POSROMANTICISMO

Segunda Mitad Siglo XIX

• Charles baudelaire: fue un poeta, ensayista, crítico de arte y
traductor francés. Paul Verlaine lo incluyó entre los poetas
malditos de Francia del siglo XIX, debido a su vida bohemia y de
excesos, y a la visión del mal que impregna su obra.
• Las Flores del mal es considerada una de las obras más
importantes de la poesía moderna, que imprime una estética
nueva, donde la belleza y lo sublime surgen, a través del
lenguaje poético.
 Introducción y esencia de del posromanticismo
• El Posromanticismo es un movimiento cultural, estético e intelectual
y que nace después y a partir del ROMANTICISMO.
• Segunda mitad del siglo XIX
• Alcanzo su Esplendor en Francia.
• El Posromanticismo en la música se refería a los compositores
románticos que utilizaban formas que se encontraban típicamente en
el clásico y barroco al tiempo que conservaban aspectos de la época
romántica.
• El Movimiento llamado Posromantico corresponde a un periodo de
gran conmbulsion en todos los ambitos culturales y artisticos
europeos las grandes operas de Richard Wagner sobre todo a partir
de tristan e Isolda abren paso a nuevas posibilidades expresivas con
la utilizacion del cromatismo y la expansion de la tonalidad.
 Posromanticismo

• Romanticismo musical comienza en buena medida con Beethoven y

continúa en esa primera generación asombrosa de músicos formada por
los germanos, Schubert, Schumann, Mendelssohn pero también por Chopin,
Liszt y Berlioz. A esta primera generación de románticos también
pertenece finalmente y como culminación a la misma, Richard Wagner.
Wagner marca la consumación del romanticismo, no como final de un ciclo,
sino por el contrario, abriendo nuevas horizontes al romanticismo tardío o
posromanticismo.
• La figura de Wagner es clave para entender la música subsiguiente en el
siglo XIX. Wagner y sobre su Tristán y Parsifal que es una ópera en tres
actos con música y libreto en alemán de Wagner basado en gran medida en
el romance de Godofredo de Estrasburgo, era un poeta alemán mas
importante de la edad media. Por lo Cual inundan la música y el ambiente
postrománticos bien para dejar su imborrable huella en la mayoría de los
casos, o bien provocando una reacción antiwagneriana a su influencia.
 Introducción y esencia del posromanticismo
• El posromanticismo musical tiene contornos temporales, estilísticos y
geográficos difíciles de precisar sobre todo cuando se adentra en el
siglo XX.
• El inicio del posromanticismo aparte de en la figura de Richard
Wagner, puede adivinarse en Johannes Brahms (1833- 1897) y Anton
Bruckner (1824-1896). Son muchos los analistas que entienden que
estos dos compositores son los últimos compositores románticos de
la gloriosa primera generación. Sea como fuere, últimos románticos o
primeros postrománticos. Lo mismo Bruckner que Brahms son los
últimos artistas en los que, lo mejor a que puede dar origen el siglo
XIX vive en ellos y muere con ellos.
• En el último decenio del siglo XIX fallecen ambos: Bruckner en
1896 y Brahms en 1897. Podría sumársele Tchaikowsky que
murió en 1893.

• Bruckner y Brahms, se mantienen fieles a la forma de la

sinfonía y de la sonata; ambos son músicos antiliterarios, si bien
Brahms adquirió gran cultura gracias a su esfuerzo y ambos se
inspiran en la música popular. Brahms no se limitó al pueblo de
su patria estricta, sino que de Austria, su patria de adopción
tomó parte del folklore, cuyo cálido aliento le sirvió para
compensar su aspereza sajona. Su romántica nostalgia por lo
desconocido se extiende hacia el sur de las llanuras húngaras.
• La diferencia que existe entre Brahms y Bruckner resulta casi palpable.
Bruckner es originario de la católica Alemania del sur y cree en el barroco
esplendor de San Florián Y aunque Brahms no hubiera escrito su réquiem y
los cuatro cantos graves, sabríamos que era protestante. Brahms rebosa
intima fe en la Naturaleza y por ello permanece alejado de la Iglesia. Y si es
cierto que las sinfonías de Bruckner están impregnadas del magma
wagneriano, ni su forma austera y simple de vivir, ni sus formas musicales
lo acercan a Wagner. Muy al contrario lo acercan a Brahms.
• Tampoco el posromanticismo puede asociarse a un estilo concreto, más
bien engloba un muy heterogéneo grupo de estilos. Tienen más afinidades
musicales y culturales los románticos de la primera generación, que estos
románticos tardíos. La música de Bruckner difiere notablemente de la de
Mahler y la de los dos últimos es completamente diferente a la de Richard
Strauss por poner un ejemplo.
• El posromanticismo musical no es otra cosa que una deseada prolongación
del romanticismo en una época cada vez más desarrollada industrialmente,
más compleja desde el punto de vista social y en la que confluyen nuevos
movimientos literarios y culturales.
• En el último tercio del siglo XIX, las chimeneas de las fábricas echan
cada día más humo; el gran capitalismo se desarrolla; la electricidad y
el petróleo se convierten en fuerzas mundiales y provocan grandes
conflictos en todas las naciones. Estallan las primeras grandes luchas
sociales.
• El romanticismo se resiste a morir y se alimenta de la forma de vida
que se está perdiendo. La industria abruma a los hombres con su
ruido y se añora el silencio. Las comunicaciones empiezan a eliminar
barreras y misterios y en el romanticismo permanece el deseo de
lejanía y de emociones. La vida se vuelve gris y monótona, lo que
explica los grandes coloridos musicales y orquestales postrománticos.

• Todo el posromanticismo va en busca de la belleza; Estos románticos

tardíos tratan de retener una vida que se escapa y buscan todavía el
mundo de la belleza, de lo exótico. Los artistas no se dan cuenta de
cuan dura es la vida alrededor, sino que continúan el sueño
romántico.
• Podría decirse que en el posromanticismo los viejos ideales perduran,
aunque con tonalidades distintas, como en el caso del joven Debussy
y en autores como Richard Strauss, Gustav Mahler o Max Reger.
El romanticismo tardío anhela la continuidad de los valores
románticos en una sociedad que cultural, política y socialmente nada
tiene ya que ver con la sociedad en la vivieron por Chopin,
Mendelssohn o Berlioz.
• Cuáles son esos ideales románticos que persisten en una época tan
convulsa como la década 1860-1870 y que aún perdurarán más allá de
la primera guerra mundial:
• El contenido musical continua siendo para el posromanticismo más
importante que la forma clásica.
-Como en el romanticismo temprano , es constante la
experimentación de nuevas formas, colores, texturas y armonías
cromáticas.
-Los románticos de la primera generación se complacían en las
combinaciones tonales desudadas, los acordes refinados y una serie
de disonancias que parecían dolorosas. Lo mismo van hacer los
compositores romántico tardíos.
• La música romántica tenía su propio sonido, un sonido rico, sensual y
colorido y este constituye probablemente, el aspecto individual más
importante del periodo. El sonido romántico se prolongará en el
posromanticismo
-La música romántica es música no abstracta y muy subjetiva.
Ninguna obra estaba eximida de interpretación y significado. La
música romántica es por lo tanto es una música cargada de
significado; no podía serlo menos la música postromántica: desde los
poemas de Strauss que quieren expresar a Nietzsche hasta las
sinfonías de Mahler, que son verdaderos monumentos de confesión
personal.
• Son por lo tanto y resumiendo, la necesidad de confesión personal, la
necesidad de cargar de significado a la música y el sonido sensual y
sentimental , las constantes del romanticismo temprano que
continúan en el posromanticismo.
• ¿Entonces que cambia? Pues poco en esencia y mucho en la forma:
gigantismo de la forma sinfónica; menos consideración a la música
de cámara y a la forma sonata, salvo el caso de Brahms y sus
seguidores. Un romanticismo menos íntimo y más popular, menos
idealista y más en consonancia con los movimientos naturalistas y
realistas de la época.
 COMPOSITORES POSTROMANTICOS
• Los músicos influyentes de la segunda mitad del siglo XIX no
formaban una escuela de estilo homogéneo. Las polémicas
mezclaban la estética con la política, como consecuencia de los
debates y revoluciones que caracterizaron a la historia europea entre
los alzamientos obreros de 1848 y hasta el final de una época y un
siglo. Estos cambios sociales y culturales sucedieron en los países del
norte del continente ya que el sur siempre fue más conservador de
las tradiciones. En este contexto se destacó la reformulación que
hace Richard Wagner de la escena musical con su lenguaje operístico,
que fue un modelo para algunos compositores hasta el siglo XX. Con
esta renovación formal convivían figuras como Brahms y Verdi, más
conservadores del espíritu romántico, que también llegan a cotas de
perfección en la composición
 RICHARD STRAUSS
• Strauss nació el 11 de junio de 1864 en Múnich, en una familia de la alta Sociedad
de Baviera dedicada a la industria cervecera. Su padre, Franz Strauss, era intérprete solista
de trompa en la Ópera de la Corte de Múnich. Parte de su familia eran músicos, por lo que
recibió una excelente educación musical en su juventud. Empieza a estudiar piano a los cuatro
años con su madre, y violín a los siete con su tío. Apenas con seis años de edad realiza su
primera composición desde ese momento no dejó de escribir hasta su muerte.
• Durante su adolescencia Strauss asistió a ensayos con la Orquesta de la Corte de Múnich,
recibiendo clases particulares de teoría musical y orquestación del director Wilhelm Friedrich
Meyer. A los 17 años, estrenó su Sinfonía en re menor (1881), una obra de la que renegaría más
tarde por considerarla inmadura. En 1882 ingresó en la Universidad de Múnich, donde estudió
cursos de Estética, Filosofía e Historia del Arte. Un año después marchó a Berlín, donde obtuvo
un puesto como director asistente de Hans von Bülow, que quedó muy fuertemente
impresionado por la Serenata para instrumentos de viento, compuesta por Strauss a los 16 años.
Strauss aprendió el arte de la dirección de orquesta observando a Bülow en los ensayos. Éste
estaba muy encariñado con el joven, y decidió que fuera su sucesor como director de la
orquesta de Meiningen tras su dimisión en 1885.
• En 1886 hizo un viaje por Italia, país por el que siempre sintió una gran fascinación.
• El éxito de su poema sinfónico Don Juan en 1888, consagró a Strauss como uno de los
compositores más importantes del momento, con gran prestigio a nivel internacional, y que
habría de acompañarle hasta su muerte.
• En 1894 se casó con la soprano Pauline de Ahna. Pauline al parecer tuvo un carácter irascible y
excéntrico, pero su matrimonio fue esencialmente feliz y tranquilo, y su mujer una gran fuente
de inspiración para él. A lo largo de su vida, desde sus primeras canciones hasta las Cuatro
últimas canciones de 1948, muchas de ellas compuestas para su mujer, Strauss muestra gran
preferencia por la voz de soprano, y todas sus óperas contienen un importante papel de
soprano. El matrimonio Strauss tuvo un hijo, Franz, en 1897, quien se casó con Alice von Grab. El
matrimonio dio dos nietos al compositor, Richard y Christian. Strauss estuvo entrañablemente
unido a su familia durante toda su vida.
• En 1889 fue nombrado asistente del Festival de Bayreuth, así como director del Teatro de la
 Johannes Brahms
• Johannes Brahms, compositor y pianista, nació en Hamburgo Alemania el
7 de mayo de 1833. Hijo del también músico, Johann Jakob Brahms y quien
lo ayuda a incursionar en el mundo musical, brindándoles sus primeras
lecciones de violín y violonchelo. Se especializó en piano e incursiono en la
composición, con la orientación de Eduard Marxsen; maestro alemán y
quien dejó fuertes raíces en él.
• Hace su primera gira de conciertos en 1853, como acompañante de Eduard
Reményi, violinista húngaro. Esta gira sin duda lo ayudó a relacionarse
favorablemente con otros personajes del medio, tal es el caso de: Joseph
Joachim, violinista y Robert Schumann. Las composiciones de Brahms
sorprendieron gratamente a Schumann, quien escribió un artículo
apasionado refiriéndose al joven compositor.
• Desde hasta 1859 se desempeñó como director del teatro de la corte en
Delmont; realizó también varios viajes por algún tiempo por Suiza y
Alemania. Durante todo este período demostró poseer un carácter
reservado y hasta tímido, y aunque estuvo enamorado de Clara Schumann,
tuvo serios problemas para relacionarse con ella o con cualquier otra mujer.
• El Concierto número 1 para piano y orquesta en re menor, fue su
primera gran obra presentada abiertamente al público; dicha
ejecución la realizó él mismo, en el año 1859, en Leipzig. Se mudó a
Viena en 1863, donde asumió durante un año, el cargo como director
de la Academia de canto, Singakademie.
• Su Réquiem alemán, lo lleva a obtener la fama en toda Europa en el
año de 1868. Tres años más adelante se trasladó a Viena, siendo
nombrado como director de la Gesellschaft der Musikfreunde,
dejando en 1874 este puesto, para dedicarse por completo a lo que
realmente le apasionaba, la composición.
• Víctima de un cáncer de hígado, falleció Brahms el 3 de abril de 1897.
Sus restos reposan en el Cementerio Central de Viena.
• Algo que sucede después de su muerte es que, sale a la luz pública en
el 2012, una pequeña partitura para piano de Brahms. Bella
composición que el músico alemán escribió cuando tenía 20 años de
edad, con el título, Albumblatt. Una pieza perfectamente construida
y que se presenta como una joya musical. Este hallazgo se realizó en
los Estados Unidos, en la biblioteca de la Universidad de Princeton.
 Giuseppe Verdi
• Giuseppe Fortunino Francesco Verdi, célebre y destacado
compositor italiano, nació el 10 de octubre de 1813, en Roncole
Busseto. Durante la segunda mitad del siglo XIX, fue el gran
denominador de la escena lírica europea.
• Desde muy chico contó con la protección de Antonio Barezzi, un
comerciante de la localidad amante y aficionado de la música y quien,
gracias a su pasión, supo reconocer los dotes del pequeño; lo apoyó
para llegar a Milán con el firme propósito de continuar sus estudios
en el Conversatorio, un deseo que no pudo hacerse realidad, al no
superar las pruebas de acceso.
• En 1836, fue nombrado maestro de música de Busseto y fue en ese
mismo año cuando contrajo matrimonio con Margherita Barezzi, hija
de su protector.
• En 1839 gracias a su primera ópera, obtuvo un contrato sustancioso
en el Teatro de la Scala. Su siguiente trabajo no corrió con la misma
suerte, coincide también con la muerte de su esposa y sus dos hijos,
algo que le ocasiona una profunda depresión, llevándolo a declinar
su carrera musical.
• El libreto del antiguo Jews, quien fue exiliado de su tierra natal, y
cuya razón principal para cambiar drásticamente de opinión, lo ánimo
a continuar. Pues Verdi con su alma nacionalista, deseaba una unida y
libre Italia. Inmediatamente compuso Nabucco, con un éxito rotundo.
Siendo esta y todas sus venideras óperas un símbolo de la
independencia italiana.
• A medida que Verdi fue envejeciendo su estilo llegó a ser menos
convencional. Don Carlos, Otello, Aida y Falstaff, fueron
indudablemente sus cuatro mejores operas. Siendo Falstaff, un
trabajo final impecable, obra maestra cómica, la cual deja ver una
fuga despreocupada de palabras. Ernani, Un ballo in maschera y
Luisa Miller, fueron sus composiciones menos conocidas.
• Las composiciones de Verdi, no estaban dirigidas a la elite musical,
sino a la masa publica, donde la ópera era su entretenimiento
principal. Se destacó por su originalidad, pasión e intensidad en cada
uno de sus trabajos.
• El 27 de enero de 1901, muere Giuseppe Verdi en Milán Italia, debido
a un derrame cerebral. Su fortuna tuvo como destino la Casa Verdi;
una casa de reposo especial para músicos jubilados, y es allí donde
reposan los restos de este gran compositor.
 Richard Wagner
• Richard Wagner, nació el 22 de mayo del año 1813, en Leipzig.
Proviene de una familia humilde y con grandes destrezas artísticas.
Aprendió por sí solo, utilizando las partituras de destacados maestros
como Weber o Bethoveen. Su música se dio a conocer en toda
Europa gracias a la ayuda de Luis II de Baviera y Liszt, padre de su
adorada Cósima.
• La tragedia griega fue su gran inspiración en el arte, algo que en la
ópera no consiguió. Una gran representación magistral de una idea,
era lo que se recreaba en la tragedia griega; no se trataba de un
teatro común. Su objetivo era representar la obra de arte en su
totalidad; una obra que incluyera todas las artes en sus óperas.
• Tanto sus obras como sus óperas introducen novedades que hacen
de su estilo único y original; innovaciones en sus obras, y una plantilla
completa de músicos, es lo que se puede apreciar en sus óperas.
 EL COMPOSITOR, ENSAYISTA, DIRECTOR DE ORQUESTA,
POETA, DRAMATURGO Y TEÓRICO MUSICAL
• Para Wagner no era suficiente componer; él iba mucho más allá, tenía gran
ambición por superar lo que hasta ahora se había logrado. Dueño de una
personalidad polémica e imponente rebeldía, que lo hacía merecedor de
los más controversiales sentimientos y emociones, que sin duda alguna
pasaba desapercibido, quedaba presente en la memoria de aquellos que lo
conocían.
• La música del siglo XIX tomó un nuevo aire, un nuevo rumbo, gracias a
Richard Wagner, llevó su propuesta a todas partes y a todas las
generaciones; su reforma operística y la obra de arte total, no llegó a
desarrollarse totalmente, pero fue la ventana que le abrió las puertas a una
corriente entusiasta de culto, a tal punto que se llegó a tachar a Wagner de
nazi.
• Gran respetuoso de la tradición sinfónica alemana, expuesta en los
ejemplares preludios de Tristán, Tannhäusser o la Marcha fúnebre de
Sigfrido. Simultáneamente intentó incluir la voz humana, como uno más
de los instrumentos que conforman la orquesta; lo que representa gran
dificultad para cantarlo y enorme capacidad física para interpretarlo, por lo
 La Tetralogía, El anillo del nibelungo, es indudablemente su obra más
resaltante y que está compuesta por: cuatro óperas, La Valquiria, El
oro del Rin, El ocaso de los dioses y Sigfrido. Unidas estas con Parsifal,
Tristán e Isolda, Los maestros cantores de Nuremberg, Lohengrin,
Tannhäuser y el holandés errante integran el llamado Canon de
Bayreuth, representados en el festival anual que desde 1876 se celebra
en Bayreuth, Alemania.
• Durante los siguientes doce años Richard Wagner permanece en el
exilio, debido a una falla cardiaca muere el 13 de febrero de 1883.
 Gustav Mahler
• Gustav Mahler fue director y compositor de orquesta; nació
en Kaliste, en lo que hoy es República Checa, el 07 de julio de 1860.
Una vez dijo que su música sería valorada cincuenta años luego de su
muerte; y tuvo razón, siendo valorado como director más que por sus
composiciones.

• Es estimado en la actualidad como uno de los supremos y

únicos sinfonistas de la historia, pues en sus producciones deja ver y
escuchar los cambios que se desarrollarían en las expresiones
musicales del siglo XX.
• Como creador se destacó en sus creaciones de sinfonía y en el lied,
fusionando ambos estilos; como director se destacó en la ópera. En
sus trabajos se evidencia la diversidad en medio del conjunto,
enmarcado dentro de la práctica clásica vienesa.
 LA HOSTILIDAD ANTE SUS PROPUESTAS
• La apreciación de su obra llegó con el paso del tiempo,
lamentablemente frenada por la invasión nazi de los alemanes,
debido a sus creencias judías y al ser un músico moderno. Sus
piezas fueron vetadas. Solo al finalizar la Segunda Guerra
Mundial empezó a sonar de nuevo su compilación.
• Mahler hizo sus estudios musicales en el Conservatorio de
Viena; empezó la dirección de orquesta ante pequeños
escenarios locales en Olomuc, Kassel y Liubliana. Asistió
a Arthur Nikisch; dirigió la Ópera de Budapest y la
de Hamburgo. Esta actividad le dio personalidad a su técnica de
trabajo.
• Con la dirección de la Ópera de Viena en 1897 llegó el momento
esperado; solo tenía que renunciar al judaísmo y
bautizarse católico, y así fue. Entonces estuvo por una década
en la dirección del teatro, donde subió su nivel artístico y dio a
conocer sus creaciones.
 TRAGEDIA Y ENFERMEDAD
• En 1907 una enfermedad coronaria y el fallecimiento de una de sus hijas
lo empujaron a renunciar y moverse al del Metropolitan Opera House y
a la Sociedad Filarmónica de Nueva York; permaneció en la gran
manzana hasta 1911.
• A la vez que dirigía, Mahler realizo sus composiciones
de sinfonías y lieder para orquesta; así mismo se llamaba
como compositor de verano, debido a que era el único momento del
año en que podía invertir todo su tiempo y su energía en la creación de
piezas excepcionales.
• Las sinfonías de su catálogo son 10. Las número 2,3,4 y la 8 tiene
intervención del canto y voz humana, siguiendo las pautas de la Novena
Sinfonía de Beethoven. Desde la quinta sinfonía se sentía un amargo
que toca la sexta, y tiene su culmen en la Canción de la tierra.
• El 21 de febrero de 1911, Mahler asistió a la que sería su última
presentación en el Carnegie Hall. Mahler empezó a agravarse y cayó en
cama. Si embargo el compositor mantenía vivía no perdió la esperanza,
pensando en reiniciar la temporada de conciertos.
• El 8 de abril viaja con su familia a Europa; llegando a Paris fue ingresado
a una clínica, sin presentar alivio. El 11 de mayo, viaja en tren a Viena,
 Frank Liszt
• Franz Ritter von Liszt, o mejor conocido como músico y director de
orquesta, nació Franz Liszt en Raiding un pueblo de Austria, el 22 de
octubre de 1811. Primogénito de María Anna Liszt y Adam Liszt, quien
amaba la música y tocaba con gran destreza el violín, la guitarra y el piano;
supo reconocer en su hijo su potencia musical, y a los siete años le da su
primera clase de piano.
• Hizo su primera presentación en público a los ocho años y a los nueve, hizo
actuaciones en Sopron y Bratislava. Un niño prodigio del cual su padre
siempre estaba orgulloso, por tal razón lo presentó frente a la Corte de la
Casa de Esterházy.
• Tuvo el honor de recibir clases con los mejores, entre los cuales están:
Antonio Salieri y Karl Czerny. Franz debutó exitosamente el 1 de diciembre
de 1822 en el Landständischer Saal, en la ciudad de Viena. En 1823 y 1824,
publica; Variación sobre un vals de Diabelli, su primera composición.
• Con el firme propósito de ingresar al Conservatorio Nacional Superior de
Música y Danza, Liszt junto a su familia, viajan a París, pero
desafortunadamente fue un deseo que no pudo hacerse realidad, pues allí
solo ciudadanos de Francia, podían estudiar. Viendo este intento frustrado,
su padre decide continuar con la formación musical de Liszt personalmente.
• Petit Liszt, fue el apodo que recibió al realizar gran cantidad de conciertos
durante su estadía en París. Allí también compuso algunas sonatas, música
de cámara y conciertos. En 1824 unas pocas de estas composiciones fueron
publicadas.
• En 1824 compuso una ópera, la cual se estrenó un año después en la
Académie Royale de Musique, con muy poco éxito. Sintiendo que
caminaba por el lugar incorrecto, quiso dedicarse a la religiosidad y dejar
de un lado la música, pero su padre lo animó a seguir su recorrido musical y
no darse por vencido. En ese mismo año 1826, su padre muere de tifus,
dejando un gran vacío en su alumno e hijo.
• Liszt se reunió nuevamente con su madre en la capital francesa y a su vez,
cayó en el vicio del alcohol y el cigarrillo; este era el escudo que utilizaba
para sentirse seguro cuando impartía clases de piano y composición.
Desarrolló también su visión romántica y gran fascinación por el violín,
convirtiéndose en un experto del piano.
• Transcribió muchas obras, entre las que destaca la Sinfonía fantástica de
Berlioz y es en ese preciso momento cuando surge una relación
sentimental con Marie d’Agoult, con quien tuvo dos hijos.
• Una gira que posteriormente realizó por toda Europa, con gran éxito en
cada recital de piano que ofreció. Con sus ingresos monetarios, realizó
diversas obras de caridad; ayudó a la Escuela Nacional de Música de
Hungría, financió el monumento en honor a Beethoven, entre otras.
• Luego de componer y publicar Sonata en si menor, Poemas
sinfónicos, Fantasía y fuga sobre el motivo BACH y tras la muerte de
su s dos hijos, Liszt decidió retirarse al monasterio de la Virgen del
Rosario.
• Viajó por Weimar, Roma y Budapest desde 1869, posteriormente al
caerse de las escaleras de un hotel en Weimar, sufre complicaciones
con su salud, muriendo por neumonía el 31 de julio de 1886.
 Sergéi Rachmaninov

• Sergei Vasílievich Rajmáninov, nació en Semionovo, Rusia el 1 de

abril de 1873. También nacionalizado estadounidense, este
compositor, director y pianista ruso, conocido en todo el mundo por
el Concierto para piano número 2. Autor de las Danzas sinfónicas y
quien cuenta con gran admiración del público, por su capacidad de
transmitir emociones en cada nota musical.
• Heredero de un talento musical impresionante, pues su padre y su
abuelo eran músicos. No podemos negar la gran destreza musical
que tenía Sergei con el piano, pero esa no era su verdadera pasión, la
composición fue el objetivo primordial desde sus inicios en este
camino.
 SERGEI RACHMANINOV, PIANISTA Y COMPOSITOR
• Su carrera parecía atesorar el éxito que de seguro tenia quien
contaba con tan prodigioso talento, pero en 1897, el fracaso de su
Sinfonía núm. 1, quiso robarle las ganas de seguir adelante con su
carrera, crisis que tan solo pudo superar a raíz del Concierto para
piano núm. 2, donde el reconocimiento mundial se hizo presente,
motivando a Sergéi para continuar con su pasión.
• Tuvo que salir junto a su familia de Rusia, debido a la revolución
soviética. Su primer destino fue Suiza y, desde 1935, Estados Unidos.
Ya exiliado y viviendo en tierras extrañas, se dedicó al piano para
poder subsistir.
• Su carrera no fue ya la misma, la profunda añoranza al sentirse
lejano de su país interfirió notablemente en la carrera del talentoso
pianista, quien desde entonces tuvo un descenso notable en la
cantidad de obras escritas, desde 1917 a 1943. En ese lapso de tiempo
solo salieron a la luz pública seis nuevas composiciones, lo que en
años anteriores había cuadriplicado dicha cantidad.
• Adquirió una linda casa en Beverly Hills, lugar que sería testigo de su
último suspiro; pues a los 70 años y debido a un cáncer el cual fue
diagnosticado tardíamente, muere Sergéi Rachmaninov, el 28 de
marzo de 1943.
• Sergei Rachmaninov fue uno de los compositores y pianistas rusos
más famosos de fines del siglo XIX y mediados del XX. Sus manos
podían alcanzar lo que en el piano se llama una treceava. Es
el espacio de trece teclas blancas del piano, entre el dedo meñique y
el pulgar ¡Aproximadamente 30 centímetros! Bastante, teniendo en
cuenta que muchas personas no pueden tocar ni siquiera una octava.
Concierto para piano n° 3 – III Movimiento (1929)
• ¿Qué otras obras complicadas compuso Rachmaninov?
• Muchas obras tienen esa complejidad técnica a la hora de
interpretarse. Ya no es sólo abarcar trece teclas del piano. También
es saberlas tocar con rapidez y precisión. En ese aspecto se destacan
sus Estudios para piano Op. 39. De ellos el número 6 ofrece las
mayores dificultades. Según Rachmaninov, se inspiró en el cuento de
Caperucita roja y el lobo para su creación y en esta interpretación
podemos apreciar algo de esa frenética persecución.
Etude tableau en la menor op. 39 n° 6
• La obra más conocida de Rachmaninov

• El “Preludio en Do sostenido menor” es una corta obra para piano

solista que pertenece a sus Cinco canciones de fantasía Op. 3. Fue
popular desde su estreno en 1892 y de forma caprichosa ha llevado
nombres como El incendio de Moscú, El día del juicio final o Las
campanas de Moscú. Esto se debe al carácter lúgubre y misterioso de
la música que se escucha desde el comienzo.
• Su creciente popularidad hizo que muchas otras composiciones de
Rachmaninov, de mayor factura musical, no contaran con la misma
aprobación. Por este motivo terminó odiando este Preludio. Sin
embargo, es indudable que sin esa popularidad, la música de este
compositor ruso, podía haber pasado a ser una anécdota más dentro
de la gran cantidad de intérpretes que no tienen las enormes manos
con un alcance de 30 centímetros.
 Gabriel Fauré
• Pamiers, Francia, 1845-París, murio 1924) Compositor, pedagogo y pianista
francés. Por la elegancia de su escritura, la perfección de la forma, la
constante búsqueda de la belleza y su intenso melodismo, Gabriel Fauré es
uno de los músicos franceses por antonomasia. Es también una de las
figuras clave de la evolución de la música francesa desde el Romanticismo
hasta la modernidad del siglo XX, representada por Claude
Debussy y Maurice Ravel.
• Discípulo y más tarde amigo de Camille Saint-Saëns, Fauré se inició en la
música como organista en diversas parroquias de París, antes de que le
fuera concedido el cargo de maestro de coro de la Madeleine en 1877.
Primer organista de esta iglesia desde 1896, ese mismo año entró en el
Conservatorio de París como profesor.
• Excelente pedagogo, siempre abierto y respetuoso con las nuevas
corrientes musicales, contó entre sus alumnos con algunos de los nombres
más destacados de la música francesa de las primeras décadas del siglo XX,
como Maurice Ravel, Charles Koechlin, Florent Schmitt, Nadia Boulanger o
el rumano George Enescu. En 1905 alcanzó la cúspide de su carrera
profesoral al ser nombrado director de dicha institución. Dimitió de este
cargo en 1920 a causa de la sordera, que en los últimos años de su vida fue
total.
• Como compositor, Fauré destacó sobre todo en la creación de música
de cámara y para piano, y de melodías para voz y piano. Sus dos
sonatas para violín y piano (1876 y 1917), sus dos cuartetos con piano
(1879 y 1886), los Nocturnos para piano solo (1875-1921) o el ciclo de
melodías sobre poemas de Verlaine La bonne chanson (1894), entre
otras obras, representan lo mejor de su talento en este campo. Sin
embargo, no se deben olvidar algunas de sus incursiones en la escena
lírica, con títulos como Prométhée (1900) y Pénélope (1913), o la
música incidental compuesta para el drama de Maurice
Maeterlinck Pelléas et Mélisande(1898), uno de cuyos fragmentos,
Siciliana, se ha convertido con el tiempo en una de las páginas más
divulgadas del compositor francés.
 Giacomo Puccini
• Lucca, actual Italia, 1858 - Bruselas, 1924) Compositor italiano.
Heredero de la gran tradición lírica italiana, pero al mismo tiempo
abierto a otras corrientes y estilos propios del cambio de siglo,
Puccini se convirtió en el gran dominador de la escena lírica
internacional durante los primeros decenios del siglo XX. No fue un
creador prolífico: sin contar algunas escasas piezas instrumentales y
algunas religiosas compuestas en su juventud, doce óperas
conforman el grueso de su producción, cifra insignificante en
comparación con las de sus predecesores, pero suficiente para hacer
de él un autor clave del repertorio operístico y uno de los más
apreciados y aplaudidos por el público.
• Giacomo Puccini nació en el seno de una familia alguno de cuyos
miembros había ocupado, desde el siglo XVIII, el puesto de maestro
de capilla de la catedral de Lucca. A la muerte de su padre, Michele,
en 1863, el pequeño Giacomo, pese a no haber demostrado un
especial talento músico, fue destinado a seguir la tradición familiar,
por lo que empezó a recibir lecciones de su tío Fortunato Magi, con
resultados poco esperanzadores.
• Fue a la edad de quince años cuando el director del Instituto de
Música Pacini de Lucca, Carlo Angeloni, consiguió despertar su
interés por el mundo de los sonidos. Puccini se reveló entonces como
un buen pianista y organista cuya presencia se disputaban los
principales salones e iglesias de la ciudad.
• En 1876, la audición en Pisa de la Aida de Verdi constituyó una
auténtica revelación para él; bajo su influencia, decidió dedicar todos
sus esfuerzos a la composición operística, aunque ello implicara
abandonar la tradición familiar. Sus años de estudio en el
Conservatorio de Milán le confirmaron en esta decisión. Amilcare
Ponchielli, su maestro, lo animó a componer su primera obra para la
escena: Le villi, ópera en un acto estrenada en 1884 con un éxito más
que apreciable.
• Con su tercera ópera, Manon Lescaut, Puccini encontró ya su propia
voz. El estreno de la obra supuso su consagración, confirmada por su
posterior trabajo, La bohème, una de sus realizaciones más
aclamadas. En 1900 vio la luz la ópera más dramática de su catálogo,
Tosca, y cuatro años más tarde la exótica Madama Butterfly.
• Su estilo, caracterizado por combinar con habilidad elementos estilísticos
de diferentes procedencias, ya estaba plenamente configurado. En él la
tradición vocal italiana se integraba en un discurso musical fluido y
continuo en el que se diluían las diferencias entre los distintos números de
la partitura, al mismo tiempo que se hacía un uso discreto de algunos
temas recurrentes, a la manera de Wagner. A ello hay que añadir el
personal e inconfundible sentido melódico de su autor, una de las claves de
la gran aceptación que siempre ha tenido entre el público.
• Sin embargo, a pesar de su éxito, tras Madama Butterfly Puccini se vio
impelido a renovar un lenguaje que amenazaba con convertirse en una
mera fórmula. Con La fanciulla del West inició esta nueva etapa,
caracterizada por conceder mayor importancia a la orquesta y por abrirse a
armonías nuevas, en ocasiones en los límites de la tonalidad, que revelaban
el interés del compositor por la música de Claude Debussy y Arnold
Schönberg. En la misma senda, el músico de Lucca promovió la renovación
de los argumentos de sus óperas, se distanció de los temas convencionales
tratados por otros compositores y abogó por un mayor realismo.
• Todas estas novedades contribuyeron a que sus nuevas óperas, entre ellas
las que integran Il trittico, no alcanzaran, pese a su calidad, el mismo grado
de popularidad que sus obras anteriores. Su última ópera, la más moderna
y arriesgada de cuantas escribió, Turandot, quedó inconclusa a su muerte.
La tarea de darle cima, a partir de los esbozos dejados por el maestro,
correspondió a Franco Alfano.