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Mit Bienvenue! feiert das Kunst Museum Winterthur im Frühjahr 2024 den lang ersehnten Wiedereinzug der einzigartigen Sammlung von Hedy und Arthur Hahnloser in die Villa Flora. Nach zehn Jahren kehren die Meisterwerke zurück, die im umfassend renovierten Sammlerhaus in einem neuen Ausstellungsparcours zu sehen sein werden. Der Rundgang zeichnet den Aufbruch der französischen Moderne mit Werken der Sammlung Hahnloser sowie ausgewählten Leihgaben nach: vom Impressionismus und Postimpressionismus, über Vertreter der Künstlergruppe der Nabis bis hin zu den sogenannten Fauves. Neben namhaften Vorreitern wie Vincent van Gogh und Paul Cézanne werden Arbeiten von Henri de Toulouse-Lautrec, Claude Monet, Camille Pissarro, Édouard Manet und Auguste Renoir sowie Werkgruppen der Hahnloser-Künstlerfreunde um Pierre Bonnard, Félix Vallotton, Odilon Redon und Henri Matisse präsentiert. Mit Auguste Rodin und Aristide Maillol wird auch die Skulptur mit einer bedeutenden Auswahl vertreten sein. Die Ausstellung zur Wiedereröffnung der Villa Flora lässt die Besucherinnen und Besucher die Avantgarde der Jahrhundertwende in seltener Dichte und Qualität erleben. Der Winterthurer Pioniergeist für die französische Moderne, insbesondere das aussergewöhnliche Engagement von Hedy und Arthur Hahnloser, wird damit am Ort der Entstehung der erstrangigen Sammlung neu erlebbar.

Elfriede Mejchar (1924–2020) zählt zu den bedeutendsten Persönlichkeiten der österreichischen Fotografie. Ihr vielseitiges Werk umspannt mehr als ein halbes Jahrhundert, von den späten 1940er-Jahren bis ins 21. Jahrhundert. Am 10. Mai 2024 wäre die österreichische Fotografin hundert Jahre alt geworden.

Die Schau verknüpft internationale mit regionaler Urban-Art-Geschichte. Sie setzt mit Brassaï ein und endet, als erste Werke Banksys in England auftauchten. Es werden international bahnbrechende Style Writing und Street Art ab 1960 gezeigt – mit einem Schwerpunkt auf dem Dreieck Paris-Düsseldorf-Zürich. Ausgestellt werden dabei ausschließlich illegal entstandene Werke. Dabei nimmt die Ausstellung nicht nur die verschiedenen internationalen Entwicklungen in den Blick, sondern zeigt ebenso die Multiplikatoren von Graffiti und Street Art, in dem sie die enge Verzahnung von Pop-Musik mit diesen auf Covern von Schallplatten zeigt und diese Musik hörbar macht. Ein weiteres Schlaglicht wird auf die Zusammenhänge von Avantgardekunst mit Street Art und Graffiti gesetzt.

"Xican–a.o.x. Body" is the first major exhibition to examine influential works by artists who foreground the Brown body as a site to explore, expand, and complicate traditional conceptions linked to Mexican, Mexican American, and Xicanx experiences. Consisting of approximately 125 artworks by about 70 artists and artist collectives, Xican–a.o.x. Body weaves a rich tapestry of diverse media, from the late 1960s through today, including Lowrider cars, poetry, pottery, painting, photography, sculpture, and film.

San Francisco was the center of bohemian culture in California in the late 1930s and 1940s. It was a golden era for art making and the blossoming of Bay Area art due to a confluence of factors, one being the activities of the San Francisco Art Association (SFAA), a group of art enthusiasts and artists who nurtured the growth of a museum and art school (the California School of Fine Arts) and organized yearly annual exhibitions that stimulated and propelled progressive art of the time. Artists like Adaline Kent were central to the development of modernist art on the west coast during the early to mid-twentieth century, and yet, until recently their influence remains largely untold in American art history. Kent was among the active members of the SFAA and her work exemplified the period’s penchant for individualism and experimentation, as did the work of artists associated with the SFAA. Other artists associated with the SFAA are Dorr Bothwell, Benjamin Bufano, Harry Crotty, Jay DeFeo, Sonia Gechtoff, Robert Boardman Howard, Sargent Johnson, Madge Knight, Knud Merrild, Henrietta Shore, Ralph Stackpole, and Clay Spohn. The exhibition, San Francisco the Golden Years 1930-1960: Making a Scene, is drawn exclusively from the Nora Eccles Harrison Museum of Art collection. NEHMA’s collection, with its focus on the art of the western United States, is ideally suited to provide in-depth examples of art from this little-known period in art history. This is the first major exhibition and publication to look at the pivotal and colorful history of the SFAA. This exhibition is co-curated by Michael Duncan, art historian, writer, and critic, and Bolton Colburn, the NEHMA curator of collections and exhibitions. The publication accompanying the exhibition includes essays by Michael Duncan and a foreword by Bolton Colburn. The book is being published by Hirmer Publishers, Munich, Germany in conjunction with the Nora Eccles Harrison Museum of Art, Utah State University, Logan, Utah.

Samia Halaby: Eye Witness follows Samia Halaby’s (b. Jerusalem, 1936) creative journey to experiment with the ways painting conveys her experiences and reflects how she sees the world around her. Halaby’s paintings, which range from miniature to monumental, 2D to 3D, and monochrome to multicolor, are notably shaped by her experiences, and shift accordingly throughout her itinerant career across the Midwest, the East coast, and the Arab world. As a self-described painter of her time, Halaby also explores how technology can enhance and transform painting. Her experimentations thus render new approaches to capturing ephemeral moments. Halaby’s paintings reflect a life of witness, one we are invited to take part in by looking slowly and closely at the artist’s work.

"Monuments and Myths" is the exhibition to examine the intersecting careers of Augustus Saint-Gaudens and Daniel Chester French, the leading American sculptors of the Gilded Age. With rich new thinking and stunning photographs, this exhibition examines the role of America’s most iconic public sculptures in the complex negotiation of national identity.

Wilde Soireen, unkonventionelle Tanzabende, groteske Maskeraden und schrille Happenings auf offener Straße, Vorläufer von Performances – Dada war avantgardistisch und prägte die Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts nachdrücklich. Die Ausstellung zeigt die noch immer weithin unterschätzte Beteiligung weiblicher Stimmen an der subversivsten aller Kunstströmungen des 20. Jahrhunderts.

Die im Mudam gezeigte Ausstellung ist die erste Retrospektive des Werks von Xanti Schawinsky (1904, Basel – 1979, Locarno) außerhalb der Schweiz. Schawinskys multidisziplinäre Arbeit ist geprägt vom Geist des Bauhaus, wo der Künstler in den 1920er Jahren studierte, und des Black Mountain College, wo er in den 1930er Jahren unterrichtete. Zu den gestalterischen Mitteln, mit denen der Künstler in den sechs Jahrzehnten seines Wirkens experimentiert hat, gehören Inszenierung, Bühnenbild, Fotografie, Grafikdesign, Malerei und Typografie. Die Ausstellung lässt seine gesamte Karriere Revue passieren, von seinen frühen Werken, die von Fragen des Bühnenraums und der Beziehung zwischen Mensch und Maschinegeprägt sind, bis hin zu seinen prozessorientierten Gemälden aus den 1950er und 1960er Jahren.

Mark Dion and Alexis Rockman: Journey to Nature’s Underworld invites visitors on a voyage of discovery into the depths of our threatened natural world through large-scale painted and sculptural works. This exhibition is the first two-person show of these artists, who share an ongoing and urgent concern for our global environmental and ecological well-being.

Stephan Huber (*1952 Lindenberg/Allgäu) zählt zu den bedeutenden Künstlern in Deutschland. Für sein vielseitiges Gesamtwerk erhielt er 2023 den Kunstpreis des Bezirks Schwaben. Obwohl der Bildhauer bereits früh international tätig war, blieb er seiner Heimat, dem Allgäu, verbunden. Bekannt ist Stephan Huber für die weißen, idealisierten Alpengipfel aus Dentalgips. Die Ausstellung »Stephan Huber. Das große Leuchten« ist speziell für die Räumlichkeiten der Schwäbischen Galerie konzipiert. In der Ausstellung lässt er Bergskulpturen unter dem historischen Dachstuhl schweben: die Höfats (Allgäu), den Watzmann sowie die Drei Zinnen und den Antelao (Dolomiten). Sie beleuchten Tische mit Büchern, die wichtige Quellen seiner künstlerischen Arbeit thematisieren.

Es ist wenig bekannt, dass der Schweizer Bauhaus-Meister Johannes Itten (1888–1967) nicht nur in der Malerei und Farbenlehre zu den prominenten Protagonisten der Moderne gehört, sondern sich umfassend mit textilen Gestaltungen beschäftigt hat. Im künstlerischen Paarlauf tritt er an der Seite der Bauhaus-Meisterin Gunta Stölzl (1897–1983) auf, die als »Klassikerin der Textilkunst« in die Kunstgeschichte eingegangen ist. Beide erkunden auf innovative Weise neue Ornament- und Textilformen, avantgardistische Material- und Textilstrukturen oder den Einsatz der experimentellen Fotografie in der Textilkunst. Von Stölzl und Itten ausgehend, ist mit über 100 Designer:innen auf überraschende Weise ein ganzes Netzwerk an Schweizer Textilkunst neu zu entdecken. Im Rahmen dieser Ausstellung wird im Projektraum enter die Kabinettausstellung SOPHIE TAEUBER. TEXTILREFORMERIN gezeigt.

Surrealismus – Welten im Dialog untersucht die surrealistische Idee und deren Einfluss auf die Nachwelt der letzten 100 Jahre, bis in die Gegenwart. Kunstwerke der Künstler:innen der ursprünglichen surrealistischen Bewegung stehen Werken nachfolgender Generationen gegenüber, treten in Dialog und veranschaulichen, dass die Themen und künstlerischen Methoden nach wie vor den Zeitgeist treffen. Die Ausstellung präsentiert surreale Arbeiten, die sich mit den grundlegenden gesellschaftspolitischen Fragestellungen beschäftigen. Sie schafft Raum für die Begegnungen zwischen Surrealist:innen der ersten Stunde und bedeutenden Künstler:innen der Gegenwart, über Generationen hinweg. Avantgardist:innen wie Max Ernst, Salvador Dalí, Yves Tanguy, René Magritte, Claude Cahun u. a. treten in einen Dialog mit zeitgenössischen Künstler:innen wie Cindy Sherman, Sarah Lucas oder David Lynch und beleuchten Themen wie Identität, Geschlecht, Technologie und psychische Gesundheit aus verschiedenen Perspektiven.

Lüsterne Blicke und schmachtendes Hinterherblicken, einsame Begegnungen im Wald, Verführungsversuche in freier Natur, nächtliche Ständchen und Stelldicheins, der spätromantische Maler Carl Spitzweg (1808-1885) entlarvt mit seinen humorigen und hintergründigen Anspielungen auf die Liebe und das Eheleben nicht selten die Doppelmoral, die sich hinter der Maske von Bürgerlichkeit und Sittsamkeit verbirgt. Jäger, Sennerinnen, bürgerliche Damen und Herren, Ballonfahrer, Apotheker und Mineralogen, niemand ist bei Spitzweg vor Begierde und Verlangen sicher, aber auch nicht vor Verlust, Verzicht und unerfüllter Liebe. Selbst Eremiten, Mönche und Pfarrer verfallen scharenweise der Liebe. Sie alle, die stürmischen Verführer, schüchternen Verehrer und verliebten Narren, die schrulligen Kaktusliebhaber und die einsamen Wissenschaftler, sie alle werden zum Spiegelbild Spitzwegs, der sich nie verheiratet, doch auch nach dem frühen Tod seiner großen Liebe, der Schreinermeisterstochter Clara Lechner, in „Amouren und Amürchen“ verstrickt bleibt und sich einen wachen Blick für die Liebe bewahrt.

This exhibition delves into the various circles of American artists who made France their home during the post-World War II era, and investigates the academies where many studied, the spaces where their work was exhibited, their interactions with European artists, and the overarching issue of what it meant to be an American abroad. Contrary to entrenched presumptions that Manhattan became the primary locus of art after World War II, Americans in Paris: Artists Working in Postwar France, 1946–1962 delves into the various circles of artists who made France their home during an era of intense geopolitical realignment. Bolstered by the GI Bill, many artists, such as Norman Bluhm, Ed Clark, Sam Francis, Al Held, Ellsworth Kelly, Kenneth Noland, and Jack Youngerman, along with lesser-known figures such as Robert Breer, Harold Cousins, and Shinkichi Tajiri, opted for a foreign rather than a domestic learning experience. Seasoned artists, such as Beauford Delaney, Claire Falkenstein, Carmen Herrera, Joan Mitchell, Kimber Smith, and Mark Tobey, like the GIs, were drawn to the storied modernist traditions that still flowed from this fabled City of Light. Comprising some 135 artworks by approximately 70 artists, as well as archival materials from this period, Americans in Paris investigates the academies where many of these artists studied, the spaces where their work was exhibited, the aesthetic discourses that animated their conversations, their interactions with European artists, and the overarching issue of what it meant to be an American abroad. Curated by Debra Bricker Balken with Lynn Gumpert, the exhibition is accompanied by a 300-page illustrated publication.

Robert Longo ist für seine monumentalen fotorealistischen Bilder bekannt: kraftvolle, dynamische Kohlezeichnungen, die einen durch die virtuose Technik und die Bildmächtigkeit des Motivs in ihren Bann ziehen. Als Vorlagen wählt er Fotografien, die dramatische Situationen im größten Spannungsmoment festhalten. Dabei geht es dem Künstler um das Aufzeigen von Macht – in Natur, Politik und Geschichte. Longo verwendet tausendfach publiziertes Bildmaterial, das Teil unserer Populärkultur, oft unseres kollektiven Gedächtnisses geworden ist.

Delve into a collection a century in the making with "Legendary Selections from the Kalamazoo Institute of Arts", a handbook highlighting the museum’s collection of legendary artworks from the United States and around the world, encompassing works by celebrated artists from Ansel Adams to Kay Walking Stick.

What we call the beginning is often the end And to make an end is to make a beginning. The end is where we start from. Diese Zeilen von T. S. Eliot aus Little Gidding, dem letzten der Vier Quartette, dass er 1942 in London verfasste, geben der ersten institutionellen Einzelausstellung von Anne Duk Hee Jordan in Österreich ihren Titel. The end is where we start from formuliert eine Kreisbewegung, die sich thematisch wie physisch in den Ausstellungsraum einschreibt. „Wenn wir ökologisch denken, müssen wir zirkulär und ohne Unterbrechung denken“, erklärt die 1978 in Korea geborene und in Deutschland aufgewachsene Künstlerin. Die eigens für das KunstHausWien entwickelte Ausstellung besteht aus zwei Welten, die jeweils ein Stockwerk einnehmen: dem Archaikum (Erdurzeit) als einer Zeit des Entstehens von erstem Leben und einer Atmosphäre des Atmens sowie einer magisch fluoreszierenden Unterwasserwelt, die Besucher*innen eintauchen lässt in die Tiefen des Ozeans, der von fantastischen Kreaturen und mikroskopisch kleinem Phytoplankton bevölkert ist.

Erwin Wurm (*1954 Bruck/Mur) zählt heute zu den erfolgreichsten und bekanntesten internationalen Gegenwartskünstlern. Erstmals wird aus Anlass seines 70. Geburtstags in der ALBERTINA MODERN eine umfassende Retrospektive zu seinem vielseitigen Œuvre in allen künstlerischen Medien zu sehen sein.

Die Ausstellung schließt an die im Frühjahr eröffnete Ausstellung Räume öffnen! thematisch an und trägt jener Entwicklung Rechnung, die dem Raum bzw. dem Raumbegriff einen besonderen Stellenwert als Analyseinstrument einräumt. Im Fokus steht dabei nicht ein architektonischer Begriff von Raum, der sich nach Länge mal Breite mal Höhe bemessen lässt, sondern der Raum als ein kulturell geformtes Phänomen. Kennzeichen der Ausstellung sind Kontinuität und Veränderung. Die wesentlichen Themenbereiche werden fortgeführt und Schlüsselwerke wie Rural Studio: The Butterfly House von Marjetica Potrč, die Raumbeule / Transportable Hole von Martin Walde sowie das Space Poem # 5 von Renée Green sind weiterhin präsent. Mit dem Kapitel Künstler:innenräume eröffnet sich ein neuer Raumaspekt. Zugleich demonstrieren eine Vielzahl neuer Arbeiten auf höchst unterschiedliche Weise, wie Raum, Körper und Medien einander bedingen. Sie nehmen Schnittstellen, Zwischenräume, Übergänge und gesellschaftspolitische Kriterien in den Blick und erweitern den Museumsraum um Handlungs-, Erfahrungs- und Erinnerungsräume sowie um künstlerische Gedankenräume. Neben Werken von Vertreter:innen der klassischen Moderne wie Edvard Munch oder Kurt Schwitters und überraschenden Wiederentdeckungen liegt ein Fokus auf selten gezeigten und auf zeitgenössischen und jungen Positionen.

Eine gemeinsame Ausstellung beider Künstler in Delmenhorst.

George Washington Carver was a pioneer of plant-based engineering and one of the nation’s earliest proponents of sustainable agriculture. In the early 1900s, he built his “Jesup Wagon,” a moveable school to share soil and plant samples, equipment, and other agricultural knowledge with farmers. Carver’s then-radical ideas—including organic fertilizers, crop rotation, and plant-based medicines and construction materials—are now recognized as the forerunners of modern conservation. A trained and practicing artist, Carver used sustainable materials such as peanut- and clay-derived dyes and paints in his many weavings and still-life paintings. World Without End explores how contemporary artists and thinkers working today engage with Carver’s ideas and interests. Alongside contemporary artworks by thirty artists and artist collectives, the exhibition includes Carver’s rarely seen paintings, drawings, laboratory equipment, and notebooks. Both the exhibition and its forthcoming catalogue, which includes previously unpublished material documenting Carver’s life and work at Tuskegee University, reframe and center Carver’s lasting impact on art and science.

Black Ancient Futures brings together a significant group of 11 artists from the vast African diaspora, some of them presented for the first time in Portugal, who employ different languages to propose a wide range of alternative narratives and landscapes that contest the dominant panorama of the contemporary arts. The works on display are the result of the combination of specific features of African culture with other cultures and other geographical spaces, and reveal the original energy of the itinerant fate of the African condition – of exile and settlement, demanded by the context of slavery, or of voluntary or forced migration as a result of the current global economic, political, and climate crises – offering a universe of creative possibilities. «These proposals neither illustrate a historically defined trend or movement nor advocate a specific ideological reading; rather, they call on diverse techniques, disciplines and languages, combining frenzied fantasies of form, colour, and sound, material experiences, thematic and temporal leaps, and direct references to non-Western spiritualities with the use or evocation of post-industrial technology to create magical or science-fictional narratives.» write the curators Camila Maissune e João Pinharanda in the exhibition text.

Featuring the work of more than 16 artists and designers, including Refik Anadol, Iñigo Manglano-Ovalle, Mika Tajima, Fernanda Viégas and Martin Wattenberg, and others at the forefront of data visualization.

Mit seinen eindrucksvollen Landschaftsbildern wurde der jung verstorbene kanadische Maler und Zeichner Matthew Wong (1984 Toronto – 2019 Edmonton) kurz vor seinem Tod zu einem Phänomen. Als Autodidakt kam er zur Kunst und gelangte in überraschend kurzer Zeit zu Aufmerksamkeit und internationaler Reichweite. Den Schwerpunkt von Wongs Werk bilden Landschaften von expressiv-lyrischer Kraft. Aus der Imagination geschaffen, nahmen sie sowohl Impulse aus der traditionellen chinesischen Malerei wie auch aus der westlichen Kunst auf.

What does it mean to be an American artist? The exhibition probes what it meant to be an American artist when the first art school and museum in the United States was founded and what it meant to be one by the late twentieth century, traversing two hundred years of creativity and change through over 100 significant works.

The artist group Brücke is Germany’s most important contribution to international modernism. The group was formed in Dresden in 1905 by the four young architecture students Ernst Ludwig Kirchner, Otto Bleyl, Erich Heckel and Karl Schmidt-Rottluff. Together they developed a painting style with vivid colours, simplified forms and large colour fields that express internal feelings, rather than reproducing an external reality.

2025 jährt sich die legendäre Mannheimer Ausstellung „Neue Sachlichkeit“ zum 100. Mal. Aus diesem Anlass präsentieren die Reiss-Engelhorn-Museen mit dem Forum Internationale Photographie die Sonderausstellung „SACHLICH NEU. Fotografien von August Sander, Albert Renger-Patzsch & Robert Häusser“.

Smith’s adventurous approach to three-dimensional form has permanently expanded the vocabulary and range of sculptural practice. The first American artist to make welded metal sculptures and incorporate industrial means in his work, Smith’s enlistment of nature as material and prime setting for his art was equally innovative.

Die Alte Nationalgalerie präsentiert Claude Monets drei früheste Ansichten von Paris aus dem Jahr 1867. Diese gelten als die ersten impressionistischen Stadtansichten und regten Künstler wie Gustave Caillebotte (1848–1894) und Camille Pissarro (1830–1903) zu eigenen Bildern der modernen Großstadt im Umbau an.

Die portugiesisch-britische Künstlerin Paula Rego (1935–2022) gehört zu den wichtigsten und spannendsten figurativen Malerinnen der letzten Jahrzehnte. Das Kunstmuseum Basel organisiert die erste Ausstellung der Künstlerin in der Schweiz und stellt ihr Schaffen aus über einem halben Jahrhundert in Schlüsselwerken vor. Die fabelhafte Welt der portugiesisch-britischen Künstlerin Paula Rego ist ein Bilderrausch – voll von abgründigem Humor, unumwunden drastisch und eindringlich. Vor allem, wenn es um Schicksale von Frauen geht, hat Regos Schaffen enorme Power. Figuren, die bei Walt Disney die perfekte Prinzessin waren, sind bei ihr ganz normale Frauen. Frauen, die pflegen, helfen, den Alltag meistern, werden bei ihr bildwürdig. Was es nicht gibt, ist ein Happy End. Rego erschuf über Jahrzehnte hinweg komplexe, emotionsgeladene Szenen, die wie der Stoff von Albträumen wirken: Sie lassen tief blicken, auf menschliche Beziehungen und soziale, politische und sexuelle Machtdynamiken. Die Neue Zürcher Zeitung nannte ihre Werke «Tatorte».

Das Museum Lyonel Feininger zeigt in seiner Sonderausstellung Traumbilder von T. Lux Feininger unter dem Titel „Magische Momente“. Die Magie des Augenblicks fängt der Künstler dabei sowohl in seinen Landschaften, den Darstellungen von Lokomotiven, Schiffen als auch bei seinen figürlichen Darstellungen ein.

Discover the elaborate, provocative and imaginary worlds created by experimental artist Mike Kelley. From the late 1970s to 2012, Kelley made a diverse body of work using drawing, collage, performance, found objects, and video. Spanning Kelley’s entire career, the exhibition features his breakthrough 'craft' sculptures made from textile and plush toys through to his multi-media installations such as Day Is Done. Drawing on references from popular and underground culture, literature, and philosophy, Kelley explores how the roles we play in society are entangled with historical fact and imaginary characters from the films and images we consume. Over a decade since his passing, Kelley’s reflections on identity and memory continue to resonate.

Bild und Rahmen werden von Ernst Ludwig Kirchner als Einheit gesehen. Bereits als Mit­glied der Künstlergruppe »Brücke«, von 1905 bis 1913, entwirft und gestaltet er die Rahmen für seine Gemälde selbst. Profilzeichnungen in seinen Skizzenbüchern und die von ihm häufig passend zu den Farben im Bild bemalten Rahmen sind unver­kennbare Zeichen seiner individuellen Rahmen­gestaltung. In den Jahren, die Kirchner ab 1918 bis zu seinem Lebensende 1938 in der Schweiz verbringt, spielen die sogenannten Davoser Rah­men eine besondere Rolle. Von einfachen flachen Rechteckleisten bis zu aufwendigen Profilen mit Stufen, gerundeten, kannelierten oder geschwun­genen Elementen sind die in Davos entwickelten Rahmen an Vielfalt kaum zu übertreffen.

Rembrandt van Rijn (1606-1669) war der bedeutendste holländische Maler des 17. Jahrhunderts. In seiner Werkstatt arbeitete über Jahrzehnte eine große Anzahl von Schülern, die durch die Nachahmung seines Stils zu seinem Ruhm und der Etablierung der „Marke“ Rembrandt beitrugen. Der Unterricht bei Rembrandt war in vieler Hinsicht innovativ.

A long research project has, for the first time, explored how artists of the modern era became interested in medieval art. The exhibition rewrites the history of modern art. Featured artists include Arnold Böcklin, Lucas Cranach the Elder, Akseli Gallen-Kallela, Theodor Kittelsen, Käthe Kollwitz, Edvard Munch, Hugo Simberg, Helene Schjerfbeck and Marianne Stokes. In addition to paintings and prints, the exhibition includes objects, sculptures and furniture.

„Was ist Aufklärung?“, fragte der Berliner Pfarrer Johann Friedrich Zöllner 1783 in einem Beitrag für die Berliner Monatsschrift. Diese nahm die Frage auf, stellte sie ihren Leser*innen und initiierte damit eine Debatte um diesen Begriff, der die Philosophiegeschichte prägte. In der Ausstellung „Was ist Aufklärung? Fragen an das 18. Jahrhundert“ geht es ebenfalls um diesen Begriff. Sie konzentriert sich dabei auf die wichtigen Auseinandersetzungen der Epoche und trägt den Widersprüchen und Ambivalenzen Rechnung, indem sie die Ideen dieser Epoche nicht als homogenes Fortschrittsprojekt präsentiert, sondern Konflikte um Konzepte und Forderungen sichtbar macht. Dabei soll auch deutlich gemacht werden, dass ihre Vorstellungen von Gleichberechtigung oder Toleranz unseren Vorstellungen heute nicht entsprechen und auch oft in der Praxis nicht eingelöst wurden. In aktuellen Diskussionen um gesellschaftliche Fragen und um die Staatsform der Demokratie wird die Aufklärung oft zitiert. Die Ausstellung soll auch einen historischen Kontext für diese Diskussionen schaffen.

Narrative Wisdom and African Arts explores how historical and contemporary African arts make visible narratives rooted in collective and individual memory and knowledge. The exhibition acknowledges the intersections between certain historical arts and oral traditions and places historical works made by artists across sub-Saharan Africa during the 13th to 20th centuries in conversation with contemporary works by African artists working around the globe.

Marina Abramović (*1946 Belgrad) gehört zu den Superstars des zeitgenössischen Kunstbetriebs. Sie blickt auf ein über fünfzigjähriges Schaffen zurück und hat mit ihren legendären Performances (Kunst-)Geschichte geschrieben. Doch ihr Werk wurde in der Schweiz seit langem nicht mehr umfassend gezeigt. Die Ausstellung im Kunsthaus Zürich mit Bildhauerei, Video, Installation und Performance gibt nun Einblick in das Lebenswerk dieser einzigartigen Künstlerin.

"Im allgemeinen Sprachgebrauch gilt eine exzentrische Haltung als überspannt und dekadent. Dabei ist Exzentrik viel mehr. Denn sie verweigert sich jeder Ideologie – für die Freiheit der Demokratie. Dies ist der Grundgedanke der ersten Ausstellung über das Potenzial von Exzentrik als Ästhetik der Freiheit. Im Zentrum steht die Kunst ab 1980, auch Mode, Design, Film und Architektur werden beispielhaft einbezogen. ECCENTRIC feiert die Vielfalt und Vielschichtigkeit unter grundlegenden Aspekten der menschlichen Existenz wie Körper, Identität, Schönheit oder Umwelt."

The Hunter College Art Galleries are pleased to present Acts of Art in Greenwich Village, the first comprehensive account of the six-year history of Acts of Art, a gallery dedicated to showcasing the work of Black artists in downtown Manhattan. Benny Andrews, James Denmark, Reginald Gammon, Harlan Jackson, Nigel Jackson, Ben Jones, Loïs Mailou Jones, Dindga McCannon, Ademola Olugebefola, Enid Richardson, Ann Tanksley, Lloyd Toone, Frank Wimberley, Hale Woodruff Founded by artists Nigel Jackson and Patricia Grey in 1969, Acts of Art was first located at 31 Bedford Street and later moved to 15 Charles Street in the West Village. In 1971, the gallery mounted Rebuttal to the Whitney Museum Exhibition, the Black Emergency Cultural Coalition’s strategic response to the Whitney’s concurrent Contemporary Black Artists in America. That same year, the gallery hosted the inaugural exhibition of the Black women artists collective Where We At. Before Acts of Art closed in 1975, it presented one- and two-person exhibitions by twenty-six different artists, and numerous group exhibitions. Acts of Art in Greenwich Village centers Acts of Art and its director’s curatorial vision, tracing the gallery’s exhibition history as it intersects with other histories of Black art and artists in New York—and with formations like the BECC, Where We At, and the Weusi Artists. Installed in Hunter College’s Leubsdorf Gallery, the exhibition features artworks from the late 1960s and 1970s by fourteen artists with close ties to the gallery, a number of which were first shown at Acts of Art.

Wie kein ande­rer Künst­ler seiner Gene­ra­tion hat Hans Haacke (*1936) die „Poli­ti­sche Kunst“ geprägt. Sein von Direkt­heit und theo­re­ti­scher Klar­heit gepräg­tes Werk ist zugleich poetisch, meta­pho­risch, ökolo­gisch und in viel­fa­cher Hinsicht äußerst aktu­ell. Mehr­fach wurden seine brisan­ten künst­le­ri­schen Beiträge zu aktu­el­len Debat­ten von Ausstel­lun­gen ausge­schlos­sen. Die SCHIRN beleuch­tet in einer umfas­sen­den Retro­spek­tive Haackes einfluss­rei­ches Gesamt­werk von 1959 bis in die Gegen­wart. Künst­le­risch verfolgte er verschie­dene Stra­te­gien, arbei­tete schon früh in den Berei­chen Ökolo­gie und Natur­wis­sen­schaf­ten, griff u. a. Ansätze der Gruppe ZERO und der Mini­mal Art auf, der Konzept­kunst, der Kunst im öffent­li­chen Raum sowie der Plakat­kunst. Mit rund 70 Gemäl­den, Objek­ten, Foto­gra­fien und Instal­la­tio­nen verdeut­licht die Ausstel­lung der SCHIRN, wie Haacke zu einem der inter­na­tio­nal bedeu­tends­ten poli­ti­schen Künst­ler werden konnte. Eine Ausstel­lung der SCHIRN KUNST­HALLE FRANK­FURT in Zusam­men­ar­beit mit Belve­dere, Wien.

Während ein MUSEUM OF MEMORABILITY Afrika in Geschichte und Gegenwart vom kolonial geprägten Europa aus reflektiert, treten afrikanische Skulpturen und Objekte aus saarländischen Privatsammlungen in einen Dialog mit den Maschinen und Schwungrädern der historischen Gebläsehalle. Leitidee ist dabei eine methodische Blickumkehr. Die Industriemoderne, die Europa immer wieder verdunkelt hat, trifft hier auf eine vielgestaltig erhellende Kultur Afrikas. Signifikante Kunstwerke der letzten Jahrzehnte treffen auf eigens für die Schau realisierte Sound- und Rauminstallationen von Künstler:innen aus Afrika und der globalen Diaspora. So entsteht ein dichtes Netzwerk an Impulsen und Wahrnehmungsmöglichkeiten, die bestenfalls nachhaltig und vielschichtig THE TRUE SIZE OF AFRICA in Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft erlebbar machen.

Vittore Carpaccio (um 1460/65–1525/26) ist einer der bedeutendsten Maler der Frührenaissance in Venedig. Er inszeniert seine farbenprächtigen und detailreichen Bilderzählungen vor der pittoresken Kulisse der Lagunenstadt oder den exotischen Landschaften des Nahen Ostens. Lebensnah charakterisierte Figuren bevölkern seine Werke. Um 1500 zählt er zu den meist beschäftigten Malern in Venedig und konkurriert mit heute weitaus berühmteren Meistern wie Giovanni Bellini (um 1435–1516). Wie also gelingt es Carpaccio, seine einzigartige Stellung als Chronist venezianischen Lebens zu behaupten?

Mit Wir werden bis zur Sonne gehen. Pionierinnen der geometrischen Abstraktion nimmt das Wilhelm-Hack-Museum im Winter 2024/25 die Bedeutung von Künstlerinnen für die Entwicklung der geometrischen Abstraktion im 20. Jahrhundert in den Fokus. Immer noch werden vor allem Namen wie Wassily Kandinsky, Kasimir Malewitsch oder Piet Mondrian mit der gegenstandslosen Malerei nach dem Ersten Weltkrieg in Verbindung gebracht. Dieses einseitige Narrativ zu korrigieren ist wesentlicher Ansatz des Ausstellungsvorhabens. Tatsächlich waren Künstlerinnen wie Ljubow Popowa, Sophie Taeuber-Arp oder Sonia Delaunay Pionierinnen in der Entwicklung einer geometrisch-abstrakten Formensprache. Ab den 1940er-Jahren waren es zudem Künstlerinnen wie Verena Loewensberg, Aurélie Nemours oder Vera Molnár, die sich entschieden an der Weiterentwicklung der ungegenständlichen Kunst beteiligten. Gleiches kann jenseits der kulturellen Zentren der westlichen Welt in Mittel- und Lateinamerika oder im Mittleren Osten beobachtet werden. Hier entwickelten unter anderem Lygia Clark in Brasilien, Lydi Prati in Argentinien oder Saloua Raouda Choucair im Libanon eine eigenständige konstruktiv-abstrakte Formensprache.