Guía GRADO SEXTO Taller DISEÑO GRÁFICO

INSTITUTO TÉCNICO INDUSTRIAL FRAY LUIS AMIGÓ
CONGREGACIÓN DE RELIGIOSOS TERCIARIOS CAPUCHINOS Código:

PROVINCIA SAN JOSÉ PGFI-03-R21
PROCESO: GESTIÓN DE FORMACIÓN INTEGRAL
PROCEDIMIENTO: FORMACIÓN ACADÉMICA Versión: 02
Fecha de
GUÍA DE ESTUDIO (VERTICAL) Aprobación:
15/07/2019
Grado: Sexto Asignatura: Diseño Gráfico Período: Segundo
Nombre del Docente: Nombre del Estudiante:
Estándar General: Componentes: Contenidos:

N/A INTRODUCCIÓN Y ELEMENTOS DEL DISEÑO.
-Introducción: definición, tendencias y
Identificar la importancia de los representantes.
elementos básicos del diseño. -Elementos Conceptuales: punto, línea, plano y
volumen.
-Elementos visuales: forma, Textura, Medida
Conocer los conceptos básicos (escala).
-Elementos de relación: Posición, dirección,
del diseño aplicados en una espacio, movimiento.
pieza gráfica. -Elementos prácticos: representación y
significado.
CONCEPTOS BASICOS 1.
-Ritmo
-Simetría – Asimetría.
-Interrelación de formas.
-Positivo – Negativo (Forma/contra forma)
-Anomalías visuales.
Procesos de Pensamiento Indicadores de Desempeño
Cognitivo Conocer los elementos y conceptos básicos del diseño que aportan
(Saber – Saber) en la construcción del mensaje en piezas gráficas.
Procedimental Aplicar los conceptos básicos del diseño en la elaboración de piezas

(Saber Hacer) gráficas.
Formativo Aplica los principios orientadores de las Microcomunidades en la

(Saber Ser) convivencia social.
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1. MOTIVACIÓN:
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2. EXPERIENCIA PERSONAL:
Si atendemos a los conceptos de innovación y creatividad, resulta imposible no pensar en el Diseño

Gráfico, una disciplinada cuya misión principal es la de transmitir un mensaje de la forma más
directa y visual posible, empleando para ello la combinación de múltiples elementos como pueden
ser formas, colores, imágenes fijas o en movimiento, ilustraciones, tipografías… Esta doble
condición intrínseca del diseño gráfico como disciplina artística y comunicativa se ha visto
potenciada a lo largo del paso del tiempo con la evolución de las nuevas tecnologías digitales, las
cuales han abierto todo un abanico de posibilidades para el Diseño Gráfico en forma de nuevas
ideas, conceptos y tendencias, nuevos medios donde expresar y nuevas herramientas que lo hacen
posible. Pero en todo este conjunto de creatividad e innovación artístico-comunicativa, ¿cuáles son
realmente los fundamentos y elementos del Diseño Gráfico?
Una vez que tenemos claro el concepto de Diseño Gráfico, a pesar de que existen muchas y
variadas opiniones al respecto, también es necesario conocer y comprender cuáles son los
elementos fundamentales sobre los cuáles se sustenta esta apasionante disciplina.
En este sentido, el Diseño Gráfico como disciplina esencialmente práctica se compone de un
amplio elenco de elementos básicos y esenciales sin los cuales no podría existir, que ayudan al
diseñador a organizar, crear, desarrollar, proyectar, y que se agrupan en cuatro grandes categorías
diferenciadas:
1- Los elementos conceptuales, como lo son el punto, la línea, el plano o el volumen, especialmente
importante en las nuevas técnicas 3D.
2- Los elementos visuales, es decir, todo lo visible por el ojo humano y que se percibe por su forma,
tamaño, color y textura.
3- Los elementos de relación, que permiten dar un significado a la relación entre los elementos
visuales anteriores: dirección, posición, gravedad, espacio.
4- Los elementos prácticos: función, representación y significado.
3. FUNDAMENTACIÓN COGNITIVA:
Las tendencias diseño gráfico va agregando nuevas actualizaciones y cambios conforme pasan los
años, ya que se ve influenciado por distintos factores como las personas, la moda, las redes sociales y
muchos más, es por ello se van formando diferentes tendencias según avanza el tiempo.
Este año el enfoque del diseño en las plataformas móviles debido a que el desarrollo de este sector
ha sido muy amplio, se llegó al 60% de crecimiento en un solo año.
Otra tendencia que está llamando la atención es la de no utilizar cuadrículas geométricas para
mostrar el contenido, muchos diseñadores están rompiendo los límites de las dimensiones y están
saliéndose de lo común.
Por último, la tendencia que, aunque pasen los años, es siempre tomada en cuenta por los diseñadores
es el minimalismo, esta tendencia artística es tan popular como lo ha sido siempre, manteniéndose
dentro del ámbito del diseñador.
Principales Representantes del diseño gráfico en el mundo.
Storm Thorgerson
Storm Thorgerson fue un artista británico, considerado uno de los principales exponentes en el diseño
gráfico de todos los tiempos. Todas sus obras y diseños se caracterizaron por su toque surrealista e
imaginativo, tan característico de su arte. Este diseñador fue especialmente conocido y admirado por
sus colaboraciones con algunos de los grupos musicales más famosos de todos los tiempos.
Entre otros, diseñó portadas de álbumes musicales para Pink Floyd, Led Zeppelin o Muse.
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Milton Glaser
Si te interesa el diseño gráfico simple pero único a la vez, Milton Glaser es uno de los exponentes en el
diseño gráfico que debes conocer. Este diseñador y artista nació en los Estados Unidos, y colaboró en
la creación o diseño de varios periódicos o revistas, como por ejemplo New York Magazine. Si te
interesa aprender acerca de lenguaje visual, te recomendamos que te familiarices con los diseños de
este artista. Transmite mensajes claros que nunca dejan de ser originales e inspiradores. Uno de
sus diseños más famosos es el logotipo utilizado por múltiples empresas “I Love New York”.
Andreas Preis
Este diseñador alemán es uno de los exponentes en el diseño gráfico que más te inspirarán si tu
especialidad es el diseño publicitario. Importantes empresas y marcas como Nike o DC Comics, entre
otras, han confiado en él para que diseñase sus campañas publicitarias. Es especialmente famoso y
reconocido por sus inspiradores diseños. Estos se basan en las figuras geométricas y los juegos de
líneas, mayoritariamente. Andreas Preis es uno de los exponentes en el diseño gráfico que defienden
que la inspiración puede encontrarse en cualquier lugar. Y, sin duda alguna, sus propios diseños son
una inspiradora fuente de ideas para cualquier diseñador que desee innovar.
Alex Trochut
Alex Trochut es uno de los exponentes en el diseño gráfico más reconocidos a nivel europeo, y
también a nivel mundial. Sin duda alguna, es uno de los artistas que debes conocer si tu especialidad
es la tipografía. Ha colaborado con marcas como Nixon y Coca-Cola, entre muchas otras. Es
especialmente conocido por sus diseños y obras de arte de estilo minimalista. Sus obras siempre
son elegantes y únicas.
Alejandro Magallanes
Alejandro Magallanes es un artista y diseñador mexicano con amplia experiencia. Es considerado, sin
duda alguna, uno de los principales exponentes en el diseño gráfico. Sus trabajos y obras incluyen el
diseño de carteles publicitarios, proyectos editoriales y diseño de marcas, entre otros muchos
proyectos. Sus diseños se caracterizan por ser simples y directos. Esto es algo que los hace
especialmente interesantes e inspiradores.
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Todos estos exponentes en el diseño gráfico son conocidos por proyectos y diseños muy diferentes
entre sí. Sin embargo, todos tienen algo en común: supondrán una importante fuente de inspiración
para tus futuras ideas y diseños.
Los elementos base del Diseño Gráfico

Se distinguen en 4 grupos:
1. Elementos conceptuales
2. Elementos visuales
3. Elementos de relación
4. Elementos prácticos
1. ELEMENTOS CONCEPTUALES
Aquí entra en juego la forma en que estos elementos no son visibles a simple vista.
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El punto marca posición en el espacio, es un par de coordenadas x e y. Pero en cambio puede

representar una partícula insignificante, la marca de un clavo o de un lugar, puedes ser su propia
identidad o confundirse en una multitud formando entre ellos una línea o un plano.
La línea es la sucesión de puntos y tiene longitud pero no ancho, aunque puede cambiar su grosor
hasta llegar al punto de convertirse en plano. Conecta con dos puntos o es la propia trayectoria que
hace uno a otro. No tiene porque ser solo recta, puede ser curva, continua o a trozos. Cuando la línea
se multiplica crea volúmenes, planos y texturas.También puede representar una dirección, ascenso y
descenso como ondas o la representación del palpitar de un corazón. Están representadas de manera
invisible en los textos, justificando a la izquierda o a la derecha, creando columnas… rigen un orden.
El plano es una superficie plana con largo y ancho, posición, dirección y está limitado por líneas, las
cuales lo forman. Es el recorrido de una línea en movimiento que al cerrarse forma un plano acotado.
En el software de vectores (Illustrator) todas las formas consisten en línea y relleno, un plano puede ser
paralelo a la superficie, desviarse para dar sensación de espacio, de distancia, lejanía… puede ser
sólido, transparente, perforado, texturizado, etc.
El volumen es un objeto gráfico que crea un espacio tridimensional con sus características de ancho,
altura y profundidad. Se crea por medio de planos en movimiento y también perspectivas variando el
tamaño, todo ello de manera ilusoria.
2. ELEMENTOS VISUALES
Estos elementos, como su nombre indica, son visibles y están creados por formas con líneas, colores,
texturas (según el material utilizado), ancho… componen el principal lenguaje visual del concepto,
formas y figuras. Es decir, no visual no es lo que percibes sino su nivel semántico y conceptual.
Forma, todo lo visible tiene una forma que el ojo percibe e identifica el objeto.
Medida, tamaño o escala es relativo. Un mismo elemento gráfico puede parecer grande o pequeño
según la ubicación, el color y los elementos que le rodean, las pequeñas tienden a alejarse y en
general, cualquier objeto carece de escala cuando no se puede comparar con algo.
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Color, el ojo humano puede distinguir entre 10000 colores y aquí no

solo se habla de color del espectro solar, RGB, sino también a los
neutros negro, blanco y grises, además de sus variaciones cromáticas
según la percepción y sus propiedades materiales: tono, saturación y
brillo.
Textura, tiene que ver con el tipo de material utilizado y el resultado al usarlo+, puede atraer tanto al
sentido del tacto como a la visual.
3. ELEMENTOS DE RELACIÓN
Depende del modo en el que relacionas las formas utilizadas dan una interpretación y significado a un
diseño.
Dirección, al igual que la escala, la

dirección depende de cómo esté
relacionada con el receptor, el marco
que lo contiene y las otras formas que
tengan a su alrededor.
Posición, depende de la
estructura u otro elemento que
la contenga.
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Espacio, todo ocupa un lugar, un espacio y puede ser

visible e ilusorio dando una sensación de profundidad
que realmente no hay. Lo crea la ubicación, el tamaño,
posición, color. que se le da a la forma.
Gravedad, este elemento de relación a mi parecer es muy

potente porque este efecto puede crearse no solo de manera
visual, sino por medio de la psicología, atribuyendo
connotaciones de estabilidad o inestabilidad.
4. ELEMENTOS PRÁCTICOS
Representación, ¿de qué manera has realizado el diseño? Puede ser un diseño realista, estilizada,
abstracta, cubista…
Significado, es lo que marca el diseño puede ser consciente o subconsciente pero todo marca un
mensaje.
Función, la razón por la que se ha creado dicho diseño.
Estos fundamentos del diseño gráfico sobre los elementos base también pueden ser aplicados al diseño
web como al diseño gráfico. Ya que el fin del diseño es crear un elemento estéticamente adecuado
pero al mismo tiempo funcional, práctico junto con una composición semiótica (mensaje).
EL RITMO EN EL DISEÑO GRÁFICO
El concepto de ritmo suele ser asociado a la música o, más en general, a todo lo que tiene que ver con
el sonido. Cuando nuestros oídos perciben una determinada secuencia de sonidos y puede distinguir la
evolución y la sucesión de esos sonidos, identifica en automático un ritmo. Es lo que pasa con cualquier
canción, donde suele ser el sonido de la batería lo que marca el tiempo y los pasos de la pieza, y no
solo. El sonido metálico y repetitivo de una fábrica, por ejemplo, representan un ritmo continuo. Se dice
que hace muchos años, en la ciudad de Sheffield, el ruido de fondo de las industrias siderúrgicas
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marcaba y acompañaba la vida cotidiana de la población residente. Pero el ritmo en diseño gráfico es
igual de importante.
El ritmo, entonces, es lo que escande los tiempos de una manera más o menos regular y más o menos
reconocible. Pero, si es verdad que, como decíamos antes, el ritmo normalmente lo asociamos al
concepto de sonido, todos los diseñadores gráficos y web saben muy bien que el ámbito visual también
tiene su ritmo. Y por supuesto, conocerlo y saber leerlo puede contribuir a hacer más eficaces,
orgánicos y racionales los trabajos que se realizan.
¿Qué es, entonces, el ritmo en ámbito gráfico? ¿Y como se puede reconocerlo y estructurarlo dentro de
un trabajo? Intentaremos contestar a estas preguntas enseguida. ¿Listo? Empezamos…
El ritmo como elemento natural

Como hemos dicho en la introducción de este
post, solemos asociar la palabra “ritmo” a un
esquema sonoro: efectivamente el ritmo es el
elemento esencial e imprescindible de cualquier
producción musical (o casi, si consideramos la
música contemporánea, peor eso es otro tema).
Pero, el ritmo no es simplemente algo musical,
sino una constante en nuestras vidas, aunque a
menudo no nos damos cuenta de eso. Basta
pensar en las estructuras de las cosas que nos
rodean: los pétalos de las flores, por ejemplo, o
las hojas de un árbol, entre otros. Nuestra vida
diaria es encuadrada en las 24 horas diarias,
determinada por la sucesión de las estaciones,
así como nuestro cuerpo, que se regla con los
latidos cardíacos. Toda nuestra existencia, en
suma, es determinada por ritmos constantes, que
muy a menudo ni siquiera apreciamos.
El ritmo a nivel visual
Además, muchos elementos que vemos en nuestro día a día

están organizados o dispuestos según un orden, y un ritmo,
preciso. En el caso de una escalera, el ritmo se debe a la
sucesión de los escalones, normalmente iguales entre ellos,
es decir de la misma dimensión. Lo mismo pasa con una
columnata, con los faroles a los bordes de la calle e incluso
con las geometrías de un pavimento, d ellas fachas de
edificios, de los azulejos y mucho más. En otros casos, el
ritmo se crea por medio de la alternancia de elementos
grandes y pequeños dispuestos en sucesión, o por la
alternancia cromática, o por el crecimiento y decrecimiento
de los elementos. Cualquier secuencia estructurada a nivel
visual contribuye a crear un ritmo que el ojo humano es
capaz de percibir y reconocer.
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Tipos de ritmo


 Ritmo lineal o regular: se produce cuando los elementos son similares o iguale en forma, tamaño,
color y distancia entre ellos. El es ritmo más fácil a identificar y se suele utilizar en ámbito gráfico
para crear el sentido de repetición.
 Ritmo alterno: a diferencia del ritmo “regular”, el ritmo por alternabilidad consiste en la repetición
de elementos distintos en el mismo orden, de manera que se forme un contraste ordenado y
reiterado.
 Ritmo progresivo: se representa con una disminución o ampliación progresiva y regular de un
elemento, de su tamaño, de su orientación o de su color. Tiene un sentido dinámico, que se obtiene
a través de una progresión de etapas y de formas.
 Ritmo fluido: en este caso los elementos no son iguales entre ellos, pero lo que crea el ritmo es
la sensación de movimiento fluido y espontáneo que generan las imágenes; este fluir logra captar la
atención y destacar lo que se quiere comunicar.
El ritmo en diseño gráfico

Conocer el recurso del ritmo y como funciona es muy importante porque nos ayuda a orientar la
atención de quien observa hacia el mensaje principal o el contenido que queremos destacar. Y no solo:
el ritmo sirve también para dar un aspecto orgánico al conjunto y a estimular quien lee a prestar más
atención al mensaje o a empatizar (inconscientemente) con el contenido. Promocionar un producto
exitoso o lanzar un mensaje preciso y convincente no es suficiente si el contexto en el que está incluido
no es igualmente eficaz. Por ello, siempre hay que estudiar y desarrollar antes y atentamente un
proyecto, para ver como el ritmo puede jugar su papel en nuestra comunicación. Como en el caso de la
música, el ritmo en diseño debe determinar los tiempos y los espacios. ¡No lo olvides!
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Simetría y asimetría
Tanto la simetría como la asimetría pueden ser usados en una composición de forma independiente o
contribuyendo al balance final. Puedes tener formas simétricas en una composición balanceada
asimétricamente y viceversa.
Con frecuencia, la simetría es vista como bella y armónica; sin embargo, también puede ser vista como
estática y aburrida. La asimetría tiende a ser más interesante y dinámica, a pesar de no ser vista como
intrínsecamente bella.
Simetría
Existen tres tipos principales de simetría.
Simetría de reflexión (o simetría bilateral) ocurre cuando todo se refleja alrededor de un eje central. Es
probablemente lo primero en que piensas cuando escuchas la palabra “simetría”. El eje puede estar en
cualquier dirección u orientación, aunque con frecuencia es vertical u horizontal.
Todo lo de un lado del eje se refleja en el otro lado. Las figuras naturales que crecen o se mueven a
través de la superficie de la tierra desarrollan una simetría de reflexión. Un rostro humano y una
mariposa son ejemplos.
La simetría, incluso, puede suceder en varios ejes al mismo tiempo. Por ejemplo, la mitad izquierda y
derecha de una composición pueden reflejarse a sí mismas, mientras que las partes superior e inferior
también se reflejan entre ellas. Los copos de nieve muestran simetría de reflexión con más de dos ejes.
Simetría de rotación (o simetría radial) ocurre cuando todo gira alrededor de un centro común. Se
puede dar en cualquier ángulo o frecuencia mientras exista un centro en común. Las figuras naturales
que crecen o se mueven en forma perpendicular hacia la superficie de la tierra desarrollan una simetría
de rotación. Los pétalos de un girasol son un ejemplo. La rotación sin reflexión puede ser usada para
mostrar movimiento, velocidad y acción dinámica. Piensa en los neumáticos de un carro en movimiento.
Simetría de traslación (o simetría cristalográfica) ocurre cuando se repiten elementos en diferentes
ubicaciones en el espacio. Los postes de cercas son un ejemplo. La repetición crea simetría de
traslación. Puede ocurrir en cualquier dirección o distancia, siempre y cuando la orientación básica sea
la misma. Las figuras naturales desarrollan una simetría de traslación a través de la reproducción.
Puedes crear ritmo, movimiento, velocidad y dinamismo a través de este tipo de simetría.
Las formas simétricas son comúnmente vistas como la figura, a diferencia de la superficie. Una forma
simétrica tendrá más peso que una forma con forma asimétrica de tamaño similar.
Las figuras simétricas transmiten balance por sí solos, pero podrían aparecen demasiado estables y
con demasiado balance, generando una falta de interés. Estas formas también generan espacios
pasivos porque el espacio negativo es igual en todas las formas.
Asimetría
Las figuras o formas asimétricas carecen el balance de las formas simétricas, aunque
pueden balancear asimétricamente una composición entera. La asimetría es más común en formas
naturales: las ramas de los árboles crecen en diferentes direcciones; las nubes tienen diferentes
formas.
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La asimetría crea relaciones más complejas entre elementos, y tiende ser más interesante que la
simetría. Ya que es más interesante, la asimetría puede ser usada para llamar la atención.
El espacio alrededor de las formas asimétricas es más activo. Se crean patrones impredecibles y, por lo
general, tienes más libertad de expresión con la asimetría que con la simetría. Lo sacrificado es que es
más difícil de lograr.
Casi de la misma forma que la similitud y el contraste funcionan juntos, puedes combinar la simetría y la
asimetría para lograr un buen ejemplo. El balance simétrico crea una forma asimétrica, o el balance
asimétrico se crea simétricamente. Rompe las formas simétricas con una marca al azar para añadir
interés. Contrasta la simetría y la simetría en tu composición para hacer que los elementos generen
más atención.
Principios de Gestalt
Estos principios de diseño tienen el objetivo de resaltar la cantidad de principios de diseño que surgen
de los principios de Gestalt .
Uno de estos principios aborda, específicamente, el tema de la simetría y el orden, y ciertamente puede
aplicarse al balance composicional. Es casi el único principio que puede aplicarse.
Ejemplos
Es hora de las capturas de pantalla. Las agrupé de acuerdo a los cuatro tipos de balance.
Ejemplos de balance simétrico
Ejemplos de balance asimétrico
Ejemplos de balance radial
Ejemplos de balance de mosaicos (o cristalográfico)
Interrelación de Formas
Las formas pueden encontrarse entre sí de diferentes maneras, estas opciones nos pueden ser muy
útiles al momento de la creación de logotipos, íconos abstractos.
 Distanciamiento: Ambas formas quedan separadas entre sí, aunque pueden estar muy
cercanas
 Toque: Si acercamos las formas, comienzan a tocarse, así que el espacio que existía entre ella
queda anulado.
 Superposición: Una forma se cruza sobre la otra y parece estar por encima, cubriendo una
porción de la que queda debajo.
 Penetración: No existe una relación obvia de arriba y debajo entre las formas, los contornos
siguen siendo enteramente visibles.
 Unión: No existe una relación obvia de arriba y debajo entre las formas, pero ambas formas
quedan reunidas y se convierten en una forma nueva y mayor.
 Sustracción: Se la considera como la superposición de una forma negativa sobre una positiva.
 Intersección: En este caso solo es visible la porción en que ambas formas se cruzan entre sí.
 Coincidencia: Si acercamos las formas, los dos formas se convierten en una.
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FORMA Y CONTRAFORMA
Cada carácter tipográfico está dotado de forma y contra forma, pues lo uno no existiría sin lo otro, la
forma es la más evidente pues es en sí lo que se aprecia a la hora de escribir, la contra forma está dada
por los espacios blancos de la letra es decir: lo que no es letra.
fig. 1 fig. 2
En la primera figura se aprecian los dos conceptos: forma y contraforma, la seguanda es el resultado de
la extracción de la primera.
En la figura 2 tenemos una escritura creada con su forma; la tipografía se llama Trajan y pertenece a las
romanas antiguas.
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fig. 3 fig. 4
Figura 3: en ésta tenemos la contra forma con la que se puede crear un nuevo carácter, ya que
mantiene las características identificativas de su forma.
Para la última gráfica (fig. 4) se creó un texto con la contra forma producida por la figura 2. hay que
tener en cuenta que las letras que se utilizaron fueron diseñadas a partir del cuadrado dividido en diez
del que se había hablado anteriormente.
En los siguientes ejemplos, se trabajara con las formas internas de un texto escrito en "Futura" la parte
externa de la letra no será cambiada.
La contra forma es completamente maleable y permite dar diferentes aspectos de los que pueden
originarse nuevos diseños muy interesantes.
Positivo y Negativo
Cuando se perciben las formas negativas y positivas, el ocupante que invade un espacio es negativo y
viceversa, En el diseño el negro es positivo y el blanco es negativo.
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“Espacio positivo, es el que rodea a un espacio negativo, y el espacio negativo, el que rodea un signo
positivo, la relación figura fondo es ambivalente: en ciertos momentos encontramos formas positivas y
espacio negativos, en otros encontramos formas negativas y espacios positivos”, Rodríguez González,
Abelardo.
“Lo positivo y lo negativo en este contexto denota simplemente que hay elementos separados, pero
unificados en todos los acontecimientos visuales. Las figuras a y b muestran que lo positivo y lo
negativo no equivalen ni mucho menos a hablar de oscuridad, luminosidad o imagen especular como
ocurre en la descripción de las fotografías del cine o de los impresos. Tanto si se trata de un punto
oscuro en un campo claro, como en la figura a, o de un punto blanco sobre un fondo oscuro, como en la
b, el punto es la forma positiva, la tensión activa, y el cuadrado es la forma negativa. En otras palabras,
lo que domina la mirada en la experiencia visual se considera elemento positivo, y elemento negativo
aquello que actúa con mayor pasividad. La visión positiva y negativa a veces engaña al ojo. Al mirar
algunas cosas, vemos en las claves visuales lo que no está realmente allí. Dos parejas abrazadas a lo
lejos pueden parecernos un perro sentado sobre sus patas traseras. Un rostro puede parecernos una
piedra. El empleo de claves relativas y activas de la visión puede hacer que un objeto sea tan
convincente que nos resulte casi imposible ver lo que realmente estamos mirando. El ojo busca una
solución simple a lo que ve y, aunque el proceso de asimilación de la información puede ser largo y
complicado, la sencillez es siempre el fin perseguido” Dondis, D.A; La sintaxis de la imagen,
Introducción al alfabeto visual.
“Por regla general a la forma que se ve como ocupante de un espacio, pero también puede ser vista
como un espacio rodeado de un espacio ocupado. Cuando se percibe como ocupante de un espacio en
blanco, rodeado de un espacio ocupado la llamamos „negativa‟. En el diseño en blanco y negro,
tendemos a considerar al negro como ocupado, y al blanco como vació, Así, una forma negra es
reconocida como positiva y una forma blanca como negativa. Pero tales formas no corresponden
siempre a la realidad. Especialmente cuando las formas penetran o interfieren entre sí.” Wucius Wong.
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Figura-Fondo
“Considerando -la página de un libro-, todo el espacio vacío tiene la misma cualidad tonal (Sin
contraste); por consiguiente, las percibimos como fondo. Este posee tamaño y forma debido al
contraste con lo que no es página, en los bordes. Lo impreso establece un marcado contraste tonal con
el fondo y se convierte en figura y en el centro de la atención. Cada letra, cada palabra o línea tienen
forma a causa de su relación con respecto al fondo; (…) La casa constituye el fondo para el hombre qué
está delante de ella, el grupo de árboles es el fondo de la casa, el cielo lo es para los árboles. El
contraste figura-fondo es continuamente necesario para que podamos ver formas. Pero, en un esquema
complejo, (…) la misma área puede poseer valores de figura y de fondo, según varíe el centro de
nuestro interés.
Cuando el campo está dividido casi exactamente en dos tonos, de modo que ambos constituyen formas
buenas, con frecuencia podemos ver como figuras cualesquiera de los tonos. Según como miremos, el
mismo tono será figura o fondo y se puede invertir el esquema mientras miramos. Este tipo de relación
figura-fondo puede usarse eficazmente en esquemas repetidos, y, ocasionalmente, en el layout
publicitario. Sin embargo, su máxima importancia radica en lo que nos enseña sobre el proceso
repetitivo.” Gillam Scott, Robert.
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Resumamos los conceptos que conviene recordad y tener presente:
1) El fondo es más grande que la figura y, por lo común, más simple.
La segunda parte de esta afirmación no siempre es cierta. En muchas miniaturas persas o cuadros de
Matisse, por ejemplo, las partes que corresponden a la figura son mucho más simples que los fondos,
muy trabajados. Tienen valor de figura porque su misma simplicidad establece un fuerte contraste con
el resto del campo.
2) La figura se percibe habitualmente en la parte superior o delante del fondo. No obstante, a veces la
perfora.
3) El fondo puede percibirse como una superficie o como un espacio.
4) Pensamos naturalmente en la forma de la figura. La ´reas de fondo también tienen forma, si bien se
trata de la forma negativa de un espacio ocupado. Tanto la forma positiva como la negativa tienen
importancia en el diseño, y tendríamos que ejercitarnos en adquirir sensibilidad a una y a otra.
ANOMALÍAS VISUALES
Las anomalías son alteraciones drásticas en un entorno perceptivo. Todas las anomalías tienen la
propiedad de llamar la atención de manera rápida. Por ello se usan en comunicación visual para dirigir
la mirada de los espectadores. La anomalía perceptiva es una fuerte influencia en la llamada de
atención, un grito visual por así decirlo la anomalía puede producirse por el cambio de forma, de color
de tamaño y posición, también es importante la composición de los elementos. Bien es hora de aplicar a
los trabajos y a decorar de manera creativa.
Las anomalías siempre generan expectativas en el espectador. Es un fenómeno natural ligado a mil
procesos que se operan en la naturaleza, como la caída de las hojas de un árbol. Su cambio de color es
una anomalía frente al verde de las hojas cuando están activas.
Las anomalías deben entenderse como un medio para jerarquizar la comunicación de un mensaje, de
manera que facilitemos al lector el acceso a la información.
Las anomalías siempre generan expectativas en el espectador. Es un fenómeno natural ligado a mil
procesos que se operan en la naturaleza, como la caída de las hojas de un árbol. Su cambio de color es
una anomalía frente al verde de las hojas cuando están activas.
Las anomalías deben entenderse como un medio para jerarquizar la comunicación de un mensaje, de
manera que facilitemos al lector el acceso a la información.
Es la presencia de la irregularidad en un diseño en el cual aún prevalece la regularidad. Marca cierto

grado de desviación, lo que resulta una interrupción leve o considerable, de la disciplina total.
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Su uso responde a una necesidad.
a) Atraer la Atención .Usada en forma moderada, se destaca y atrae la atención inmediatamente, puede
crearse un centro de interés si la anomalía se produce sólo dentro de una zona restringida del diseño.
b) Aliviar la monotonía. La regularidad se hace monótona, la anomalía genera movimiento y vibracíón;
en este caso, las zonas anómalas deben ser esparcidas, casual o sistemáticamente, sobre todo el
diseño.
c) Transformar la regularidad. Una clase de regularidad puede ser transformada en otra. Aquí la
anomalía es sólo un cambio de disciplina.
d) Quebrar la regularidad. La regularidad puede ser completamente aniquilada hasta el desorden en
una o más zonas. La anomalía parece ser más violenta en este caso, pero debe mantenerse la unidad
del diseño.
4. APLICACIÓN TALLER:
Las actividades prácticas se desarrollarán en el taller en los horarios establecidos y siguiendo el orden
de los núcleos temáticos del periodo.
5. TRABAJO EXTRA CLASE:
Se ejecutaran estas actividades si el desarrollo de los nucelos tematicos se ven interrumpidos por
alguna activdad extracurricular.
6. EVALUACIÓN:
 Analizar los conceptos que ayudan a construir el mensaje en una pieza gráfica.
 Ejecutar una pieza grafica aplicando los elementos y conceptos del diseño.
 Demuestra responsabilidad con sus deberes.
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7. CRITERIOS DE EVALUACIÓN:
COGNITIVO PROCEDIMENTAL
ACTIVIDAD % ACTIVIDAD %
Revisión de actividades 1 20 Trabajo Practico 1 20
Puntualidad 20 Trabajo Practico 4 20
Prueba institucional 20 Implementos de trabajo 20
8. Observaciones respecto al desarrollo de la guía.

La guia contiene el material teorico que sera utilizado en el desarrollo de los trabajo practicos
establecidos en el taller, con el fin de evidenciar los conocimientos adquiridos por el estudiante.
Se deben conocer previamente por el mismo a manera de consulta previa, para que el desarrollo de la
clase sea dinamico.
9. BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA
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