L.

1: UNA ESTETICA DEL ARTE Y EL DISEÑO DE IMAGEN Y SONIDO:

CAP 1. “A MODO DE INTRODUCCION”

¿DESCRIBA LOS COMPONENTES DEL SUCESO ESTÉTICO, ¿QUÉ SIGNIFICA QUE LA PERCEPCIÓN ES UNA ACCIÓN?

Diremos que el suceso estético es un proceso consciente donde intervienen necesariamente la obra de arte, el artista y
el espectador, sin este último NO hay obra de arte. Este último completa la obra.

NO podemos hablar del primero como sujeto activo y del segundo como sujeto pasivo ya que no puede existir la
pasividad, pues la percepción y expectación constituye una acción en sí misma.

Suceso estético. Se necesita:

Un emisor (creador) Un objeto materializado (la obra) Un receptor (el espectador)

¿QUÉ ENTIENDE POR ESTÉTICA COMO UNA DE LAS 3 RAÍCES DE LA FILOSOFÍA? ¿CUÁLES SON LAS OTRAS DOS? Y
¿CUÁLES SON SUS DOS CATEGORÍAS DE ANÁLISIS?

La filosofía posee 3 raíces principales. de ellas se nutre la filosofía para generar sus preguntas.

La ética (estudia qué es lo bueno y qué es lo malo),

La lógica (qué es lo verdadero y qué es lo falso),

La estética (qué es lo bello y qué es lo feo).

Ninguna de estas raíces puede existir por separado, se interdeterminan, y no se resisten al paso del tiempo, van
mutando, van modificándose. Las categorías que estudian varían de una sociedad a otra, de un individuo y su relación
con el mundo a otro individuo con otra relación. La creación artística es producto de un mundo y expresante de un
sujeto, y a su vez, es reformuladora de ese mundo, posibilita nuevas verdades y supera aquellas agotadas.

¿CUÁLES SON LAS CATEGORIAS ONTOLÓGICAS Y CÓMO FUNCIONAN?

Barreras ontológicas: la religión, la ciencia, el arte + la filosofía. El feudalismo occidental se estructuro sobre el eje
ideológico del cristianismo, pero en el siglo XVII este esquema comienza a resquebrajarse. En los arcaicos inicios, la
criatura humana advierte su frágil realidad entre lo finito de su condición orgánica y su mirada anhelante hacia el
infinito, en aquellos tiempos decide construir la barreras ontológicas, para poder constituirse y sostenerse como ser, dar
sentido a su vida.

RELIGION: Se constituye bajo un código moral(serie de premios y castigos) y de una relación con el mundo sobrenatural.
Como fruto de la religión el hombre recibe la posibilidad de convivir y ser ente social, y una finalidad para sus actos,
buenos o malos, y para toda su vida. Su héroe cultural: el sacerdote, que oficia como puente entre los 2 mundos. Se
enfrenta a lo inconmensurable para proyectar sobre ello nuestro orden de la cultura.

ARTE: No posibilita la vida eterna sino que posibilita acercarse a los límites, con este proceso aumenta la región
adecuada para la vida del hombre, su hogar, su habitat. Al echar luz havia los registros oscuros de la vida individual,
sobre el alma y la existencia, interpretar y nombrar un gesto de la sociedad, el arte colabora en la construcción del
mundo del hombre. El artista se encarga de actuar como ente bicefalo articulando aquello que ya existe con lo que
todavia no es, pero que quiere surgir para este mundo.Se defiende de los irreversible simbolizandolo.

CIENCIA: Es de su interés la voluntad consiente de mejorar las condiciones de sobrevivencia y convivencia del hombre,
este es visto como aquel ente que al aceptar su exclusiva condición de sujeto del lenguaje, culturalizado y social, debe
renunciar, a sus condiciones innatas y primigenias. Su personaje ppal: el científico: bajo su responsabilidad suceden los
avances hacia lo desconocido y los entrelazamientos con aquello que esta fuera de nuestro destino asignado.
El objeto de la ciencia son las funciones que se presentan como proposiciones dentro de unos sistemas discursivos, se
adelanta hacia el caos y lo combate para hacer mejor el orden.

FILOSOFIA: Tiene la tarea de mirar hacia la no -existencia ya fuera del lenguaje, pero que sugiere , provoca la pregunta
para avanzar hacia sus dominios. La filosofía no participa en la construcción del sistema defensivo del hombre contra los
infinitos territorios que están más allá de la realidad humana. Se ha visto relacionada con las barreras ontológicas, y
sigue relacionada, sus interrogantes descienden de las grandes preguntas de la religión, sus interrogantes se dirigen
hacia los mismos abismos de arte, pero tampoco le pertenece la preocupación por lo que teme o anhela el hombre.

L.2: UNA ESTETICA DEL ARTE Y EL DISEÑO DE IMAGEN Y SONIDO: CAP 2. “A MODO DE INTRODUCCION”

APORTES A LA ESTETICA CAP: “CONTRA LA VERDAD DESNUDA”

DEFINA EL CONCEPTO DE COMPROMISO CONSCIENTE Y SUBLIMACIÓN.

Ante la observación de una obra hay dos lecturas:

1) Consciente: la relación del compromiso consciente con el mundo del artista.

2) Desde el conocimiento de las realidades psíquicas.

compromiso consciente:

el hombre con sus gestos, actitudes, elecciones es parte constructora o destructora de este mundo. El hombre nunca
puede actuar en forma ajena frente a aquello de lo que es parte; tanto él como los otros se ven determinados por una
estructura denominada poder. Para imponer algo hace falta aquella que impone y aquel que acepta la imposición.

Sublimación:

Es lo que no es reprimido en el inconsciente; una fuerza pulsionada por el deseo. Aparece simbolizada, convirtiéndose
en partícipe del hacer de la cultura.

En la obra artística, el deseo encuentra su expresión materializada. El símbolo hace soportable la realidad interior,
psíquica. La sublimación es un proceso no dominable por la conciencia. El creador, con este juego de descubrirse
cubriéndose descarga la angustia de la realidad tripartita de la existencia humana.

¿QUE ACTITUDES PUEDE ASUMIR EL ARTISTA?

El artista con su creación le da forma material, artística y asu vez simbólica a esta realidad del poder.

Puede hacerlo como reproductor de la ideología de poder o puede hacerlo en contra del poder y contruir una nueva
propuesta.

¿DESARROLLE EL CONCEPTO DE SUBJETIVACIÓN/OBJETIVACIÓN EN LA OBRA DE ARTE?

subjetivación – objetivación.

El arte es la subjetivación del objetivo y la objetivación de lo subjetivo.

el artista mira hacia el mundo objetivo, (el mundo exterior), de donde saca estimulos y temas, pero los va a ir pasando
por el filtro de su subjetividad, que actúa como fuerza creadora y recreadora.

A su vez la obra de arte es subjetivizada por un espectador, que lo objetiviza al vincularlo con sus vivencias.
¿CÓMO REACCIONA LA ESTRUCTURA DE PODER FRENTE A LO NUEVO?

Cuando aparece un transgresor, genera que el poder lo persiga, lo castigue, y margine. La trasgresión sólo vale con un
proyecto de construcción.

EXPLIQUE EL PROCESO DE METABOLIZACION DE LO NUEVO DE PARTE DE LOS ESTRATOS DEL PODER Y EL ROL DEL
ARTISTA EN ÉL.

1 periodo: persecución/ castigo.

Cuando aparece un transgresor, genera que el poder lo persiga, lo castigue, y margine. La trasgresión sólo vale con un
proyecto de construcción.

2 Tolerancia

Cuando el número de transgresores sea grande el poder ya no podrá perseguirlos. Entra en el segundo período,
tolerando los cambios. El tolerar es aguantar, soportar, pero no querer, reconocer y entender.

3 metabolización.

la tolerancia no es suficiente para neutralizar lo nuevo, y el poder se declara como dueño de ello, este fenómeno se
llama metabolización. A partir de aquí, la regla, va a ser aquello que hasta entonces fue perseguido o tolerado. Lo nuevo
se convierte en antiguo.

y alguien otra vez va a revelarse frente a ello. Y va a ser perseguido, tolerado y metabolizado.

EXPLICAR DURACIÓN y AUTO GOCE

Cuando nos encontramos con una obra de arte tendremos 2 lecturas posibles: una desde lo consciente, lo sociológico
(compromiso consciente) y otra desde lo psíquico (sublimación). Si no se da alguna de estas propiedades, deja de ser
una obra de arte.

Duración:

Es nuestra propia historia que se va acumulando como una gran bola de nieve. La duración conserva el pasado, está en
relación con la memoria.Nuestra Duración se pone en juego cuando estamos frente a una obra de arte. Todo nuestro
pasado, nuestras experiencias, lo que vivimos es lo que nos hace lo que somos hoy. La obra de arte es el producto tanto
de la duración del artista y su percepción, como de la manera en que es percibida, producto a su vez de la duración del
receptor.

Autogoce:

el autogoce en cuestión. Es sentirse identificado con la obra (conciente o inconcientemente) y que eso nos produzca
goce (ya sea dolor o placer). El artista proyecta al objeto creado su realidad psíquica de una manera simbólica
estableciendo una mediación entre lo de adentro y lo de afuera.También surge desde el receptor, cuando alguien se
para frente a una obra de arte y se proyecta a si mismo sobre ella. El placer o el dolor encontrado en la obra surge desde
la propia realidad psíquica.

EXPLIQUE LA DIFERENCIA ENTRE SÍMBOLO Y ALEGORÍA.

Alegoría: signo que nació como símbolo pero se socializó. Su significado es parte del discurso y estructura del poder.
Siempre se ancla en lo avalado y permitido, y necesario para el poder.

Símbolo: es altamente subjetivo, no se puede trasladar de un individuo a otro, de una época a otra, de una sociedad a
otra. Articula lo desconocido con lo que ya es sabido. Jamás puede tener una motivación consiente en su totalidad. Se da
un diálogo entre la simbología del creador y la del receptor en el que el receptor toma los símbolos del artista como
significante y los llena con sus propios contenidos.
¿QUÉ SIGNIFICA QUE EL ARTE ES UNA TOTALIDAD INTENSIVA?

DIFERENCIA ARTE (totalidad intensiva) CIENCIA (totalidad extensiva)

La ciencia es una totalidad extensiva

Porque frente al fenómeno, va a tratar de rodearlo, de agotarlo, describiéndolo de todas las maneras posibles. La ciencia
descubre, La ciencia inventa el mundo para el hombre, el inconsciente NO existe sino que lo inventa el hombre. La
realidad es una convención, se inventó y se produjo un convenio.

El arte es una Totalidad intensiva

en una obra está el mundo interior del artista y el mundo exterior, la capacidad de verlo depende de nuestra capacidad y
predisposición, de nuestra capacidad de preguntar a la obra. La intensidad del arte depende de que la obra pueda
comunicar mediante muy pocos recursos. Emitiendo un mensaje claro y preciso, o sugiriendo un trasfondo complejo,
abierto e indefinido.

EXPLIQUE LA AFIRMACIÓN ARISTOTÉLICA "EL ARTE MIENTE PARA DECIR LA VERDAD"

El arte no puede tener como objetivo la descripción de algo que ya existe, porque, seria naturalismo y no arte, Si el arte
no deforma la realidad no cumple con su categoría. El arte debe ofrecer un conocimiento nuevo, más profundo.

DIALÉCTICA DE LA VIDA Y LA MUERTE.

El arte no puede ubicarse fuera de la dialéctica de la vida y de la muerte,. Lo que NO puede ser considerado como obra
de arte es lo que causa la muerte, que la genera o participa en su concreción. Zatonyi explica que hay un límite más allá
de lo bello y lo feo, aquello que mata y elimina la vida, termina eliminándose a sí misma como obra de arte.

QUE SIGNIFICA QUE EL ARTE VELA Y DEVELA?

El arte “dice” cosas, “devela” cosas que no podría decir, pensar, ni hacer de otra manera. Dice lo que está vedado. Vive
lo que de otra forma no puede vivir, y experimenta estas sensaciones, a su vez, sin entregarse a lo irreversible, sin
deschavarse. Aunque cuando tapa, cuando vela algo, yo se que por detrás hay otra cosa, por lo tanto también devela.
Devela velando. La obra de arte devela una verdad del mundo. Pero se trata de un develar-velando, ya que el símbolo
siempre está allí, en permanente resignificación. A su vez el arte es un velo que transforma, que nos hace ver las cosas
de otra manera. Con el arte se vela, se cubre la verdad. Con el arte se evita conocer la verdad desnuda. La verdad
desnuda es la muerta, la verdad velada es la vida.

L.3: UNA ESTETICA DEL ARTE Y EL DISEÑO DE IMAGEN Y SONIDO:

CAP 6. “ANTROPOLOGIA Y ARTE” ¿QUÉ ES CULTURA?

Es el conjunto de conductas y productos que comparte una sociedad, la forma de ser de una sociedad.

No es hereditaria, se adquiere mediante el proceso de endoculturización. Es un bien social, universal, a la vez estable y
cambiante.

¿CUÁL ES LA PARADOJA DE LA CULTURA?

La cultura es estable y a la vez dinámica o cambiante.

Es estable en el sentido de que se comparte de generación en generación.

Es dinámica en mayor o menor grado. Por qué cambia lentamente.

DISTINGA LAS NECESIDADES PRIMARIAS Y SECUNDARIAS

Necesidades primarias (biológicas): Sustentarse, procrear, protegerse y albergarse.

Y EXPLIQUE COMO EL DISEÑO SATISFACE A AMBAS. ¿DE QUÉ MODO EL DISEÑO ARTICULA LAS NECESIDADES PRIMARIAS
Y SECUNDARIAS? Las artes que satisfacen las necesidades primarias y secundarias:Urbanismo. Dg,d industrial, d
indumentaria, la artesanía.

L.4: ARTE Y CREACIÓN: CAP 1. “UN MUNDO AMPLIO”: EL PARADIGMA , pag 13.

Cap 6. “UN TRIANGULO ABIERTO” pag 77.

DEFINA EL CONCEPTO DE PARADIGMA Y PROPONGA UN EJEMPLO PROPIO

Paradigma: El paradigma es un modelo ejemplificador de nuestra realidad. El modo de acceder a la realidad.

Ejemplo: La visión actual generalizada acerca del éxito en la vida está directamente relacionada con tener mucho dinero.
Parece que si no es así no podremos ser felices y ese es un error muy grande, el lobo de Wall street.

¿CUÁLES SON LOS COMPONENTES DEL PARADIGMA Y COMO SE INSERTA LA OBRA DE ARTE EN ÉL?

Edificación cognitiva: Conjunto de todos los saberes en un momento dado. Hay saberes:

Universales: aquellos que compartimos entre todos.

Particulares: aquellos que no están universalizados.

Sistema axiológico:

Conjunto de valores que una sociedad tiene en un determinado lugar y tiempo. Sin el sistema de valores un sistema no
podría funcionar.

Existen los valores empíricos (lo que cuesta algo), los valores simbólicos (lo que vale para mi).

Universo simbólico:

Aquello con lo que podemos representar esos saberes y valores. La palabra, el arte.

¿Cómo funciona el Universo Simbólico en la interpretación de una obra de arte?.

La obra de arte es símbolo en sí misma, significa que es posibilidad de (como es la tablilla). Si nos quedamos con lo
semántico tendríamos un valor simbólico arbitrario, un objeto útil que se realiza en sí mismo, pero que ya está detenido,
no puede seguir en movimiento. La obra de arte tiene como propiedad devenir en el tiempo, NO es, tiene carácter
polisémico (es siempre otra cosa). Cuando queremos realizarla se nos escapa, es de carácter equívoco => siempre se
presta a una lectura distinta.

RELACION ARTE Y PARADIGMA

Debido a la esencia simbolica del arte su lenguaje habla sobre aquello que no hay pero que podria haber, el artista
decide crear y mediante este gesto creativo, instala saberes sobre algo y funda valores al mismo tiempo, capaces de
originar un nuevo conocimiento y valor. Este nuevo conocimiento repercute sobre el duo etica-moral, y puja por ser
dicho a traves de lo simbolico. Cunado hay una ruptura en el sistema de valores se genera un impacto sobre los saberes,
demandando nuevos simbolos.

¿QUÉ RELACIÓN ENCUENTRA ENTRE ÉTICA Y ESTÉTICA?

La ética es la raíz de la filosofía que categoriza lo que es bueno y malo.

La estética es la raíz de la filosofía que categoriza lo que es bello y feo.

Para platón lo bello es buenoen tanto es conveniente para el Estado/sistema (Kalakagathia), Aquello que no
corresponda a los intereses del Estado, no será bello y bueno, será antikalakagático.

UNA ESTETICA DEL ARTE Y EL DISEÑO DE IMAGEN Y SONIDO: CAP 7. “EL KITSCH”

QUE SE ENTIENDE POR KITSCH Y COMO PARTICIPA DE LA CONSTRUCCIÓN POR LA UTOPÍA?

Relación entre el sujeto y objeto. Donde el sujeto no está presente, es como tomar el objeto sin tener conciencia de uno
mismo. Aquello que tomes sin pensar, el sujeto acepta el objeto tal como es y no lo cuestiona.

Ejemplo: la publicidad, si el consumidor quiere creer en esa promesa va a convertirse en consumidor del producto
renunciando a su raciocinio.

Comer una hamburguesa porque me lo dijo una publicidad es kitsh.

El kitsh es una buena herramienta para las utopias

EXPLIQUE EL CONCEPTO DE UTOPÍA Y SU RELACIÓN CON EL ARTE

La palabra utopía, en su origen griego, significa ‘no lugar’ Sugiere a el acceso a lo imposible pero disfrazándolo de
‘posible’.

se puede definir una utopía como un Estado imaginario que reúne todas las perfecciones y que hace posible una
existencia feliz porque en él reinan la paz y la justicia. La utopía no nace para ser motor de la historia, para cambiar el
mundo, sino para inmovilizarlo en un fin: alcanzar el paraíso.

El arte ha sido utilizado para persuadir a la sociedad de que hay un mundo que se alcanza siguiendo el Gran Discurso de
poder. El cine ha sido el mejor medio para propagar ideas utópicas, en él se desarrolla una esencia ideológica retrógrada
y manipuladora, frente a la cual el espectador está indefenso, incorpora el mensaje y se convierte en su propio enemigo.
Es la dominante figuración del lenguaje cinematográfico la que hace que una película sea accesible a grandes masas y
participe en una eficaz y veloz divulgación del discurso de poder.

CAP 8. “SUJETO OBJETO”

¿CUÁL ES LA RELACIÓN DE SUJETO-OBJETO?

El sujeto y el objeto son inseparables:

Existen dos sujetos: Sujeto concreto/empírico: Mediante su capacidad de generar experiencia, el hombre empírico debe
su posibilidad de convertirse, en sujeto trascendental, a su posibilidad de generar conciencia.

Sujeto transcendental/metafísico: Constituye elaborando experiencias. Formas de pensar, conciencia, abstracción.

- No existe el mundo objetico sin el sujeto que pueda pensarlo.

L.6: UNA ESTETICA DEL ARTE Y EL DISEÑO DE IMAGEN Y SONIDO: CAP 3. “LAS DOS VERTIENTES

APORTES A LA ESTETICA: “ENUNCIAR Y ACONTECER” PAG. 47

“DESDE AQUÍ Y DESDE AHORA” PAG 65

¿QUE SON LAS DICOTOMÍAS DIALÉCTICAS Y CÓMO INFLUYEN EN LA OBRA ARTÍSTICA?

Las dicotomías dialécticas son herramientas teóricas propuestas por Marta Zátonyi para un análisis en el contexto de la
historia del arte.

Sociedad Vs. Individuo. El individuo puede existir en cuanto a su sociedad, y ésta solo existe en cuanto al individuo.
Aristóteles habla de un mundo ideal en el que confluyan, la demanda de deberes del individuo por parte del poder (si
solo existen deberes hablamos de dictadura) y a su vez la oferta de derechos que tiene el individuo, provista por tal
poder (si solo existen derechos hablamos de anarquía). Lo esencialmente humano no es el saber hablar, caminar en dos
pies, el afecto, solo incorporando reglas culturales pueden convertirse estas posibilidades en realidad.

Sujeto Vs. Objeto. Un individuo se constituye en tanto sabe que hay un fuera de él, no se elimina, sino que lo acepta. Su
duración lo hace sujeto. Lo que está afuera de él, que responde a un código convenido socialmente es el objeto, es el
resultado del sujeto en su infinita multiplicidad. El objeto existe en tanto el sujeto lo incorpora, lo nombra, lo actúa y lo
enfrenta. La unidad y lucha entre ambos hace que existan, no hay uno sin el otro. Existen obras que apelan
específicamente al sujeto, aunque jamás pueden despegarse del todo de lo objetivo. A su vez, hay obras que se inclinan
más a lo objetivo, pero nunca pueden carecer de lo subjetivo. Zatonyi compara aquí la escalera Laurenciana de Miguel
Angel, la cual estimula y expresa al sujeto, con la obra de Brunelleschi, la Capilla de Pazzi, donde domina lo objetivo, por
sobre el sujeto.

Idea Vs. Concreto. Aquí se aplica la duplicidad del mundo propuesta por Platón, el hombre sentado en la caverna y las
ideas que pasan delante de él pero es incapaz de verlas, solo ve sus sombras. Generar idea es generar abstracción, en
base a experiencias que coinciden se elabora la esencia que las unifica. No se puede priorizar la idea frente a lo
concreto, o al revés, existe uno porque existe el otro. Cuanta más experiencia concreta tengamos, más abstracción
seremos capaces de generar. Es difícil concebir la idea abstracta, pero solo a través de ésta podremos reconocer lo
concreto. El todo no se explica sin las partes, y las partes no se explican sin el todo. Arte abstracto: no es aquel no
figurativo, sino el que reconoce solo lo ideal. Arte no abstracto: la mirada opera sobre lo particular. Arte figurativo:
representa a partir de imágenes ya existentes y las reproduce, creando nuevas. Arte no figurativo: sus palabras no son
palabras de lo existente, no hay una imagen a priori en la cual basarse.

Racional Vs. Irracional. Suponiendo que hay una verdad a priori por sobre las cosas, podemos elegir entre qué es falso y
qué es verdadero. Cotejamos el nuevo fenómeno con los existentes y si este cotejo da resultado positivo, lo adjetivamos
como racional. La razón ha convertido en demonio a lo irracional.

Éste es aquello que no podemos incorporar a nuestros esquemas cognoscitivos, porque todavía no logramos nombrarlo,
no lo entendemos y no lo percibimos, no podemos explicarlo. Nos causa pánico que nuestros esquemas no esfuerzos
nos sustenten. El irracionalismo rechaza la posibilidad de la total cognoscibilidad.

Kalakagathia Vs. Antikalakagathia. Para Platón el bien se proyecta al mundo intrascendente bajo la forma del Estado,
como organizador de la vida, ley y orden social. Lo bello es bueno, y es bueno en tanto es conveniente para el Estado.
Todo es mal si atenta contra sus intereses => kalakagathia. En la República de Platón se considera arte a la música de
trabajo porque ayuda a organizar a quienes trabajan y aumenta la producción. Aquello que no corresponda a los
intereses del Estado, no será bello y bueno, será antikalakagático.

Concinnitas Vs. Anticoncinnitas. Teniendo en cuenta la postura de que si yo le saco o le agrego algo a una obra, ésta se
descompone, diremos que lo concinnitas apunta a la búsqueda de un modelo, de un hombre tipo. Esta es la gran
dicotomía en el diseño, pensar una acción a futuro como modelo dirigiéndonos a masas, pero evitando caer en el
estereotipo. Un módulo es un prototipo, un hombre ideal que se mide según la media, es lo ideal, niega el cambio de
espacio y tiempo. Si lo aceptara, aceptaría la diversidad humana. El ideal se instala en nuestro superyo, generando
angustia al no poder ser igual a él, por lo que nos genera culpa. La misma es necesaria para el poder, para dominar y
crear dependencia. La homotopización del hombre será contrapuesta a la heterotopización, la cual expresa diversidad

Lúdico Vs. Tragicidad del deber. El instinto de lo material y el instinto de lo formal solo pueden unirse en armonía en el
instinto lúdico => el juego, según Schiller, es propiedad de la actividad creativa artística. La razón y los sentimientos se
reconcilian en el juego, el hombre es libre solo cuando juega. Únicamente el arte nos proporciona un goce que no exige
esfuerzo previo, permite olvidar las dificultades de la vida. Podemos hablar de 2 tipos de juegos: el creativo (los
significantes existentes adquieren significados no avalados por el código social) y el pautado. No hay juego y no hay
creación artística sin locura, aunque sea una mínima presencia. El arte es la voluntad de hacer visible lo que está vedado,
por lo tanto no consideramos dentro de lo artístico aquellos juegos pautados esquemáticamente. Lo lúdico es utilizado
para suavizar la angustia social y con eso deja de cumplir su tarea esencial, deja de ser lúdico. Para que el hombre no se
quede sin emociones, el poder le impone la heroicidad del cumplir, la tragicidad del deber, el juego es reemplazado por
lo solemne. El deber se sustituye por las pasiones, llena al hombre con la sensación de importancia para que no se
entere de la tarea insignificante que realiza.

RELACIONE EL CONCEPTO DE LAS DOS VERTIENTES CON LAS DICOTOMÍAS DIALÉCTICAS

Las dicotomías dialécticas son herramientas teóricas propuestas por Marta Zátonyi para un análisis en el contexto de la
historia del arte.

¿CUÁLES SON LAS TRES LEYES DE LA DIALÉCTICA?

Las 3 leyes de la dialéctica

-Ley de la unidad y lucha de los contrarios

Unión por que están en el mismo sistema, uno no existe sin el otro, lucha por que quieren cosas opuestas.

Ley supresión o superación dialéctica.

La relación no es dual, si no que están las dos juntas., las dos relaciones generan algo nuevo.

-Ley de la negación

para generar un nuevo sistema tengo que negar el sistema anterior.

¿CUÁL ES, SEGÚN HEGEL, EL MOTOR DE LA HISTORIA Y POR QUÉ? ¿CÓMO SE RELACIONA CON LA HISTORIA DEL ARTE?

descubrió que las masas eran el motor de la historia, ellas jugaban un papel decisivo en el desarrollo histórico.

Infinito movimiento que pasa por la estructuración de la rebeldía, el castigo, la tolerancia, la metabolización, la
reestructuración y nuevamente la rebeldía, y asi sucesivamente.

¿QUÉ ENTIENDE POR LA TEORÍA DE LAS 2 VERTIENTES?

Marta zatoni toma la teoría dialéctica de Hegel para mirar el arte.

La teoría de las dos vertientes:

Existen dos vertientes dialécticamente contrapuestas pero presentes una en la otra.

vertiente 1:

Apela a lo social, objetivo, universal, ideal racional, abstracto, es kalakagathico y concinnitas. Su auge es en los períodos
clásicos. el hombre confía en las estructuras y en la sociedad. se fortalece la represión. Exaltación del deber.

vertiente 2:

Es individual, subjetiva, concreta, particular, irracional, antikalakagathica y anti concinnitas. su auge es en los períodos
de decadencia, de crisis. el hombre pierde la fe en la sociedad e intenta resolver sus problemas con gestión individual. se
fortalece la liberación. Exaltación de lo lúdico. Ninguna obra de arte puede pertenecer a una sola vertiente.

Los periodos se alternan, uno engendra al otro. Si se impusiera la Vertiente 1 sólo existiría la voluntad social
desconociendo al individuo, lo que lleva al final a la eliminación de la sociedad. En caso contrario, se perdería la cultura
con solo la Vertiente 2, el hombre no aceptaría la misma y la anarquía terminaría por destruirlo. Como vemos, la obra
artística está ampliamente atravesada por los pares dialécticos. Por ejemplo, la obra de Gaudí “La Pedrera” tiene una
tensión entre el individuo (ética individual) y la sociedad (ética social
¿COMO SISTEMATIZA HEGEL LOS PERIODOS HISTÓRICOS Y QUE RELACIÓN ENCUENTRA ENTRE ELLOS Y LA PROPUESTA
ARTÍSTICA?

Hegel divide la historia en tres grandes sistemas:

Esclavista, corresponde a la edad antigua

feudalista corresponde a la edad media

y capitalista, corresponde a la edad moderna

Cada uno de estos sistemas pasa por tres periodos:

El periodo formación, El periodo en auge, El periodo en decadencia,

Este último se solapa con el periodo en formación del sistema siguiente, ambos funcionan al mismo tiempo.

DEFINIR EL PENSAMIENTO POSITIVISTA Y SU RELACIÓN CON EL PENSAMIENTO DIALÉCTICO.

MÉTODO POSITIVISTA:

Lo único factible y valioso es el estudio de los hechos concretos, de la realidad., no hay más saber que el saber científico.
Lo que vale es todo lo medible, pensable y tangible. Si un fenómeno no cabe en la estructura lógica de las ciencias
naturales carece de valor y se considera tautología.

MÉTODO DIALÉCTICO:

Existe sólo si hay una aceptación de la opinión. Acepta la alteridad.

Según este método el hombre es en cuanto es parte de una sociedad. La voluntad de la sociedad y la voluntad del
individuo se contraponen, luchan entre sí permitiendo la generación de lo nuevo: el progreso. No se encierra la vida en
un cuadrado como sí lo hace el positivismo.

El orden de la dialéctica no es estático, es generador. Pero lo viejo no desaparece, se incorpora en otra jerarquía. A
partir de una superación lo viejo no se pierde sino que se incorpora. En cuanto existe algo, existe en su alteridad. No hay
una sola versión de los hechos. El método dialéctico escucha el pensamiento del otro, considera al otro. Considera que
un fenómeno puede depender de más de una causa y puede tener más de una consecuencia.