UNIDAD 1: FASE 3 – EXPLORACIÒN INSTRUMENTAL

PRESENTADO POR :

FABIAN DARIO ORTEGA MONCADA

CODIGO: 1094166507

GRUPO: 80005_70

TUTOR:
EFRAIN ZARATE

CURSO:
GUITARRA

UNIVERSIDAD NACIONAL ABIERTA Y A DISTANCIA (UNAD)

ESCUELA DE CIENCIAS SOCIALES ARTES Y HUMANIDADES
PROGRAMA DE PSICOLGIA
NOVIEMBRE DE 2020
 BIOGRAFIAS DE AUTORES Y EXPONENTES DE LA GUITARRA

JOHN DOWLAND

John Dowland (1563 - 20 de febrero de 1626) fue un compositor y laudista inglés, uno de

los músicos más famosos de su época. Se conoce muy poco de la vida temprana de
Dowland, pero generalmente se admite que nació en Londres o posiblemente Dublín. Se
sabe que en 1580 fue a París, donde trabajó al servicio del embajador de Inglaterra ante
la corte de Francia. Allí se convirtió al catolicismo tras amenazas del emperador y
posiblemente trabajó hasta 1587. Después de buscar en vano un puesto en la corte
protestante de Isabel I de Inglaterra, según él debido a su conversión, estuvo al servicio
del duque de Brunswick y del conde de Hesse. Asimismo viajó a Italia. Desde1598 trabajó
como músico en la corte de Christian IV de Dinamarca. Volvió a Inglaterra en 1606 y por
fin en 1612 obtuvo un puesto como laudista de Jacobo I de Inglaterra. También tocaba
sus canciones a un público extenso. Murió en Londres. Aunque fue famoso en su época
como laudista y cantante, hoy en día es reconocido como un gran compositor de música
melodiosa y armónica. Compuso 87 canciones (para voz y laúd) que se publicaron en tres
Books of Songs or Ayres (1597, 1600 y 1603), A Pilgrims Solace (1612) y Musical
Banquet (publicado por su hijo Robert en 1614). Sus demás obras incluyen: Lachrimae
(1604), conteniendo 21 obras instrumentales, y muchas piezas para laúd solo. Su música
a menudo muestra la melancolía que estaba de moda en esa época. Una de sus obras se
llama Semper Dowland, semper dolens('Siempre Dowland, siempre triste') y se podría
decir que es una descripción adecuada de su obra. John Dowland fue el más famoso de
los primeros interpretes de instrumento de cuerda antecesor a lo que hoy llamamos
guitarra de seis cuerdas.
 FERNANDO SOR

Fernando Sor (13 de febrero de 1778 - 10 de julio de 1839) fue un guitarrista y compositor
nacido en Barcelona. Se le conoce a veces como el "Beethoven de la guitarra" en
España. Nacido en el seno de una familia bastante acomodada, Sor descendía de una
larga línea de soldados e intentó continuar esa tradición, pero se apartó de ella cuando su
padre le introdujo en la ópera italiana. Se enamoró de la música y abandonó la carrera
militar. Junto a la ópera, su padre también le orientó hacia la guitarra cuando, por
entonces, era poco más que un instrumento tocado en tabernas, tenido por inferior a los
instrumentos de la orquesta. Sor estudió música en la Escolanía del Monasterio de
Montserrat, próximo a Barcelona, hasta que su padre murió. Su madre no pudo seguir
financiando sus estudios y lo retiró. Fue en este monasterio donde comenzó a escribir sus
primeras piezas para guitarra. En 1797 tuvo lugar en el Teatro de la Santa Cruz de
Barcelona el estreno de su ópera Telémaco en la isla de Calipso. En 1808, cuando
Napoleón Bonaparte invadió España, pasó a escribir música nacionalista para la guitarra,
acompañada a menudo por líricas patrióticas. Después de la derrota del ejército español,
Sor aceptó un puesto administrativo en el gobierno de ocupación, bajo la monarquía de
José Bonaparte. Tras la expulsión de los franceses en 1813, Sor y muchos otros artistas y
aristócratas que simpatizaron con los franceses abandonaron España por miedo a las
represalias. Se fue a París, y nunca volvió a su país de origen. En París hizo amistad con
muchos músicos entre ellos el también guitarrista español Dionisio Aguado, colaborando
estrechamente e incluso conviviendo juntos durante un tiempo. Compuso un dueto para
los dos (Op.41, Les Deux Amis, los dos amigos en el que una parte está marcada "Sor" y
la otra "Aguado"). Comenzó a ganar renombre entre la comunidad artística parisiense por
sus habilidades para la composición y por su capacidad para tocar la guitarra, e inició
ocasionales viajes a través de Europa, obteniendo considerable fama y convirtiendo la
guitarra en un instrumento de concierto. Estuvo en Inglaterra en 1815 donde fue
reconocido como compositor de óperas y ballets. En 1823 viajó a Rusia donde escribió y
presentó exitosamente el ballet Hércules y Onfalia con motivo de la coronación del zar
Nicolás I. En 1827, debido en parte a su avanzada edad, se asentó y decidió vivir el resto
de su vida en París. Durante este retiro compuso muchas de sus mejores obras, entre
otras una didáctica: Método para guitarra, publicado en 1830 y traducido a varios idiomas.
Su última obra fue una misa en honor de su hija, muerta en 1837. Esta muerte sumió al ya
enfermo Sor en una seria depresión, y murió en 1839. Su estilo se caracteriza
principalmente por una búsqueda de un lenguaje guitarristico más allá de su época, pero
aun así sigue siendo considerado como un compositor totalmente clásico, aunque,
generalmente muchos interpretes acostumbran hacer una interpretación con un enfoque
"romántico". Algo que podríamos mencionar, es su frecuente uso de las tonalidades
menores como preámbulo a sus piezas; un ejemplo claro es la introducción de las
Variaciones sobre un tema de Mozart, la cual está en mi menor pero en el transcurso de
esta, modula para así mostrar el tema en Mi mayor. Otro ejemplo de esta característica es
el "Gran solo" en donde el ejemplo es el mismo solamente que en Re menor. Otra
muestra de su estilo compositivo es el uso de "retardos armónicos" especialmente cuando
se tienen disonancias como las séptimas. Cabe mencionar que Sor tenía un estilo muy
diferente a otros guitarristas y compositores contemporáneos, sin embargo, debemos
tomar en cuenta que también se puede encontrar en sus composicionesuna gran
influencia de otros compositores como Haydn y Mozart.

FERNANDO CARULLI

Ferdinando Carulli (Nápoles, Italia, 9 de febrero de 1770 - París, Francia, 17 de febrero de

1841), fue un compositor y guitarrista italiano, considerado como uno de los mejores
profesores de la historia de la guitarra. Muchas de sus más de cuatrocientas piezas se
utilizan como métodos de aprendizaje y perfeccionamiento de las técnicas para manejar
este instrumento. Ferdinando Maria Meinrado Francesco Pascale Rosario Carulli nació en
Nápoles en 1770, en el seno de una familia acomodada. Como muchos jóvenes de la
época aprendió la teoría musical con un sacerdote músico aficionado, siendo su primer
instrumento el violonchelo. Pero cuando a la edad de 20 años descubrió la guitarra,
abandonó el violonchelo y se dedicó por entero a dicho instrumento. Por aquel entonces
no existían auténticos profesores de guitarra en Nápoles, lo que le obligó a desarrollar su
propio estilo y técnica. Con posterioridad él mismo publicaría su método, que ha
permanecido hasta la actualidad como material didáctico de referencia para la guitarra.
Sus conciertos en Nápoles le dieron la suficiente popularidad para empezar las giras por
el resto de Europa. Sobre 1801 Carulli se casó con la francesa Marie-Josephine Boyer,
con quien tuvo su hijo Gustavo. Luego se trasladó a Milán, donde publicó algunas de sus
obras. Su enorme popularidad hizo que en 1808 se trasladara a París, donde
permanecería el resto de sus días componiendo y ejerciendo el profesorado de guitarra.
Falleció en esa ciudad el 17 de febrero de 1841. La primera mitad del siglo XIX
experimentó un surgimiento del interés en la guitarra, fomentado por virtuosos que
además de componer, desarrollaban "métodos" para los aspirantes. París, como centro
para los aficonados a la guitarra atrajo luminarias tales como el madrileñoDionisio
Aguado, el barcelonés Fernando Sor (quien también estuvo algún tiempo en Londres), el
nacido en Francia Napoleón Coste, el florentino Matteo Carcassi y Carulli. quien se volvió
el guitarrista más prominente de la ciudad -ocasionalmente rivalizando con Carcassi-
hasta que en 1823 Sor arribó a la capital francesa. Su éxito se basó en que fue el primer
guitarrista que creó escuela y que utilizó este instrumento para ejecuciones artísticas.
Asimismo trabajó con el guitarrero francés Lacote en el perfeccionamiento de la sonoridad
del instrumento. Entre sus muchos trabajos, el más famoso y que contiene muchas piezas
de fácil ejecución es su método "Armonía Aplicada a la Guitarra" de 1825, una serie de
piezas aplicadas a la enseñanza que todavía hoy son vigentes. Su pieza musical para
guitarra titulada Los tres días (1830), describe los días de la revolución de París de 1830.

MAURO GIULLIANI

Mauro Giuliani (Bisceglie, 27 de julio de 1781 - Nápoles, 8 de mayo de 1829) fue un

compository guitarrista italiano. Estudió violín, violonchelo y guitarra y con sólo 25 años se
convirtió en una celebridad. En 1815 se desplazó a Viena, dónde junto a los pianistas
Johann Nepomuk Hummel e Ignaz Moscheles, el violinista Joseph Mayseder y el
violonchelista Joseph Merk, dio una serie de conciertos en los jardines del Palacio de
Schönbrunn. Ese mismo año era el artista oficial de las celebraciones del congreso en
Viena. Desarrolló una reputación de pedagogo, y entre sus numerosos alumnos se
encontraban Jan Nepomucen Bobrowicz y Felix Horetzky. En 1819 volvió de nuevo a
Italia, estableciéndose sucesivamente en Venecia, Roma y finalmente en Nápoles. En
1828 su salud comenzó a deteriorarse y murió en ésta ciudad en 1829. Giuliani compuso
150 obras para guitarra, destacando los conciertos para guitarra y orquesta, opus 30, 36 y
70; las Rossinianas, opus 119-124 y varias sonatas para violín y guitarra.

FRANCISCO TARREGA

Francesc d'Assís Tàrrega Eixea (Villarreal, Castellón, 21 de noviembre de 1852

-Barcelona, 15 de diciembre de 1909) fue un compositor y guitarrista español. Un
accidente marcó su infancia, cuando al parecer cayó a una acequia en un descuido de la
muchacha que lo cuidaba, quedándole la vista dañada. Su padre, pensando que podría
perder completamente la vista, se trasladó a Castellón para que asistiera a clases de
música y pudiera ganarse la vida como músico. Entró en el Conservatorio de Madrid en
1874, donde estudió composición con Emilio Arrieta. A finales de 1870 enseñaba guitarra
(Emilio Pujol y Miguel Llobet fueron alumnos suyos) y daba conciertos con regularidad.
Virtuoso de su instrumento, lo conocían como el "Sarasate de la guitarra". En 1880 dio
recitales en París y Londres. Durante el invierno de 1880, Tárrega sustituyó a su amigo y
guitarrista Luis de Soria en un concierto en Novelda (Alicante), ciudad donde conoció a su
futura esposa, María Rizo. En 1881 después de un concierto en Lyon, llegó a París donde
conoció a los personajes más importantes de la época. Actuó en varios teatros, siendo
invitado a tocar para la Reina de España, Isabel II. Tras tocar en Londres, volvió a
Novelda para contraer matrimonio con su prometida María Rizo. En Valencia conoció a
Conxa Martínez, rica viuda que lo toma bajo su protección artística, prestándole a él y su
familia una casa en Barcelona. Allí es donde Tárrega compuso la mayoría de sus más
famosas obras. De vuelta de un viaje a Granada escribió el trémolo "Recuerdos de la
Alhambra", y estando en Argelia le llegó la inspiración para componer "Danza Mora". Allí
conoció al compositor Saint-Saëns y más tarde, en Sevilla, escribió la mayoría de sus
"Estudios", dedicando a su querido amigo y compositor Bretón la bella composición
"Capricho Árabe". Se instaló en 1885 en Barcelona, y allí murió el 15 de diciembre de
1909. Aparte de sus obras originales para guitarra que incluyen Recuerdos de la
Alhambra, Capricho árabe y Danza mora, arregló piezas de otros para este instrumento,
tales como algunas de Beethoven, Chopin y Mendelssohn. Como otros de sus
contemporáneos españoles, su amigo Isaac Albéniz, por ejemplo, Tárrega tuvo interés en
combinar la tendencia romántica que prevalecía en música clásica con los elementos
populares españoles. El conocido guitarrista contemporáneo Angelo Gilardino ha escrito
que los 9 Preludios de Tárrega son "... el más profundo pensamiento musical de Tárrega
de forma concentrada". Se considera que Tárrega ha creado los fundamentos de la
técnica de la guitarra clásica del siglo XX y del interés creciente por la guitarra como
instrumento de recital. La música más tocada y oída en el mundo es la conocida como
"Melodía Nokia" (Nokia Tune) porque es el tono de llamada predeterminado de los
teléfonos móviles de la marca Nokia pero está sacada de una pieza llamada Gran Vals
(compases 14 al 16) del compositor e intérprete español Francisco Tárrega. Esta melodía
se ha convertido en una de las más escuchadas en todo el mundo ya que más de 850
millones de teléfonos Nokia la reproducen a diario(Grandes Transcripciones para guitarra,
F. Tárrega, Ed. Unión Musical Editores, S.L.) También es digno de mencionar que de sus
obras se han realizado versiones por artistas como Mike Oldfield, que incluye su versión
particular y orquestal de Recuerdos de la Alhambra en su banda sonora para la película
Los gritos del silencio (The Killing Fields, 1984); se trata del tema "Étude". Para la película
El amor en los tiempos del cólera, basada en la novela del escritor colombiano Gabriel
García Márquez, se utilizó como tema central la canción "Hay amores" compuesta por la
cantante Shakira. La instrumentación de esta canción está basada totalmente en
elCapricho Árabe de Tárrega, pero la letra fue compuesta por la colombiana inspirándose
en paisajes de su país.
 AGUSTÍN BARRIOS "MANGORÉ"

Agustín Pío Barrios, también conocido como "Nitsuga Mangoré" (nacido el 5 de mayo
de1885 en San Juan Bautista Misiones, en Paraguay - fallecido el 7 de agosto de 1944 en
San Salvador, El Salvador), es un guitarrista clásico y compositor paraguayo de origen
Guaraní. Nació en la ciudad de San Juan Bautista Misiones, en Paraguay fue miembro de
una numerosa familia con gran interés en la música, prueba de ello es que sus siete
hermanos tocaban un instrumento cada uno y formaban la Orquesta Barrios. Su padre fue
el argentinoDoroteo Barrios, cónsul de su país en Misiones, y su madre Martina Ferreira,
profesora (directora) de la escuela de niñas de Villa Florida. Hasta los 13 años Agustín
integró la Orquesta Barrios y un día de 1898 luego de un concierto se acercó Gustavo
Sosa Escalada y lo acogió como pupilo y fue introducido formalmente al repertorio de la
guitarra clásica. Bajo la influencia de su nuevo guía, Barrios pasó a estudiar las obras más
conocidas de los compositores más importantes de guitarra clásica hasta ese momento,
como: Francisco Tárrega, José Viñas, Fernando Sor, Dionisio Aguado, Julián Arcas y
Joaquín Parga. Sosa Escalada estaba tan impresionado con su nuevo alumno que
convenció a los padres del joven Agustín para que lo dejasen mudarse a Asunción para
continuar su educación musical y académica en el Colegio Nacional de la Capital, donde
tuvo como Instructor a Nicolino Pellegrini, donde además de música, estudió matemáticas,
periodismo y literatura. Luego de graduarse en el Colegio Nacional de la Capital, en
Asunción, comenzó a presentarse en conciertos y a componer. Su primera presentación
como solista fue en 1907 en un espectáculo organizado por Sosa Escalante. En 1908 ya
era conocido en todo el Paraguay por sus presentaciones con su hermano, el poeta
Francisco Martín Barrios. Agustín tocaba la guitarra y Francisco recitaba. En 1910 Barrios
salió por primera vez del país para ofrecer un par de presentaciones en Corrientes
(Argentina), y debido al gran éxito que tuvo, aquel regreso planeado para la semana
siguiente de los conciertos se pospuso por 12 años. De Corrientes pasó a Buenos Aires y
de allí viajó a Uruguay en 1912, Brasil en 1916, y a Chile. Pertenecen a este periodo
obras notables como: La Catedral (1921), Estudios y Preludios, Madrigal, Allegro
Sinfónico y Las Abejas (1921). La crítica internacional lo calificaba como uno de los más
grandes concertistas del mundo y lo llamaban mago de la guitarra. En 1929 inició una gira
por varias ciudades del Brasil, por lo que el carnaval del año siguiente lo encontró en Río
de Janeiro donde conoció a Gloria quien sería su compañera hasta el final de su vida.
Entre 1932 y 1934, Barrios dio presentaciones en Venezuela, Trinidad, Panamá, El
Salvador, Colombia, Costa Rica, México, Guatemala y Honduras. A fines de 1932 decidió
presentarse en Europa y Estados Unidos, pero recién se concretó lo primero en 1934
cuando Tomás Salomoni, embajador del Paraguay en México, realizó gestiones para su
presentación en Bélgica, en el Conservatario Real de Bruselas, en septiembre de 1934.
De Bruselas pasó a París, Berlín y Madrid. Tras últimas investigaciones realizadas por
Lito Barrios, encontramos que Tomás Salomoni fue compañero de aula de Agustín
Barrios, en el Colegio Nacional de la Capital, en todos los cursos realizados por Agustín.
Esto concuerda con que Salomoni haya auspiciado a Mangoré su viaje, no sólo por ser
Barrios un eximio artista, sino porque eran amigos de infancia. El 14 de agosto de 1932 se
presentó, en Bahía, Brasil, como Nitsuga Mangoré, el Paganini de la guitarra de las selvas
del Paraguay, donde la palabra Nitsuga corresponde a Agustín, escrito al revés; y
Mangoré viene de un legendario jefe guaraní que peleó ante la conquista española;
además del nombre, adoptó también la idea de presentarse en concierto con trajes
tradicionales de Paraguay. Fue tanto el éxito obtenido con el personaje de "Mangore" que
en varios países fue más conocido con el nombre del cacique que con el nombre propio.
Además él mismo se encargó de divulgar la leyenda que fue educado en las reducciones
jesuiticas, que desaparecieron antes de 1800. De esta etapa de su carrera corresponde el
siguiente escrito: Tupá, el espíritu supremo y protector de mi raza, encontrome un día en
un bosque florecido y me dijo: "Toma esta caja misteriosa y descubre sus secretos". Y
encerrando en ella todas las avecillas canoras de la floresta y el alma resignada de los
vegetales, la abandonó en mis manos. Tomela, obedeciendo el mandato de Tupá,
poniéndola bien junto al corazón; abrazado a ella pasé muchas lunas al borde de una
fuente. Y una noche, Jasy, retratada en el líquido cristal, sintiendo la tristeza de mi alma
india, diome seis rayos de plata para con ellos descubrir sus arcanos secretos, y el
milagro operó: desde el fondo de la caja misteriosa, brotó la sinfonía maravillosa de todas
las voces vírgenes de la naturaleza de América. Mangoré. Barrios estaba interesado no
sólo en la música, se acercó a la filosofía, poesía y teología. Además de castellano y
guaraní, la lengua nativa de Paraguay, tenía cierto conocimiento en inglés, alemán y
francés. Barrios fue muy reconocido por sus interpretaciones, en vivo y en grabaciones
-fue el primer guitarrista clásico en grabar de forma comercial en discos de 78 rpm-. Su
conocimiento de la teoría musical le permitió componer en varios estilos: barroco, clásico,
romántico y descriptivo. Su música se caracteriza por ser de carácter folclórico, imitativo y
religioso. Sus composiciones se basan en cantos y danzas de toda América Latina, entre
otras: cueca, chôro, estilo, maxixa, milonga, pericón,tango, zamba, zapateado, polca
paraguaya, etc. La mayor parte de sus obras se pueden considerar de carácter Romántico
tardío, a pesar de haber vivido musicalmente en la primera mitad del siglo XX. Compuso
preludios, estudios, valses, mazurcas, tarantelas y romanzas. Su creatividad le permitió
componer más de 300 piezas para guitarra, las cuales son fuertemente impulsadas y
defendidas por César Amaro,John Williams, David Russell, Laurindo Almeida, Abel
Carlevaro, Jesús Benites, Alirio Díaz, entre otros, además de ser consideradas
ampliamente de las más importantes en el repertorio de la guitarra clásica. Jesús Benites
[1932-2007], guitarrista peruano que ha grabado varios álbumes de Barrios expresó:
"Barrios tuvo que bañarse en la fuente del arte para componer como compuso, y asi fue;
sus obras han prevalecido y prevalecerán para siempre." Barrios tenía un carácter
excéntrico y ciclotímico. Pasaba por largos periodos depresivos en los que no componía
ni tocaba la guitarra y por etapas en las que estaba tan eufórico que se encerraba a
componer y practicar sin considerar el tiempo. Fue reconocido además como un buen
atleta.

ANDRÉS SEGOVIA

Andrés Segovia Torres, I Marqués de Salobreña, (Linares, Jaén, 21 de febrero de 1893

-Madrid, 3 de junio de 1987) fue un guitarrista clásico español, considerado como el padre
del movimiento moderno de la guitarra clásica. Muchos estudiosos creen que, sin los
esfuerzos de Segovia, la guitarra seguiría estando considerada como un instrumento de
campesinos, válida para los bares pero no para las salas de concierto. Conoció la guitarra
desde niño, en la ciudad de Linares donde nació. Más tarde, criado en Granada en casa
de unos tíos acomodados, aprendió la técnica del instrumento con un tocador de flamenco
convertido en barbero. Ya en su adolescencia, cuando quiso encontrar un mejor maestro
no lo logró, por lo que durante sus estudios de música en el Instituto de Música de
Granada tuvo que continuar sus aprendizaje de este instrumento de forma autodidacta.
Realizó su primera aparición pública en Granada a los catorce años y, con pocos más,
ofreció en Madrid su primer concierto, en el que interpretó transcripciones para guitarra de
Francisco Tárrega y algunas piezas de Johann Sebastian Bach que él mismo había
transcrito. Para dicho concierto de 1913 en Madrid, que consideraba su verdadero debut,
entendía que necesitaba una mejor guitarra. Sabiendo que los concertistas de piano en
ocasiones alquilan el instrumento, acudió al establecimiento del constructor de guitarras
Manuel Ramírez con la intención de proponerle al dueño que le rentara un instrumento
por esa noche. Después de probarlo y ensayar durante media hora la música que había
preparado para el recital, el asombrado Ramírez le rogó que aceptara la guitarra elegida
como un regalo. Segovia continuó con sus estudios de guitarra durante toda su vida, aún
a pesar de aquellos que trataron de disuadirlo por no confiar en el futuro de dicho
instrumento para la música clásica, incluyendo a su propia familia. Fueron muchos los
músicos que creyeron que la guitarra de Segovia no sería aceptada por la comunidad
clásica ya que, según sus creencias, la guitarra no se podía considerar como un
instrumento capaz de interpretar a los clásicos. Sin embargo, la técnica de Andrés
Segovia asombró al público. A partir de entonces, la guitarra dejó de considerarse
solamente un instrumento popular y se aceptó también como instrumento de concierto. A
la vez que progresaba en su carrera y tocaba para audiencias mayores, Segovia
descubrió que las guitarras existentes no producían el volumen suficiente como para tocar
en grandes salas de conciertos. Esto le animó a buscar entre los avances tecnológicos
para intentar mejorar la amplificación natural de la guitarra. Trabajando conjuntamente
con los fabricantes, ayudó a diseñar lo que conocemos hoy en día como guitarra clásica,
realizada con una madera de más calidad y con cuerda de nailon. La forma de la guitarra
se modificó también para mejorar la acústica. Esta nueva guitarra era capaz de producir
notas más bajas que las que hasta entonces se utilizaban en España y en otras partes del
mundo. Realizó aportes a la técnica del instrumento, como mantener el pulgar de la mano
izquierda bajo el mástil en lugar de doblarlo alrededor del mismo, ya que con ello se
lograba extender el alcance de los otros cuatro dedos y se podía pisar cualquier cuerda
sin sordear las inferiores a ella. Otro aporte significativo fue colocar la mano derecha en
posición vertical a las cuerdas, con lo que se incrementaba la fuerza al tocarlas. Tras
realizar una gira por América en 1928, autores como el brasileño Heitor Villa-Lobos
empezaron a componer piezas especialmente para él; asimismo, el compositor mexicano
Manuel M. Ponce realizó una copiosa producción de obras para la guitarra sola y orquesta
dedicadas a éste insigne guitarrista. Segovia transcribió también múltiples piezas clásicas
y resucitó algunas de las transcripciones de Tárrega. Desatada la cruenta Guerra Civil
Española, Segovia decide abandonar junto a su familia el territorio convulsionado y
radicarse en Montevideo(República Oriental del Uruguay), entre 1937 y 1946. Allí, conoce
a un joven Abel Carlevaro y lo adopta como su discípulo. Entre los discípulos de Segovia
se encuentra guitarristas como John Williams, Alirio Díaz, Ben Bolt o Christopher
Parkening. En reconocimiento a su contribución a la música y las artes, Segovia fue
ennoblecido el 24 de junio de 1981 por Su Majestad el Rey Juan Carlos I, quien le nombró
como primer Marqués de Salobreña y obtuvo el Premio Nacional de Música de España.
En 1982 fue nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz.1 Andrés
Segovia murió en Madrid a causa de un ataque al corazón a la edad de 94 años. Segovia
tuvo muchos discipulos a lo largo de su carrera, incluyendo a: Abel Carlevaro, primer
discípulo a quien Segovia presentó publicamente el 12 de noviembre de 1942 en el
estudio auditorio del SODRE, Montevideo, República Oriental del Uruguay. John Williams,
Eliot Fisk, Narciso Yepes, José Franco, Octavio Bustos, Julian Bream, Oscar Ghiglia,
Charlie Byrd, Christopher Parkening, Michael Lorimer, Alirio Díaz, Antonio Membrado,
Nilda Urquiza, Charo.
 LA HISTORIA DE LA GUITARRA

No hace falta decir que la guitarra es uno de los instrumentos musicales más
utilizados en el mundo entero. Su popularidad para interpretar todo tipo de música es
elevada y resulta imprescindible en cualquier grupo.
¿Pero de dónde procede la guitarra? ¿Cuál es su origen y cómo ha ido
evolucionando a lo largo del tiempo?
Resulta complicado profundizar en el origen mismo de la guitarra a la vista de que, en la
antigüedad, existían varios instrumentos similares con los que compartió popularidad.
Las primeras demostraciones de un instrumento que coincide con la filosofía de la
guitarra datan del año 1000 a.C., cuando los asirios y hititas ya utilizaban algo similar.
Y en el antiguo Egipto ocurría algo similar, tratándose de lo que se puede considerar de
manera precisa como el precursor de la guitarra. De épocas posteriores se cree que
fueron los romanos quienes introdujeron el instrumento en España, si bien es algo de lo
cual no ha quedado un registro definitivo.
Siglos XI y XII, la Edad Media disfruta de la guitarra

Si un momento dado de la historia se puede atribuir al origen de la guitarra como

instrumento de uso en tierras europeas, especialmente en España, ese es la Edad Media.
Hubo distintos instrumentos que entraron con fuerza en distintas culturas.
Se vieron, en los siglos XI y XII, variantes de las guitarras. Tenía popularidad la mandora
y también la guitarra latina. Contaban con diferencias en cuanto a forma y elementos,
denotando cambios propios de los puntos de origen de los que procedían.
Mientras la mandora era más propia de culturas orientales, en la guitarra latina se
apreciaba un claro origen basado en la evolución de las cítaras de Europa Central. Se
pueden ver estos tipos de guitarra en varias obras artísticas y arquitectónicas de la
época.
Siglo XIV, se presenta la primera versión de la guitarra española

Llega un punto de inflexión para la historia de la guitarra que supuso un importante

cambio en el uso de este instrumento: la aparición del primer prototipo de lo que podemos
considerar guitarra española.
Se comenzó a utilizar por parte del pueblo español en celebraciones y otro tipo de
actos. Era una herramienta que encantaba al pueblo y que animaba cualquier fiesta.
De manera paralela en España también se comenzó a utilizar la vihuela, una guitarra que
se convirtió en la elección de los cortesanos y la aristocracia. De esta manera, cada grupo
tenía su propio instrumento musical predilecto dentro de esta categoría.
Cabía destacar que la guitarra del pueblo estaba formada por cuatro cuerdas dobles,
mientras que la vihuela apostaba por seis.
Siglo XVI, se introduce una quinta cuerda
La situación de la guitarra cambia gracias al ingenio de distintos expertos. La historia
cuenta que Vicente Espinel, que en la época tuvo una gran amistad con el escritor
Cervantes, logró que se impusiera la idea de incorporar una quinta cuerda al instrumento.
España se hacía cada vez más a este instrumento y comenzaba a publicarse obras
enfocadas al mismo.
Hubo una fuerte rivalidad entre los modelos de cuatro y cinco órdenes, pero al final se
impuso el que había defendido Espinel. Al mismo tiempo, se atribuyó su origen a la
cultura española y su éxito desplazó tanto a la vihuela que esta prácticamente
desapareció. La guitarra española se había ganado a la audiencia en todos los
aspectos.
Siglo XVII, nada detiene a la guitarra española

En esta época el instrumento se había convertido en una clara representación de la

cultura española. Un tratado de Juan Carlos Amat ayudó a obtener esta normalización y
de forma internacional se reconocía abiertamente.
El esfuerzo realizado por Espinel había llevado a que toda la sociedad, sin importar clase
o posición, adoptara esta guitarra de cinco órdenes como la norma. Esta fama se apoyó
desde la literatura con publicaciones que reforzaron la relevancia del instrumento.
También se publicaron guías y manuales para que más personas la pudieran tocar con
gracia. Era parte dela filosofía que se defendía desde España: tener un instrumento fácil
de tocar y agradable, totalmente opuesto a la sobrecarga a la que se sometían los
diseños del extranjero.
La fama mundial de la guitarra la lleva a ser adoptada también en otros países, llegando a
transformarse en el instrumento predilecto de Luis XIV. No obstante, no termina de cuajar
en su entrada al grupo de la música de cámara, en el cual todavía se le ponen trabas.
Siglo XVIII, llegamos a la guitarra clásica
El siglo comienza con un momento decisivo para el diseño de la guitarra al incorporarse
una sexta cuerda. Por otro lado, se adopta la afinación moderna y también cambia el
proceso de tocar la guitarra, tanto en el pulsado de las cuerdas como en la colocación
de las manos.
Se llevaron a cabo cambios en la estructura de las guitarras para adoptar el modelo
clásico recordado por tener el trastero elevado.
Siglo XIX, la guitarra es aceptada
La música de cámara acepta la guitarra y se convierte en instrumento de concierto.
Aumentan las obras escritas para este instrumento y comienzan a destacar nombres
célebres de guitarristas españoles, como Dionisio Aguado o Fernando Sor.
Al mismo tiempo, la guitarra llega también a Estados Unidos, lugar donde sufre
modificaciones para encajar con las tendencias de este lugar del mundo. Continuaron
realizándose cambios en el diseño para acercarse a los modelos actuales. Además se da
forma a la guitarra flamenca gracias al trabajo de Torres Jurado.
Siglo XX, es la hora del éxito
Y llegamos a la consolidación de la guitarra española como uno de los instrumentos
más importantes del mundo, uno que encaja en todo tipo de ambientes y cuya
flexibilidad y facilidad de uso la convierten en una de las principales opciones entre los
aficionados a la música. Se definen las claves para tocarla, los elementos principales de
diseño y las obras más reconocibles.
Tipos de guitarras
A lo largo de la historia han existido distintos tipos de guitarras con unos usos muy
definidos, siendo en la actualidad los siguientes los más utilizados:
Guitarra acústica
Esta es la definición de la guitarra principal, la cual está basada en el uso de cuerdas con
alambre y nailon. Proporciona un sonido que se genera a través de un sistema con el
cual las cuerdas vibran y el sonido se amplifica dentro de una caja de madera acústica.
Su forma de emitir el sonido es sin necesidad de sistema de amplificado, lo que les aporta
un estilo muy personal y contundente. Dentro de este tipo de guitarra hay algunas
variaciones a tener en cuenta, como la guitarra renacentista o la guitarra sajona. Esto
varía el tipo de música que se puede conseguir con cada una de ellas.

Guitarra flamenca

La principal característica de las guitarras flamencas se puede apreciar en el uso de

distintas maderas para su fabricación, lo que le da un estilo muy especial. Así mismo, hay
algunos cambios en la colocación de algunas de sus partes principales.
Por ejemplo, hay menos distancia entre el diapasón y las cuerdas, lo que facilita el
tocado del instrumento. Esto lo hace más apropiado para personas sin mucha
experiencia.
Se utiliza para la música flamenca y tiene un sonido que no solapa al de los cantaores.
Guitarra eléctrica

Con este tipo de guitarra las señales que se producen al tocar las cuerdas se acaban
convirtiendo en señales eléctricas. El sonido es muy distinto y se utilizan partes
personalizadas en la construcción de las guitarras, como las pastillas.
Comenzó a ser utilizada en la música jazz, pero no tardó en aprovecharse en otros tipos
de música.
Ha tenido un papel clave en la historia del rock and roll y también se usa en el funk,
entre otros géneros musicales que se benefician de ella.
Guitarra electroacústica
Una guitarra acústica a la que se le han implementado elementos propios de los modelos
eléctricos se termina convirtiendo en una guitarra electroacústica. Dentro de esta variante
hay dos tipos de guitarra: de caja o de cuerdas de metal.
 REFERENCIAS BIBLIOGRAFICAS

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