LA EVOLUCION DE LA DANZA.

La danza y su historia acompañó al ser humano desde los comienzos de la

humanidad. En un principio, la danza tuvo carácter religioso: alababan al sol, la
luna, y otros fenómenos que eran considerados dioses.
En el antiguo Egipto, la danza era ceremonial, se
representaban la vida, muerte y resurrección del dios
Osiris. Los filósofos que viajaban a Egipto llevaron a
Grecia esta danza ceremonia y en los rituales en
honor a dioses del Panteón surgen las bases
del teatro contemporáneo.
En 150 a.C. la danza fue prohibida, entonces surgió la
pantomima como forma muda de expresión. Durante
Edad Media, fue prohibida. Entonces las celebraciones
paganas se incorporaron a la Iglesia, reemplazándolas
con fiestas cristianas. En el Renacimiento, se crean grandes obras que devuelven
a la danza valor social. En el siglo VII nació el ballet y se instaló en Francia la
primera Real Academia. Comienzan a proliferar los bailes sociales.
En el siglo XX, aparece la escuela rusa revolucionando el ballet y nacen las
danzas modernas como reacción a la rigidez de éste. Aparecen también la
rumba, la salsa y el chachachá inspirados en ritmos latinos y caribeños, y en
los años 50, el rock and roll y el Twist. En los años 70, nace la danza
posmoderna en contraposición a la moderna. La evolución, importancia
e historia de la danza continúa hasta nuestros días.

La danza medieval tuvo escasa relevancia, debido a la marginación a la que la

sometió la Iglesia, que la consideraba un rito pagano. A nivel eclesiástico, el único
vestigio eran las «danzas de la muerte», que tenían una finalidad moralizadora. En
las cortes aristocráticas se dieron las «danzas bajas», llamadas así porque
arrastraban los pies, de las que se tiene poca constancia. Fueron más importantes
las danzas populares, de tipo folklórico, como el pasacalle y la farándula, siendo
famosas las «danzas moriscas», que llegaron hasta Inglaterra (Morris dances).
Otras modalidades fueron: el carol, el estampie, el branle, el saltarello y
la tarantela.2
La danza renacentista tuvo una gran revitalización, debida al nuevo papel
preponderante del ser humano sobre la religión, de tal manera que muchos
autores consideran esta época el nacimiento de la danza moderna. Se desarrolló
sobre todo en Francia –donde fue llamado ballet-comique–, en forma de historias
bailadas, sobre textos mitológicos clásicos, siendo impulsado principalmente por la
reina Catalina de Médicis. Se suele considerar que el primer ballet fue el Ballet
comique de la Reine Louise (1581), de Balthazar de Beaujoyeulx. Las principales
modalidades de la época eran la gallarda, la pavana y el tourdion. En esta época
surgieron los primeros tratados sobre danza: Domenico da Piacenza escribió De
arte saltandi et choreas ducendi, siendo considerado el primer coreógrafo de la
Historia; Thoinot Arbeau hizo una recopilación de danzas populares francesas
(Orchesographie, 1588).3

La danza barroca siguió desarrollándose nuevamente en Francia (ballet de cour),

donde hizo evolucionar la música instrumental, de melodía única pero con una
rítmica adaptada a la danza. Fue patrocinada
especialmente por Luis XIV, que convirtió la danza
en grandes espectáculos (Ballet de la Nuit, 1653,
donde intervino el rey caracterizado de sol),
creando en 1661 la Academia real de Danza.
Como coreógrafo destacó Pierre Beauchamp,
creador de la danse d'école, el primer
sistema pedagógico de la danza. Las principales
tipologías
fueron: minuet, bourrée, polonaise,rigaudon, allem
ande, zarabande, passepied, gigue, gavotte, etc.
En España también se dieron diversas
modalidades de
danza: seguidilla, zapateado, chacona, fandango,
jota, etc.4
En el siglo XVIII -la época del Rococó- continuó la primacía francesa, donde
en 1713 se creó la Escuela de Ballet de la Ópera de París, la primera academia de
danza. Raoul-Auger Feuillet creó en 1700 un sistema de notación de danza, para
poder transcribir por escrito la diversa variedad de pasos de danza. En esta época
la danza comenzó a independizarse de la poesía, la ópera y el teatro,
consiguiendo autonomía propia como arte, y formulando un vocabulario propio. Se
empezaron a escribir obras musicales sólo para ballet, destacandoJean-Philippe
Rameau –creador de la opéra-ballet–, y comenzaron a surgir nombres de
bailarines destacados, como Gaetano Vestris yMarie Camargo. A nivel popular, el
baile de moda fue el vals, de compás ¾, mientras que en España surgió
el flamenco.5
Durante el neoclasicismo el ballet experimentó un gran desarrollo, sobre todo
gracias al aporte teórico del coreógrafo Jean-Georges Noverre y su ballet d'action,
que destacaba el sentimiento sobre la rigidez gestual del baile académico. Se
buscó un mayor naturalismo y una mejor compenetración de música y drama,
hecho perceptible en las obras del compositor Christoph Willibald Gluck, que
eliminó muchos convencionalismos de la danza barroca. Otro coreógrafo relevante
fue Salvatore Viganò, que dio mayor vitalidad al «cuerpo de ballet», el conjunto
que acompaña a los bailarines protagonistas, que cobró independencia respecto
de estos.6
La danza romántica recuperó el gusto por los bailes populares, las danzas
folklóricas, muchas de las cuales sacó del olvido. Surgió el clásico vestuario de
ballet (el tutú), aparecido por vez primera en el Ballet de las Monjas de Robert le
Diable (1831), de Giacomo Meyerbeer. Se empezó a componer música puramente
para ballet, destacando Coppélia (1870), de Léo Delibes. En el aspecto teórico,
destacó la figura del coreógrafo Carlo Blasis, principal creador del ballet moderno
en cuanto codificó todos los aspectos técnicos concernientes a la danza: en El
código de Terpsícore (1820) relacionó la danza con las otras artes, efectuando
estudios de anatomía y movimientos corporales, ampliando el vocabulario relativo
a la danza, y distinguiendo varios tipos de bailarines según su físico. También
introdujo el baile sobre las puntas de los pies, en el que destacaron Marie
Taglioni y Fanny Elssler. En bailes populares, continuó la moda del vals, y
aparecieron la mazurca y lapolca.7
La danza expresionista supuso una ruptura con el ballet clásico, buscando nuevas
formas de expresión basadas en la libertad del gesto corporal, liberado de las
ataduras de la métrica y el ritmo, donde cobra mayor relevancia la autoexpresión
corporal y la relación con el espacio. Su principal teórico fue el coreógrafo Rudolf
von Laban, quien creó un sistema que pretendía integrar cuerpo y alma, poniendo
énfasis en la energía que emanan los cuerpos, y analizando el movimiento y su
relación con el espacio. Este nuevo concepto quedaría plasmado con la
bailarina Mary Wigman. De forma independiente, la gran figura de principios de
siglo fue Isadora Duncan, que introdujo una nueva forma de bailar, inspirada en
ideales griegos, más abierta a la improvisación, a la espontaneidad.
En el período de entreguerras destacaron las escuelas francesa y británica, así
como el despuntar de los Estados Unidos. En Francia, el Ballet de la Ópera de
París volvió al esplendor de la era romántica, gracias sobre todo a la labor
de Serge Lifar, Roland Petit y Maurice Béjart. En Gran Bretaña destacaron figuras
como Marie Rambert, Ninette de Valois, Frederick Ashton, Antony Tudor, Kenneth
MacMillan, Margot Fonteyn, etc. En Estados Unidos, donde había escasa
tradición, se consiguió en poco tiempo llegar a un alto nivel de creatividad y
profesionalización, gracias en primer lugar a pioneras como Ruth Saint
Denis, Martha Graham, Doris Humphrey y Agnes De Mille. El ruso George
Balanchine –surgido de la compañía de Diágilev– se instaló allí en 1934, donde
fundó la School of American Ballet, y produjo espectáculos que lo renombraron
como uno de los mejores coreógrafos del siglo. En los años 1950 y 1960 destacó
la actividad innovadora de Merce Cunningham que, influido por el expresionismo
abstracto y la música aleatoria de John Cage, introdujo la danza basada en la
casualidad, el caos, la aleatoriedad (chance choreography). Otro gran hito de la
época fue el West Side Story (1957) de Jerome Robbins.