encomendada a un italiano, inmigrante en Estados Unidos y asentado en
México llamado Carlo CurtiJean Dickson. Mandolin Mania in Buffalo’s Italian Community, 1895 to 1918. 2006.

5
 na conocidos como los géneros chicos y que derivaron en gran medida de la ópera. Tras su

presentación ante Porfirio Díaz en Chapultepec, 189610 , su música estaba prescrita. En bue-

na medida, el cinematógrafo y el género chico fueron confluencias interesantes de estas tres

tradiciones.

2. Músicos, calle y cines: 1895-1916

2.1. La música de las diversiones públicas

Las bandas militares estaban ya en los eventos públicos, y el primer cine mexicano fue

el de las vistas, momentos de la realidad retratados por distintos fotógrafos. La prensa social

especializada acostumbrada a mencionar a los ensambles que ejecutaban en bailes, tuvo que

dar un seguimiento al menos marginal a los sus músicos de las proyecciones. En la celebra-

ción de fiestas patrias de 1896 por ejemplo, el esperado baile elegante con el presidente fue

sustituido por una función de cine.11 No hay prueba constante que la banda militar acom-

pañara la proyección, pero si que estuvo ahí alternando con números musicales. Sí sabems

en cambio que en cierta función organizada por el exhibidor itinerante Carlos Mongrand en

Guanajuato, 1901, participó la Banda de la Escuela Industrial. Su participación se destacó,

pues además de tocar antes y después de la función de cine para recibir a Don Porfirio Díaz,

tocó una marcha de honor al momento en el que se proyectó una vista del presidente en

cuestión.12

Ya entrado el siglo XX los salones de cine proliferaron y también la oferta laboral para los

músicos que no tardaron en recibir las primeras películas argumentales de mayor metraje, y

de lenguaje más complejo que las “vistas” monotemáticas de corta duración. Los pianistas

proliferaron como instrumentistas solos entrado el siglo.13 Poco a poco la prensa destacó

esos momentos de interacción musical. Cuando Jacobo Granat contrató al joven pianista Je-

sús Martínez para tocar en su recién inaugurado Salón Rojo durante la exhibición de películas
10
De los Reyes, Cine y Sociedad en México, 1896-1930. Vivir de sueños. Págs. 21-23.
11
Díaz y de Ovando, Invitación al baile, pág. 545.
12
Aurelio De los Reyes. «La música en el Cine Mudo». En: Anales del Instituto de Investigaciones Estéticas 51-52
(ene. de 1983), págs. 99-124, pág. 105.
13
Luis Reyes de la Maza. Salón Rojo. Programas y crónicas del cine mudo en México. 1895-1920. México: UNAM.
Dirección General de Actividades Cinematográficas., 1968, pág. 27.

6
 la prensa reconoció su habilidad de «improvisar en el piano la música al asunto representa-

do»14 . Los pianistas como ejecutantes solistas tuvieron mejor posibilidad de improvisar los

ajustes de su música, con efectividad y cobrando menos.

Los salones más costosos pudieron pagar pequeños ensambles que elegían músicas para

cada vista; integraban al parecer compilaciones musicales, técnica muy utilizada en la música

del cine mudo de otros países.15 Es probable que la primer música mexicana para cine se

haya escrito bajo este recurso y tras el anonimato de las pequeñas salas y el extravío de las

bibliotecas personales de algún instrumentista.

En este punto el cinematógrafo requirió ejecutantes proficientes y por los repertorios

que a menudo incluían arreglos de obras orquestales, cierta formación musical académica.

Gracias al desarrollo de los géneros chicos a fines del siglo XIX, la zarzuela o su derivación con-

secuente, el teatro de revista que utilizaba las noticias semanales como insumo argumental, y

que expuso a estos músicos a la música para escena y al seguimiento de un texto dramático,

conocemos la proficiencia de los atriles de concierto en las ciudades.

2.2. Superproducción italiana y gran orquesta

En los primeros años de la Revolución la proliferación de grandes cinematógrafos signifi-

có jugosa fuente laboral para músicos, estudiantes y atrilistas16 . La industria fílmica estadou-

nidense crecía de manera asombrosa, pero en México ganó un veto por la imagen peyorativa

que algunas de sus películas mostraban del mexicano. No fue muy extenso pero fundamental

para dar paso en las carteleras mexicanas al cine francés y luego al italiano.17 La particulari-

dad de este cine europeo, es que se ofrecía en renta junto con una partitura musical ad-hoc.

El concepto de “séptimo arte” acuñado por Ricciotto Canudo (1911-1913), perfiló en Eu-

ropa una aceptación de artistas visuales, músicos y otros para interactuar de formas más

interdisciplinarias con la producción de películas. Reputados sinfonistas, operistas y compo-

14
De los Reyes, «La música en el Cine Mudo», pág. 110.
15
Ver notas sobre compilación musical en el estudio de Marks, Music and the silent film, págs. 30-49; la “música
característica como se está usando en los Estados Unidos” se menciona por ejemplo en un anuncio de El Imparcial
en 1905.
16
En 2004 hice una aproximación inicial al tema en el tercer capítulo de una tesis de licenciatura. Ver José María
Serralde Ruiz. «Música, músicos y cines en la Ciudad de México (1910-1917)». Tesis de licenciatura. México, D.F.:
Universidad Nacional Autónoma de México, abr. de 2004
17
De los Reyes, Cine y Sociedad en México, 1896-1930. Vivir de sueños.

7
 sitores de música de cámara entre 1908 y 1915 fueron contratados para escribir la música, a

menudo orquestal de las películas. Los recursos del tema musical conductor leit motif encum-

brado por Wagner, oberturas musicales antes del inicio de la película a la manera de la ópera,

la armonía cromáticas y la tensión-distensión armónica con el gesto dramático son recursos

habituales ya en estas músicas.18 Los empresarios mexicanos se arriesgaron a exhibir estas

películas, pagar las partituras, y formar orquestas para tocarlas in situ.

No todos los ensambles o músicos del Conservatorio veían el cine con buenos ojos como

veremos adelante. El músico era un trabajador del cine. Las orquestas del Teatro Hidalgo y

el Teatro Colón en la Ciudad de México, fueron agrupaciones formadas ex-profeso por atri-

listas y alumnos del Conservatorio Nacional. Con esta confluencia de músicos de concierto,

espacios como el mencionado Salón Rojo competían con ventaja frente a otras salas al vol-

verse salones de variedades capaces de contratar bandas, orquestas típicas y ensambles del

Conservatorio para el cine, los conciertos y también el baile.

Las orquestas que tocaban para el cine y luego daban concierto popular; entre sus mú-

sicos se cuentan directores reputados como Luis G. Saloma o Alberto Anaya. El acompaña-

miento a proyecciones con música orquestal se profesionalizó y tan sólo entre 1913 y 1916

fueron comunes las proyecciones con gran orquesta: Marco Antonio y Cleopatra que dirigió

Anaya, Los últimos días de Pompeya dirigida quizás por Saloma, El ballet Excelsior puesta

cinematográfica del ballet homónimo, que se acompañó con su música original escrita en el

siglo XIX por el italiano Romualdo Marenco, Cabiria que incluía como parte de su partitu-

ra la pequeña Sinfonía di Fuoco de Ildebrando Pizzeti compuesta ex-profeso, por mencionar

algunas. Algunas de estas incluían la participación de cantantes líricos durante escenas par-

ticulares.19 .

2.3. Miedo, silencio y jazz band

Los concertistas de los diez se acercaron al cinematógrafo como se acercaron también las

clases con alto poder adquisitivo que pagaron, según se lee en las carteleras de los diarios,
18
Ver El asesinato del Duque de Guise de Camille Saint-Saens (1908), estudiada por Marks, Music and the silent
film, págs. 49-60 La película se estrenó en la Cd. de México en el CINE CLUB del empresario Jorge Alcalde. No tengo
fuentes que indiquen que se haya tocado la música original del francés.
19
Consultar Serralde Ruiz, «Música, músicos y cines en la Ciudad de México (1910-1917)»

8
 hasta dos pesos por una función de cine con orquesta. Nace la crítica especializada del cine

en México, y casi de inmediato se encarga de exaltar la música de cine en los grandes salones,

y de atacar a los pianistas, orquestas típicas y de baile que se contrataron en los salones más

pequeños. En ese momento nacen también los primeros intentos de industria cinematográfi-

ca mexicana que al lado de tal actividad musical en los cinematógrafos, parecían el escenario

propicio para las primeras partituras de cine mexicano.

Sin embargo, la decena trágica en 1913 inició un proceso de desintegración social y las

posteriores ocupaciones militares de la Revolución interrumpieron definitivamente la orga-

nización de proyecciones con orquesta entre 1916 y 1917. La ciudad de México, centro de

este auge se convirtió en botín simbólico de la Revolución y territorio de hambre. Aunque la

actividad de los salones pequeños se mantuvo20 , la exhibición estaba lastimada y la ciudad

desolada. Los músicos siguieron trabajando hasta siete horas continuas21 , tocando, impro-

visando y revisitando sus repertorios hasta el cansancio. Las exhibiciones entre 1914 y 1916

carecieron de la pompa de los estrenos de cine italiano con orquesta en vivo, sobre todo en

la Ciudad de México, entre 1912 y 1914.

En 1915, comenzó a circular el periódico Excelsior y en sus páginas la voz de un crítico de

cine llamado Zeta atacó casi de inmediato la música en los cines, en su columna Escenarios

y Pantallas:

[. . . ]Uno de estos días me referí en este lugar a la letal influencia que la música

simple y americana esta ejerciendo sobre los tiernos y maduros cogollos de nues-

tros aficionados al cinematógrafo; tengo que agregar hoy que el vehículo antipa-

triótico de esa plaga, son las orquestas típicas[. . . ] [Y] después de fijaros, faltad
o
de que cese este desenfreno desatentado de "fox-trotsïdiotas, de . ne stepsïmbéci-

les y de tonterías armonizadas de factura gringa. Merece ello tanta preocupación

por lo menos como la pésima enseñanza que sacan nuestros honestos aspirantes

a ratero de las películas policíacas y de aventuras.

20
De los Reyes, Cine y Sociedad en México, 1896-1930. Vivir de sueños. Págs. 131-134.
21
Según el testimonio de un pianista, publicado por el crítico Rafael Pérez Taylor en El Universal, 5 de mayo de
1917

9
 Casi silenciosa para la prensa musical pero no para la de espectáculos, la influencia mu-

sical estadounidense de la jazz-band penetró las calles mexicanas durante la década de los

veinte. Las carteleras y programas denotan un cambio considerable sobre todo en las dotacio-

nes instrumentales. Los bailes de two-steps y kakewalk[sic] formaron parte de los repertorios

de orquestas de salón en México desde tiempo atrás, a razón de su presencia en los salones

franceses.Clementina Díaz y de Ovando. Invitación al baile: arte, espectáculo y rito en la socie-

dad mexicana (1825-1910). es. UNAM, ene. de 2006, pág. 620 Pero la nueva influencia del jazz

temprano manifiesto en los novedosos fox-trots que refiere Zeta en la cita anterior nos ayuda

a especular no sobre una mala orquesta típica, pero sí sobre una agrupación ecléctica que ha

transformado sus repertorios según las cambiantes variedades rumbo a la década venidera.

2.4. Filarmónicos unidos, vasconcelismo y sonido sincrónico

Rumbo a los años veinte nace un gran y poderoso cine llamado Teatro Olimpia y su cir-

cuito de exhibición fundado en 1916 e inagurado en 192122 ; legítmos salones de variedades

23 que reunió de nuevo orquestas típicas, concertistas del Conservatorio, intérpretes de bel

canto, bandas militares y orquestas de baile con la exhibición de películas. Una nueva gene-

ración de variedades orilló a los músicos jóvenes de formación académica o aficionados, a

experimentar con diálogos interculturales como nunca antes.

Los músicos vivieron la mayor demanda al momento . Los alumnos del Conservatorio

caminaban sólo unas cuadras para llegar a trabajar a los cines del centro de la Ciudad de

México24 En los años veinte, algunos músicos y directores del cine sonoro mexicano cono-

cieron a los intérpretes que después, como compositores jóvenes de concierto, aprenderían

mucho sobre cine, exhibición y musicalización.25

22
Aurelio De los Reyes. Cine y Sociedad en México, 1896-1930. Bajo el cielo de México (1920-1924). es. Vol. 2.
Universidad Nacional Autónoma de México, 1993, págs. 307,321.
23
Consultar otro importante ejemplo en Reyes de la Maza, Salón Rojo. Programas y crónicas del cine mudo en
México. 1895-1920
24
Según testimonio de la Mtra. Magdalena Escobedo de Pichardo pianista de cines en entrevista (2002); ellos
trabajaban desde muy chicos en los salones tocando principalmente su repertorio de clase durante la exhibición de
las películas.
25
Todo esto debió suceder lejano a la academia; sabemos que el reputado compositor y catedrático Manuel
M. Ponce repudiaba por ejemplo la nueva música de las calles y el cinematógrafo, en particular el foxtrot y las
percusiones de jazzband en los cines.Manuel M. Ponce. «El Foxtrot». En: Revista México 5 (abr. de 1921)

10
 Ejemplos claros son Silvestre Revueltas fuera de México, cuando trabajó como violinis-

ta en orquestas de los cines en Chicago26 , Carlos Chávez como organista en el citado Ci-

ne Teatro Olimpia donde por cierto conoció al hoy celebre compositor Eduardo Hernández

Moncada a cargo de la orquesta del mismo teatro. Según testimonio de este último, en di-

cha orquesta tocaba el violinista Francisco Moncayo, hermano de José Pablo el compositor y

entonces alumnos ambos del propio Hernández Moncada.27

Manuel Esperón, posteriormente compositor prolijo del cine sonoro, recordó en 2002 en

una entrevista que me concedió, su trabajo en el Cine Mina de la capital, como pianista

acompañante de cantantes populares en los intermedios musicales. Esto nos sirve para re-

cordar la llegada a México de la radio en los hogares. La música que tocaba Esperón estaba

vinculada al naciente fenómeno de la música de distribución masiva. Los repertorio de músi-

ca popular en los cines recibieron también la influencia de los escuchados a través del nuevo

medio.28 .

Las páginas de cartelera cinematográfica revelan años de trabajo constante con la música

en conexión con la exhibición, en una batalla férrea entre exhibidores que hicieron del acom-

pañamiento musical un argumento de venta.29 Rafael Pérez Taylor, crítico cinematográfico

en contacto con las exhibiciones en Estados Unidos, exigía en las funciones capitalinas la co-

nexión musical habitual en las grandes proyecciones estadounidenses30 Es claro que no todos

los exhibidores se ocuparon de contratar músicos que atendieran con eficacia ese carácter.

Los músicos padecieron una dura explotación laboral entre tantos salones de diversio-

nes,y tomando como ejemplo la Unión de Empleados Confederados del Cinematógrafo, se

conformaron en una Unión de Filarmónicos que ya defendía los derechos de sus participan-

tes. En 1921 emprendieron su primer emplazamiento a huelga contra los empresarios del
26
Roberto Kolb-Neuhaus. «El Vanguardismo de Silvestre Revueltas: una perspectiva semiótica». Tesis doct. Mé-
xico, D.F.: Universidad Nacional Autónoma de México, 2006, pág. 6.
27
Eduardo Contreras Soto. Eduardo Hernández Moncada: Ensayo biográfico, catálogo de obras y antología de textos.
es. Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información Musical Çarlos Chávez", 1993, pág. 128.
28
Que inició sus transmisiones en 1921 y resultó en 1923 en la necesidad de la regulación y autorización guber-
namental de las primeras radiodifusoras en el país.Jorge Mejía Prieto. Historia de la radio y la televisión en México.
es. O. Colmenares, 1972, pág. 15
29
Ver principalmente El Universal
30
Angel Miquel. Por las pantallas de la ciudad de México periodistas del cine mudo. spa. 1. ed. Guadalajara, Jalisco,
México: Universidad de Guadalajara, 1995, págs. 113-114.

11
 Olimpia31 , que no fue exitosa sino hasta 192332 ; curiosamente los músicos no se asociaron

en el mismo sindicato que protegía a los manipuladores y taquilleros. Tan solo al especular

qué se tocaba, en qué momento de las funciones y qué tan seguido, perdemos la cabeza. Los

músicos de la época necesitaban un gremio para protegerse.

Contradictoriamente “la típica”, una de las invenciones más artificiosamente nacionalis-

tas del porfiriato, se convirtió en un ícono de las ideas pos-revolucionarias. Dos orquestas

concentraron gran atención, la Orquesta Torreblanca y la Orquesta Lerdo de Tejada, ambas

integradas por algunos estudiantes formados en el Conservatorio. Esta nueva generación de

orquestas contó con dotaciones ligeramente distintas a la original de siglo XIX: se integraron

a través de los años trompetas, trombones y algunas percusiones como el timbal cubano33

este último presente desde tiempo atrás.

El positivismo porfirista se encargó de “recoger música de “carácter popular” en los es-

tados de la república, para formar colecciones impresas de Aires Nacionales”.34 La orquesta

típica se probó por décadas como un mecanismo socorrido de divulgación de estas músicas

sobre todo en las ciudades. El nuevo estado al término atendía los ideales nacionalistas y

liberales que resonaron en el discurso de José Vasconcelos cuando quedó al frente de la Se-

cretaría de Educación Pública fundada por Obregón en 1921. Carlos Chávez fue designado

como titular de el área de Bellas Artes de la dependencia y uno de sus cometidos fue man-

tener viva esta búsqueda de músicas tradicionales, ahora bajo los ideales de la Revolución y

un afán de reconciliación también, con el campo; en 1922 se creó el Departamento de Cultu-

ra Indígena.35 Dentro de este proyecto se organizaron “expediciones etnográficas” a las que

asistieron literatos, antropólogos, y músicos como Luis Sandi, Francisco Domínguez, Raúl

Guerrero y Roberto Téllez Girón.36

31
De los Reyes, Cine y sociedad en México, 1896-1930, pág. 320.
32
Ibíd.
33
Mario Talavera. Miguel Lerdo de Tejada: su vida pintoresca y anecdótica. EditorialÇompas", 1958, pág. 74.
34
Alvaro Ochoa. Mitote, Fandango y Mariacheros. es. El Colegio de Michoacán, A.C., 1994, pág. 83.
35
Eduardo Mijangos Díaz y Alexandra López Torres. «El problema del indigenismo en el debate intelectual pos-
revolucionario». En: Signos históricos 13.25 (jun. de 2011), págs. 42-67.
36
Esta perspectiva no fue la única. Las posturas de maestros como Manuel M. Ponce, se enfrentaban a las ideas
de músicos más jóvenes como Domínguez. Consultar en particular las reflexiones orientadas a nuestro tema de
inteŕes, sobre el Congreso de Música de 1926 en Avila, «Los Sonidos del cine», págs. 107-115

12
 Una de las primeras expediciones del músico Francisco Domínguez fue acompañando

una peregrinación a Chalma, donde transcribió danzas y cantos en campo. El resultado de

esta misión fue una película documental para la cual Domínguez refirió sus transcripciones

en una música para una orquesta típica. La exhibición de Chalma a la que asistió el pro-

pio Vasconcelos resultó un suceso fundacional aunque aislado para la música del cine en

México37 . El compositor realizó una partitura para orquesta típica utilizando las referencias

musicales de la expedición. Es visible a través del seguimiento de la prensa de la década,

que la dotación instrumental de la orquesta típica se tranformó conforme las configuracio-

nes y necesidades de las diversiones públicas. Según se aprecia en una fotografía de aquella

exhibición localizada por Aurelio de los Reyes, el ensamble utiliza la dotación instrumental

habitual de cuerda punteada, y una marimba.

Pero esta construcción de lo nacional no tenía relación con la producción de películas

mexicanas, que en el período mudo no logró despuntar. La música compuesta para cine mudo

mexicano parece haber sucedido más bien excepcionalmente en comparación a la cantidad

de arreglos y ejercicios musicales para películas extranjeras; principalmente en este tiempo,

estadounidenses. Contamos sólo con referencias, algunas de ellas de ellas provienen de los

involucrados en las orquestas típicas.

Mientras tanto, terminaban los veinte. Muchas familias tenían ya su sala cinematográfi-

ca, y en la puertas de algunas, tocaron vendedores muy especiales. . .

3. Cine sonoro y el nacimiento de la fórmula: 1930-1945

3.1. Sonido sincrónico. El momento de grabar la música de los

cines.
Juan Bustillo Oro, realizador de cine durante los años treinta, recuerda que su familia

de empresarios en la exhibición cinematográfica, asistió a la demostración de un novedo-

so invento que abandonó los inventos simples para sincronizar el sistema de grabación de

moda, el gramófono, con la exhibición de una película.38 Se trataba del cronófono, una tec-
37
De los Reyes, Cine y sociedad en México, 1896-1930, pág. 154.
38
Juan Bustillo Oro. Vida cinematográfica. Spanish. México: Cineteca Nacional, 1984, págs. 117-118.

13
 nología francesa de sonido-en-discos que sincronizaban la tecnología de reproducción del

gramófono con el proyecto de cine; introducida por la Gaumont tuvo sólo dos funciones en

el Teatro Colón que administraban los Bustillo Oro.39 En un testimonio parecido, el director

recuerda haber conocido también al empresario Lee DeForest que apenas años después pa-

tentó un sistema de sincronía de imagen y sonido con referencias mecánicas incorporadas a

las películas.

También en México se conoció el vitáfono que también lograba sincronía y que fue reci-

bido con extrañeza40 y uno de los mejores intentos de exhibición de películas con sonido en

México después del sistema de DeForest.

Ambas tecnologías habían sido utilizadas para experimentos de sonorización en las fun-

ciones de cine en México, al parecer sin demasiados avances ni posterior propagación notoria

anunciada en la prensa mexicana. Lo que nos importa para la historia de la música, es que

coincidente fueron familias de dos futuros cineastas los partícipes de este proceso de “sono-

rización”. Además de Bustillo Oro, la familia de Fernando de Fuentes, administradores del

Cine Olimpia, habrían dejado un conjunto de “saber haceres” fudamentales al respecto de

las primeras experiencias de exhibición cinematográfica y en el uso de la música, que los

tendrían preparados para las tecnologías de sonido y música sincrónica.

El gran problema es que eran tecnologías costosas. Al llegar los treinta, nace una intere-

sante productora, la Compañía Nacional Productora de Películas al tiempo que la exhibición

de cine sonoro está activada en el país. Prepararon un proyecto con muchas posibilidades

de éxito, con actores y técnicos mexicanos que ya trabajaban en Estados Unidos. Acudieron

a la novela Santa (G. Peredo, 1931) de Federico Gamboa que gozó de gran éxito. Pero, para

nuestro interés, convocaron a músicos reconocidos en las diversiones públicas: Miguel Lerdo

de Tejada, encargado de una reconocida orquesta típica, y un pianista que gracias a la radio-
39
Rosario Vidal Bonifaz. «Los inicios del cine sonoro y la creación de nuevas empresas fílmicas en México (1928-
1931)». En: Revista del Centro de Investigación. Universidad La Salle (jun. de 2008), págs. 17-28, pág. 20.
40
Ver testimonios y crítica cinematográfica de Luz Alba, citado en Miquel, Por las pantallas de la ciudad de México
periodistas del cine mudo, pág. 206

14
 difusión y su trabajo en la diversiones públicas, a saber el Teatro Lírico y el Teatro Politeama,

poseía una fama considerable41 .

La tarea de crear una película sonora con música no era trivial. Sus elementos en muchos

lugares del mundo son simplemente los presentes en las variedades. Aparece justo la base

trípode de la música del cine mudo: la canción popular, las pequeñas orquestas populares y

apenas insinuada la música de concierto, además claro de los formatos narrativos del teatro

popular42 , presentes en los géneros chicos.

Para Santa, de Estados Unidos trajeron dos hermanos mexicanos, los Rodríguez, que

se sabía trabajaban con equipo compatible con la nueva tecnología Movietone43 , que tenía

como característica grabar las oscilaciones sonoras transducidas por decirlo de algún modo,

en luz que velaba una porción de la película. La industria incluso en Estados Unidos no era

capaz todavía de fabricar aparatos demasiado portátiles, y en eso destacaron los Rodríguez

al diseñar, acaso con ingenio mexicano, una electrónica y mecánica oportunista para hacer

más portátil el equipo y exportar al sistema Movietone.

Si bien el esfuerzo no trascendió como patente, benefició terriblemente la filmación de

Santa. En la primer ocurrencia de música diegética en la película, emanan ya las nuevas ideas

nacionalistas y la prospección musicológica. Suena no un aire nacional, sino un son huasteco

frente a la cámara y los micrófonos. La participación de Lerdo como compositor se confina

a la música de créditos al inicio y al final. No hay más fondo musical. A la par Agustín Lara

asiste con la canción popular a la construcción de los espacios de prostitución a través de

la música. Tecnológicamente no era sencillo grabar la música pues, esté o no el instrumento

o la orquesta a cuadro, la música se graba en el plateau. Esta deficiencia es perceptible en

ciertas copias de la película al escuchar sobre todo la canción de Hipólito, protagonista en el

burdel; el momento en el que vemos sus labios sincronizados con la música, es mínimo, y los

problemas de la calidad del registro evidentes44

41
Consultar la detallada revisión de la música en Santa y su contexto cultural en Avila, «Los Sonidos del cine»,
págs. 19-81
42
una vez más, consultar ibíd., pág. 205
43
José Romay. Historia del Cine Sonoro Mexicano. 1931 - 2006. Sitio Oficial. 2006.
44
Ver copia que mantiene la Filmoteca UNAM, consultada en 2011 en un transfer digital.

15
 Lo ocurrido en Santa se volvió en un fenómeno mediático premeditado. La canción prin-

cipal o canción-tema se solicitó a Agustín Lara antes incluso que el arreglo orquestal de

Lerdo, ya que este último utiliza el tema para los arreglos de principio y fin de la película. La

fórmula de la canción-tema, presente desde el cine de los años diez en el cine de Griffith en

Estados Unidos45 se extrapoló al primer cine sonoro mexicano.

Los tres primeros años de músicas para cine en México se concentran en la exploración

de esta fórmula. Casos excepcionales como Alma de América (Alfonso Bustamante, 1931),

llaman la atención por ser películas que nacieron en el período mudo y fueron narradas,

dobladas y musicalizadas después. Este cine tuvo que esperar casi una década para que la

tecnología de regrabación permitiera esta operación sencilla para los ojos contempoŕaneos.46

El joven Fernando de Fuentes, asistente en la dirección de Santa, también asistió al ci-

neasta inmigrante ruso Arcady Boytler. De él y de Peredo aprende un oficio cinematográfico

del que no hubiera tenido noticia con colegas con experiencia mexicana. En particular las

productora nacientes eligen a sus músicos y las tareas de grabación en función de la profi-

ciencia de sus ingenieros. Los hermanos Rodríguez encuentran un mercado único, durante

estos años, atendiendo las necesidades de muchos productores mexicanos.

El técnico José B. Carles fue también operador de sonido, y en conjunto trabajan con

muchas de las películas del primer lustro del cine sonoro. No obstante, en casi 3 años de cine

hasta 1934, es la música diegética y las canciones tema la constante de producción. Llama

nuestra atención la película Sobre las olas de otro jóven cineasta, Miguel Zacarías, una de

las puertas de entrada para un músico checo o alemán, según reza una controversia docu-

mental47 , que inmigró a México y se incorporó rápidamente al negocio de la orquestación y

arreglos para la radio en la XEW y la XEB. En una revisión rápida a través del catálogo de

sus partituras y de música depositada en el registro de la propiedad intelectual mexicana,

su trabajo en la edición y arreglos orquestales (no de orquesta típica) o para piano y voz

de músicas originales o tradicionales fue prolijo y detallado. Max Urban era un músico de

concierto dedicado a la musicalización de teatro alemán, que ejerció rápidamente el oficio

45
Marks, Music and the silent film, pág. 128.
46
Ver copia reeditada en posesíon de la Filmoteca UNAM; consultada en enero, 2011, en DVD telecine
47
Presentación del archivo Urban.

16
 de músico de cine cuando le fue solicitado. Su proficiencia como orquestador y musicaliza-

dor era sustantiva y para 1938 es llamado para trabajar con Boytler en su proyecto fílmico

de 1934, La mujer del puerto, que será un parteaguas y ejemplo suficiente para suscribir la

fórmula descubierta.

Los trabajos de Urban provenían de una tradición compositiva distinta. Sus partitura

estaban hechas para fuerzas orquestales mucho mayores y requerían atrilistas formados

en la música de concierto. Los músicos orquestales de los cines regresaron al cine sonoro.

Trabajó José B. Carles al lado de Boytler para la operación de la grabación, y al lado de

los Rodríguez para las grabaciones en locación.48 Siguiendo el mismo modelo del éxito de

Santa, la producción solicitó una canción-tema cuya letra escribió e interpretó a cuadro en

este caso la esposa de Arcady, Lina Boytler. La música fue encargada a un arreglista de la

radio y pianista del cine mudo que hemos mencionado ya, Manuel Esperón. El trabajo de

Esperón necesitó como más adelante, de una buena cantidad de letras que musicalizar, razón

por la cual los letristas de la Radio y de muchos otros ámbitos, necesitarían una historia

monográfica que quedará fuera de la presente mirada.

Esperón arregló la música de la canción para piano, bajo y sección de cuerdas, orquesta

que se situó detrás del set de filmación mientras Lina cantaba a cuadro.49 Los Rodríguez de-

bieron solucionar la grabación con un precario sistema de mezcla. Urban recibió el crédito de

los “fondos musicales” y escribió verdaderas fantasías orquestales sincronizadas esquemáti-

camente con la pantalla. En particular, es notorio que Boytler proyectó a Urban las ediciones

sobre las que el compositor construyó su hoja guía y tomó tiempos. La grabación de la música

de la mujer del puerto no pudo más que hacerse frente a pantalla, para sincronizar como fue

habitual en las partituras de cine mudo, acciones milimétricamente alineadas con momentos

de la partitura.50 .

Estas técnicas no estaban en el “saber hacer” de los músicos de variedades, sino en los

ingenieros de sonido con experiencia previa y en el oficio de Urban. El joven Manuel Esperón
48
Eduardo De la Vega Alfaro. Arcady Boytler, Pioneros del cine sonoro. es. Universidad de Guadalajara, Centro de
Investigación y Enseñanza Cinematográficas, 1992, pág. 64.
49
Ibíd.
50
Técnica conocida como mickey mousing (Gillian B. Anderson. Music for Silent Films: 1894-1929. A Guide. 1988,
pág. xi)

17
 estuvo muy cerca del oficio de Urban, un compositor entonces de 38 años. La música de las

variedades y los géneros chicos ayudaron a los músicos mexicanos a acercarse a este ejercicio,

pero lo audible en la obra de Urban tiene pocos precedentes en el cine sonoro mexicano.

El mercado de los Rodríguez se vio amenazado con la distribución de equipo RCA en

México a mediados de los treinta. Los sistemas no sólo mejoraron sustancialmente la elec-

trónica de registro y la microfonía, sino que propusieron mejoras tecnológicas en los sistemas

de reproducción. 51

Los músicos mexicanos aprendían de la generación de compositores experimentados el

oficio de la composición orquestal para fondos musicales y en otros casos, ingresaban al

medio con canciones-tema, como fue el caso de Raúl Lavista, compositor prolijo del cine

mexicano. Su primer partitura fue la Romanza y canción-tema para Dos Monjes (1936). En

apariencia, Lavista tenía encomendados los fondos también, pero su lugar fue ocupado de

nuevo por Max Urban quien tomó como motivo conductor para el desarrollo de gran parte

de la música la canción de Lavista, incluída una formidable variación para órgano eléctrico

representando un órgano catedralicio en la película.

El trípode estético de la música del cine mexicano prevalece, pero en función de argumen-

tos y temáticas. A decir de Ávila52 , por ejemplo, la curaduría musical del cine de añoranza

porfiriana fue un interesante ejercicio de reutilización de la “música de salón” y del teatro

de revista. Por otro lado, la música de la denominada “comedia ranchera”, se despegó de

los “aires nacionales” y de las músicas tradicionales para crear un personaje que de algún

modo rechaza la realidad revolucionaria instaurado a través de la canción53 en los números

musicales del cine. La película de Fernando de Fuentes, Allá en el Rancho Grande parangón

idealizado del campo mexicano en el gobierno del presidente Cárdenas.54 ¿Quién se identifi-

ca con este “charro cantor”? No los hombres de los altos de Jalisco, para quienes lo audible

habría sido también necesario55 . La música tradicional en el cine se diluyó como en los tiem-
51
Décadas después los Rodríguez reconocieron la supremacía de la tecnología RCArodriguez_joselito_2002
52
Avila, «Los Sonidos del cine», pág. 195.
53
monfort_miradas_2013.
54
He preferido no utilizar los subgéneros de la música popular asociados con su masificación a través de la Radio;
justo para describirlos en función del encuentro de música tradicional y música popular de las ciudades
55
Arturo Chamorro. «El conjunto mariachi a partir de su apariencia sígnica». es. En: De occidente es el mariachi
y de México... Revista de una tradición. (Ene. de 2001), pág. 18.

18
 pos de la orquesta típica, en el contexto social de la música popular de las ciudades, mientras

las tradiciones musicales como los mariacheros, ensambles de cuerda de Jalisco, saltaron a la

pantalla del modo que los huapangueros saltaron a principios de los treinta.

En esta tensión-fricción Francisco Domínguez, compositor e investigador de quien habla-

mos al revisar los veinte, se mantuvo presente en la industria durante varias décadas. Aparta-

da de la orquestación tímbricamente balanceada, la música de Domínguez plantea texturas

orquestales más cercanas a los arreglos de la orquesta típica, con grupos de metales en luga-

res preponderantes del tema o de la introducción a una canción.56 ¿Podría ser la evocación

musical de Domínguez una adivinanza educada y etnomusicológicamente documentada?

XX Los números musicales cada vez más extensos, no habrían sido posibles sin la técnica

del playback, en la que se grababan las canciones primero, luego se reproducían en el set de

grabación, y finalmente se regrababan en el proceso de postproducción. El uso habitual del

playback es claro desde finales de la década de los treinta.

3.2. Compositores de concierto

La aparición de compositores reconocidos en las salas mexicanas de concierto dentro de

la escena cinematográfica sucede en México, a diferencia de países como Estados Unidos o

Francia, hasta la cuarta década de su historia y representa en todas sus décadas un ejercicio

minoritario.

Al parecer, la visión en los veintes de Manuel M. Ponce de llevar la música tradicional me-

xicana a los lenguajes musicales de concierto venció en el caso de Redes. En esta ambiciosa

empresa de producción cinematográfica financiada por el estado, el compositor duranguen-

se, formado durante varios años como concertista y compositor y maestro de Conservatorio

Nacional, Silvestre Revueltas es citado para escribir la música. Con las dirección del fotógrafo

estadounidense Paul Strand, la película Redes retrató la lucha social de un grupo de pescado-

res y exaltó el paisaje veracruzano. Revueltas trabajó algunos años antes en Chicago, como

atrilista en una orquesta de cine mudo y sabemos por su correspondencia que comenzó la
56
Ver Qué lindo es Michoacán (1942) de Ismael Rodríguez, sobrino de los sonidistas Rodríguez que emplea al
cantante Tito Guizar, figura del radio como personaje central, atendiendo también los conjuntos de cuerda tradicio-
nales.

19
 composición de la música de Redes sin haber visto la película57 , muestra clara de un oficio

desarrollado. No es nuestro interés hablar de nueva cuenta sobre Redes, pero sí evidenciar

lo difícil que es situar esta partitura de asombrosa factura en el contexto de la evolución y

aprendizaje del resto de los compositores mexicanos de cine.58

Mientras tanto, y a la par de estos ejercicios de virtuosismo artístico, los cinematógrafos

se llenaban con públicos de todas las clases sociales pero principalmente, y a razón de sus

costos, por las clases trabajadoras.

Por ese tiempo, el exilio español allegó también el nombre de Rodolfo Halffter, compo-

sitor madrileño que trabajó en películas de Rex Films y Films Mundiales, y es quizás justo

este universo de producción cinematográfica. Su labor fue primordialmente como autor de

fondos musicales y trabajo junto con Raúl Lavista quien hacía todavía las canciones o Ma-

nuel Esperón. A compositores como Halffter o el también español Antonio Díaz-Conde se les

requería para las músicas de alusión ibérica. Díaz-Conde por ejemplo, fue también autor de

coreografías y trazos escénico en bailables flamencos.

3.3. Producción de escala industrial

Desde 1939 se había fundado por iniciativa de un grupo de músicos entre los que destacan

para nuestro estudios Mario Talavera, cantante y compositor ex-integrante de la orquesta

Típica Lerdo, Alfonso Esparza Oteo, y Manuel Esperón, el Sindicato Mexicano de Autores,

Compositores y Editores de Música, aprovechando un reglamento expedido por el presidente

Lázaro Cárdenas que reconocía los derechos exclusivos de autores, traductores y editores.59

En general, los sindicatos en México están previstos por la Constitución Mexicana como

instrumentos de asociación y por tanto, este sindicato no tuvo posibilidad reconocida de

efectuar gravámenes en materia de explotación de derechos autorales. Considerando que

los convenios internacionales que detallan la naturaleza de estos derechos en la actualidad

se comenzaron a explorar hasta los años setentas, las controversias se resolvían de forma
57
Silvestre Revueltas. Silvestre Revueltas, por él mismo: apuntes autobiográficos, diarios, correspondencia y otros
escritos de un gran músico. es. Ediciones Era, ene. de 1989, pág. 53.
58
Para una revisión detallada de la obra y sus distintas versiones, consultar Roberto Kolb-Neuhaus. «Silvestre
Revueltas’s Redes: Composing for Film or Filming for Music?» En: Journal of Film Music 2.2-4 (mar. de 2010)
59
Juan S. Garrido. Historia de la música popular en México: (1896-1973). es. Editorial Extemporaneos, 1974, pág. 83.

20
 casuística y a través de la legislación local. Por lo tanto, entrada la década de los cuarenta

este mismo grupo de músicos sindicalizados fundó la Sociedad de Autores y Compositores

capaz de efectuar los gravámenes. La nueva institución logró a partir de 1945, un mayor

control de la recaudación por uso de los derechos autorales en las industrias fonográfica,

cinematográfica y radiofónica.

El lustro posterior a 1940 presentó un evidente crecimiento en la producción cinema-

tográfica nacional, y por supuesto un incremento en la inversión económica de distintos

actores para fortalecer los medios de producción. El estado por supuesto se encontraba vin-

culado con el proceso en muchos sentidos y por supuesto a través del sindicalismo. Para

1944 se produjeron 75 películas.60 Para mantener este asombroso nivel de producción, la in-

dustria albergó más de 7,000 trabajadores agrupados en un sindicato único, el Sindicato de

Trabajadores de la Industria Cinematográfica (STIC), que había operado durante más de una

década. Algunos nombres de compositores comienzan a desaparecer y otros a hacerse más

recurrentes. En ese mismo año por ejemplo, debutaron al menos 14 nuevos directores y de

esas películas 14 al menos están creditadas con partituras de Manuel Esperón. La cantidad

de compositores no crecía proporcionalmente con la de otros talentos de la industria y son

quizás sus filiaciones gremiales parte de una respuesta posible.

La industria cinematográfica reconocía además la participación de estos compositores

a través de su propio mecanismo de validación. Tal es el caso de los premios nacionales

de cinematografía de la Asociación de Productores y Distribuidores de Películas Mexicanas

fueron otorgados, bajo la categoría de “Premio Nacional como la mejor música de película

de” el año en cuestión, a compositores como Miguel Bernal Jiménez en 194261 y antes por

supuesto, a Silvestre Revueltas.

Las temáticas del cine, diversificadas sí, visitaban ahora también las clases sociales ago-

tadas por los ideales cardenistas. El desarrollo de los textos cinematográficos posibilitaron la

exploración de la música de fondo en películas que no solicitaban canciones. Vale la pena no-

tar interesantes partituras donde compositores trascienden los formatos cortos para escribir

música orquestal. Ejemplos son Crepúsculo (1942) de Julio Bracho con fondos musicales de
60
Carl J. Mora. Mexican Cinema: Reflections of a Society. en. University of California Press, 1989.
61
“Premios de la Asociación de Productores y Distribuidores de Películas Mexicanas”, El Universal, p. 46

21
Raúl Lavista, interpretados por miembros de la orquesta Sinfónica Nacional y con el violín

solista de José Rocabruna, o la música de Halffter por ejemplo, que ocupó el único lugar en

la nómina de compositores para varias películas.

Manuel Esperón, por supuesto, se había incorporado ya al grupo de compositores ca-

paces de escribir fondos musicales pues su actividad no jamás desde su incorporación a la

industria como cancionista en La mujer del puerto, y es El Peñón de las ánimas (1942) de Mi-

guel Zacarías, marca una época interesante en su carrera. La aparición de los ensambles de

música tradicional y popular habían mantenido más o menos sus dotaciones instrumentales

y conformación numérica. La figura del “charro cantor” llevaba más de un lustro de sofistica-

ción, y las canciones se presentaban en números musicales secuenciales durante las tramas,

como en las antiguas diversiones públicas. El último número de “canción ranchera” de esta

película, presenta al conjunto tradicional de cuerda repentinamente reforzado por orquesta

y coros. El estilo de orquestación de Esperón fue en general predominante en la sección de

metales y en particular en las trompetas y no es extraño que los arreglos para el mariachi

hayan conservado esta característica.

Esto propone también atención en la tecnología de grabación y registro. Los equipos

RCA dominaban prácticamente todas las grandes producción de cine, y una de sus ventajas

particulares era su microfonía renovada desde 1941 rumbo a la microfonía de condensador.

Esto posibilitaría que las trompetas no se escucharan sobre la masa sonora del conjunto de

mariachi de cuerdas. Con todo, el sonido seguía grabándose en película óptica, situación que

hacía imposible la regrabación y cada toma eran pies de película virgen. La mezcla implicaba

la sincronización manual de dos grabaciones para ser vaciadas en una tercera película óptica.

La recurrencia del mariachi orquestado y luego el mariachi en su dotación de cuerdas

más la sección de trompetas, comienza a ser más bien una constante en la obra de Esperón.

Si consideramos que su trabajo y el de una decena de músicos de cine comenzando por Max

Urban en los treinta, se había complementado con la dirección, arreglos y composición para

las orquestas que financiaba la XEV y la XEW, no es extraño que las técnicas compositivas

exploradas en el cine, hayan trascendido al resto de las industrias mediáticas.

22
 Hasta estos años, las grandes dotaciones instrumentales eran una elección; grandes o

pequeñas según fuera la necesidad narrativa, posibilidad que estaba a punto de terminar.

4. Industria y sindicato, un sueño recompuesto 1945-1960

Todos queríamos ser Max Steiner.

Manuel Esperón

En 1945, un importante proyecto de inversión, con la mitad de su capital aportado por

Hollywood a través de la RKO, dio origen a los Estudios Churubusco con una inversión casi

obligada de equipo de grabación62 ; a través de las películas aquí producidas, detecto un uso

mayoritario de equipo de la RCA. Si bien detecto que las películas filmadas en los estudios

más importantes, San Ángel y América a partir de 1947, utilizaban la misma tecnología de

grabación de buena calidad, el proyecto apoyado por la RKO y por el empresario Emilio

Ascárraga habría de construir la sala de grabaciones más grande de toda industria mexicana.

Este año representa un parteaguas en el sistema de producción cinematográfica: la con-

solidación de un proceso de fortalecimiento que inició en los años treinta y se consolidó en

1945 a través de las sociedades de gestión de derechos autorales; en segundo lugar el control

y fortalecimiento a la vez de todos los ámbitos de la producción cinematográfica incluído por

supuesto el de la grabación musical, resultado del cisma del STIC y el naciente Sindicato de

Trabajadores de la Producción Cinematográfica. El tercero y último fue el desarrollo acelera-

do de tecnologías de grabación en los estudios que heredó mucho conocimiento en materia

de grabación y regrabación de músicas para cine.

Los estudios de grabación fonográfica y reproducción de discos proliferaba a razón de

la inyección de programaciones en la XEW y las cifras en la producción de cine y de discos

hablan de inversiones sustanciosas desde la inciativa privada. La indsutria no obstante no

beneficiaba a todos por igual y los conflictos no se hicieron esperar.

Un grupo de inconformes buscó distinguir a los vendedores de dulces, por ejemplo, de los

roles creativos como el de el director o el musicalizador. Después de una pugna que sale del

enfoque de este texto, nace un segundo sindicato solicitando reconcimiento: el Sindicato de

62
Emilio García Riera. Historia del cine mexicano. es. Secretaría de Educación Pública, 1986.

23
 Trabajadores de la Producción Cinematográfica (STPC), que obtiene en 1945 el reconocimien-

to de la CTM y un repentino edicto presidencial que los reconocía como únicos capcitados

para agrupar creativos de largometrajes. En una situación compleja para el STIC, la STPC

agrupó a la fuerza creativa que incluía a los músicos de cine y expulsó a los directores adscri-

tos al STIC, por no poseer experiencia en el largometraje. De tal modo, la STPC con el apoyo

presidencial transformó la manera en que se haría música en el cine mexicano de la siguente

forma: la sección 4 de la STPC agrupaba exclusivamente a los filarmónicos, es decir atrilistas

y compositores; las mismas prerrogativas que condicionaban el acceso al sindicato condicio-

naron a los músicos fuera de él y, a través del edicto presidencial nadie fuera del sindicato

pudo hacer largometrajes fuera de la STPC; para ingresar se necesitaba “experiencia”.63

Y con la STPC también vino un nuevo contrato colectivo que permitía al sindicato el co-

bro cuotas de tránsito o desplazamiento por cada trabajador sindicalizado no contratado. El

director Víctor Ugalde, explica que este desplazamiento equivale en el caso de los directores

al 100 % de su salario, y en el caso de los compositores además a pagar prestaciones sociales.

64 De tal modo, si un productor necesitaba pequeña orquesta, tendría que pagar desplaza-

miento por todos los miembros de la egran orquesta que no estuvieran presentes. Resultaba

más costoso por lo tanto no emplear suficientes músicos adscritos a “la cuarta” del STPC,

creando una clara tácita obligación estética para los compositores. Si bien estas obligaciones

se heredan de algún modo del sindicato anterior, su institucionalización queda clara en este

momento.

4.1. Época del oro, a medio siglo

Con las sociedades de gestión de derechos, las radiodifusoras y los puestos de produc-

ción, el control laboral a través de los sindicatos, la maquinaria de musicalización había

recompuesto el sueño de los treinta. La música popular exitosa a través de la XEW, figura-

ba también en los números musicales de las películas que mantenían sus fórmulas ligadas

a una compleja cadena de difusión musical. La radio transmitía los éxitos de la industria
63
Mora, Mexican Cinema, págs. 69-72.
64
Ver Víctor Ugalde. «Laberinto cinematográfico o cómo filmar en México». es. En: Produccion cinematografica.
UNAM, 2005, págs. 92-96

24
 disquera, y esta replicaba la música del cinematógrafo, situación comprobable a través de

las inserciones de prensa. Mientras tanto, los compositores de fondos musicales aprendieron

el oficio de los arreglos para géneros musicales sólo tan diversos como las temáticas de los

argumentos de la década. Las grandes orquestas radiofónicas permeadas por la influencia

de músicas de la radio eran replicadas estilísticamente a través de los arreglos de Manuel

Esperón, Raúl Lavista, Julio César Carreón y otros compositores. El compositor de cine mexi-

cano debía escribir para orquesta sinfónica, pero también arreglar números de baile y seguir

orquestando el mariachi cuando era preciso; en estos casos, el compositor de la STPC se

creditó como director musical. Del mismo modo, apariciones de orquestas de baile como la

de Dámaso Pérez Prado abrían líneas, convenios sindicales y cesiones de derechos autorales.

Películas como Aventurera (1949) de Alberto Gout son ejemplo de la afluencia y conciliación

de talentos entre industrias mediáticas.

Alrededor de 1953, debió llegar a la Ciudad de México uno de los primeros sistemas de

grabación magnética, que permitía la reutilización de las cintas además facilitaba la reescri-

tura de tomas o mezclas equivocadas; es decir, la regrabación, proceso en el que se mezclan

y sincronizan en su caso las pistas de efectos sonoros, diálogos y música.65 de las jornadas

exhaustivas y de exigencia para los sonidistas en México, que debían improvisar soluciones

frente al volumen de trabajo y los recursos escasos, más por lo innovadoras de las tecnologías

que por problemas presupuestales. El cambio repentino de soportes de grabación a magnéti-

co implicó también la escasez del material que debía reutilizarse. En buena medida esta es la

razón por la que las grabaciones originales no llegaron a nuestros días.

El gremio de compositores protegido por el contrato colectivo a penas crecía con la incor-

poración de Sergio Guerrero, el español Gustavo Pitaluga también llegado con el exilio y muy

pocos más. En cambio, con el incremento de productoras, el uso de los Estudios Churubusco

tuvo un calendario apretado de operación por la mañana y por la tarde, situación que preva-

leció durante casi dos décadas más.Malú Huacuja. Los artistas de la tecnica: historias íntimas

del cine mexicano. es. Plaza y Valdes, 1997, págs. 57-59 La demanda de música era grande;
65
El técnico en grabación y regrabación de sonido, Roberto Camacho, entregó testimonio a Malú HuajucaMalú
Huacuja. Los artistas de la tecnica: historias íntimas del cine mexicano. es. Plaza y Valdes, 1997, págs. 57-59

25
 he encontrado compositores que reutilizaron sus propias grabaciones orquestales previas, en

películas de los cincuenta; será preciso dar seguimiento particular a este fenómeno.

Las temáticas se extendían con mucha más ferocidad a través de la vida de la Ciudad y de

la ya muy golpeada clase media. Figuras actorales consolidadas como Jorge Negrete o Pedro

Infante, son a la vez producto del imaginario cinematográfico y de la industria discográfica.

Poderosas unidades de producción como las del director Ismael Rodríguez, pusieron en ope-

ración una destacada línea de producción de grabación, regrabación y edición en la historia

de la grabación orquestal mexicana. Todavía en soporte óptico, la inventiva de Rodríguez

obligó a los técnicos a verdaderas proezas de edición.66

El trípode se desvanece tras la paulatina disolución de las músicas tradicionales en las

músicas populares de la ciudad, y el envió de los músicos de concierto a los fondos musicales.

La cantidad de reflexiones sobre los significados, los espacios físicos y su asociación con la

música en el cine de los cincuentas, salen de nuestras posibilidades en esta “mirada”.

A fines de los años cincuenta, el gobierno del presidente Miguel Alemán emprendió la

construcción de la Ciudad Universitaria; y colocó un sector poco definido en la expresión

musical cinematográfica al centro: la juventud. No es coincidencia que por obligación te-

mática se diera paso a una generación de intérpretes que en otras cinematografías habrías

subido antes a las pantallas: los improvisadores de jazz. La música de la radio y las fiestas

juveniles, el mambo o el swing por ejemplo, se vuelven constante en el cine mexicano y en

particular el segundo dio espacio al rock and roll recurrente en el cine mexicano desde me-

diados de la década de los cincuenta.67 Los músicos de rock aparecían creditados al lado de

los compositores de la STPC y el cine una vez más idealizó las relaciones entre juventud,

mambo y rock a los cuales a menudo se le unía una orquesta invisible en pantalla, del modo

en que aparecía detrás del “charro cantor”. la orquesta de la STPC. El financiamiento de es-

ta y otras situaciones eran difíciles de sostener y la gran industria se debilitaba mientras el

estado decidía, como presunta medida de apoyo a la industria cinematográfica en 1960, ad-
66
Como ejemplo, la película Mátenme porque me muero de I. Rodríguez (1951), comedia con una compleja edición
sonora
67
Ver Mi adorada clementina (1953), Al compás del rock and roll (1956) de José Díaz Morales con música de Díaz
Conde y los números musicales de Mario Patrón o Música de siempre (1956) de Tito Davison

26
 quirir cadenas de cines evidenciando un interés en el control de los circuitos de exhibición68 ,

y prediciendo una muerte lenta.

5. La disolución eléctrica 1961 al presente

Con el rock y las nuevas tecnologías de grabación vino también un cambio paradigmático

primero en la música de las diversiones públicas: los instrumentos eléctricos. Fueron años de

mucho trabajo para los ídolos juveniles en el cine y al parecer, el rock and roll mexicano se

moldeaba también a partir de los números musicales que los argumentos cinematográficos

requerían. En términos de producción la grabación recurrente de instrumentos eléctricos tra-

jo obligaciones para los técnicos de estudios Churubusco. Era habitual hasta hace algunos

años, visitar los Estudios Churubusco y encontrar piezas inservibles de aparatos electrónicos,

filtros de señal para sonido por ejemplo, firmados con el apellido de algún ingeniero. Un ele-

mento recurrente en las grabaciones de rock and roll fue la distorsión y otro la reverberación.

Esta última se necesitaba en el cine para muchas circunstancias al punto que, acondicionada

como bodega ya en los últimos años y colindante con la gran sala de grabaciones en Chu-

rubusco, estaba el cuarto de reverberación; habitación vacía donde se colocaba una bocina

en un extremo y un micrófono dentro, para regrabar el sonido con su efecto reverberante

natural; quedan por indagar las precisiones y fechas de utilización de estas tecnologías. Los

cambios tecnológicos influyeron también en los efectos sonoros del cine. Es conocido en este

ámbito el trabajo del creador de efectos sonoros Gonzalo Gavira en esta década cuyos cré-

ditos no están del todo documentados. Vale la pena hablar de la pista de efectos sonoros en

los sesentas pues los instrumentos eléctricos habrían de utlizarse también para la creación

de efectos. El cine de ciencia ficción, la electrónica y manipulación magnética de la banda

sonora permitió experimentos lúdicos de mucho interés69

En la década de los sesenta continuó el encuentro entre músicas populares y fondos musi-

cales que repartía en ocasiones los créditos de musicalización fuera de la STPC. En principio

la industria dotaba de todas las condiciones para la generación de películas, pero muchas

situaciones estaban por poner en duda la estabilidad del control sindical. En principio, la
68
casas_conservacion_2007.
69
Ver La nave de los monstruos (1959) de Rogelio A. González, con música de Sergio Guerrero.

27
 cuestión de continuidad exigía la regeneración de cuadros; esta inquietud provocó por ejem-

plo en 1963, el nacimiento de el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos desde la

Universidad Nacional que sin duda representó un espacio para los jóvenes en torno al cine,

pero no es sino hasta 1968 con la triste y tensa relación de juventud y estado, que la obra de

resistencia de los alumnos recibe atención.70

Para la musicalización resulta importante el momento en el que la STPC convoca a dos

concursos de cine experimental, en 1965 y 1967. El ganador del primero, Rubén Gámez, sor-

prende por su trabajo de edición audiovisual para el que sincroniza magistralmente fragmen-

tos de música con vistas enérgicamente integradas de la Ciudad de México en La fórmula se-

creta71 . La manipulación en moviola ponía en manos de los jóvenes el saber hacer que antes

tomaba trabajo exhaustivo sobre las grandes mesas de edición.

En los años sesenta se forman las escuelas compositivas que estaría por preparar las

décadas siguientes en la música del cine nacional. En entrevista en las instalaciones de la

Sociedad de Autores y Compositores, el Mtro Leonardo Velázquez, compositor de varios tí-

tulos en la década de los setenta, narró su asistencia a las sesiones de escucha de discos

importados de música de concierto, que el Mtro. Raúl organizaba para sus alumnos en casa.

Los sindicatos sumamente debilitados hacían concesiones para la aparición de una pléyade

de pequeños grandes contribuidores a la música del cine nacional, a saber: los compositores

de concierto Hernández Moncada, que legó a la industria al final de los cincuentas, Joaquín

Gutiérrez-Heras con detallada música para películas de Juan Ibañez, José Gurrola o Carlos

Velo. Todos con una libertad creativa mucho más amplia y la posibilidad de escribir, música

de cámara para dotaciones muy variables.

Los músicos de rock y jazz, tuvieron la posibilidad de hacer fondos musicales también.

Carrión y el propio Lavista, escribían jazz de salón para acompañar las andanzas de Mauricio

Garcés, o Angélica María. El cine independiente por su parte llevaría el estandarte del rock y

la canción de protesta en su propio contenido. Los tristes acontecimientos del 68 oscurecieron

sí la participación del rock de las calles en la menguada industria, pero eso sólo podía ser un

buen augurio.
70
violante_docencia_1988.
71
medrano_p._quince_1999.

28
 5.1. Desde 1970, pequeños renacimientos y mecenazgos
En 1971, el estado adquiere los Estudios Churubusco y en 1972, la actividad incesante y el

ritmo de producción o coproducción del estado disminuyo hasta alcanzar 20 películas al año,

dejando la subsistencia de la producción en manos de la iniciativa privada e independien-

te72 Sin el peso de los sindicatos, el estado crea instrumentos par el apoyo cinematográfico,

CONACINE de 1974, una atípica empresa de producción y fondeo, otorgó cierta posibilidad

de continuidad. Los productores elegían la posibilidad de elegir su musicalización con total

libertad, y en muchos casos la decisión de usar poca o ninguna música no-diegética, 73

Nuestra reflexión termina en los años setenta a razón de un fenómeno claro de disocia-

ción estética; de cruce de caminos que se pierden hasta los años dos mil. Cada unidad de

producción tomó sus propios caminos que necesitarían un seguimiento detallado. No obs-

tante, se pueden mencionar algunas tendencias interesantes:

En la década de los ochenta, la electrónica trasciende al ámbito digital; la síntesis FM y

los secuenciadores, permiten al sistemas de producción musical que un músico grabe

electrónicamente con timbres sintéticos los fondos musicales de una película completa

a muy bajo costo.

En 1983, se fundó el Instituto Mexicano de Cinematografía y fue claro el planteamiento

de reorganización presupuestal para el apoyo que brindaría el estado. En 1990 se liqui-

daron las empresas productoras estatales Conacite y Conacite II y terminó el finan-

ciamiento participativo del estado en la producción cinematográfica. Los presupuestos

para producció claramente quedaron en la posibilidad de cruzar el financiamiento de

IMCINE y la inicativa privada. Esto como sea, dio origen a un sin fin de soluciones

creativas para la música.

Los fondos musicales todavía orquestales y para pequeñas dotaciones se hicieron pro-

ducto del esfuerzo de los productores independientes, y en los ochentas desaparecieron

casi por completo. Los años noventas fueron una época importante para la producción
72
Riera, Historia del cine mexicano, págs. 296, 313.
73
Ver Reed, México insurgentei (1971) de Paul Leduc, Poquianchis (1976) de Felipe Cazals, o El lugar sin límites
(1977) de Arturo Ripstein).

29
 cinematográfica en general, pues la musicalización del cine tuvo que reconfigurarse por

última vez en el siglo. Los resultados fueron muy diversos a razón de la libre asociación

entre instituciones y productoras que beneficiaron al cine en su postproducción.

En los ochenta, el rock en todas sus múltiples manifestaciones se vuelve centro de

gravedad para las cinematografías.74

Las escuelas de cine CUEC y CCC, en principio, han fundado la permanencia de varios

músicos que conocen a directores en sus años tempranos de realización; se forman

duplas creativas que prevalecen hasta el sigo XXI. Estos apoyos suelen evidenciarse a

partir de los programas de “apoyo a la ópera prima” CUEC-IMCINE por ejemplo.

Los años noventa vieron la propagación de la edición no-lineal digital; disminuyeron

los costos de edición al simplificar el proceso de corte y regrabación de una película

a través de la digitalización del material analógico a través del proceso de telecine.

Una vez digitalizado el material cinematográfico, fue posible efectuar correciones de

color cuadro por cuadro o minuciosas ediciones de música e imagen a menores costos.

Algunas empresas ofrecieron el servicio de RANKING, un proceso de digitalización

similar pero de mejor calidad.

En el siglo XXI, la distribución de músicas en formatos digitales entre otros factores

como la evolución de sistemas de edición no lineal, sustentados en la digitalización y

soportes ópticos y optomagnéticos dio como resultado un flujo más dinámico en la

reutilización de fuentes sonoras, tanto efectos sonoros como de fonogramas musicales.

Los años noventa, por lo tanto,

La producción fílmica del siglo XXI en México absorve los ideales del emprendimiento

y el consorcio. La tendencia productiva de finales del siglo XX a través de la granulari-

zación de fuentes de financiamiento.

El siglo XXI luce como una frontera de total libertad creativa para la música del cine

mexicano. Esto está propiciado sobre todo, por los modelos productivos tan diversi-

ficados en su financiamiento. A menudo esta producción ampliada llega al llamado

74
Ver ¿Cómo ves? (1983) de Paul Leduc, Manchuria Rock (1990) etc.

30
 outsourcing, en el cual una unidad creativa completa es comisionada para la creación

de una tarea de producción, a saber, los efectos especiales, la regrabación o la música.

Un ejemplo claro de este modelo en el cine mexicano es Tequila, historia de una pa-

sión (2011) de Sergio Sánchez, cuya música fue comisionada integralmente a un equipo

de productores con los italianos Carlo y Rocco Siliotto al frente; una estrategia antes

exclusiva de unidades más grandes de producción75 . En esos casos suele darse crédi-

to a un compositor, a un orquestador que asigna la música a los instrumentos, y un

programador, que programa en sintetizadores y samplers toda la partitura. Además he

encontrado un encargado de asignar la bibliotecas de muestras orquestales, para lograr

un sonido lo menos sintético y más parecido a una orquesta real. Bajo este modelo se

han grabado varias películas varias películas en el mundo.

Una tendencia interesante, en la segunda década del siglo XXI está diversificando la

producción en los estados, esto está facilitando el surgimiento de compositores y direc-

tores regionales que están dirigiéndose a estéticas a la par: las músicas de las ciudades,

la música y los conjuntos simbólicos tradicionales.

5.2. ¿Alguna conclusión?

La música del cine mexicano fue resultado de un trípode de la música de las diversiones

públicas, la música tradicional y la música de concierto; todo sucediendo en medio de estos

contextos y aceptando las provocaciones primero de los exhibidores de cine mudo que nece-

sitaban acabar con la quimera de luz en el silencio, y después con la necesidad de traspasar

este imaginario musical al cine sonoro.

El trípode parece haber tendido al dos o a la unidad, al ser cada vez menos percetible la

frontera entre la música de las ciudades y la música tradicional, bien sea por la disolución

de la segunda, o por la diversificación de la primera. La gran evidencia es que la música del

cine sonoro conectó ámbitos musicales y los combino tal como la música del cine mudo hizo

confluir la diversidad musical en los espacios físicos del cinematógrafo.

75
David Miles Huber y Robert E. Runstein. Modern Recording Techniques. en. Taylor & Francis, 2010.

31
 La historia de la producción cinematográfica aclara la cantidad forzada y obligatoria

de música orquestal y números musicales contratados por el cine durante décadas, pero

también deja ver la buena salud de los horizontes creativos. La música el cine mexicano en

particular, está siempre por suceder y por lo tanto, por ser documentada. ¿Empezamos?

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