La Guitarra en El S XX

CONSERVATORIO SUPERIOR DE
MÚSICA DE LA CIUDAD DE BUENOS

AIRES “ASTOR PIAZZOLLA”
SEMINARIO ESTILÍSTICO DE MÚSICA
DE CÁMARA “VANGUARDIAS DEL
SIGLO XX”
INSTRUMENTO A TRABAJAR: GUITARRA
PROFESOR: SERGIO GARCIA MURILLO

ALUMNOS: GONZALO IGLESIAS
MATIAS MALPARTIDA
FEDERICO RIOS
JULIO ROJAS
AÑO: 2018
OBJETIVOS
El objetivo de esta monografía es comprender los sucesos musicales característicos de las
vanguardias del siglo XX, analizando su contexto histórico, para luego adentrarnos en lo
musical. Se busca abordar a través del análisis, la contextualización y la interpretación, la
producción musical de este periodo, específicamente el repertorio para la guitarra.
Los 4 compositores a trabajar en este trabajo son:
Manuel de Falla y su obra Omaggio (1920)
Arnold Schoenberg y su obra Serenata opus 24 (1923)
Manuel Ponce y su obra Sonata Meridional (1930)
Castelnuovo Tedesco y su obra Fantasia opus 145 (1950)
El primer capítulo hace una breve introducción y pone en contexto tanto histórico como
musicalmente sobre los movimientos que se gestaron en estos años.
El segundo capítulo toma como protagonista principal a la guitarra, analizando las

características de este instrumento dentro de las diversas escuelas, recursos utilizados y el
repertorio dentro de las mismas.
Los capítulos siguientes buscan contextualizar los 4 compositores previamente mencionados,

tomados en orden cronológico y analizar sus obras para lograr una mejor comprensión y ver
de qué manera se aplican los elementos propios del estilo a la guitarra.
Capítulo 1
El termino vanguardia (derivado del francés avant-garde, del léxico militar, designa a la parte
más adelantada del ejército, la que confrontaría la “primera línea” de avanzada en el
combate) se utilizó posteriormente para denominar en el terreno artístico, las llamadas
vanguardias históricas, una serie de movimientos culturales de principios del siglo XX que
buscaban innovación dentro de la producción artística, se destacaban por la renovación
radical de la forma y el contenido, explorando movimientos artísticos anteriores y
reinventándolos.
El vanguardismo se manifiesta a través de varios movimientos que, desde planteamientos

divergentes, abordan la renovación del arte y/o pregunta por su función social, desplegando
recursos que generen una ruptura de los cánones estéticos de representación o expresión
artística, no solo en música, sino en teatro, literatura, cine, pintura y arquitectura.
Estos movimientos artísticos renovadores, en general dogmáticos, se produjeron en Europa

en las primeras décadas del siglo XX, desde donde se extendieron al resto del mundo,
principalmente hacia América, en donde se enfrentaron al modernismo. La característica
primordial del vanguardismo es la libertad de expresión, que se manifiesta alterando la
estructura de las obras y modificando los parámetros creativos de manera, hasta entonces,
nunca conocidos.
Dentro del grupo de compositores que lideraron estos movimientos, podemos citar a Arnold
Schoenberg, Alban Berg y Anton Webern, de la segunda escuela de Viena, como los primeros
que emplearon la atonalidad y luego el dodecafonismo en la música occidental. El principal
aporte de ellos fue la ruptura de la tonalidad, que dio lugar al serialismo, inspirado sobre todo
por Webern. Las primeras composiciones estaban influidas por el romanticismo de Schumann,
Wagner, Brahms y Mahler.
Uno de los avances más importantes en la música de comienzos del siglo XX fue el
protagonismo de la masa sonora, del colorido instrumental, del cambio de roles que tuvieron
el rol del compositor, intérprete y el público y el énfasis dado al timbre por sobre los demás
parámetros musicales.
Además de estos movimientos, podemos mencionar también otras vertientes dentro de la
primera mitad del siglo XX que tuvieron bastante protagonismo, como el impresionismo;
representado por Claude Debussy y Maurice Ravel, el expresionismo; representado por
Schoenberg y Berg; el nacionalismo, representado por Kodaly y Bartok en Hungria, Falla,
Albeniz y Granados en España, Prokofiev y Shostakovich en Rusia y Gershin en EEUU; el
neoclasicismo, representado por Stravinsky y Hindemint.
Capítulo 2
El uso de la guitarra dentro de la segunda escuela de Viena (Schoenberg,Berg y Webern) es

bastante precario, siendo únicamente siete las composiciones para tal instrumento. Esto se
debe posiblemente a la falta de conocimiento en profundidad del instrumento y porque su
uso contribuye más a una novedad tímbrica que a un verdadero interés por las posibilidades
del instrumento. No obstante, estas pequeñas aportaciones pueden entenderse como un
comienzo de interés creciente por la inclusión de la guitarra en formaciones camaristicas u
orquestales por parte de muchos compositores de la segunda mitad del siglo XX, más alla de la
difusión y el prestigio que el instrumento recuperó como instrumento solista gracias a
diversos intérpretes.
Como antecedente, podemos ya citar grandes compositores que comenzaron a darle mucha
más importancia a la guitarra, generalmente en el post romanticismo español se encuentran
numerosas piezas para guitarra solista. Podemos citar a Francisco Tarrega, quien además de
popularizar este repertorio, fue uno de los primeros en realizar transcripciones para guitarra
de obras de Beethoven, Chopin y Mendelssohn.
Sin embargo, fue Andrés Segovia a quien se le atribuye el papel de gestor principal del
movimiento moderno de la guitarra clásica. A la vez que progresaba en su carrera y ofrecía
recitales para audiencias cada vez mayores, descubrió que las guitarras existentes no
producían el volumen suficiente como para llegar al público en grandes salas de conciertos.
Esto le animó a buscar entre los avances tecnológicos para intentar mejorar la amplificación
natural de la guitarra.
Trabajando conjuntamente con los fabricantes, ayudó a diseñar lo que conocemos hoy en día
como guitarra clásica, realizada con una madera de más calidad y con cuerda de nailon. La
forma de la guitarra se modificó también para mejorar la acústica.
Realizó aportes a la técnica del instrumento, como tañer las cuerdas, a la vez, con la uña y la
yema de los dedos de la mano derecha y colocar ésta en posición vertical con respecto a las
cuerdas, con lo que se incrementa la fuerza al tocarlas y como resultado se incrementa el
volumen de la guitarra que es un instrumento un poco limitado en este aspecto.
Se reconoce también su influencia en diversos compositores, a quienes ha motivado para que

realicen obras para este instrumento, tal es el caso de Castelnuovo Tedesco, con quien tenía
una estrecha relación de amistad.

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PROFESOR: SERGIO GARCIA MURILLO

Los 4 compositores a trabajar en este trabajo son:

Manuel de Falla y su obra Omaggio (1920)

Arnold Schoenberg y su obra Serenata opus 24 (1923)

Manuel Ponce y su obra Sonata Meridional (1930)

Castelnuovo Tedesco y su obra Fantasia opus 145 (1950)

El segundo capítulo toma como protagonista principal a la guitarra, analizando las

Los capítulos siguientes buscan contextualizar los 4 compositores previamente mencionados,

El vanguardismo se manifiesta a través de varios movimientos que, desde planteamientos

Estos movimientos artísticos renovadores, en general dogmáticos, se produjeron en Europa

El uso de la guitarra dentro de la segunda escuela de Viena (Schoenberg,Berg y Webern) es

Se reconoce también su influencia en diversos compositores, a quienes ha motivado para que

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