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    Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas. Vol. 1
    Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas. Vol. 1
    Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas. Vol. 1
    Libro electrónico865 páginas16 horas

    Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas. Vol. 1

    Por Varios

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    Estética y teoría del arte son disciplinas -y actividades- que desarrollan su marco teórico en el Siglo de las Luces, en estrecho contacto con la historia y la crítica de arte, con la progresiva difusión y popularización de las obras en salones y exposiciones, el auge del periodismo, etc. Fenómenos que hoy son cotidianos tuvieron entonces su punto de partida e incidieron de manera decisiva en la configuración de las diferentes teorías. Este primer volumen de la Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas analiza ese proceso tal como se produjo a lo largo de los siglos xviii y xix, procurando destacar los momentos, temas y autores que constituyen sus ejes fundamentales y relacionando aspectos que son tratados habitualmente de forma independiente. El resultado es una historia que propone, también, una concepción de la estética y la teoría del arte diferente de la habitual.

    En este primer volumen de la Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas se abordan los principales problemas y se analiza a los más destacados autores en este campo. Se inicia con un análisis de los importantes cambios habidos en el siglo xviii, en especial el desarrollo de la estética empirista y el movimiento ilustrado, pero también las teorías arquitectónicas y fenómenos como el de la crítica de arte y el desarrollo de los salones.
    Los autores fundamentales para la comprensión de la historia de la estética son motivo de una especial atención: Kant, Addison, Burke, Hume, etcétera.
    IdiomaEspañol
    EditorialAntonio Machado Libros
    Fecha de lanzamiento20 jul 2015
    ISBN9788491140634
    Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas. Vol. 1

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      Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas. Vol. 1 - Varios

      (ed.)

      I

      Los orígenes de la estética moderna

      Orígenes de la estética moderna

      Valeriano Bozal

      Las críticas que aparecen en periódicos y revistas, los tratados de estética, los ensayos, las historias del arte a las que tenemos acceso nos resultan tan familiares como los museos, las salas de exposiciones, las bienales, etc., pero no siempre fue así. Este mundo se perfila en un momento concreto de nuestra historia, el siglo XVIII, y configura la época que se conoce con el nombre de modernidad. Tampoco, en sentido contrario, es adecuado afirmar que ofrece en todo un nacer original y definitivo.

      Hubo escritos de estética antes del Siglo de las Luces, aunque no utilizaran este término o no lo utilizaran con el mismo sentido que actualmente posee, también referencias críticas, juicios de valor, historiadores y modos historiográficos «escondidos» en las narraciones biográficas y en las crónicas más informativas. Son muchos los nombres clásicos que merecen ser nombrados, Platón, Aristóteles, Plinio, Vasari, Bellori... Es obvio que algunos escritos pueden ser considerados como incipientes propuestas estéticas: el Ión y el Hipias platónicos, la Poética de Aristóteles, el tratado Sobre lo sublime del PseudoLongino, el Paragone de Leonardo, la Idea de Bellori... Ahora bien, no cabe duda de que todas estas propuestas fragmentarias –y fundamentales para nuestra comprensión del tema– adquieren en el siglo XVIII una fisonomía nueva, más explícitamente sistemática y más autoconsciente de su entidad.

      Es en el Siglo de las Luces cuando aparecen los textos que se consideran fundadores: Estética (1750) de Baumgarten, Historia del Arte en la Antigüedad (1764) de Winckelmann, los Salones (1759 es la fecha del primero) de Diderot. Pero no debemos ser en esto excesivamente formales, ni la estética, ni la historia del arte, ni la crítica «nacen» de un texto y tampoco me parece aconsejable hablar de «textos fundadores» con semejante simplicidad. Aunque Baumgarten haya formulado el nuevo significado que adquirirá «estética» en la modernidad, ni lo ha hecho con la precisión que sería de desear, ni ha ejercido la influencia que cabría esperar, ni siquiera es el primero en abordar las cuestiones que a la estética moderna conciernen¹.

      Algunos autores ingleses se adelantaron en bastantes años y lo hicieron, además, con puntos de vista más amplios y, a la vez, más rigurosos y complejos: Addison, Hutcheson, Shaftesbury... Lo estético no es materia que surja completa en cabeza de autor alguno, surge en el diálogo intelectual –muchas veces no sistemático– que a lo largo del siglo se mantuvo, diálogo que incluía el debate, cuando no su uso, con los textos del pasado, pero también el que se mantuvo con la incipiente historia y la crítica de arte. En su seno –y otro tanto sucede con estas dos respecto a la estética– es donde se configuran los problemas que ya durante muchos años van a seguir acuciándonos.

      ¿Por qué sucede así y por qué en ese momento? Hay diversas respuestas a esta doble, y complementaria, pregunta. Si el lector ha examinado antes alguna historia de la estética o algún tratado sobre el asunto, es muy posible que se haya encontrado con una explicación interna, esto es, aquella que busca causas en los antecedentes teóricos –estéticos o preestéticos, y en general filosóficos– del siglo XVII. No cabe duda de que ese es un camino ineludible y que buena parte de las cuestiones planteadas en el Siglo de las Luces, incluso los modos de suscitarlas y las perspectivas con las que se enfocan, se producen en el debate con lo anterior y, en ocasiones, en la continuidad de sus pautas. Pero, en mi opinión, es preciso dar un paso más y alcanzar una explicación, si se quiere, externa: en la configuración de las nuevas disciplinas tuvo un papel determinante tanto la evolución misma del arte cuanto el sentido de su recepción y gusto, sobre los que las nuevas disciplinas, a su vez, influyeron de forma decisiva. Además, tal como ya se ha dicho, cada una de las tres, estética, crítica e historia, incidieron no menos decisivamente sobre el respectivo desarrollo de las restantes, y otro tanto sucedió con la crítica e historia literarias, dramáticas, musicales, etc.

      El panorama es ya bien diferente del que ofrecía el siglo barroco. Nos encontramos ante un conjunto de actividades y reflexiones que se concretan o no en disciplinas formalizadas, que descubren un espacio cultural preciso y que pretenden autonomía. Aquí empieza a entreverse la respuesta a la doble pregunta antes planteada.

      Autonomía del arte

      En el capítulo IX de su Laocoonte, escribe Lessing que «sólo quisiera dar el nombre de obras de arte a aquellas en las que el artista se ha podido manifestar como tal, es decir, aquellas en las que la belleza ha sido para él su primera y última intención. Todas las demás obras en las que se echan de ver huellas demasiado claras de convenciones religiosas no merecen este nombre, porque en ellas el arte no ha trabajado por mor de sí mismo sino como mero auxiliar de la religión, la cual, en las representaciones plásticas que le pedía el arte, atendía más a lo simbólico que a lo bello»².

      Tomado al pie de la letra, el texto de Lessing implica al menos la cautela, cuando no el rechazo, sobre la mayor parte del arte producido a lo largo de la historia, en su mayoría de carácter religioso –o cortesano, o político, que para el caso viene a ser lo mismo–, y también del que iba a producirse después, el neoclasicismo davidiano ligado a la Revolución, por ejemplo, o el arte romántico, por no hablar de nuestro siglo. Ello mismo exige que analicemos con algún detenimiento la exigencia que tan penosos resultados podría acarrear, la exigencia de autonomía.

      Por lo pronto, no es una exigencia estricta o exclusivamente teórica, es una cualidad de la práctica artística que, desde los primeros años del siglo alienta un movimiento cada vez más alejado de las pautas y exigencias anteriores. Posiblemente no se hubieran efectuado cambios teóricos de no ser porque el arte se encaminó hacia la valoración de cualidades ante todo visuales y, en general, sensibles. Ese estilo que conocemos con el nombre de Rococó, que tanto cuesta delimitar a los historiadores, no es una mera evolución del Barroco o, mucho menos, su decadencia. La relación, en ocasiones estrecha, que con el Barroco guarda no debe ocultar los cambios radicales que introduce. Entre todos, me limitaré a uno: las cualidades sensibles de los acontecimientos narrados o de las figuras y objetos representados no son medios para representar significados distintos de ellas mismas. No aluden a la gloria divina o a la ceremonia religiosa, no cantan la excelsitud de lo transcendente o la magnificencia del monarca. Las cualidades sensibles poseen valor por sí mismas en tanto que producen placer o deleite. Es su propia materialidad, la textura de las telas y de las carnes, la animación de los parques, su vegetación, su fragancia, la exaltada moderación de las escenas cotidianas, la densidad del firmamento, las formas de los parterres y las estatuas no menos que la amable vida en el campo, pero también la excitación del erotismo y el mirón..., todos ellos motivos que producen placer a quien contempla tales escenas o las lee. Un placer, por otra parte, que no puede reducirse al de los sentidos, aunque en ellos comience, que no es sólo sensual, aunque también sea sensual. Un placer más refinado, más delicado, gozoso y, a pesar de todo, espiritual, placer del gusto, un placer que no dudo en denominar estético: marca de un ámbito nuevo y, en buena medida, autónomo.

      La autonomía del arte, un proceso que corre en paralelo con la autonomía del conocimiento científico respecto de los prejuicios y con la del comportamiento respecto de la moral establecida, es uno de los factores fundamentales de la modernidad. No es un proceso sencillo, tampoco tiene lugar de un día para otro. Aunque aquí nos ocupan, ante todo, los aspectos teóricos del proceso, éstos son inseparables de la práctica artística y de la actividad a ella conectada. La evolución estilística por sí sola –si tal cosa puede siquiera imaginarse– no hubiera pasado de un interés minoritario y seguramente hubiese decaído con rapidez. Si no sucedió así fue porque, además de la entidad de los artistas y literatos que la llevaron a cabo, se articulaba con otra serie de cambios que dieron pie a su desarrollo y paulatina transformación, y, en su decurso, a una creciente consolidación.

      Tres son los factores que sobre este particular resultan fundamentales (y, a la vez, complementarios): el desarrollo de la crítica, de la historia del arte y de la estética.

      Los salones y la crítica de arte

      Aunque no podemos reducir la crítica de arte a una de sus manifestaciones, sí me limitaré aquí a la más central y efectiva: la que surge en torno a los salones. Los salones que a partir de 1725 se realizan en el Salon Carré del Louvre –de donde toman su nombre– tienen su origen en la exposición celebrada en 1667 para conmemorar la fundación de la Académie Royale de Peinture et de Sculpture, una institución creada por la monarquía francesa destinada a su mayor gloria, a poner de relieve la preocupación del rey por las artes. Esta preocupación forma parte, como los historiadores han puesto en claro, de la «fabricación» de la imagen del monarca³.

      Los salones fueron una institución real y continuaron siéndolo a lo largo del siglo XVIII, pero produjeron efectos que desbordan esos límites. En primer lugar, y es posible que éste fuese un efecto buscado, redujeron considerablemente el poder de gremios y cofradías, restos de la sociedad feudal de difícil integración en el centralismo de la monarquía absoluta. Ahora bien, junto a éste, otros efectos no buscados, al menos en sus últimas consecuencias: el salón crea un público que disfruta contemplando y valorando las obras expuestas, público que tiene acceso a lo que antes sólo era privilegio cortesano. El salón difunde las tendencias y propone gustos, excita el juicio y promueve tanto la información como la crítica. En una palabra, aunque de una forma inicialmente tímida, el salón constituye la primera forma de democratización de la recepción de las obras de arte, en claro paralelismo con lo que sucedía con el teatro dieciochesco y las restantes prácticas artísticas.

      Los salones cobraron impulso en torno a 1751, año a partir del cual se cumple la bienalidad establecida por Colbert en el siglo anterior. Su inauguración es una ceremonia real, se abre el 25 de agosto, día de San Luis, y dura aproximadamente un mes. Las academias provinciales, dependientes de la parisina, celebran también salones y los gremios y cofradías intentan competir con las academias pero terminan perdiendo frente a ellas.

      El Salon del Louvre fue ampliamente visitado. A tenor de los folletosguías vendidos se ha fijado la siguiente estimación: más de 16.000 visitantes en 1759, 37.000 en 1781, todo ello en una población en torno a 600.000 habitantes. El número de artistas también oscila: desde 37 en 1759 hasta 45 en 1781. Con la Revolución la situación cambia radicalmente, el salón se democratiza y todos, no sólo los académicos, pueden exponer⁴.

      Aunque fundamentalmente franceses, los salones poseen implicaciones más amplias. Por una parte, porque también en otros países empiezan a hacerse exposiciones de carácter similar, por otra, porque el interés que los salones suscitan conduce a la publicación de informaciones y valoraciones que hemos de considerar como la primeras críticas de arte. Ejemplos de aquellas exposiciones son las que a partir de 1769 organiza la Royal Academy of Arts de Londres, ejemplo de las críticas, las que Diderot publica a partir de 1759.

      El primero de los salones de Diderot tiene forma de carta dirigida a Friedrich Melchior Grimm en septiembre de 1759, carta que éste publica sin firmar y con correcciones en la Correspondance littéraire el 1 de noviembre de ese año⁵. El género adquiere una definición que nunca le abandonará: la crítica se propone como una consideración personal que valora las obras y las compara, pero que también informa sobre su contenido. Su redacción, breve y vivaz, sin pretensión de exhaustividad, sin ánimo de tratadista. Un género nuevo, ligado directamente a la actividad artística, que supone la existencia de una industria periodística, por limitada que sea, y unos lectores entre los que la publicación se difunde. Un género, finalmente, que anima al comentario y al intercambio de opiniones, fundamental para difundir no sólo el conocimiento de esta o aquella obra, de este o aquel artista, sino también su interpretación y, a la vez, los supuestos teóricos, explícitos o implícitos, sobre los que esa interpretación (y valoración) se apoyan.

      La historia del arte

      La historia del arte no tiene menos importancia que la crítica en la configuración de la autonomía y, como dicen algunos autores, de la institución arte. Al igual que sucede en el caso de la crítica, tal como he adelantado, también encontramos antecedentes importantes para la historia antes del siglo XVIII. Destaqué la presencia de biógrafos –Vasari y Bellori son, quizá, los más ilustres–, justo es mencionar con ellos a los historiadores que recibieron de reyes y ministros el encargo de contar sus vidas y hazañas a fin de que la posteridad tuviera cumplida noticia de todo ello. El reinado de Luis XIV fue propicio para esos historiadores que, como Peter Burke ha mostrado, contribuyeron de manera decisiva a «fabricar» su imagen. También fueron historiadores los que se ocuparon de la Antigüedad, muchas veces con el ánimo de describir las ciudades antiguas, las obras desaparecidas o fragmentariamente conservadas, las noticias de los artistas... Pero sólo ahora se perfila, hablando con propiedad, una historia del arte.

      El interés por la Antigüedad y las antigüedades no es nuevo –y el lector interesado leerá con provecho los libros que sobre el particular ha escrito Haskell⁶–, pero la Historia del arte en la Antigüedad que Winckelmann publica en 1764 sí es nueva⁷. Lo son su punto de vista y metodología, la estructura que adopta, es nueva la ambición de historiar científicamente el pasado. Dos rasgos me parece importante destacar en este punto: el primero, el comentado más a menudo, el «esquema» en el que Winckelmann introduce, y explica, el arte griego; el segundo, no tan utilizado por los historiadores pero no por ello menos pertinente, su concepción de la belleza (y, consecuentemente, del arte), tal como la expone por adelantado en los capítulos previos a la investigación histórica.

      Si el primero, el esquema, será de acusado recibo en la historiografía posterior, que no sólo lo aplicará al arte griego, sino que lo extenderá a la «vida» de los estilos –comprendidos, así, según una secuencia canónica: nacimiento u origen, desarrollo, madurez y decadencia–, el segundo, estrechamente ligado a sus estudios concretos y a sus concepciones de corte neoplatónico –y, por tanto, fuera de lugar cuando el neoplatonismo entre en crisis–, implica una pretensión de generalidad mucho más rigurosa que la esgrimida por anteriores estudiosos de la Antigüedad. Pues Winckelmann no acopia datos o se limita a ordenarlos según un orden cronológico externo, sino que plantea un concepto de belleza según el cual se encadenan relaciones de causas y efectos, un movimiento de la historia en el que se valoran estilos y épocas.

      No sólo mirando al pasado. La concepción winckelmanniana hace de la Antigüedad un pasado que puede ser futuro para su tiempo –siguiendo la precisa terminología de Assunto⁸–, pauta de grandeza y medida del valor. Si nos interesa el mundo griego no es por la curiosidad que sus obras suscitan o por la pretensión de reunir sus manifestaciones: se ofrece como modelo de una grandeza que quizá nosotros podemos alcanzar también. De esta manera, Winckelmann no sólo propone un esquema en el que historiar lo que ha sucedido, sino que, articulándolo en el presente y en el proyecto de futuro, remite al protagonista de esa historia, el sujeto que debe cambiar el mundo y hacerse, también, grande, como lo fueron los griegos. Sólo la asunción de ese protagonismo permite hablar de modernidad, y es la afirmación de tal protagonismo aquello que la funda, incluso cuando, como en el caso de Winckelmann, parece correr el riesgo del que mira hacia atrás en exceso. La afirmación de un sujeto histórico es la condición de todo cambio posible, también la definición de un sujeto con entidad propia, que no se disuelva en el destino providencialista de lo que ya está dado o de lo que escapa a su poder. El arte no escapa a ese proyecto de modernidad que un sujeto puede hacer efectivo y, con él, la posibilidad de una felicidad ahora ausente.

      Sin abandonar la pretensión de cientificidad que guió todos sus estudios, Winckelmann pone en primer plano el que será problema central de la investigación historiográfica: la determinación del lugar exacto desde el que se realiza, su punto de vista, y, con ello, de su objetividad. Y no sólo por los posibles errores que la distancia respecto del pasado seguramente permite, sino por la pespectiva desde la que el pasado se aborda: limitada por el presente pero también por el proyecto que del futuro se perfila en ese presente.

      La historia que Winckelmann escribe –y que a partir de él se escribe, incluso cuando se banaliza en la fórmula del progreso– se configura desde el deseo de felicidad y grandeza que sólo el sujeto histórico puede hacer suyo. Winckelmann no fue optimista en este punto y dudó mucho de que nosotros –los hombres de su tiempo, pero también nosotros– llegásemos a alcanzar aquella grandeza. La convención del optimismo ilustrado encuentra en sus textos un encaje difícil y su propia concepción de la belleza, tal como Praz la ha analizado con agudeza⁹, se resuelve finalmente en una perfección perversa y, así, imposible. La mayor claridad de su luz –que explicita tanto en el Apolo de Belvedere como en las esculturas de Canova– conduce a un mundo de tinieblas.

      Su historia funda la posibilidad de un sistema de valores y juicios que, sin despego de la belleza antigua –por ella– permite la crítica de lo que en el siglo XVIII se estaba haciendo. Pero su insistencia en situar el futuro en el anhelo de un pasado lejano y de hacer este pasado magnífico inamovible, produjo dos consecuencias inesperadas, a la vez que complementarias: el anhelo de aquella belleza antigua, que la modernidad negaba todos los días, fue desde entonces una de las notas centrales de esa modernidad –teñida ya para siempre de melancolía–; la melancolía fecundó un movimiento histórico que con su hacer y su ritmo negaba la vuelta al origen mientras afirmaba su necesidad. La constancia de aquel anhelo y de esta facticidad marcaron –marcan– al sujeto histórico.

      Historia, crítica y estética articulan sus espacios y establecen las vías para encuentros que nutren ya toda la modernidad, trazando su figura, su fisonomía, de una vez por todas. De esta manera, la autonomía del arte encuentra un terreno tan abonado como difícil de mantener: desde ella se vuelve, ahora ya con nuevos bríos, sobre la moralidad de la vida sublime, de la serena grandeza, un programa estético con evidentes implicaciones morales. El recurso de la historia desborda los límites de la erudición y los revival se viven como refundaciones que sólo esclerotizadas pueden contemplarse arqueológicamente.

      Ahora bien, esta sublimidad que Winckelmann –y, con él, buena parte de los teóricos de las Luces– hace suya, puede mutarse en grotesca si al mirar atrás sólo atrás miramos, si el anhelo no es más que un espejismo: el grotesco, tentación para las Luces, se hace figura en el ángel de la historia que Benjamin imagina¹⁰, no el que se dirige hacia el futuro por el camino del progreso y la razón, sino el que vuela hacia delante pero no ve a dónde se encamina, porque su mirada sólo hacia lo que abandona se dirige y su movimiento no tiene otro sentido que el de la corriente que mueve sus alas. Este sujeto grotesco, negativo de aquel otro sublime, le acompaña desde los orígenes de la modernidad.

      Estética

      Las categorías estéticas fundamentales se gestaron en los primeros años del siglo XVIII en los escritos de Addison, Hutcheson, Shaftesbury, etc. Todos ellos delimitaron un espacio cuyos límites fueron precisándose a lo largo del siglo. Si hasta ahora la belleza había sido la categoría central –y muchas veces única–, ahora otras compartieron la definición de lo estético: sublime, pintoresco, incluso cómico aunque este concepto tuvo un más lento y azaroso desarrollo. Si la belleza había exigido la aquiescencia del receptor de la obra de arte, en estos momentos empezaba a ser bello todo lo que en la recepción producía un cierto placer... estético. Esta inversión no fue completa y tampoco ignoró las cualidades que en el objeto marcaban la belleza: el debate sobre su condición, los tópicos de la unidad en la diversidad, que habían dado juego a la reflexión tradicional, encontraron nuevo impulso en ese debate. Pero no cabe duda de que en el mismo instante en que sublime y pintoresco acompañan a la belleza, por mucho que se proclame la final supremacía de ésta, se transforma el panorama de las categorías y, lo que quizá sea más importante, se exige un fundamento nuevo.

      Los clasicistas barrocos no dudaron en identificar la belleza con el ideal y afirmar que éste «mejoraba» las cosas percibidas por los sentidos, es decir, la realidad empírica, temporal. De este modo, el placer producido por la contemplación de una obra de arte se asimilaba, si no a la contemplación de la Idea, sí, al menos, a la de una imagen que a ella podía conducir. Por su misma naturaleza, la belleza era perfecta y no podía compartir su dominio con ninguna otra categoría. Tampoco podía apoyarse en un sujeto individual que la legitimase (salvo la divinidad, que, naturalmente, no puede ser considerada «sujeto individual»). Lo feo, lo grotesco, lo servil de la representación del mundo empírico sólo podían justificarse cuando conducían, indirectamente, a la belleza de la que carecían. La caricatura, manifestación suprema de lo grotesco, era una forma de la sátira: contemplando lo deforme y ridículo se promovía la perfección.

      Si en el ámbito de la historia el problema se centró en la naturaleza del sujeto que debía protagonizarla, en el de la estética es el sujeto que percibe la naturaleza o el que suponen las obras de arte –trasunto de éste– el que centra la atención. La multiplicación de las categorías estéticas se derivaba de la aceptación de los efectos producidos en la relación a ese sujeto, individual en cada caso, colectivo en términos generales. El gusto era el modo que tenía de manifestarse en este dominio, no tanto porque proyectase su gusto sobre los objetos, cuanto porque se formaba en su contemplación y gozo. La pregunta por la naturaleza de ese sujeto, por la condición del gusto y, en sentido más amplio, la pregunta por la relación con las obras de arte, el modo de su recepción, contemplación, etc., adquirió mucha mayor importancia de la que hasta ahora había tenido. En su respuesta se precisaban los límites y contextura de un espacio propiamente estético y artístico.

      Cuando Addison se atuvo en su reflexión –quizá la más moderna entre todas las publicadas a principios del siglo XVIII– a los placeres que producen la «variedad» de los objetos y/o su «grandeza», y no sólo a la perfección de la simetría o proporciones –que, sin embargo, no ignoró–, y cuando situó tal placer en el marco de la imaginación, no sólo alteró el estatus de la belleza, sino que indicó con precisión la necesidad de buscar fundamento para el nuevo panorama. Al señalar la imaginación como el más idóneo, excluía las limitaciones de los sentidos que, con todo, cumplían un papel decisivo en la producción del placer estético en cuanto origen y condición inicial del mismo (tal como sus presupuestos empiristas exigían), pero también se negaba a hacer del intelecto la fuente de ese placer estético.

      El debate sobre la facultad a la que atribuir la responsabilidad de semejante placer no había hecho más que empezar. En él ocupó la imaginación un lugar destacado, pues, facultad intermedia entre el conocimiento sensible y el intelectual, participaba de ambos sin limitarse a ambos. Addison la hizo suya, Kant, por razones bien diferentes, también. Otros autores prefirieron hablar de un sentido específico o de una facultad no integrada en el cuadro de las tradicionales. En el decurso de este debate se perfiló un nuevo significado de «sensibilidad», que, lejos de limitarse al conocimiento sensorial, a la llamada tradicionalmente intuición sensible, empezó a referirse a la capacidad y desarrollo del gusto (tanto en lo relativo a las obras de arte cuanto a la naturaleza y los acontecimientos de la vida real: una persona sensible era la que, afectada por una obra de arte o una poesía, respondía a sus incitaciones, también la que mostraba su delicadeza de sentimientos ante acontecimientos o individuos reales).

      Lo que ahora interesa destacar no es cuál de todas esas facultades –si es que el término no resulta excesivo– puede dar cumplida respuesta a la pregunta por el agente responsable del gusto, sino la necesidad misma de buscar una específica para él, pues ello quiere decir que la estética ponía en pie un territorio propio, no subsumible en ninguno de los ya existentes. Y con la estética, el arte.

      Los autores del Siglo de las Luces y el público en general –ahora ya empieza a poder hablarse de público en sentido moderno– encontraron en el gusto el eje central de ese territorio. Gusto es, todavía hoy, término bien equívoco, lo mismo hace referencia a las preferencias subjetivas, incluso al capricho personal –siguiendo el conocido «sobre gustos no hay nada escrito»–, que a la formación de la sensibilidad de los individuos –una parte de la educación general– y a las maneras de representar el mundo –como cuando decimos que una montaña es grandiosa o que una puesta de sol es sublime.

      Siempre ha habido gustos y siempre se habló de gustos. Es bien conocido que el gusto español se identificó en el siglo XVII con el mal gusto o que, en todo caso, se entendió como preferencia por la sobriedad, los tonos oscuros –cuando no, decididamente, el negro–, el empaque, etc. De la misma manera, el gusto por lo clásico se consideró siempre –incluso en el seno mismo del Barroco– como un gusto excelso y magnífico. Ahora, sin embargo, sin perderse por completo ese sentido, el gusto posee mayor alcance. No sólo puede formarse y hacerse más delicado de lo que inicialmente es, no sólo permite la cualificación, positiva o negativa, de una época, una colectividad o una nación, además se ofrece en sus juicios con pretensión de universalidad, al margen del subjetivismo, y como una forma de «conocimiento» de las cosas que en modo alguno puede identificarse con la propia de lo sensible –particular y concreto– o con la del intelectual –abstracto para poder ser universal.

      No voy a ocuparme aquí de los diversos enfoques que sobre este tema ofrecen los autores del siglo –serán abordados con detenimiento en los capítulos específicos–, pero sí deseo mencionar las dos grandes vías en las que estos enfoques se centraron. La primera, también primera en el tiempo, ya se ha indicado: es la que corresponde al empirismo, que encuentra su más brillante exposición en las reflexiones que David Hume realizó en torno a la delicadeza del gusto. La igualdad de nuestra configuración fisiológica y psicológica constituye la base sobre la que se levantan las diferencias, la mayor o menor delicadeza de cada uno, que con una formación esmerada permite elevarse a los más altos niveles. Base suficiente, por otra parte, para permitirnos hablar de juicios de gusto con carácter general es decir en la espectativa de que sean comprendidos por todos, aunque no necesariamente aceptados, pues sobre el contenido del juicio particular caben, como es lógico, diferencias de criterio.

      La segunda se planteó explícitamente como una crítica radical de ésta. Se desarrolla en las críticas kantianas y muy especialmente en la Crítica del juicio. Kant busca un fundamento a priori y necesario para juicios que en el empirismo estaban siempre sometidos al supuesto de aquella igualdad de hecho –un supuesto que, por su carácter factual, nunca podría convencernos de su necesidad, porque nunca se conocería a todos y siempre podría pensarse en otros sujetos que, ahora desconocidos, no cumplieran tales condiciones–. El «sujeto transcendental» que Kant establece en la Crítica de la razón pura encuentra en la Crítica del juicio su mundo estético, sustituyendo al «sujeto empírico» de Addison, Burke o Hume.

      En ambos casos, por encima de esta radical diferencia, un aspecto común: la necesidad de un sujeto sobre el que fundar el gusto. Empírico o transcendental, con una entidad muy superior a la de aquel que sólo podía mostrar aquiescencia a la belleza que se le ofrecía (basada en un ideal en el que no había tenido intervención alguna). La importancia de esta nueva fundamentación del placer estético la ponían de relieve, en negativo, las dificultades de todos aquellos que continuaban siendo partidarios de una estética próxima al neoplatonismo, una estética que escapase al sujeto singular, protagonista del placer estético y responsable de su gusto.

      Al mantener la belleza como categoría exclusiva y al asentar su perfección fuera de la relación a un sujeto, tenían que dar alguna explicación coherente de lo sublime y lo pintoresco que no introdujese el recurso a la imaginación o cualquier otra facultad similar del sujeto. El más importante de todos estos autores, por su claridad e influencia, el pintor Rafael Mengs, estuvo obligado a convertir esas categorías en modalidades estilísticas de la belleza, amparándose en residuos de las retóricas clasicistas ahora nuevamente releídas.

      Es cierto que Mengs relacionó la belleza con «las ideas», con lo que parece que hizo amplia concesión al «espíritu de la época», pues las ideas –en plural– han de serlo de los individuos que las tienen (con lo que parece separarse de la Idea, propia del clasicismo barroco). Pero no hay tal concesión: la Belleza, escribe como resumen del capítulo II de sus Reflexiones sobre la belleza y gusto en la pintura, «proviene de la conformidad de la materia con las ideas. Las ideas provendrán del conocimiento del destino de la cosa: este conocimiento nace de la experiencia y especulación sobre los efectos generales de las cosas: los efectos se miden por el destino que el Criador ha querido dar a la materia; y este destino tiene por fundamento la distribución graduada de las perfecciones de la Naturaleza. Finalmente, la causa de todo es la inmensidad de la Divina sabiduría»¹¹.

      La esquemática argumentación secuencial de Mengs tiene la virtud de poner de relieve en pocas palabras aquello que se esconde detrás de «nuestras ideas»: la causa final y la inmensidad de la divina sabiduría. Si ello es así, el sujeto sólo tiene que aguzar su ingenio para advertirla y prestar asentimiento. El sujeto no es fundamento ni garantía de nada y su gusto un sistema de preferencias basado en el acierto que le permita descubrir «el destino de la cosa», es decir, el «destino que el Criador ha querido dar a la materia». La presencia y difusión de las ideas de Mengs no hacía sino mostrar la complejidad en cuyo marco fue configurándose el nuevo pensamiento estético.

      Ut pictura poesis

      La autonomía del arte no se extiende sólo frente a otras actividades o funciones, afecta también al interior de las artes y tiene su más clara manifestación en la crisis del ut pictura poesis. El tópico horaciano, eje fundamental de la teoría humanista del arte y la literatura, había venido amparando una concepción según la cual la pintura era como la poesía. Ahora, la crítica de Lessing ponía de relieve que el lenguaje de la poesía y el de la pintura no sólo eran distintos sino por completo contrapuestos. Ello afectaba tanto a la condición de los asuntos representados por una y otra cuanto a la crítica que de las obras podía hacerse. Propio de la poesía era la narración de las acciones y de los caracteres en el decurso de las acciones, propio de la pintura y la escultura la representación de los objetos y de las figuras¹².

      Lessing no hacía más que volver sobre dos conceptos tradicionales de las artes, artes del tiempo y artes del espacio. Su novedad no radicaba en este punto, que había dado abundante juego en los diferentes debates sobre la dispar nobleza de las artes, su capacidad de representación y verosimilitud, etcétera. Su novedad radicaba en el enfoque ahora utilizado: el lenguaje.

      Ya no se trataba de dilucidar si las imágenes pictóricas representaban mejor o no la realidad que la palabra poética, o si ésta era más noble que aquélla en cuanto que afectaba a la mente y no dependía de la manualidad. Ahora lo que se afirmaba es que las imágenes representaban, de acuerdo con su propia naturaleza lingüística, aspectos que las palabras, de acuerdo también con su específica naturaleza lingüística, no podían aprehender: la pintura no era como la poesía. Y este «no ser como» fundaba un modo nuevo de ver y una manera también nueva de entender la adecuación (un concepto fundamental para la teoría humanística): la que existe entre la cosa y el lenguaje que la dice.

      Precisamente porque la pintura no es como la poesía, se afirma una relativa autonomía de ambas hasta ahora inexistente. Esta autonomía es en el Laocoonte lessingniano un rasgo sólo latente, sobre el que su autor no insiste, que de forma lenta se abre camino en el arte del siglo XIX. Ahora bien, no por lenta es una forma menos decidida y, me atrevo a decir, menos necesaria: sin ella se entendería mal el proceso en el que se desarrollan las diversas artes, el papel creciente que adquieren los problemas del lenguaje, el carácter cada vez menos literario que ofrecen las artes plásticas, convertido en muchos casos en rasgos que permite identificar al academicismo (y que culminará en la antiliterariedad del arte de vanguardia en el siglo XX), etc.

      A su vez, esta diferencia de lenguaje, fundamento de una autonomía radical, no accesoria, obliga a volver sobre un problema que ha sido planteado desde puntos de vista diferentes: el del sujeto. Si cada arte posee un lenguaje propio, ¿cómo tiene el receptor acceso a cada uno de ellos? No, desde luego, a partir de facultades específicas, sino gracias a la imaginación: «lo que encontramos bello en una obra de arte no son nuestros ojos los que lo encuentran sino nuestra imaginación a través de nuestros ojos. Así pues, si una misma imagen puede ser suscitada en nuestra imaginación por medio de signos arbitrarios [las palabras] y por medio de signos naturales [los iconos], en los dos casos debe surgir en nosotros la misma sensación de complacencia, aunque no en el mismo grado»¹³.

      El origen de la estética moderna está en el origen del sujeto moderno, es una de sus partes.

      Notas al pie

      ¹ Baumgarten escribió de «estética» ya en sus Meditaciones poéticas de 1735. «Estética», término que deriva del griego aisthetike, remite al ámbito de las sensaciones, la imaginación, la sensibilidad, etc.

      ² G. E. Lessing, Laocoonte, Madrid, Ed. Nacional, 1977, 124 (trad. de Eustaquio Barjau). Edic. original: 1766.

      ³ Cfr. Peter Burke, La fabricación de Luis XIV, Madrid, Nerea, 1995.

      ⁴ Udolpho van de Sandt, «Le Salon de l’Academie de 1759 à 1781», en VV.AA., Diderot & l’Art de Boucher à David, París, Éditions de la Réunion des Musées nationaux, 1984.

      ⁵ Edic. crítica del Salón de 1759 preparada por Jacques Chouillet: Diderot, Essai sur la peinture. Salons de 1759, 1761, 1763, París, Hermann, 1984.

      ⁶ Francis Haskell y Nicholas Penny, El gusto y el arte de la Antigüedad, Madrid, Alianza, 1990. Francis Haskell, La historia y sus imágenes. El arte y la interpretación del pasado, Madrid, Alianza, 1994.

      ⁷ J. J. Winckelmann, Historia del arte en la Antigüedad, Madrid, Aguilar, 1989.

      ⁸ R. Assunto, La antigüedad como futuro. Estudio sobre la estética del neoclasicismo europeo, Madrid, Visor Dis., 1990.

      ⁹ M. Praz, Gusto neoclásico, Barcelona, Gustavo Gili, 1982.

      ¹⁰ «Hay un cuadro de Klee que se titula Angelus Novus. Se ve en él un ángel al parecer en el momento de alejarse de algo sobre lo cual clava la mirada. Tiene los ojos desencajados, la boca abierta y las alas tendidas. El ángel de la historia debe tener ese aspecto. Su cara está vuelta hacia el pasado. En lo que para nosotros aparece como una cadena de acontecimientos, él ve una catástrofe única, que acumula sin cesar ruina sobre ruina y se las arroja a sus pies. El ángel quisiera detenerse, despertar a los muertos y componer lo despedazado. Pero una tormenta desciende del Paraíso y se arremolina en sus alas y es tan fuerte que el ángel no puede plegarlas. Esta tempestad lo arrastra irresistiblemente hacia el futuro, al cual vuelve las espaldas, mientras el cúmulo de ruinas sube ante él hasta el ciclo. Tal tempestad es lo que llamamos progreso.» Walter Benjamin, «Tesis de filosofía de la historia», en Angelus Novus, Barcelona, Edhasa, 1971, 82.

      ¹¹ A. R. Mengs, Obras, Madrid, Imprenta Real, 1780, 8.

      ¹² El lector interesado encontrará un buen estudio en el ya célebre libro de R. W. Lee, Ut pictura poesis. La teoría humanística de la pintura (Madrid, Cátedra, 1982), aunque ofrece una interpretación en exceso conservadora de la posición de Lessing.

      ¹³ Laocoonte, edic. cit., 96. La identificación de los «signos arbitrarios» con las palabras y de los «signos naturales» con los iconos será a partir de este momento un tópico. La naturalidad del icono se afirmará a partir de la pretendida naturalidad de su significación, basada en el «parecido natural»; por el contrario, los sonidos que constituyen las palabras serán por completo arbitrarios respecto de los objetos referidos por ellas.

      La estética empirista

      Francisca Pérez Carreño

      El siglo XVIII es un siglo estético: «el siglo de la crítica» lo titulaba E. Cassirer¹. Las discusiones sobre cuestiones estéticas y de apreciación de la obra de arte alcanzan una autonomía cada vez mayor en cuanto a sus principios y criterios. Y, en efecto, no sólo la crítica literaria o artística, sino también en general la reflexión teórica sobre la belleza, la naturaleza del arte y la experiencia estética, gozan durante el siglo de un florecimiento sin precedentes. La estética se constituye en la práctica en un ámbito de argumentación y de discusión independiente del histórico, el filosófico o el moral. En Gran Bretaña, el ambiente de la crítica y de las instituciones académicas artísticas es favorecido por, y alimenta a su vez, la teoría estética surgida en el marco del pensamiento filosófico de tendencia empirista. La Ilustración artística y filosófica británica goza entonces de una vitalidad comparable a la francesa y su influencia en el continente hará posible el nacimiento de la estética moderna. Se ha subrayado la importancia de la filosofía británica del siglo XVIII como fuente de influencia en dos hitos de la estética contemporánea: la estética de Immanuel Kant y el Romanticismo. Pero no es sólo a través de esa influencia como la estética británica está presente en la histórica del pensamiento estético. Durante estos años se da forma en Gran Bretaña a las nociones básicas de la estética y la crítica artística contemporáneas: fundamentalmente las de gusto y experiencia estética y sus categorías.

      El signo del nacimiento de la estética contemporánea es la subjetivización de las cuestiones estéticas. En este ámbito se produce un giro copernicano de la reflexión, que hace referir las cuestiones sobre el arte y la belleza al sujeto que las contempla o las produce, y no al objeto, como sucedía anteriormente. Como consecuencia de ello, la evaluación de las obras de arte y la validez de los juicios sobre ellas y sobre la naturaleza bella no se consideran desde su adecuación a principios objetivos. Tampoco la experiencia de la belleza se entiende como el reconocimiento de determinadas características o propiedades presentes en los objetos. Desde ahora, bello es aquello que proporciona un determinado sentimiento de placer; y, por tanto, la belleza se define en relación a un sujeto, al sentimiento de ese sujeto. Por ello, el reconocimiento en una obra de arte de una adecuada mímesis de la naturaleza o de los principios de armonía y proporción, según los ideales clásicos, no es ya motivo suficiente para emitir un juicio válido sobre el arte. El sentimiento que la percepción de la belleza o de la obra provocan es el primer e ineludible juez de su existencia o de su validez. La justificación de estos juicios sobre la belleza y el arte se remite a la validez y adecuación de nuestros sentimientos ante ellos. En Gran Bretaña durante el siglo XVIII ese es el supuesto del que surgen la discusión y la teoría estética: el ámbito del sentimiento y de la subjetividad.

      Durante la primera mitad del siglo XVIII se publican textos fundamentales del pensamiento estético moderno: entre ellos, Los placeres de la imaginación (1724) de Joseph Addison, publicados en la revista El espectador, Investigación sobre el origen de nuestras ideas de belleza y virtud (1725) de Hutchetson, el primer libro dedicado básicamente a cuestiones de estética, La norma del gusto (1757) de David Hume, la Investigación filosófica sobre el origen de nuestras ideas de lo bello y lo sublime (1757) de Edmund Burke. Proliferan además escritos estéticos que responden a las convocatorias de concursos realizadas por las Academias de Arte de Londres y Edimburgo, o que se publican en revistas especializadas de crítica como The Tartle o El espectador. Sus títulos nos dan idea de los problemas abordados: el gusto, las ideas de lo bello y lo sublime, la imaginación. Hay que señalar lo absolutamente novedoso del tratamiento de esos temas: introducir la noción de gusto en la crítica de arte, hablar de la belleza o de lo sublime como «ideas nuestras», desde la perspectiva de su origen psicológico y de su experiencia, o, por último, admitir que la imaginación es el ámbito de la actividad estética y también de la actividad y la crítica artísticas.

      A pesar de que las respuestas que cada uno de estos autores dio a estos temas difieran, podemos hablar en general de la estética británica del siglo XVIII como una estética de corte empirista, con características comunes que analizaremos a continuación. Atenderemos, en primer lugar, al ambiente filosófico y artístico en el que se desarrollan las ideas de la estética empirista. A continuación nos ocuparemos de los dos temas que influyen decisivamente en la conformación de la estética moderna y que tienen su origen en la estética del empirismo inglés: el gusto como la facultad estética, y la categoría de lo sublime, en relación con las otras categorías propias de la experiencia estética: la belleza, lo sublime y lo pintoresco.

      El sentimentalismo ético y estético

      Antony Ashley Cooper, Conde de Shaftesbury (1671-1713), es una de las figuras más influyentes de la estética empirista. No se trata, sin embargo, de un filósofo empirista (aunque fuera discípulo directo de J. Locke), sino de un importante pensador neoplatónico de tendencias místicas y aristocratizantes. A Shaftesbury debemos la famosa sentencia «All beauty is true» («Toda la belleza es verdadera»). Lo que parece un principio clásico, en el que se reconoce el carácter objetivo y cognitivo de la experiencia de la belleza, debe entenderse, sin embargo, dentro de la teoría neoplatonizante de Shaftesbury, para quien la belleza, como la verdad, son verdades transcendentales que sólo se dejan aprehender mediante la intuición. Se trata de la capacidad de penetrar en el ser más profundo de las cosas, de una intuición pensante, que hace del genio a aquel que sabe ir más allá de la superficie sensible para alcanzar el sentido profundo del universo. Esta intuición, aunque sensible, no es una facultad pasiva, sino espontánea y productiva, en virtud de la cual el alma del artista entra en comunión con el espíritu del mundo. Una «desinteresada complacencia» es la cualidad de este sentimiento cuasimístico. Aunque no se trata del sentimiento de gusto tal como aparecerá más tarde, tampoco se identifica con una capacidad meramente inteligible, sino sintiente en su esencia.

      En su tratado, Características de los hombres, las costumbres, las opiniones, las épocas (1732), Shaftesbury entiende que el hombre posee una capacidad sensitiva que le hace sentir placer en su comunión estética con el mundo. Su influencia sobre la estética empirista comienza en el reconocimiento de que el sentido para la belleza pertenece a la naturaleza humana. Además, también poseemos un sentimiento de la moralidad: sentimos un rechazo natural por la maldad y una satisfacción ante el bien. El sentimentalismo moral es también marca de la corriente británica de pensamiento del siglo XVIII. La creencia en que el hombre posee una naturaleza moral y estética, cuyo órgano es el sentimiento, que ya aparecía en Shaftesbury, es común a prácticamente todo el pensamiento empirista. En estética, sus ideas influyen directamente en Hutcheson y Hume. Sin embargo, para Shaftesbury la existencia de un sentido moral y estético no implica que los principios éticos y estéticos no sean universales y absolutos y que deban ser educados por la razón. El bien, la verdad y la belleza son ideas transcendentes que, aunque sean sentidas, no tienen su origen en el propio sentimiento. Son ideas absolutas y universales que deben ser aprendidas por todo aquel cuyo sentido no goce del suficiente refinamiento.

      El empirismo, la tendencia fundamental en la filosofía británica, a partir de la influencia de John Locke, presta una base epistemológica y filosófica a este sentimentalismo ético y estético, que tenía también consecuencias en otros ámbitos del saber, por ejemplo, el de la economía o la política. El reconocimiento de la independencia del sentimiento respecto a la razón se encuentra en todas las esferas del pensamiento británico del siglo XVIII. Pensadores políticos como Adam Smith entienden la sociedad como una máquina cuyo funcionamiento correcto causa placer en general a todos sus miembros. Por esta razón, todo lo que contribuya al funcionamiento de esta máquina ha de ser considerado bueno. Para E. Burke, en su faceta de pensador político, el individuo pertenece a una comunidad a la que está ligado por vínculos sentimentales y afectivos. Ningún principio legal es más poderoso que esta relación. Su crítica de la Revolución Francesa se basa precisamente en esta idea de que ninguna ley puede imponerse por obligación a los súbditos y que una nación no está fundada en la obediencia a una ley sino en el sentirse miembro de una comunidad, con una tradición, una cultura y unos gustos propios. Ninguna ley puede imponerse por la fuerza política, tampoco apelando al bien común o de Estado, a los súbditos.

      El sentimiento está presente en todos los aspectos de la vida humana, también en la social, pero, al mismo tiempo, el sentimiento es autónomo, tiene su propia ley. Esta idea es la que se expresa en la famosa frase del Tratado sobre la naturaleza humana donde Hume afirma que la razón es esclava de las pasiones. El valor del sentimiento acompaña también a la revalorización del conocimiento sensible y el lugar de ambos en la teoría del conocimiento empirista. Ya en su Ensayo sobre el conocimiento humano, escrito en 1690, Locke niega la existencia de ideas innatas. Todo nuestro conocimiento surge necesariamente de la experiencia sensible, tiene su origen en los sentidos. En 1739, Hume redacta su Tratado en el que recoge y desarrolla estos principios empiristas. Todas nuestras ideas surgen en último término de impresiones sensibles. Las impresiones son la causa de las ideas, que finalmente no son sino «imágenes débiles de las impresiones»². Los principios de asociación de la memoria y de la imaginación hacen que las ideas se agrupen en opiniones y en argumentos. Pero estos principios de agrupación no tienen su fundamento sino en el hábito y la costumbre. Ningún razonamiento puede por sí sólo, sin recurso a la experiencia hacerse valer, es más, «... cuando el entendimiento actúa por sí sólo, y de acuerdo con sus principios más generales, se autodestruye por completo, y no deja ni el más mínimo grado de evidencia en ninguna proposición, sea de la filosofía o de la vida ordinaria»³. Es en este contexto en el que debe entenderse su afirmación de la primacía de las pasiones sobre la razón: en primer lugar, éstas tienen sus propias reglas, las del sentimiento y la imaginación; no sólo es que sean autónomas, sino que, además, la razón las necesita, pues sin ellas, en su pura autonomía, no puede valer ni a la filosofía ni a la vida ordinaria.

      En lo que se refiere a la experiencia estética del mundo, si la belleza no es una idea transcendental ni innata, tampoco parece haber entre las impresiones de los sentidos alguna que se corresponda con ella. Decimos de la belleza que provoca un sentimiento placentero, o mejor, identificamos un sentimiento placentero que creemos causado por algo bello, pero ninguno de nuestros sentidos externos aprehende directamente alguna propiedad de los objetos que pudiéramos llamar bella. Hay diferentes aproximaciones a este tema, desde las más objetivistas (como la de Hutcheson) a otras más subjetivistas (como la de Hume), pero, en todo caso, todas descansan en la idea de que la experiencia de la belleza es inmediata, de la sensibilidad. Es en un particular sentido para la belleza, así como en la actividad de la imaginación, donde reside nuestra capacidad natural para el reconocimiento de lo bello. El hecho de que el ámbito de apreciación de la belleza sea el sentimiento y no el entendimiento o la razón no implica, en absoluto, rango menor o debilidad de los argumentos críticos y estéticos. Antes bien, al contrario, puede hablarse justificadamente de una estetización de la teoría del conocimiento empirista, puesto que, como hemos visto, es en la imaginación donde se producen las asociaciones de ideas que conforman nuestro conocimiento del mundo. Se ha considerado la imaginación como «la llave preciosa que libera al sujeto empirista de la prisión de sus percepciones»⁴. También de sus percepciones morales, pues también descansa en la imaginación la posibilidad de ponerse en lugar del otro (sentir como si se fuera el otro) en la que descansa el pensamiento moral.

      Por último, en el ámbito de la crítica artística y literaria la importancia del sentimiento no es sólo una cuestión teórica. La crítica británica, incluso cuando la reconocemos como clásica en sus principios, se encuentra ante la obra de dos autores nacionales Shakespeare y Milton, cuya valoración positiva no se deja realizar desde los presupuestos de la estética clásica. Es entonces cuando la reivindicación del sentimiento se hace valer desde la autoridad de los clásicos. Shakespeare mueve el ánimo, habla al corazón, dibuja las pasiones y deja hablar al sentimiento, hasta el más irracional de los que anidan en el alma humana. El placer que el espectador siente ante sus obras no es apagado por ninguna ley clásica; ningún principio del decoro les resta fuerza y validez. El «hazme vibrar, llorar, temblar...» de Diderot⁵, requisito moderno de la obra de arte, está presente en la crítica, y asumido por la teoría del arte, inglesas.

      La teoría del arte no buscó su justificación en principios diferentes al sentimiento, sino que negó a cualquier teoría el privilegio de legislar sobre cuestiones referentes al mismo, e hizo del gusto el único juez en cuestiones de arte. El resultado inmediato de todo ello fue la apertura de la teoría estética a todas aquellas categorías en las que se identificase un sentimiento estético. Las categorías que actúan en Shakespeare o en Milton, en la consideración de la naturaleza en la poesía contemporánea de James Thompson o en la pintura de Gaingsborough, las emociones de temor que provoca la lectura de El castillo de Otranto, de Horace Walpole, que inaugura el género de la novela gótica en 1765, no son únicamente sentimientos de belleza. En estas obras proporcionan placer muy principalmente lo nuevo, lo asombroso, lo que causa admiración, lo variado, incluso ciertos objetos atemorizadores o terribles... En todo ello la imaginación se recrea. Nuevas categorías cobran en este momento, por tanto, carta de presentación en la estética contemporánea, en particular, las de lo pintoresco y lo sublime.

      El gusto

      La idea de que hay un sentimiento espontáneo de respuesta a la belleza es pues fundamental para la estética empirista. Tanto el sentimiento en sí mismo como su órgano o el sentido estético reciben el nombre de gusto. Gusto es pues, en principio, la capacidad de percibir la belleza. La discusión sobre este tema es el nexo de unión de la estética empirista y, sin embargo, la estética dieciochesca en general no se puso de acuerdo sobre el carácter del gusto: si se trataba en efecto de una facultad autónoma, como el entendimiento o la sensibilidad, o si se trataba más bien de un sentido especial. En todo caso, las experiencias del gusto serían inmediatas y espontáneas, y no estarían directamente relacionadas con la razón, sino con el ámbito de la sensibilidad. Trátese de un sentido en particular o de una facultad, el gusto es universal. Pertenece a la naturaleza humana el ser afectado por la belleza. Por tanto, todos podemos apreciar el arte y la belleza en general. Ahora bien, no todos desarrollan esta capacidad. Cuando hablamos de buen gusto, nos referimos a un gusto educado, que responderá con mayor presteza y seguridad a la belleza. Se dice que tiene buen gusto aquel que es capaz de percibir la belleza allí donde se halla y sus juicios sirven de guía a los demás.

      Mas, si el gusto no hace sino detectar la presencia de la belleza, podría pensarse que ésta es una cualidad de los objetos, sentida, recibida, por nuestro órgano de percepción. ¿Pero cuál sería esa cualidad de los objetos? Se trataría de una análoga a las cualidades secundarias: el color o el calor, que aunque con existencia objetiva sólo se definen en relación a un sujeto. Diríamos entonces, que un objeto es bello, como decimos que es amarillo, porque determinadas propiedades del objeto estimulan nuestra sensibilidad y nos hacen sentir el color o la belleza. Pero entonces, ¿cuál es la propiedad de los objetos que estimula nuestro sentido del gusto? Las respuestas oscilan entre el objetivismo de Hutcheson y el subjetivismo de Hume. Mientras que para el primero existe una característica objetiva que hace de un objeto un objeto bello, para el segundo sólo en la relación del sujeto y el objeto y en un particular sentimiento de éste reside lo que llamamos belleza. Para Hutcheson lo que place es la uniformidad en la diversidad, es decir, la relación ordenada entre las partes del objeto, o de los objetos entre sí. Esta solución se inscribe entre las de la estética clasicista, para la cual la belleza consiste en una privilegiada relación entre las partes, una relación de orden, armonía, proporción, etc.

      La respuesta humeana se aleja con más claridad de una solución clasicista y objetivista. La propiedad de la belleza no está en el objeto, ni siquiera en su configuración. No hay una definición posible de belleza que no tenga en consideración no la configuración del objeto, sino la del propio sujeto. Nos place aquella configuración que armoniza con la de nuestra mente. Se trata finalmente de la sintonía de nuestra mente con el objeto lo que produce el placer. Así se da, al cabo, la conversión de la estética en una doctrina sobre el sujeto. La definición de la que tradicionalmente fue su categoría fundamental, la belleza, se hace en relación a éste. En sentido estricto, es bello lo que nos place. Ninguna otra definición es sustitutiva de ésta. Este placer no se debe a ninguna de las características en particular del objeto, sino a su concordancia con la estructura de la mente que lo contempla.

      Así pues, el gusto es un sentimiento de placer ante la belleza. La descripción de este sentimiento placentero, sus posibles clases, la diferencia con otros tipos de placer, su inclusión dentro de los placeres sensibles o su autonomía respecto de los llamados intelectuales son cuestiones que ocupan las discusiones del siglo XVIII. Fundamentalmente se trata de definir el placer estético, el gusto, como un sentimiento autónomo. Su autonomía se limita, por un lado, respecto de las leyes del pensamiento, pero, por otro, también de las sujeciones materiales de los sentidos. El gusto se ejercita sobre singulares, obras de arte o de la naturaleza de las que decimos que son bellas, sin apelar a leyes generales pero tampoco a características de nuestra individualidad. Elegimos entre unos u otros, sin que exista un algoritmo de decisión, sin que podamos apelar a principios como los de la razón. Por ello, los juicios basados en la elección no son ni verdaderos ni falsos⁶. Obviamente esto conduce a la posibilidad de que haya diferentes y hasta opuestas opiniones en cuestiones de gusto sin que ninguna de ellas sea más válida que las otras. Es decir, conduce al relativismo estético. Los autores dieciochescos no renunciaron a la generalidad de estos juicios sobre el gusto y fue la tensión entre la inmediatez y la generalidad el tema que favoreció la reflexión⁷. Pero sobre ello nos extenderemos más adelante.

      El gusto también se manifiesta diferente a las experiencias de la sensibilidad externa. El sujeto puede encontrar agrado en la percepción sensible del objeto. Se trata del placer proporcionado por la presencia del objeto, que estimula directamente nuestros sentidos. Este placer depende, por tanto, del objeto y de la satisfacción de alguna necesidad o interés en el sujeto. Agrada la luz cuando no se ve, el sol cuando hace frío, o el agua cuando se está sediento. Se trata de lo que Locke llamara placeres primarios. La satisfacción que proporciona la percepción de los objetos está sujeta a las condiciones externas e internas particulares de la percepción, de la situación concreta del individuo concreto y de sus peculiaridades físicas o psicológicas. Para que la apreciación de las obras de arte sea generalizable debemos prescindir de estos condicionamientos individuales, finalmente, los prejuicios o las diferencias de carácter hagan muy difícil el consenso total en cuestiones de gusto⁸.

      Así pues, sólo la presencia real del objeto y sus cualidades proporcionan placer a los sentidos. Se dice de un individuo que tiene agudeza sensitiva, cuando sus órganos sensoriales son capaces de reconocer y discriminar con facilidad o en un alto grado propiedades de los objetos. Sin embargo, la delicadeza del gusto no está con ello garantizada. El gusto no es un placer sensual, sino de la imaginación. Addison lo identifica con los placeres secundarios de Locke, que son subjetivos y dependen sólo de nuestra imaginación. En este ámbito pueden liberarse nuestras preferencias estéticas de condicionantes materiales.

      Así pues, el gusto es un placer de la imaginación. Esta facultad adquiere una importancia novedosa en el pensamiento británico del siglo XVIII. La imaginación es una facultad intermedia, entre el entendimiento y la sensibilidad. Aunque no nos proporciona conocimiento de los objetos tampoco está ligada a las severas restricciones de las percepciones de los sentidos, principalmente la necesaria presencia de los objetos. La imaginación es libre, recobra percepciones pasadas (memoria), anticipa otras, agrupa imágenes de distintas procedencias según sus propias reglas y, además, es capaz de producir imágenes que no lo son de ningún objeto real existente. Si bien, el origen de todas las imágenes (y de todo conocimiento) es la sensibilidad, la imaginación, como facultad de asociación de las mismas actúa con entera independencia de los sentidos. Por tanto, son los objetos de la imaginación los que proporcionan un placer genuinamente estético. Los placeres del gusto son los placeres de la imaginación.

      El hacer de la imaginación la facultad estética por excelencia no elimina necesariamente el riesgo del relativismo. La asociación de imágenes está influida de forma determinante por la biografía personal, por lo que los juicios sobre cuestiones estéticas se explican básicamente por experiencias individuales y poco generalizables⁹. Sin embargo, el elogio empirista de la imaginación,

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