María Magdalena Santillán Sánchez.

Resumen de los capítulos

“Ángulos de Cámara” y “Continuidad”
de Las cinco Claves de la Cinematografía
Lenguaje Cinematográfico I

Ángulos de cámara
El ángulo de cámara determina tanto el punto de vista del espectador como el área que
cubre del plano. Lo elegimos respondiendo dos preguntas ¿cuál es el mejor punto de vista
para filar este segmento del evento? ¿qué tanta área deberá cubrirse con este plano? Un
ángulo de cámara puede mejorar la visualización dramática de la historia y la construcción
del interés continuo en una película.

El director tiene la prerrogativa de elegir sus propios ángulos de acuerdo con su propia
interpretación del guion y el cinefotógrafo será quien generalmente tome la decisión final
respecto al punto de vista y al área, con base a los deseos del director; este también tiene
la responsabilidad de separar el evento en planos individuales y de decidir qué tipo de
plano requiere casa segmento de la acción.

Escena, plano y secuencia

Escena define el lugar o set en donde ocurre la acción. Una escena puede consistir de un
plano o de una serie de planos que describen un suceso continuo.
Plano define una acción continua filmada sin interrupción. Cada accionar de la cámara es
una toma. Cuando en el mismo emplazamiento se filma más de una vez la misma acción,
se le llama retake.
Una secuencia es una serie de escenas o planos completa en sí misma; puede
desarrollarse en un solo escenario o varios escenarios. La acción debe parecer fluida
dentro de una secuencia si se desarrolla en carios planos consecutivos unidos con cortes
directos, de forma que describa el suceso de forma continua, como en la vida real.

Tipos de ángulos de cámara

Ángulos de cámara objetivos
La cámara objetiva filma desde un punto de vista impersonal, también se le llama “el
punto de vista del espectador. Debido a que no presencian el suceso desde el punto de
vista de alguien que esté dentro de la escena, los ángulos de cámara objetivos son
impersonales. Las personas fotografiadas aparecen lejanas a la cámara y nunca miran
directamente al lente. La mayoría de las escenas de las películas se filman desde ángulos
de cámara objetivos.
Ángulos de cámara subjetivos
La cámara subjetiva filma desde un punto de vista personal. El público participa en la
acción de la pantalla como en una experiencia personal. El espectador se instala dentro de
la película.

La cámara subjetiva puede filmar el suceso de las siguientes formas:

La cámara actúa como si fuera los ojos del espectador para colocarlo dentro de la escena.
Cada miembro del público siente la impresión de que es él quien está en la escena, no
solamente mirando los sucesos como un observador invisible. La cámara lo coloca en
medio de la escena, añadiendo impacto dramático al relato de la historia.

La cámara intercambia lugar con un personaje de la película. El espectador podrá ver el

suceso a través de los ojos de una persona en particular, con quien él se identifica. Cuando
los planos subjetivos descritos anteriormente son precedidos del close up de una persona
que mira fuera del cuadro, el espectador comprenderá que está mirando lo que el
personaje mira.
Estas no se suelen editar y son en filmación continua excepto cuando se muestran
flashbacks subjetivos de forma fragmentada o cuando un actor está mentalmente
trastornado o desequilibrado a consecuencia de haber ingerido alcohol, drogas o por
enfermedad.
La cámara subjetiva es más efectiva cuando se emplea en la edición ortodoxa en lugar de
una filmación continua, asimismo debe emplearse con discreción, de lo contrario molesta
o sobresalta al espectador. Empleada adecuadamente, puede lograr que el espectador se
involucre más intensamente, debido a la relación personal que se establece.

Ángulos desde un punto de mirada

Los ángulos de cámara desde un punto de mirada registran la escena “cómo si fuera” el
punto de vista de un actor en particular. El punto de mirada es un ángulo objetivo, pero
debido a que cae entre el ángulo objetivo y el subjetivo, debe colocarse dentro de una
categoría individual.
La cámara se coloca al lado del actor subjetivo—cuyo punto de vista está siendo
representado— de forma que el espectador tenga la impresión de que está al lado del
actor fuera de cuadro. El espectador no ve el suceso a través de los ojos del actor, sino
desde la perspectiva del actor, como si estuviera parado junto a él. Un personaje en
pantalla que ve hacia el actor cuya mirada está siendo representada, ve ligeramente al
lado de la cámara: no al lente.
Los planos desde un punto de mirada pueden usarse cuando se desea involucrar al
espectador más cerca del suceso. Frecuentemente a los planos en over shoulder, este
establece la relación entre los dos actores, y el plano desde el punto de mirada coloca al
espectador en la posición del actor.
Existen dos reglas importantes sobre lo que NO debe de hacerse al filmar planos desde un
punto de mirada: 1. No mostrar a un actor mirando fuera de cuadro, cortar luego a lo que
se está mirando y panear la cámara por el espacio y terminar sobre el actor. 2. No mostrar
a un actor señalando fuera de cuadro a un objeto y que luego salga en la misma dirección.
Siempre se debe hacer salir al actor fuera de cuadro en dirección diferente a la que se
señaló.

Tamaño de sujeto, ángulo del sujeto y altura de la cámara

 Tamaño del sujeto
El tamaño de la imagen y el tamaño del sujeto en relación con el marco general,
determinan el tipo de plano fotografiado. El tamaño de la imagen en la película se
determina por la distancia entre el sujeto y la cámara, y por la longitud focal del lente
utilizado para hacer el plano.
Este puede variar durante la toma si se mueve la cámara, a los actores o por medio del
lente zoom. El plano deberá definirse con respecto al sujeto, tema y su tamaño de imagen
con relación al área general de la película.

Extreme Long Shot (ELS)

Retrata una vasta área desde una gran distancia. Puede utilizarse cuando se desea
impresionar al espectador con el enorme alcance de la locación o suceso. Estos planos
masivos establecen la escena para lo que sigue, poniendo al espectador en el estado de
ánimo correspondiente y ofreciéndole la imagen general ates de presentar a los
personajes y antes de establecer el argumento.

Long Shot (LS)

Un long shot abarca toda el área de acción. El lugar, la gente y los objetos de la escena
aparecen en un long shot para familiarizar al espectador con la apariencia general.
Normalmente se componen con suficiente aire para que los actores tengan suficiente
espacio para moverse con libertar, y que el escenario pueda aparecer en toda su amplitud;
establecen la locación y suelen durar muy poco tiempo en pantalla.

Medium Shot (MS)

Es un plano intermedio: cae entre un long shot y un close up. Se filma a los actores desde
arriba de las rodillas o justo desde debajo de la cintura. Estos contiruyen la mayor parte de
las películas comerciales, porque colocan al espectador a una distancia media, excelente
para presentar los hechos una vez que el long shot estableció la escena. El médium shot
más interesantemente dramático es el two shot, en el que los actores están frente a
frente e intercambian diálogos.

Close Up (CU)
Generalmente el close up de una persona se define en el guión de acuerdo con el tamaño
de la imagen. En un médium close up se filma a un actor desde aproximadamente la
distancia media entre cintura y hombros, y hasta arriba de la cabeza; un close up de
cabeza y hombros es desde justo abajo de los hombros y hasta arriba de la cabeza; un
close up de la cabeza incluye únicamente la cabeza, un extreme close up incluye un área
del rostro.

Inserts (INS)
A los clore ups a pantalla completa de cartas, telegramas, fotografías, periódicos, signos,
carteles u otros papeles impresos o manuscritos, se les llama inserts. Generalmente se
filman al terminar de filmar la producción principal.
Descripción de planos
Un plano de la acción (cut in), es el que corta directamente a una parte del plano previo,
generalmente un acercamiento en close up de una persona u objeto.
Un plano cut away es el que registra un suceso secundario que ocurre en otro lugar.
Un plano de reacción es una toma silenciosa, normalmente un close up de un actor que
reacciona a lo que otro actor está diciendo o haciendo. Los planos de reacción se filman
como escenas individuales si únicamente involucran la observación.

Ángulo del sujeto

Todo material susceptible de ser filmado tiene tres dimensiones.
El cinefotógrafo debe registrar un mundo tridimensional sobre la superficie de dos
dimensiones de la película. Generalmente, la solución se encuentra en el ángulo de
cámara en relación con el sujeto, de forma que registre un efecto de profundidad. Existen
muchas formas para lograr profundidad en una filmación: con iluminación, movimientos
de cámara, y del actor; perspectiva lineal o aérea; uso de lentes, sobreposición de objetos
entre si, etc. El método más efectivo para filmar profundidad es elegir el ángulo adecuado.
Es preferible optar por el ángulo de 45 grados sobre el sujeto.

Altura de la cámara
Los cinefotógrafos cuidan mucho la altura de lente, ya que pueden añadirse matices
artísticos, dramáticos y psicológicos al relato ajustando la altura de la cámara al sujeto.
Ángulo a nivel
Una cámara a nivel filma desde el nivel de los ojos de un observador de estatura media, o
desde el nivel de los ojos del sujeto.
Ángulo alto
Un plano en este ángulo, también llamado en picada es cualquier toma en la que la
cámara se inclina hacia abajo para mirar al sujeto.
Ángulo bajo
También conocido como contrapicada, es cualquiera en el que la cámara se inclina hacia
lo alto para mirar al sujeto.
Ángulo-más-ángulo
Un plano ángulo-más-ángulo que no es otra cosa que la angulación del emplazamiento
más la angulación en la altura, se filma cuando la cámara se emplaza estableciendo no
sólo un ángulo con relación al sujeto, si no que también define un segundo ángulo al
inclinarla hacia lo alto o hacia abajo.
Esto registra el mayor número de facetas del sujeto, y da como resultado un mejor
modelado y produce un mayor efecto de tercera dimensión.
Plano “Holandés”
Es un emplazamiento con la cámara inclinada de forma exagerada, en donde el eje vertical
de la cámara está en ángulo con el eje vertical del sujeto.
Utilización de ángulos de cámara
Área
Los diferentes tamaños de imágenes se pueden utilizar en varias series de plano para
presentar el suceso de forma progresiva (o regresiva) o de forma contrastante o
repetitiva.
Las series progresivas utilizan una serie de imágenes que aumentan (o disminuyen) de
tamaño.
Las series contrastantes utilizan partes de imágenes de diferentes tamaños en oposición.
Para mayor efecto general pueden utilizarse series de pares contrastantes.
Las series repetitivas utilizan series de imágenes del mismo tamaño.
Perspectiva
Determina el ángulo de la imagen del sujeto o el ángulo de cámara desde el cual el
espectador ve al sujeto. Puede ser progresiva (o regresiva), contrastante o repetitiva.
En una serie progresiva cada ángulo es mayor que el ángulo anterior. Estos pueden
progresar en altura, o pueden progresar con relación al sujeto. Cualquier serie de ángulos
que avanza o retrocede de una forma ordenada se rige por este principio.
Los ángulos contrastantes son pares de planos que utilizan ángulos de cámara
directamente opuestos entre si. Para ser más efectivos los ángulos seleccionados deben
ser dramáticamente opuestos en perspectiva.
Los ángulos repetitivos son series de ángulos similares aplicados al mismo o diferentes
sujetos. La perspectiva permanece igual.
El manejo de ángulos e imágenes debe integrarse y utilizarse en combinaciones para dar
variedad visual, de modo que el espectador se acerque más.

Selección del área y la perspectiva

En necesario que haya un cambio claro, tanto en el tamaño de la imagen con en el ángulo
de cámara cuando se utilizan de forma progresiva o regresiva; el mismo procedimiento
aplica para imágenes contrastantes y para los ángulos de cámara. Deben marcarse los
contrastes de un extremo a otro. Las series de planos repetitivos deben repetir tanto las
imágenes de tamaños similares, o bien, deben repetir imágenes de tamaños similares con
ángulos de cámara equivalentes.

Representación de la acción
El ángulo de cámara elegido para cada toma, se determina por la forma como deben
mostrarse los actores y la acción en ese momento en particular de narración. Antes de la
filmación debe dividirse la acción general de cada secuencia y determina con anterioridad
el tipo de plano requerido para cada parte de la acción. Se debe pensar en términos de
impacto dramático en el espectador y de variedad visual. No debe contarse toda la
historia en un solo plano: una secuencia es una serie de planos y cada plano debe mostrar
una parte específica de la historia de la mejor manera posible. El cinefotógrafo debe
preguntarse: ¿cuánto debe incluirse en este plano? ¡Dónde debe colocarse la cámara para
ver esta parte específica de la acción? El área y la perspectiva deben considerarse a partir
de requerimientos dramáticos y estéticos.

Cambio de ángulo o del lente de la cámara o ambos

Debe cambiarse el ángulo y el ángulo de la cámara y preferiblemente los dos, cada que se
termine de filmar una parte de una acción que requiera varios emplazamientos. De plano
a plano debe existir un cambio notable en el tamaño de la imagen y en el ángulo de
cámara. Se obtienen mejores resultados cuando la cámara se vuelve a colocar para logar
el mejor ángulo posible para cada plano, y cuando se elige un lente con una longitud focal
que cumpla con los aspectos técnicos y dramáticos de la escena. Un cambio notable del
ángulo de cámara asegura un suave flujo de las imágenes.

Requerimientos de escena
Además de los factores estéticos, psicológicos y técnicos que determinan los ángulos de
cámara, deben considerarse los factores dramáticos, de edición, naturales y físicos.
Factores estéticos
Todos lo elementos de composición, como son actores, utilería, muebles, locación, fondo,
vehículos, etc., deben estudiarse junto con los movimientos de los actores y la acción
general de la escena que se tiene en mente. Los objetos deben distribuirse para favorecer
una puesta en escena adecuada y una fotografía agradable, asimismo añadir o eliminar
algunos elementos para lograr el efecto deseado.
Es mejor elegir perspectivas de ángulo-más-ángulo para registrar el mejor modelado o la
mayor cantidad de planos y efectos tridimensionales sólidos. Las formas de composición
deben adecuarse al sujeto y ayudar a la creación de la atmósfera y ánimo apropiados.
Factores técnicos
En ocasiones se cuentan con menos equipo de cámaras, iluminación y accesorios, por ello
el movimiento del actor y de cámara, la colocación de esta, el área a filmar y el
tratamiento de cámara en general, deben improvisarse para resolver los problemas de
acuerdo con las condiciones y el equipo disponibles.
Factores Psicológicos
El principal propósito psicológico de una película es hacer que el espectador entre en el
estado de ánimo que se desea. La elección del ángulo se puede decidir analizando el
propósito del plano y el efecto que se desea generar en el espectador; este debe ser
motivado a usar su propia imaginación para comprender lo que está sucediendo.
Factores dramáticos
Normalmente la cámara no debe interferir en la narración de la historia, pero con un
manejo imaginativo de esta, se puede dar vida a los temas estáticos, prosaicos o muy
comunes. No debe utilizarse el manejo de cámara heterodoxo cuando esto pueda distraer
la atención del espectador de la película para centrarla en la cámara. EL cinefotógrafo
debe estudiar el tema y el guion que va a filmar, para decidir si conviene una fuerte
participación de la cámara en la narración de la historia, o si la cámara debe funcionar solo
como un observador distante.
Factores de edición
Son los requerimientos de edición los que frecuentemente dictan los mejores ángulos de
cámara para una serie de planos. El editor debe contar con todo tipo de planes posibles de
acuerdo con las limitaciones de tiempo y presupuesto impuestas a la producción.
Factores Naturales
La posición del sol, el clima, y el terreno influyen en la elección de los ángulos de cámara
en películas en exteriores. Estas filmaciones, particularmente las que son a color,
dependen del ángulo de la luz solar. El mejor ángulo del sol es cuando esta ilumina la
escena de lado o de ¾ frontales. El terreno, particularmente los fondos, pueden obligar al
cinefotógrafo a elegir ángulos que incluyan o eliminen árboles, caminos, montañas u otros
elementos naturales. Es necesario estudiar los esquemas climáticos de las temporadas
correspondientes a los años anteriores, cuando se realiza una producción fílmica en
exteriores desconocidos.
Factores físicos
El cinefotógrafo en locación debe trabajar con limitaciones físicas impuestas por el
tamaño y forma de las habitaciones: por las dimensiones fijas de estas y las limitaciones
de habitaciones con techos.

Ángulos de cámara sobre anuncios y material impreso.

Estas deben filmarse de forma directa a manera de títulos para que las letras disminuyan
de tamaño conforme se recorren de izquierda a derecha y darles un efecto natural
colocándolos en el cuatro de tal forma que se inclinen hacia arriba; esto es de la izquierda
inferior a la derecha superior.

Continuidad
Una película profesional, debe presentar un flujo continuo suave y lógico de imágenes,
complementando con el sonido y mostrando de manera coherente el suceso filmado. Se
prefiere una película con continuidad perfecta, porque muestra los sucesos de manera
realista. Una película de continuidad defectuosa es inaceptable por que distrae en lugar
de atraer.
Cualquier película debe contar con un plan de rodaje; entre más elaborado sea el plan, o
la continuidad, mayores serán las posibilidades de éxito. Una continuidad es una película
preliminar en un papel, un plan continuo para fotografiar.
Sin una buena continuidad, una película será una mezcolanza de fotografías en
movimiento sin relación entre si. Una buena continuidad anima al espectador a
involucrarse en la narración de la historia, sin distracciones incómodas.
Tipo y espacio cinematográfico
Continuidad de tiempo y espacio
Una película puede crear su propio tiempo y espacio para ajustarlo a cualquier situación
especifica de una narración; su manejo adecuado mejora los valores visuales y sonoros de
la historia de la película.
Continuidad de tiempo
La cronología de una película puede presentar la historia en tiempo fílmico (real time),
mas que en tiempo real (real time). El tiempo en una película, puede dividirse en cuatro
categorías: presente, pasado, futuro y condicional. Como quiera que se muestre el
tiempo, el espectador deberá comprender fácilmente su manejo.
La continuidad del tiempo presente describe la acción como si estuvieran ocurriendo
ahora: los sucesos transcurren en una forma lógica, directa. El espectador ni los
personajes saben lo que pasara después.
La continuidad del tiempo pasado puede dividirse en dos tipos: la que ocurre en el pasado
y una retrospectiva, o flashback, del presente al pasado. Los primeros se representan de
una forma similar a la continuidad de tiempo presente, excepto que el espectador debe
estar consiente del elemento temporal de que se trata; debe sentir “esto es lo que paso
tal y como paso”, es transportado a ese periodo de tiempo y se le hace sentir que estuvo
ahí.
Un flashback puede presentar un proceso que ocurrió antes de la historia actual, o puede
retroceder en el tiempo para describir una parte de la historia que no apareció antes. No
existen limites para el flashback en tanto la historia siempre regresa al presente, y el
patrón de edición se trabaje cuidadosamente para no confundir al espectador.
Los flashbacks tienen las siguientes ventajas:
• Permiten que varios personajes cuenten su parte de la historia.
• Permiten que un narrador regrese del tiempo, para presentar material histórico o
de referencia,
• Se pueden presentar diferentes aspectos desde varias perspectivas,
• La historia puede retratar un periodo anterior;
• La narración de una historia no se restringe al presente.
La continuidad en el tiempo futuro, puede ocurrir en el futuro o ser un flashforward. Los
sucesos que ocurren en el futuro pueden predecirse, proyectarse o imaginarse. El
espectador es transportado al futuro para ver el suceso “como pasará o como podría
pasar”. Este se presenta con una continuidad de tiempo presente, como ci estuviera
ocurriendo ahora.
Un flashforward avanza hacia el futuro para describir los sucesos que pasaran, que
podrían o que pueden pasar, para luego regresar al presente. Se puede filmar y editar con
una continuidad progresiva o puede describirse en fragmentos impresionistas.
La continuidad de tiempo condicional no tiene que ver con el tiempo real es la
representación de tiempo condicionado por otros elementos como la actitud mental, la
memoria, la imaginación o los pensamientos de una persona que en su mente puede “ver”
un evento de manera distorsionada.
Continuidad del espacio
Cuando se relata la historia conforme a la acción la acción se desplaza de un lugar a otro
se le conoce como continuidad espacial; para ser creíble, debe presentar un patrón lógico
de movimiento. Es posible avanzar o retroceder, viajar rápido o lento o desplazarse
instantáneamente a otro escenario, en tanto el espectador siempre conozca la ubicación
de la acción y la dirección del movimiento.
Alternar continuidad de tiempo y de espacio
La mayoría de la historia utilizan tanto continuidad de tiempo, como de espacio, en forma
alternada. El espectador nunca debe de tener dudas respecto a donde esta ocurriendo el
suceso y que esta sucediendo.
Filmación de la acción
Tipos de acción
Acción controlada
Todos los elementos estéticos y técnicos involucrados en la filmación de la película, están
bajo el total control del director y del cinefotógrafo.
Acción no controlada
Los eventos que no pueden escenificarse frente a la cámara, en estos el cinefotógrafo es
un simple observador con una cámara de cine, quizás sabe lo que sucederá, pero tiene
poco o ningún control sobre la acción o escenificación; debe adaptarse a las condiciones
reinantes, para registrar la mejor cobertura asequible.