HISTORIA DEL ARTE Y LA

DECORACIÓN: SIGLO XX
VANGUARDIAS PICTÓRICAS DEL
SIGLO XX
Lic. Maribel Huamaní López
ABSTRACCIÓN
 ABSTRACCIÓN
• Una de las razones para que esto ocurriera fue el descubrimiento
de la técnica fotográfica.

• Desde el Renacimiento los pintores habían dejado constancia de

los acontecimientos históricos o de los personajes más
influyentes. Pero en 1869 Charles Cross inventa la fotografía en
color que registrará todo tipo de sucesos más rápidamente y con
mayor precisión de detalles que la pintura. Esta se verá libre de
la servidumbre de tener que reproducir la pequeña arruga del
rostro y podrá dedicarse por entero a desarrollar hasta la
saciedad los colores y las formas.
Hacia 1908 el ruso Vassily Kandinsky regresa una noche a su estudio y
tropieza con un cuadro de sorprendente belleza. Lo examina con
mayor detenimiento y cae en la cuenta de que se trata de una de sus
obras colocada al revés. Este hecho le hace reflexionar acerca de la
validez de las representaciones sin argumento y en 1910 lleva a cabo
la primera acuarela abstracta.
Algo más tarde , en 1913,
Robert Delaunay realiza
un círculo dividido en
anillos concéntricos
subdivididos a su vez en
sectores de colores
diferentes: Formas
circulares.
Des sus obras más figurativas en los inicios de su trayectoria artística
en 1899, pasando por una progresiva disolución de las formas, el
desarrollo y finalmente el predominio del elemento abstracto que ya
en 1920 ha alcanzado su máxima expresión. Según el propio
Kandinsky «cuanto más se hace retroceder la forma orgánica, tanto
más pasa a primer plano y gana en resonancia la forma abstracta».
Kandinsky, ocupa un lugar privilegiado en la historia del arte
contemporáneo como promotor e impulsor del primer movimiento
decisivo del arte abstracto
Es cierto que Kandinsky y Klee no sólo tenían conocimientos musicales
e interpretaban música, también dudaron si dedicarse
profesionalmente a la pintura o a la música (Kandinsky había estudiado
piano y violonchelo, derecho y ciencias económicas), la pintura de
Robert Delaunay es musical, la música de Schönberg, pictórica,
conceptos como “sonido del color” se hicieron comunes. La idea de
una “obra de arte total”, fuera tomando por la música, por la pintura
como punto de partida, poniendo en juego la danza y el teatro.
Kandinsky: “Partimos de la idea de que el artista, más allá de las
impresiones recibidas del mundo exterior, atesora sin cesar
experiencias en su mundo interior; y la búsqueda de formas artísticas
que expresen la interpenetración de todas esas experiencias, formas
que deben estar despojadas de todo lo que es secundario a fin de
expresar con intensidad lo necesario, en pocas palabras, la tendencia
hacia una síntesis artística, nos parece un principio que debe unir a la
mayor parte de los artistas” .
Wassily Kandinsky. Composición VII. Óleo sobre lienzo. 195 x 300 cm. Galería Estatal
Tretjakov. Moscú.
En su obra “Lo espiritual ene el arte” 1909, se refiere al efecto
psicológico del color, pero aún no ha tomado una decisión definitiva
sobre la abstracción, dice: «Surge la pregunta: ¿no sería mejor
renunciar por completo a lo figurativo, desparramarlo a todos los
vientos y desnudar por completo lo puramente abstracto? Ésta es la
cuestión que se impone naturalmente y que, al exponer las
consonancias de los dos elementos (el figurativo y el abstracto), nos
conduce a la respuesta. Así como cada palabra pronunciada (árbol,
cielo, hombre) provoca una vibración interior, todo objeto
representado en imagen provoca una vibración interior. Renunciar a
esta posibilidad de provocar vibraciones significaría reducir el arsenal
de los propios medios de expresión. Al menos ésta es hoy la situación»
Wassily Kandinsky. En Azul.1911.
SUPREMATISMO
 SUPREMATISMO
Surgió en Rusia
alrededor de 1915
(paralelo al
constructivismo).
Fue un movimiento
artístico que se enfocó
en formas geométricas,
especialmente en el
círculo y el cuadrado.
Pintura Suprematista 8
Kazimir Severinovich Malevich
También es
conocido como
el mundo de la
NO
representación.
En 1915
Kasimir
Malevich y
Vladimir
Maiakovsky
escriben el
manifiesto.
“Si se quiere juzgar a la obra de arte basándose
en el virtuosismo de la representación objetiva,
es decir, de la vivacidad de la ilusión, y se cree
descubrir el símbolo de la sensibilidad
inspiradora en la misma representación
objetiva, nunca se podrá llegar al placer de
fundirse con el auténtico contenido de una
obra de arte” (Malevich 1915).
La primera
manifestación de esta
tendencia es la
Pintura “Cuadrado
negro sobre fondo
blanco” 1913.

El cuadrado negro sobre

fondo blanco fue la
primera forma de
expresión de la
sensibilidad no-objetiva:
cuadrado=sensibilidad;
fondo blanco=la Nada,
lo que esta fuera de la
sensibilidad. (Malevich,
1913)
En Manifiesto Suprematista, Kazimir Malevich
expone que el arte ya no deseaba estar a la
merced de la religión y del Estado (pilares de la
Academia), debido a que no quiere seguir
ilustrando costumbres o “imágenes de las
imágenes de vida” sino que busca contener
una sustancia y un significado mucho más
profundo.
Se inició con las
ideas del pintor
Kasimir Malevich,
quien promovía
la abstracción
geométrica y el
arte no figurativo.

Pintura Suprematista 7
Kazimir Severinovich Malevich
“El cuadrado de los suprematistas y las formas de
él se pueden comparar a los signos del hombre
primitivo que en su conjunto no querían ilustrar,
sino representar la sensibilidad del ritmo”
(Malevich, 1915).

El movimiento suprematista sostenía que a todas las

cosas no prácticas (aquellas que carecen de objeto)
resisten el paso de los milenios y siguen siendo actuales,
mientras que las cosas necesarias y prácticas solo tienen
pocos días de vida.
Para el suprematista siempre será válido aquel
medio expresivo que permita que la sensibilidad
se exprese de modo posiblemente pleno como tal,
y que sea extraño a la objetividad habitual. […] El
artista se ha desembarazado de todo lo que
determinaba la estructura objetivo-ideal de la vida
y del arte: se ha liberado de las ideas, los
conceptos y las representaciones, para escuchar
solamente la pura sensibilidad. (Malevich, 1913)
Los contornos de la objetividad se hunden cada
vez más a cada paso, y, al fin, el mundo de los
conceptos objetivos, todo lo que habíamos
amado y de lo que habíamos vivido, se vuelve
invisible. Ya no hay imágenes de la realidad, ya no
hay representaciones ideales; ¡no queda más que
un desierto! Pero ese desierto está lleno del
espíritu de la sensibilidad no-objetiva, que todo lo
penetra. (Malevich, 1913)
Los suprematistas formaron un
grupo llamado “Supermus“ y
este grupo estaba formado por
los siguientes autores: Liubov
Popova, El Lissitzky, Alexander
Rodchenko, Gustav Klucis,
Wassily Kandinsky.
 CARACTERÍSTICAS
• Los elementos formales se reducen al
triángulo, el cuadrado, la cruz y el círculo.
• Los elementos cromáticos se circunscriben al
rojo, negro, azul, blanco y verde.
 CARACTERÍSTICAS
• Predominio de fondos neutros, generalmente
el blanco.
• El punto de fuga no se ubica sobre el
horizonte, sino sobre el infinito.
• Sensaciones de movimiento y velocidad.
CONSTRUCTIVISMO
 CONSTRUCTIVISMO
El nombre del movimiento artístico “constructivismo” se dio a
conocer públicamente en 1920, aunque ya existía desde bastante
antes, a partir del manifiesto redactado por Naum Gabo y Antoine
Pevsner. La vanguardia artística crece de la mano del artista
Vladimir Yevgrafovich Tatlin, quien había sido influido por el
cubismo de Picasso que contemplo en París en 1913 y 1914. Otros
referentes del moviente son Alexander Rodchenko, Mikhail
Larionov, Liubov Popova y los ya mencionados Naum Gabo y
Antoine Pevsner.
"Monumento a la
Tercera Internacional o
Torre de Tatlin"
Se renuncia al arte por el arte para dar paso a la comunicación visual. La
composición del Constructivismo destaca por sus marcadas diagonales, la
fotocomposición y el uso de colores primarios.
Muchos de los artistas de esa época se dedicaron al diseño de carteles,
de moda, tipografías, fotografía, arquitectura interior, propaganda,
ilustraciones, etc.

"Beat the Whites with the Red Wedge" (Golpea a los Blancos con la Cuña Roja) de El Lissitzky
El movimiento nace en el contexto de la Rusia postrevolucionaria. Se
hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre, la
segunda fase de la Revolución rusa de 1917. El término
“constructivismo” es utilizado hoy en día para separar el arte “puro”
del arte utilizado como instrumento para propósitos sociales, como
fue el caso de la construcción del sistema socialista en Rusia.
Las cuestiones sociales del momento
planteaban una nueva forma de
difundir el mensaje socialista por toda
Rusia, con la intención de que este
fuese comprensible a todas las clases
sociales y que reivindicase los nuevos
valores que se estaban poniendo en
curso. El movimiento elegido para
este fin fue el constructivista. Este
movimiento inicia el periodo del arte
abstracto. La Revolución adoptará y
difundirá al Constructivismo (y al
suprematismo de Malevich),
especialmente para aplicarlo en el
diseño gráfico, logrando gran
aceptación dentro y fuera de Rusia. La
nueva imagen de la URSS incluirá
carteles y afiches de propaganda para
influir a la sociedad.
En su manifiesto se refiere al cubismo y al futurismo que si bien las intenciones de
ambos movimientos eran aceptables e interesantes, no fueron capaces de ofrecer lo
que se esperaba de ellos. Rescata el aire revolucionario del futurismo pero, al mismo
tiempo, lo describe como insuficiente ("no se puede construir un sistema artístico
sobre una sola frase revolucionaria"). Crítica el intento del futurismo de plasmar un
reflejo puramente óptico, es decir su intento de plasmar el movimiento. Los
constructivistas hablan de la posibilidad de que los artistas futuristas fueran
“charlatanes”, que intentaran representar algo que en la realidad, no terminaban de
comprender (“intentad preguntar a un futurista como se imagina la velocidad, e
inmediatamente aparecerá todo un arenal de locos automóviles y depósitos de
chirriantes vagones y alambres intrincados…”) En cuanto al cubismo, el manifiesto
plantea que los intentos de esta escuela no causaron más que "nuevos
desencantos". Muestra interés en el movimiento, pero no adhieren a él. Lo ven
superficial, decorativo. Creen que comenzó con buenas intenciones, pero que se
quedó estancado en el análisis.
Propuesta Los constructivistas hablan del re-nacimiento del espacio y
el tiempo. Plantea, de manera revolucionaria, una revaloración de la
vida y la importancia de que el arte se base en la percepción del
espacio y el tiempo, “las únicas formas sobre las cuales la vida se
construye”.
Hablan de la belleza como algo subjetivo y de la importancia de
respetar el ritmo esencial de los objetos.
A partir de esto plantean los siguientes principios:
1. Renunciamos al color como elemento pictórico
Plantean que el color no es más que un efecto óptico, una impresión
exterior y superficial. No tiene nada que ver con la esencia del objeto.
2. Renunciamos a la línea como valor descriptivo
Este principio se relaciona con su intención de representar la vida
misma. Lo descriptivo no es más que decoración. Para los
constructivistas, la línea solo tiene valor a modo de dirección de las
fuerzas estáticas y de los ritmos de los objetos.
3. Renunciamos al volumen como forma espacial pictórica y plástica
Hace referencia a la imposibilidad de medir el espacio con el
volumen. Hablan del espacio como una profundidad continuada,
infinita.
4. Renunciamos a la escultura en cuanto a masa entendida como
elemento escultural
Reintroducen en la escultura la línea como dirección afirman que la
profundidad es una forma espacial.
5. Renunciamos al desencanto artístico enraizado desde hace siglos
según el cual los ritmos estáticos son los únicos elementos de las
artes plásticas
Afirman que en su nueva forma de arte se encuentra un nuevo
elemento de ritmo y de percepción del tiempo. Debe existir una
relación entre pensamiento y producción.
NEOPLASTICISMO
 NEOPLASTICISMO
Surge en Holanda en 1917. El neoplasticismo o movimiento De Stijl (El
Estilo) propugna una estética renovadora basada en la depuración
formal.
El planteamiento básico de este movimiento queda perfectamente
claro en la frase programática de uno de sus creadores, Doesburg, que
dijo: "Desnudemos a la naturaleza de todas sus formas y sólo quedará
el estilo”.

Sus planteamientos fueron expuestos en 1918 en el "Primer

manifiesto" del movimiento. “La Danza”, 1910

Piet Mondrian fue quien formuló las bases teóricas de la nueva estética
y que posteriormente denominaría "Neoplasticismo".
 Piet Mondrian,
Composición 10.
1940, óleo sobre
lienzo, 80 x 73 cm.
el mundo del arte en el siglo XX va a experimentar una revolución
hasta el punto de que desaparezca la representación de la realidad. El
artista es libre para experimentar nuevos lenguajes artísticos.
Tras la Primera Guerra Mundial surge el neoplasticismo, un
movimiento racional que busca relaciones matemáticas entre las
formas coloreadas. Mondrian representa la máxima expresión de la
abstracción geométrica. Su finalidad es conseguir un arte puro.
 CARACTERÍSTICAS NEOPLASTICISMO
• Búsqueda de la renovación estética y de la configuración de un
nuevo orden armónico de valor universal.
• Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes
fundamentales: líneas, planos y cubos.
• Planteamiento totalmente racionalista.
• Estructuración a base de una armonía de líneas y masas
coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre
verticales, horizontales o formando ángulos rectos.
• Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del
equilibrio.
• Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo, azul,
rojo) o tonal (blanco, negro y grises).
• Empleo de fondos claros.
Piet Mondrian,
Composición en
rojo, amarillo y
azul, 1921, óleo
sobre lienzo, 39 x
35 cm.
DADÁ
 DADÁ
El movimiento dada nace en Zurich en 1916 y dura hasta 1922.
La denominación "dada" (caballito) corresponde al primer término que
apareció en un diccionario de alemán-francés abierto al azar y fue
adoptado por un movimiento literario y artístico que pretendía
cambiar la sociedad, la cultura y el arte a través del desconcierto, el
inconformismo, el nihilismo, la ironía, la negación de la racionalidad y
de todos los valores establecidos hasta entonces.
Sus fundadores fueron el pintor alsaciano Hans Arp y el poeta rumano
Tristan Tzara.
Este movimiento se extendió a Berlín, Colonia, París y Nueva York,
donde se constituyó el núcleo más progresista en torno a Duchamp. La
actividad de este artista se caracterizó por la atribución de un nuevo
valor a objetos descontextualizados (los llamados ready-mades).
A partir de 1920, muchos de los artistas plásticos de este movimiento
evolucionaron hacia el surrealismo.
Marcel Duchamp,
Rueda de
Bicicleta, Objeto
Pronto, 1913
 CARACTERÍSTICAS DADÁ
•Expresión irónico-satírica de los valores artísticos establecidos por la
tradición y también por la vanguardia fauve y expresionista (actitud
anti-arte).
•Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de
materiales (collage y décollage) y objetos de desecho cotidiano.
•Niega el Arte, despreciando lo retórico y academicista y cualquier
canon impuesto.
•Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo e
irracional (lo absurdo, el sinsentido y el azar establecen la identidad
entre el arte y la vida). Feísmo.
•Liberación del subconsciente (se produce una transición al surrealismo
y al arte semi-abstracto).
• Motivaciones de disociación.
•Auge del disparate.
• Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad
pueden ser objeto artístico (Marcel Duchamp crea sus ready-mades:
Término utilizado por Marcel Duchamp para designar los objetos del
entorno (un botellero metálico, un urinario, una rueda de bicicleta
sobre un taburete de cocina, etc.), carentes de valor artístico en si
mismos, pero que al ser presentados fuera de su contexto habitual
adquieren un sentido distinto, cuestionando el concepto tradicional
del arte y recabando para ellos el sentido de objetos artísticos
• Temática en la que predominan los mecanismos absurdos
("antimecanismos" que desarrollan una visión irónica de la
máquina, de las cualidades a ella asimiladas y de la creciente
importancia de lo mecánico en la sociedad moderna de la época).
• Utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva del
collage introducida por R. Hausmann, realizado a base de imágenes
multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos, revistas y
anuncios; y el "merz" o collage dadaísta (desarrollado por K.
Schwitters) a base de materiales de desecho de todo tipo y estado.
En 1917 Marcel
Duchamp fue invitado
por la galería Grand
Central de Nueva York
a formar parte del
jurado de una
exposición de artistas
independientes. Sin
informar a nadie, el
propio Duchamp envió
para exponer en esa
exposición este
urinario de porcelana
blanca firmado con el
seudónimo "R. Mutt".
Cuando su Fuente fue
rechazada para la
exhibición, Duchamp
renunció al jurado y el
incidente causó un
escándalo que sacudió
al mundo del arte.
Francis Picabia
Parada Amorosa, 1917,
Acuarela
Hannah Hoch,
Pretty Maiden,
1920
Naturaleza muerta con
frutero y mandolina.
Juan Gris
(1917).
SURREALISMO
Mujer Portuguesa, Robert Dalaunay
 SURREALISMO
•El movimiento surrealista nace en Francia finalizada la primera
guerra mundial. Surge en el ámbito literario, pero pronto lo abarca
todo, pensamiento, artes plásticas, cine y teatro.
•El término fue inventado por Apollinaire en 1917, y se popularizó en
la revista Littérature, fundada en 1919 por André Breton, L. Aragon y
Ph. Soupault. En esa revista publicaban sus planteamientos
vanguardistas Breton, Paul Eluard, Francis Picabia y Man Ray, entre
otros muchos autores.
•En 1924 se produce el primer manifiesto surrealista de Breton, que
da cuerpo al movimiento. Su ideal era sobrepasar la realidad y llegar a
una renovación de todos los valores culturales, morales y científicos
por medio del automatismo psíquico.
•La producción surrealista se caracterizó por la exaltación de los
procesos oníricos, el humor corrosivo y el erotismo, concebido todo
ello como armas de lucha contra la tradición, la moral y la cultura
burguesa.
Los planteamientos del movimiento surrealista contra la tradición
y vida burguesa tenían una raíz política y un sector del surrealismo
empezó a considerar insuficientes las manifestaciones culturales y
se afilió al Partido Comunista Francés. Surgieron así las primeras
discrepancias en el seno del movimiento a propósito de la relación
entre arte y política. Se sucedieron manifiestos contradictorios y el
movimiento comenzó a disgregarse. A pesar de su deterioro, en
1938 se celebra en París la Exposición Surrealista Internacional,
debido a que el movimiento se había extendido por muchos
países.
En el campo de las artes plásticas, los pintores surrealistas se
manifiestan de dos maneras diferentes, los surrealistas figurativos,
interesados por la vía onírica (Magritte, Delvaux y Dalí, entre otros)
y que se sirven del realismo y de las técnicas y recursos pictóricos
tradicionales; y los surrealistas abstractos, que practican el
automatismo psíquico puro (Masson, Miró) e inventan universos
grafico-plásticos propios.
 CARACTERÍSTICAS SURREALISMO
•Figuración con temática subjetiva de carácter onírico basada en las
técnicas del inconsciente de Freud (el carácter figurativo desaparece
en el llamado "surrealismo abstracto").
•Interpretación de la realidad desde el sueño, el inconsciente, la
magia y la irracionalidad.
•Conjunción de imágenes dispares (reales o irreales), tanto en el
tiempo como en el espacio.
•Los objetos y formas son despejados de su significación tradicional
(principio de la "desorientación"), el observador queda desorientado,
sin saber a qué atenerse.
•Creación de imágenes equívocas de manera que una misma cosa
puede ser interpretada de varias maneras (principio de la
"discordancia"), por ejemplo, una nube puede parecer la cabeza de
un animal o bien otra cosa.
• Da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la
destrucción y lo misterioso.
• Además de lo onírico, representación de toda clase de
simbologías, especialmente eróticas y sexuales.
• Toca todos los estilos: clásico, barroco, ingenuismo, futurismo,
etc.
• Utilización espectacular de la perspectiva cónica, exagerando la
sensación de profundidad (creación de grandes espacios y
lejanías).
• Creación en el cuadro de juegos perceptivos e ilusionísticos.
• Ejecución pictórica minuciosa, con gran cuidado del dibujo y la
figura (Dalí).
• Utilización del claroscuro y del color modelado.
• Invención de nuevos métodos y técnicas: pintura automática,
frottage y grattage.
• Pintura automática. Pintura realizada mediante el método del
automatismo psíquico. Los surrealistas utilizarán ese método con
la intención de transformar directamente el estado psíquico del
artista en una expresión pictórica, en la que el acto creador no
sea influido estilísticamente por el pensamiento organizativo
racional.
• Frottage. Técnica inventada por Max Ernst en 1925. Consiste en
transferir al papel o al lienzo mediante fricción o frotamiento,
una superficie rugosa, por ejemplo, la de un trozo de madera.
Las dibujos y texturas que resultan se utilizan como punto de
partida de la pintura automática para la realización posterior de
imágenes fantásticas.
• Grattage. Técnica consistente en pintar colores repartiéndolos
arbitrariamente sobre una tabla de madera. Una vez secos, son
rascados o grabados con una cuchilla o un punzón afilado
creando dibujos o graffitis sobre la superficie coloreada. Esta
técnica también se utilizó como punto de partida de la pintura
automática.
Salvador Dalí.
Sueño Causado por el
Vuelo de una Abeja en
Torno a una Granada
un Segundo antes de
Despertar, 1931,
51 x 41 cm., óleo sobre
lienzo, Foundación
Thyssen-Bornemisza,
Thyssen Museum,
Madrid.